Великие скульпторы эпохи возрождения – 18. Живопись, архитектура и скульптура эпохи Возрождения. Крупнейшие живописцы Северного Возрождения
Скульптуры эпохи Возрождения: фото и описание
Начало эпохи Возрождения приходится на первую четверть XIV века. На протяжении трех последующих столетий культура Ренессанса развивалась бурными темпами и только в последние десятилетия XVI века наметился ее упадок. Отличительный признак эпохи Возрождения в том, что культура во всех своих ипостасях носила светский характер, при этом в ней доминировал антропоцентризм, то есть на первом плане находились человек, его интересы и деятельность как основа существования. В период расцвета Ренессанса в европейском обществе наблюдался интерес к античности. Наиболее заметным проявлением ренессансной культуры стал стиль «Возрождение» в архитектуре. Основы зодчества, формировавшиеся веками, обновлялись, зачастую принимая неожиданные формы.
Ренессанс в архитектуре
Скульптуры эпохи Возрождения первоначально никак не о себе не заявляли. Их роль сводилась к убранству архитектурных ордеров: барельефы на карнизах, капителях, фризах и порталах. Начало Ренессанса характеризовалось влиянием романского стиля на оформление архитектурных сооружений, а поскольку этот стиль неразрывно связан с настенными изображениями, то скульптуры долгое время использовалась преимущественно для украшений фасадов. Таким образом, возник стиль «Возрождение» в архитектуре, единение классических контуров с новой эстетикой. В период Ренессанса фасады домов облагораживались скульптурными композициями. Живопись и скульптура эпохи Возрождения стали неотъемлемой частью архитектурных сооружений. Художественные фрески размещались среди изваяний из мрамора и бронзы.
Архитектура Высокого Возрождения
Появление Ренессанса в культурных сферах в первую очередь затронуло зодчество. Архитектура Высокого Возрождения получила свое развитие в Риме, где на фоне предшествующего периода стал складываться общенациональный стиль. В постройках появились величественность, сдержанное благородство и признаки монументальности. Дома в Риме стали строить по принципу центрально-осевой симметрии. Основоположником нового стиля являлся Донато д’Анджело Браманте, талантливый архитектор, создавший Собор Святого Петра в Ватикане.
Взаимодействие стилей
Со временем скульптуры эпохи Возрождения стали принимать все более самостоятельные формы. Начало таким изображениям положил итальянский ваятель Вилиджельмо, который, создавая рельефы для собора в Модене, значительно углубил изображения скульптурной группы на стене, и, таким образом, возникло самостоятельное произведение искусства, связанное со стеной только опосредовано. Цельное скульптурное изображение опиралось на стену, но не более того. Появилась динамическая ритмика, расположение статуй между контрфорсами добавляло впечатления независимости от окружающей среды. Архитектурные постройки и скульптуры Возрождения все больше отдалялись, не теряя взаимосвязи. При этом они органично дополняли друг друга.
Затем скульптуры эпохи Возрождения и вовсе отделились от плоскости стены. Это был закономерный процесс поиска нового. Постепенное освобождение пластических форм от архитектурной плоскости закончилось появлением нескольких направлений самостоятельного скульптурного искусства.
Знаменитые ваятели эпохи Ренессанса
В исторический период, который назывался «Возрождение», скульптура получила статус высокого искусства. Историческое значение обрели XVI ваятелей европейского происхождения, а именно:
- Андреа Верроккьо;
- Бесерра Гаспар;
- Нанни ди Банко;
- Башелье Николя;
- Санти Гуччи;
- Никколо ди Донателло;
- Джамболонья;
- Дезидерио да Сеттиньяно;
- Якопо делла Кверча;
- Арнольфо ди Камбио;
- Микеланджело Буонаротти;
- Ян Пфистер;
- Лука Делла Роббиа;
- Андреа Сансовино;
- Бенвенуто Челлини;
- Доменико Фанчелли.
Наиболее известные скульпторы эпохи Ренессанса — это:
- Микеланджело Буонаротти;
- Донателло;
- Бенвенуто Челлини.
Самые значимые скульптуры эпохи Возрождения вышли из-под резца этих непревзойденных мастеров.
Знаменитый флорентиец
Никколо ди Бетто Барди Донателло, основоположник скульптурного портрета, считается самым реалистичным ваятелем своего времени, отвергающим надуманные «красивости» в изобразительном искусстве. Наряду с реалистическим стилем он в совершенстве владел канонической классикой. Одним из шедевров Донателло является деревянная статуя Магдалины (1434 год, Флорентийский баптистерий). Исхудавшая длинноволосая старуха изображена с пугающей достоверностью. Тяготы жизни отражены на изможденном лице отшельницы.
Еще одна скульптура работы великого мастера — «Царь Давид», которая находится на фасаде башни Джотто во Флоренции. Статуя из мрамора Святого Георгия продолжает библейскую тему, начатую ваятелем с изображения Святого апостола Марка также в мраморе. Из той же серии скульптура Святого Иоанна Крестителя.
С 1443 по 1453 годы Донателло прожил в Падуе, где создал конную скульптуру «Гаттамелата» с изображением кондотьера Эразмо де Нарни.
В 1453 году он вернулся в родной город Флоренцию, где и жил вплоть до своей кончины в 1466 году.
Бенвенуто Челлини
Придворный скульптор Ватикана Бенвенуто Челлини родился в 1500 году в семье мастера-краснодеревщика. Он считается последователем маньеризма — течения, отражающего стиль претенциозных форм в искусстве. Преимущественно работал с бронзовым литьем. Наиболее известные скульптуры Челлини:
- «Нимфа Фонтенбло» — бронзовый рельеф, отлитый в 1545 году, в настоящее время находится в Парижском Лувре.
- «Персей» — Флоренция, Лоджия Ланци.
- Бюст Козимо Медичи — Флоренция, Барджелло.
- «Апполон и Гиацинт» — Флоренция.
- Бюст Биндо Альтовити — Флоренция.
- «Распятие» — Эскориал, 1562 год.
Великий скульптор Бенвенуто Челлини занимался изготовлением государственной символики, наград и монетных образцов. Он, помимо всего прочего, был весьма талантливым и успешным ювелиром при Ватикане. Папа Римский заказывал Бенвенуто драгоценные украшения.
Микеланджело Буонарроти
Гениальный скульптор эпохи Возрождения, автор бессмертных творений в мраморе и бронзе Микеланджело Буонарроти родился в 1475 году в небольшом Тосканском городе Капрезе. Владеть скульптурным инструментом мальчик научился раньше, чем писать и читать. В 13 лет Микеланджело попал на обучение к художнику Гирландайо Доменико. Затем о его таланте узнал Лоренцо де Медичи, знатный флорентиец. Вельможа стал покровительствовать подростку.
В двадцатилетнем возрасте Буонарроти создал несколько скульптур для Арочного проема церкви Святого Доминика в Болонье. Затем он изваял две скульптуры («Спящий Купидон» и «Святой Йоханнес») для доминиканского проповедника Джироламо Савонаролы. Спустя год Микеланджело получает приглашение от кардинала Рафаэля Риарио для работы в Риме. Там скульптор создает «Римскую пьету» и «Вакха».
В Риме Буонарроти выполняет несколько заказов для разных соборов и церквей, а в 1505 году римский папа Юлий II предлагает ему ответственную работу — изготовить гробницу для его святейшества. В связи со столь ответственным заказом Микеланджело отбывает в Каррар, где проводит более полугода, выбирая подходящий мрамор для папской усыпальницы.
Для гробницы скульптор изготовил четыре мраморных изваяния: «Умирающий раб», «Лия», «Моисей» и «Связанный раб». С 1508 и до конца 1512 года Буонарроти работает над фресками Сикстинской капеллы. В 1513 году, после кончины Юлия Второго, скульптор получает заказ от Джованни Медичи на изготовление статуи Христа с крестом.
Великий скульптор эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти скончался в 1564 году в Риме. Похоронен во Флорентийской базилике Санта-Кроче.
«Чинквиченто»
В общую картину Ренессанса органично вписался период Высокого Возрождения. Тогда же появился термин «чинквиченто», что означает «превосходство». Этот период взлета продолжался около сорока лет. Он дал миру шедевры, которые навечно вписаны в скрижали высокого искусства. Портрет Моны Лизы и «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи,»Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти, «Давид» Микеланджело Буонарроти — эти и другие произведения украшают залы престижных музеев.
Итальянский скульптор Андреа Сансовино (1467-1529 гг.) — один из наиболее заметных представителей эпохи Высокого Возрождения. Первой работой Сансовино стало алтарное терракотовое украшение для церкви Санта-Агата с изображениями Св. Себастьяна, Роха и Лаврентия. Аналогичную скульптурную группу Андреа изваял для алтаря церкви Сан-Спирито во Флоренции. Скульптура Высокого Возрождения отличается выраженной духовностью и какой-то особой проникновенностью.
Вероккьо Андреа
Это знаменитый скульптор эпохи Раннего Ренессанса, учитель Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Пьетро Перуджино. Главным предметом творчества Верроккьо было ваяние, на втором месте — живопись. Андреа был прославленным постановщиком придворных балов и талантливым декоратором. Скульптура Высокого Возрождения фактически началась с работ Верроккьо.
Художник долгое время творил, находясь во Флоренции. Им было создано надгробие для флорентийского вельможи Козимо Медичи, затем более двадцати лет скульптор работал над композицией «Уверение Фомы». Знаменитая статуя Давида была создана Верроккьо в 1476 году. Бронзовое изваяние предназначалось для украшения виллы Медичи, однако Джулиано и Лоренцо сочли себя недостойными столь высокой чести и предали скульптуру в Палаццо Синьории во Флоренции. Великолепная скульптура Раннего Возрождения, таким образом, обрела свое место. В частных домах старались не держать уникальные художественные произведения. Не менее ценным с точки зрения высокого искусства было также и позднее Возрождение. Скульптура Бенвенуто Челлини «Персей» считается непревзойденным шедевром Позднего Ренессанса.
fb.ru
Скульптура эпохи возрождения
Этот нелегкий путь скульптуры эпохи Возрождения… От Бендетто Антеллами — одного из немногих известных нам скульпторов Средневековья, до Микеланджело Буонаротти — великого мастера, получившего признание и при своей жизни, и в настоящее время. Давайте немного окунемся в ту эпоху, проследим за развитием скульптуры как искусства.
Скульптура в начале Возрождения
Время Возрождения делится на три периода, первый начинается в XIII веке, последний же – завершает XVI век.
В Средневековье скульптура не считалась искусством. Дело в том, что она была ремеслом, зависимым от архитектуры, и как искусство не воспринималось. Все стало меняться в эпоху Возрождения, когда скульптура постепенно выходит из рамок архитектуры. Скульпторы медленно, но уверенно начинают работать самостоятельно, без привязки к строительству и связанными с ним барельефами, колоннами и другими архитектурными изысками того времени.
Скульптор Бендетто Антеллами работал в романском стиле, характерном для его времени, но уже в его работах видно желание вырваться из узких границ зодчества средних веков. Его работы довольно просты, но заметно стремление автора передать изящество и красоту людей, вне зависимости от места расположения или назначения работы.
Его опыт продолжили мастер Никколо Пизано и его ученик — Арнольфо ди Камбио. Работая над своими произведениями, эти скульпторы задавались целью изменить общепринятые в то время идеалы красоты. Их скульптуры – это поиск нового в забытых работах античности.
Работы Андреа дель Веррокьо, учеником которого был Микеланджело, и Донателло — уже вполне самостоятельные произведения, которые совершенно вышли из рамок архитектуры средних веков.
Середина эпохи-развитие скульптуры как искусства
Известная скульптура авторства Андреа дель Верроккьо — подросток Давид из Библии. Итальянский скульптор изобразил молодого пастушка, попирающего ногой голову великана Голиафа. Поза его выражает одновременно и гордость и удивление своей победой. Улыбка, прическа, горделивая осанка – это все вызывает улыбку наблюдателя. Статуя вышла простой, реалистичной, без патетики, свойственной средневековым авторам.
Этот же библейский персонаж, но работы уже другого итальянского скульптора – Донателло. Давид изображен легким ,расслабленным. Поза больше подходит для античного бога, чем пастушка из Библии.
Это был первая обнаженная статуя в то время. Семья Медичи, покровительствующая художникам и архитекторам Возрождения, и бывшая заказчиком этой скульптуры, увидев результат работы Донателло, «спрятала» скульптуру подальше от любопытных глаз соседей и знакомых, во дворе своего дома.
Скульптуры Микеланджелло
Примерно в XV-XVI веке в больших городах Италии началось строительство городских объектов. Это, в свою очередь, привело к увеличению работы для скульпторов. Именно это время тесно связывают с «Эпохой Высокого Возрождения» и с великим именем Микеланджело Буаноротти.
Скульптурами этого мастера восхищались в его эпоху так же, как и в настоящее время. Ходили слухи, что для своих работ автор замучил живого натурщика, чтобы натуральнее изобразить осанку и пластику скульптуры. Это говорили те, кто видел его «Умирающего раба», работу из целого цикла скульптур, предназначенных для установки в гробнице Папы Римского Юлия II.
Этот автор известен своими работами, которые украшают Рим, Флоренцию, Ватикан. На его произведения приезжают смотреть и ценители искусства, и люди, далекие от этого. Работы его не могут оставить равнодушными никого.
Единственная работа мастера, которую он подписал, и которая является вершиной его творчества — «Оплакивание Христа», изображение Мадонны, держащей на руках безжизненного Иисуса. Микеланджело выполнил эту скульптуру, одновременно и цельной и показывающей нам противоположности: живое и мертвое, горизонтальное и вертикальное, обнаженное и закрытое.
Очень кратко мы прошлись по основным представителям искусства скульптуры этого времени, проследили за становлением скульптуры как самостоятельной категории, вышедшей за рамки архитектуры. Безусловно, одним из величайших мастеров считается Микеланджело, художник и скульптор, гений своего времени. Любоваться его работами можно бесконечно.
gogetart.art
Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров
Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. 15-16 века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.
Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.
Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность – человек (не считая рабов, конечно).
Возрождение – это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.
Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.
Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.
Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.
Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек – главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…
Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.
Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан – титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.
1. Джотто (1267-1337 гг.)
Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало 16 века. Лувр, Париж.14 век. Проторенессанс. Главный ее герой – Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.
До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа – золотой фон. Как, например, на этой иконе.
Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.
Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.
Главное творение Джотто – это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.
Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.
Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.
О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.
Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.
Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.
2. Мазаччо (1401-1428 гг.)
Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.Начало 15 века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.
Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура – в прошлом.
Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.
Вместо глыбообразных персонажей Джотто – прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.
Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.
Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.
Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.
Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Художники Эпохи Возрождения».
3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)
Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.Леонардо да Винчи – один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.
Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.
Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.
Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.
Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.Главное же новаторство Леонардо – это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.
До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.
Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.
Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.
Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.
Однако, сами подумайте. 19 картин. И он – величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.
О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.
4. Микеланджело (1475-1564 гг.)
Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.
Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.
Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.
Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.
Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.
Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.
Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возр
arts-dnevnik.ru
Художники эпохи Возрождения: список лучших
Ренессанс – это феноменальное явление в истории человечества. Никогда больше не было такой блистательной вспышки в сфере искусства. Скульпторы, архитекторы и художники эпохи Возрождения (список их велик, но мы коснемся самых известных), имена которых известны всем, подарили миру бесценные произведения искусства. Уникальные и исключительные люди проявляли себя не на одном поприще, а сразу на нескольких.
Живопись эпохи раннего Возрождения
Эпоха Ренессанса имеет относительные временные рамки. Раньше всего она началась в Италии – 1420-1500 года. В это время живопись и все искусство в целом мало чем отличается от недавнего прошлого. Однако начинают впервые появляться элементы, позаимствованные из классической древности. И только в последующие годы скульпторы, архитекторы и художники эпохи Возрождения (список которых очень велик) под влиянием современных условий жизни и прогрессивных веяний окончательно отказываются от средневековых основ. Они смело берут на вооружение лучшие образцы античного искусства для своих произведений, как в целом, так и в отдельных деталях. Имена их известны многим, остановимся на самых ярких личностях.
Мазаччо – гений европейской живописи
Именно он внес огромный вклад в развитие живописи, став великим реформатором. Флорентийский мастер родился в 1401 году в семье художественных ремесленников, поэтому чувство вкуса и стремление творить было у него в крови. В возрасте 16-17 лет он переехал во Флоренцию, где работал в мастерских. Его учителями по праву считаются Донателло и Брунеллески – великие скульпторы и архитекторы. Общение с ними и перенятые навыки не могли не сказаться на юном живописце. У первого Мазаччо позаимствовал новое понимание человеческой личности, характерное для скульптуры. У второго мастера – основы линейной перспективы. Первой достоверной работой исследователи считают «Триптих Сан Джовенале» (на первом фото), который был обнаружен в небольшой церкви недалеко от городка, в котором родился Мазаччо. Главным же произведением являются фрески в капелле Бранкаччи, посвященные истории жизни Св. Петра. Художник участвовал в создании шести из них, а именно: «Чудо со статиром», «Изгнание из рая», «Крещение неофитов», «Раздача имущества и смерть Анании», «Воскрешение сына Теофила», «Святой Петр исцеляет больного своей тенью» и «Святой Петр на кафедре».
Итальянские художники эпохи Возрождения – это люди целиком и полностью посвятившие себя искусству, не обращавшие внимания на обычные житейские проблемы, что порой приводило их к бедному существованию. Не исключение и Мазаччо: гениальный мастер умер очень рано, в возрасте 27-28 лет, оставив после себя великие произведения и большое количество долгов.
Андреа Мантенья (1431-1506)
Это представитель падуанской школы живописцев. Основы мастерства он получил от своего приемного отца. Стиль же формировался под влиянием работ Мазаччо, Андреа дель Кастаньо, Донателло и венецианской живописи. Это определило несколько жесткую и резкую манеру Андреа Мантенья по сравнению с флорентинцами. Он был собирателем и знатоком произведений культуры античного периода. Благодаря своему стилю, не похожему не на один другой, он прославился как новатор. Его самые известные работы: «Мертвый Христос», «Триумф Цезаря», «Юдифь», «Битва морских божеств», «Парнас» (на фото) и т.д. С 1460 года и до самой смерти он работал придворным художником в семье герцогов Гонзага.
Сандро Боттичелли(1445-1510)
Боттичелли – это псевдоним, настоящая фамилия – Филипепи. Путь художника он выбрал не сразу, а первоначально обучался ювелирному мастерству. В первых самостоятельных работах (несколько «Мадонн») чувствуется влияние Мазаччо и Липпи. В дальнейшем он прославил себя так же в качестве портретиста, основная масса заказов приходила из Флоренции. Изысканный и утонченный характер его работ с элементами стилизации (обобщение изображений при помощи условных приемов – простота формы, цвета, объема) отличают его от остальных мастеров того времени. Современник Леонардо да Винчи и юного Микеланджело оставил яркий след в мировом искусстве («Рождение Венеры» (фото), «Весна», «Поклонение волхвов», «Венера и Марс», «Рождество» и т.д.). Его живопись искренняя и чуткая, а жизненный путь сложный и трагичный. Романтическое восприятие мира в юном возрасте сменилось мистицизмом и религиозной экзальтацией в зрелости. Последние годы жизни Сандро Боттичелли доживал в бедности и забвении.
Пьеро (Пьетро) делла Франческа (1420-1492)
Итальянский живописец и еще один представитель эпохи раннего Возрождения родом из Тосканы. Авторский стиль формировался под воздействием флорентийской школы живописи. Помимо таланта художника Пьеро делла Франческа имел выдающиеся способности в области математики, и последние годы жизни посвятил именно ей, пытаясь связать ее с высоким искусством. Результатом стали два научных трактата: «О перспективе в живописи» и «Книжица о пяти правильных телах». Его стиль отличает торжественность, гармония и благородство образов, композиционная уравновешенность, точные линии и построение, мягкая гамма красок. Пьеро делла Франческа обладал удивительным для того времени знанием технической стороны живописи и особенностей перспективы, чем заслужил высокий авторитет у современников. Наиболее известные работы: «История царицы Савской», «Бичевание Христа» (на фото), «Алтарь Монтефельтро» и пр.
Живопись высокого Возрождения
Если Проторенессанс и ранняя эпоха длились почти полтора столетия и век соответственно, то данный период охватывает всего несколько десятилетий (в Италии с 1500 по 1527 год). Это была яркая, ослепительная вспышка, подарившая миру целую плеяду великих, разносторонних и гениальных людей. Все отрасли искусства шли рука об руку, поэтому многие мастера – это еще и ученые, скульпторы, изобретатели, а не только художники эпохи Возрождения. Список велик, но вершину Ренессанса ознаменовало творчество Л. да Винчи, М. Буанаротти и Р. Санти.
Необыкновенный гений да Винчи
Пожалуй, это самая неординарная и выдающаяся личность в истории мировой художественной культуры. Он был человеком универсальным в полном смысле этого слова и обладал самыми разносторонними знаниями и талантами. Художник, скульптор, теоретик в области искусства, математик, архитектор, анатом, астроном, физик и инженер – все это о нем. Причем в каждой из областей Леонардо да Винчи (1452-1519) проявил себя как новатор. До настоящего времени дошло лишь 15 его картин, а также множество эскизов. Обладая потрясающей жизненной энергией и жаждой знаний, он был нетерпелив, его увлекал сам процесс познания. В совсем юном возрасте (20 лет) он получил квалификацию мастера Гильдии Святого Луки. Его самыми важнейшими произведениями стали фреска «Тайная вечеря», картины «Мона Лиза», «Мадонна Бенуа» (на фото выше), «Дама с горностаем» и т.д.
Портреты художников эпохи Возрождения – это редкость. Они предпочитали оставлять свои изображения на картинах с множеством лиц. Так, вокруг автопортрета да Винчи (на фото) по сей день не утихают споры. Выдвигаются версии о том, что он сделал его в возрасте 60 лет. По словам биографа, художника и писателя Вазари, умирал великий мастер на руках у своего близкого друга короля Франциска I в его замке Кло-Люсе.
Рафаэль Санти (1483-1520)
Художник и архитектор родом из Урбино. Его имя в искусстве неизменно связывают с представлением о возвышенной красоте и природной гармонии. За достаточно короткую жизнь (37 лет) он создал много известных на весь мир картин, фресок и портретов. Сюжеты, которые он изображал, очень разнообразны, но его всегда привлекал образ Богоматери. Абсолютно обоснованно Рафаэля называют «мастером Мадонн», особенно знамениты те, что написаны им в Риме. В Ватикане он работал с 1508 года и до конца жизни в должности официального художника при папском дворе.
Всесторонне одаренный, как и многие другие великие художники эпохи Возрождения, Рафаэль был еще и архитектором, а также занимался археологическими раскопками. Согласно одной из версий, последнее увлечение находится в прямой взаимосвязи с преждевременной кончиной. Предположительно, он заразился на раскопках римской лихорадкой. Похоронен великий мастер в Пантеоне. На фото его автопортрет.
Микеланджело Буоанарроти (1475-1564)
Долгий 70-летний жизненный путь этого человека был ярким, он оставил потомкам нетленные творения не только живописи, но и скульптуры. Как и другие великие художники эпохи Возрождения, Микеланджело жил во времена, полные исторических событий и потрясений. Его искусство – это прекрасная завершающая нота всего Ренессанса.
Мастер ставил скульптуру выше всех остальных искусств, но по воле судьбы стал выдающимся живописцем и архитектором. Самой масштабной и необыкновенной его работой является роспись Сикстинской капеллы (на фото) во дворце в Ватикане. Площадь фрески превышает 600 квадратных метров и содержит 300 фигур людей. Самая впечатляющая и знакомая – это сцена Страшного Суда.
Итальянские художники эпохи Возрождения обладали многогранными талантами. Так, мало кто знает, что Микеланджело был также прекрасным поэтом. Эта грань его гениальности в полной мере проявилась уже под конец жизни. Около 300 стихотворений сохранились до наших дней.
Живопись эпохи позднего Возрождения
Заключительный период охватывает временной промежуток с 1530 года по 1590-1620 годы. Согласно Британской энциклопедии, Ренессанс как исторический период закончился с падением Рима, произошедшем в 1527 г. Примерно в это же время в Южной Европе одержала победу Контрреформация. Католическое течение смотрело с опаской на всякое свободомыслие, в том числе воспевание красоты человеческого тела и воскрешение искусства античного периода – то есть всего того, что являлось столпами Ренессанса. Это вылилось в особое течение – маньеризм, характеризующееся утратой гармонии духовного и телесного, человека и природы. Но даже в этот сложный период некоторые известные художники эпохи Возрождения создавали свои шедевры. В их числе Антонио да Корреджо, Андреа Палладио (считается основоположником классицизма и палладианства) и Тициан.
Тициан Вечеллио (1488-1490 – 1676 годы)
Его по праву считают титаном эпохи Возрождения, наряду с Микеланджело, Рафаэлем и да Винчи. Еще до того как ему исполнилось 30 лет, за Тицианом закрепилась слава «короля живописцев и живописца королей». В основном художник писал картины на мифологические и библейские темы, к тому же, прославился как великолепный портретист. Современники считали, что быть запечатленным кистью великого мастера – значит обрести бессмертие. И это действительно так. Заказы к Тициану поступали от самых почитаемых и знатных особ: римские папы, короли, кардиналы и герцоги. Вот лишь немногие, наиболее известные, его работы: «Венера Урбинская», «Похищение Европы» (на фото), «Несение креста», «Коронование терновым венцом», «Мадонна Пезаро», «Женщина с зеркалом» и т.д.
Ничто не повторяется дважды. Эпоха Ренессанса подарила человечеству гениальных, неординарных личностей. Их имена вписаны в мировую историю искусства золотыми буквами. Архитекторы и скульпторы, писатели и художники эпохи Возрождения – список их очень велик. Мы коснулись лишь титанов, которые творили историю, несли миру идеи просвещения и гуманизма.
fb.ru
Третьяковские уроки: Скульптура Возрождения
Скульптура Ренессанса — один из важнейших видов искусства Возрождения, достигший в это время расцвета. Основным центром развития жанра была Италия, главным мотивом — ориентация на античные образцы и любование человеческой личностью.
Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры, скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное значение. Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку. Наряду с сохраняющими свое значение образами христианства и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета, создаются конные статуи, украшающие площади городов. Значительно изменяется характер декоративного рельефа, образные возможности которого расширяются в связи с использованием приемов живописно-перспективного изображения и новых материалов, в частности полихромной керамики.
Проторенессанс.
Новые художественные искания в скульптуре наметились прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано
Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла не ее дальнейшее формирование. Кафедра из трех видов (оттенков) мрамора представляет собой целое архитектурное сооружение. По средневековой традиции на парапетах (стенках) представлены сюжеты из жизни Христа. Между ними — фигуры пороков и аллигорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов.
Главное достижение в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.
Особое место в итальянской скульптуре принадлежит Джованни Пизано
Совместно с отцом и Арнольфо ди Камбио он создает фонтан Маджоре в Перудже. Грани и ребра верхней чаши украшены 24 скульптурами. На гранях нижней — 50 барельефов. Чаши выполнены из белого и розового мрамора. Над ними возвышается третья чаша, отлитая из бронзы. Фонтан обнесен металлической решеткой.
С 1287 по 1296 гг. Джованни исполнял должность главного архитектора кафедрального собора в г.Сиена. Полные динамики и драматизма фигуры скульптурной композиции фасада собора свидетельствуют о значительном влиянии на Пизано французской готической пластики. Из всех готических итальянских фасадов сиенский собор имеет самое роскошное скульптурное убранство.
 |
| Кафедра церкви Сант-Андреа в Пистойе |
XV век был периодом глобального изменения в искусстве. Художники стараются возродить традиции прошлого, основы их программы — открытая перспектива и законы пропорций. Античность воспринимается не как набор образцов для подражания, а как историческое осознание прошлого и его неизбежной связи с настоящим. Ренессансный человек желал отринуть наслоившиеся традиции (готические, византийские) и вернуться к древнеримской доблести, древнему классическому источнику.
Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло. Его скульптуры «оторвались» от стен (до этого в основном скульптура была представлена, как рельеф и барельеф, как украшение здания).
Донателло (Флоренция) (около 1386 -1466) — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.
 |
| Святой Марк. |
| Давид. 1440г. Флоренция |
 |
| Статуя Гаттамелаты (1447-1453). Падуя |
Андреа дель Верроккьо (1435- 1488) — итальянский скульптор и живописец эпохи Возрождения, один из учителей Леонардо да Винчи. Имя позаимствовал у своего учителя, ювелира Верроккьо.
Скульптура Давид — фигура не застыла, наоборот, характеризуется полной раскованностью. Тело слегка повернуто, тяжесть перенесена на одну ногу.
 |
| Давид, 1473 |
 |
| Конный памятник кондотьеру Бартоломео Коллеони |
___
Высокое Возрождение («Чинквеченто»).Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.
Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475- 1564)- итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель. Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Герои гения страдают, размышляют, ликуют. В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда.
Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его работы прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.
По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов.
Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид», ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела.
 | |||||
| Давид. 1501-1504 |
В Риме самая известная скульптурная композиция «Пьета́» (1498-1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей.
| Пьета. 1499 |
Работы гениального мастера восхищали современников ничуть не меньше, чем современного зрителя. После того, как публика увидела скульптуру «Умирающий раб», в обществе поползли слухи, что был замучен натурщик, чтобы страдания можно было изобразить вернее.
 |
| Умирающий раб |
Статуя пророка Моисея, предназначавшаяся для одного из папских надгробий Ватиканского собора, одна из самых любимых работ самого скульптора. Известно, что автор постоянно возвращался к ней и доделывал на протяжении 30 лет. Фигура пророка обладает секретом, чтобы полностью понять задумку автора, нужно разглядеть фигуру со всех сторон. В этом случае зритель чувствует некое напряжение и энергию, исходящую изнутри скульптуры
 |
| Моисей |
Особенностью работ Микеланджело было то, что он участвовал в создании своих скульптурных шедевров на всех стадиях, начиная с выбора мраморной глыбы и перевозки ее до мастерской. Мастер никому не доверял даже простейших транспортировочных и погрузочных работ. Он словно уже в огромной глыбе видел свое произведение и уже относился к ней, как к хранилищу будущего шедевра.
Искусствоведы постоянно «находят» все новые работы скульптора, который никогда не считал нужным подписывать свои работы (подписал лишь одну). На сегодняшний день известно о 57 скульптурах Микеланджело, из которых около 10 безвозвратно утрачены.
Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру.Оглавление.
mansa-uroki.blogspot.com
Биография Микеланджело, великого художника эпохи Возрождения
Микеланджело – великий мастер Ренессанса, чье имя вспоминается в одном ряду с Леонардо да Винчи, Рафаэлем и другими художниками Возрождения. Известен в первую очередь как непревзойденный скульптор (статуя Давида во Флоренции и др.) и автор фресок Сикстинской капеллы. Трудился на ниве архитектуры, был прекрасным поэтом.
Начало пути
Биография Микеланджело ди Лодовико Буонарроти Симони начинается 6 марта 1457 г. в Капрезе (сейчас – Капрезе-Микеланджело). Его первыми учителями были мастера Бертольдо ди Джованни и Гирландайо из художественной школы Лоренцо Медичи. Эстетическое мироощущение будущего художника формировалось под влиянием Донателло, Джотто, Якопо делла Кверча, творения которых он копировал во время учебы. Первые самостоятельные скульптурные работы — «Мадонна у лестницы» и «Битва кентавров» — в настоящее время представлены во флорентийском музее Каса Буонарроти. В 1496 году молодой художник перебирается в Рим.
Признание
Биография Микеланджело не отличается тяжелой борьбой с обстоятельствами: его безусловный талант был признан сразу как собратьями по цеху, так и власть имущими. К 1500 году художник завершает работу над скульптурной композицией «Пьета» («Мадонна, оплакивающая Христа»), заказанную для Собора св. Петра, и практически тут же поступает заказ от флорентийского правительства: статуя Давида высотой пять с половиной метров, предназначенная для размещения на центральной площади города. Работа длилась пять лет. Благодаря этой статуе к Микеланджело пришла всемирная известность. В настоящее время оригинал находится в Академии Искусств Флоренции.
Очередной заказ мастер получает от Юлия II: надгробие для будущей папской усыпальницы. Композиция была начата в 1505 году, но продолжена только в 1513 (Юлий II уже умер). Условия контракта пересматривались много раз, работа двигалась медленно. Лишь через тридцать лет надгробие было установлено. Из первых работ в композицию вошла только статуя Моисея. Исходно предназначавшиеся для той же цели скульптуры рабов («Умирающий» и «Восставший») сейчас находятся в Лувре.
Творческая зрелость
1508 год. Биография Микеланджело пополнилась следующим важным эпизодом: ему поручили роспись сводов Сикстинской капеллы. На ее стенах и сводах расположились сюжеты из Бытия и других книг Ветхого Завета, изображения пророков.
Двадцать лет мастер работал над созданием архитектурно-скульптурного ансамбля капеллы Медичи. Работа неоднократно останавливалась как из-за недостатка средств, так и из-за форс-мажорных обстоятельств: с 1527 по 1530 год продолжалось флорентийское восстание против Медичи, и Микеланджело руководил обороной осажденного города. Завершение капеллы осуществилось только в 1546 году, именно тогда была установлена скульптурная группа.
Биография Микеланджело тесно переплетается с драматическими событиями как светской, так и религиозной жизни Италии. В 1534-м художник возвращается в Рим. Это время – сложный период для Ренессанса: активизируются церковные настроения. Выполненная к 1541 году фреска «Страшный суд» (алтарь Сикстинской капеллы) отражает смятение художника, перемены в его мировоззрении. Отныне и до самой смерти мастера его живописные и скульптурные работы переполнены трагическим пафосом.
Последний проект
Отчасти авторству Микеланджело принадлежит Собор св. Петра – грандиозное сооружение, которое строили несколько поколений архитекторов. В 1546 году руководителем был назначен Микеланджело. Краткая биография художника упоминает о том, что первоначально в 326 г. здесь была построена базилика. В XV веке ее начали модернизировать, но в итоге Юлий II распорядился построить на этом месте новый собор. Руководили строительством по очереди Браманте, Рафаэль, Сангалло, Перуцци, Микеланджело, Порта, Виньола, Мадерно, Бернини. Завершение строительства датируется 1667 годом.
Микеланджело скончался в результате непродолжительной болезни 18 февраля 1564 года в Риме. Тело его было тайком вывезено во Флоренцию и похоронено в усыпальнице церкви Санта-Кроче. Там и по сей день гости города могут увидеть гробницу Микеланджело Буонарроти, биография которого вдохновила на создание книг таких мастеров пера, как Ромен Роллан, Ирвинг Стоун, а также многих ценителей искусства эпохи Возрождения.
fb.ru
Донателло, конная статуя. Скульпторы эпохи Возрождения. Памятник Гаттамелате
Эпоха итальянского Возрождения во многом была подобна глотку свежего воздуха после тяжести и мрачности Средневековья. Страна, бывшая наследницей Священной Римской империи, полностью оправдала этот свой статус, подарив миру огромное число гениальных творцов. Итальянский Ренессанс стал временем расцвета всех видов искусств, от архитектуры до музыки. Одно из ведущих мест в этом процессе по праву занимала скульптура. А главным творцом, на многие десятки лет определившим развитие скульптуры, был великий Донателло. Но обо всем по порядку.
Очнувшаяся после долгого сна
В эпоху Средневековья скульптура была неотъемлемой частью архитектуры и не мыслилась как отдельное направление искусства. С началом Возрождения все меняется: она начинает выступать в архитектурных ансамблях в качестве дополняющих, но все же отдельных элементов. Одна из первых среди множества ответвлений искусства скульптура повернулась лицом к реальности и жизни простых смертных, отходя от религиозного содержания. Безусловно, христианские сюжеты остаются в центре внимания художников, однако все чаще они обращаются к современникам.
Появляются новые жанры: развивается портрет, возникают конные статуи. Скульптура становится центральной частью архитектурных ансамблей, меняя смысловую нагрузку и расставляя акценты – отходя от второстепенной роли. Возникают новые материалы. На смену дереву приходит мрамор и бронза. В Северной Италии в большом количестве изготавливались терракотовые статуи (из обожженной глины). С подачи Лоренцо Гиберти начинает распространяться техника глазурованной терракоты. Быстро полюбилась мастерам и бронза с ее внушительным набором преимуществ перед прочими материалами.
Скульпторы эпохи Возрождения
Уже названный Лоренцо Гиберти трудился в XV веке и был среди первых творцов, обратившихся к реализму. Центральное место в его деятельности на протяжении всей жизни (1378–1455) занимала проблема создания живописного монументального рельефа. Более двадцати лет Гиберти трудился над северными дверями флорентийского баптистерия. В рельефных композициях, созданных мастером, сквозило наследие готического стиля: угловатость обрамлений и вторящий им ритм композиции отсылает именно к этой традиции. В то же время ощущается в работе и новое виденье пространства, свойственное уже эпохе Возрождения.
Реалистичная манера в полную силу развернулась на восточных дверях баптистерии, над которыми Гиберти трудился еще двадцать лет. Изображенным сюжетам присуща красота и особая живость: фигуры пропорциональны, ландшафт изобилует деталями, линии четко выписаны и отличаются изяществом. Восточные ворота баптистерия считаются одной из достопримечательностей Флоренции и являются своеобразным символом торжества новых течений в скульптуре над наследием прошлого.
Другим прославленным скульптором Италии эпохи Возрождения был Андреа дель Верроккьо (1435–1488). Он стал первым учителем великого Леонардо да Винчи, показавшим своему ученику многие приемы как в скульптуре, так и в живописи. Впрочем, картин Верроккьо практически не сохранилось, чего нельзя сказать о его скульптурах.
Одно из знаменитых его творений – статуя Давида, для которой, по преданию, моделью был гениальный ученик мастера. Это утверждение, однако, весьма сомнительно. Бесспорно другое — Давид Верроккьо наглядно показывает, где да Винчи взял многие из своих излюбленных приемов: пышные ангельские кудри, особое положение тела и знаменитую полуулыбку.
Главным произведением Верроккьо стал конный памятник кондотьеру Бартоломео Коллеони. В статуе отразились многие веяния искусства эпохи Возрождения: стремление передать форму во всей ее полноте, влияние анатомии на скульптуру, желание передать эмоции и движение в застывшей фигуре.
Первый среди равных
Скульпторы эпохи Возрождения со своим поиском нового стиля и обращением к практически забытой Античности все же смотрелись бы как незавершенная картина, не будь среди них Донателло. Великого мастера можно, без сомнения, назвать первопроходцем, столь много нововведений появилось в скульптуре благодаря ему. Без него очень многого лишилась бы эпоха Возрождения: Донателло нашел решение проблемы устойчивой постановки фигуры, научился передавать тяжесть, массу и цельность тела, первый после античных мастеров создал обнаженную статую и стал создавать скульптурные портреты. Он был признанным творцом еще при жизни и повлиял на развитие искусства целой эпохи.
Начало пути
Донателло, биография которого не содержит точной даты рождения (предположительно 1386 год), происходил из семьи ремесленника, чесальщика шерсти. Появился на свет он предположительно во Флоренции или ее окрестностях. Полное имя Донателло – Донато ди Никколо ди Бетти Барди.
Будущий знаменитый итальянский скульптор получил обучение в мастерской Гиберти в то время, когда тот трудился над созданием северных врат баптистерия. Вероятно, именно здесь Донателло познакомился с архитектором Брунеллески, дружбу с которым сохранил на протяжении всей жизни.
Быстрое освоение навыков привело к тому, что уже в 1406 году молодой Донателло получил самостоятельный заказ. Ему поручили создать статую пророка для портала флорентийского собора.
Мраморный Давид
Донателло, работы которого уже в первые годы творчества отражали яркую личность автора, вскоре после выполненного заказа получил новый. В 1407–1408 годах он работал над мраморной статуей царя Давида. Скульптура еще не так совершенна, как более позднее изображение библейского героя, сделанное мастером, но уже в ней отражаются устремления и искания творца. Давид изображен не в классической виде: умудренный опытом царь с лирой или свитком в руках. Но как юноша, только что победивший Голиафа и гордящийся своим подвигом. Статуя напоминает изображения античных героев: Давид упирается одной рукой в бедро, у его ног покоится голова соперника, тело укутывают мягкие складки одежд. И хотя мраморная статуя еще содержит отголоски готики, ее принадлежность к эпохе Возрождения несомненна.
Ор-Сан-Микеле
Донателло работы свои стремился создавать учитывая не только гармонию пропорций и общего построения фигуры, но и особенности места, где статуя будет размещаться. Его творения наиболее выигрышно смотрелись именно там, куда их ставили после завершения. Создавалось впечатление, будто они всегда здесь и находились. При этом творчество Донателло по мере совершенствования таланта все более удалялось от готических канонов и средневекового обезличивания. Создаваемые им образы приобретали яркие индивидуальные особенности, выразительность нередко достигалась за счет неправильных черт.
Все эти нюансы творчества мастера прекрасно заметны в изображениях святых, которые он создал для церкви Ор-Сан-Микеле. Статуи были установлены в нишах, однако казались законченными самостоятельными скульптурами, гармонично вписывающимися в архитектуру церкви и не зависящими от нее. Особо среди них выделяются фигуры Святого Марка (1411–1412) и Святого Георгия (1417). В образе первого Донателло удалось передать неутомимую и бурную работу мысли под покровом полного внешнего спокойствия. При создании статуи мастер обратился к античному способу устойчивой постановки фигуры. Изгибы торса и рук, а также расположение складок одежды – все подчинено этому приему.
Святой Георгий изображен в виде юноши в доспехах, опирающегося на щит, с одухотворенным, полным решимости лицом. Это воплощенный идеал героя, которой в одинаковой мере был созвучен как эпохе, так и самому Донателло.
Бронзовый Давид
Все исследователи сходятся на том, что одним из величайших творений Донателло был Давид, скульптура, отлитая в бронзе (предположительно 1430–1440-е годы). Вазари, первый искусствовед, писал, что заказана она была Козимо Медичи, однако других данных, подтверждающих подобный факт, нет.
Давид – скульптура нестандартная. Продолжая воплощение своего замысла, заложенного еще в мраморном Давиде, Донателло изображает библейского героя молодым с головой только что поверженного Голиафа у ног. Сходство, однако, на этом и заканчивается. Бронзовый Давид не просто молод, он юн. Донателло изобразил его обнаженным, тщательно проработав все изгибы сильного, но еще не до конца сформировавшегося тела мальчика. Из одежды только пастушья шапка с лавровым венком и сандалии с поножами. Для постановки фигуры мастер использовал прием контрапоста. Вся тяжесть тела перенесена на правую ногу, левой же Давид попирает голову врага. Таким приемом достигается ощущение расслабленности позы, отдохновения после схватки. Внутренняя динамика, свойственная фигуре, хорошо читается благодаря отклонению тела от центральной оси скульптуры и расположению меча.
Бронзовый Давид создан как статуя, которую можно рассмотреть со всех сторон. Это была первая обнаженная скульптура со времен Античности. Наследие мастеров Древней Греции и Древнего Рима чувствуется во всей фигуре героя. В то же время черты, присущие скульптуре, наполнены яркой индивидуальностью и являются тем самым воплощением идеалов Ренессанса.
Вдохновленный Вечным городом
До совершенства свои навыки мастер доводил во время поездки в Рим. Из города, хранящего наследие великой империи, Донателло привез глубокое понимание античных канонов и стилистических приемов. Результаты переосмысления древнего греческого и римского искусства Донателло использовал в процессе создания кафедры Флорентийского собора, над которой трудился с 1433 по 1439 года. Вероятно, именно в Вечном городе новый замысел посетил Донателло: конная статуя кондотьера Эразмо да Нарни, по мнению многих исследователей, была задумана после встречи с античным памятником Марку Аврелию.
Герой
Эразмо да Нарни был венецианским кондотьером, наемным военачальником. Его судьба, не отличавшаяся особыми героическими поворотами сюжета, тем не менее вдохновила Донателло. Гаттамелата (в переводе «Медоточивая кошка») – такое прозвище получил кондотьер за мягкость характера и одновременную внимательность и вкрадчивость, напоминавшие поведение кошки на охоте. Он начал свою карьеру с самых низов и, честно служа Флоренции, сумел достичь многого. В последние годы Гаттамелата служил главнокомандующим сухопутными войсками Венецианской республики. После своей смерти кондотьер завещал похоронить его в Базилике дель Санто в Падуе. Умер Гаттамелата в 1443 году.
Триумф Донателло: конная статуя Эразмо да Нарни
Венецианская республика, помня о заслугах военачальника, разрешила его вдове и сыну на свои средства установить памятник кондотьеру. Воплощением этой идеи и занялся Донателло. Конная статуя создавалась им на протяжении десяти лет, с 1443 по 1453 года.
Трехметровая статуя по замыслу мастера была установлена на восьмиметровом постаменте. Размеры скульптуры были результатом определенной идеи Донателло: конная статуя должна была располагаться на фоне громадного собора и только при условии собственной внушительности могла смотреться как цельное и самостоятельное произведение. Памятник размещался таким образом, что создавалось впечатление, будто он покидает собор и неспешно удаляется прочь.
Пьедестал украшен изображениями дверей, приоткрытых с восточной стороны и запертых с западной. Этот символ имеет определенную трактовку: в царство мертвых можно войти, но нельзя из него выйти. Двери напоминают о первоначальном назначении памятника, великолепно исполненным Донателло. Гаттамелата на коне должен был возвышаться на кладбище собора. Памятник был оригинальным кенотафом, надгробием, – и здесь Донателло проявил свою склонность к новаторству.
Человек эпохи
Кондотьер, изображенный Донателло, – уверенный и полный сил, но уже пожилой человек. В левой руке у него жезл, правой он держит поводья. Он воплощает в себе образ героя эпохи Возрождения: не кипящего страстью, но переосмысляющего жизнь – воин-мыслитель, вероятно, вобравший в себя и черты самого Донателло. Статуя кондотьера Гаттамелаты в то же время является прекрасным примером портретного мастерства скульптора. Его лицо нельзя спутать с другими: нос с горбинкой, четкая линия рта, небольшой подбородок и выделяющиеся скулы.
Одеяние военачальника – свидетельство желания придать ему черты героев Античности. Гаттамелата облачен не в современные Донателло одежды, а в доспехи времен Древнего Рима. Предположительно, именно чеканка деталей облачения заняла у мастера наибольшее время. Впрочем, в процессе создания памятника перед Донателло вставало немало задач: необходимо было создать гармоничный переход от фигуры кондотьера к лошади, расставить акценты для создания необходимого впечатления. Решение этих и других вопросов требовало времени. Результат столь вдумчивой и продолжительной работы оправдал все затраты.
Донателло высоко оценил свою работу, приняли ее и его современники. Об этом свидетельствует подпись мастера, которую он оставлял далеко не на всех своих произведениях. Памятник кондотьеру Гаттамелате вдохновлял и многих скульпторов последующих эпох (например, уже упомянутого выше Андреа дель Верроккьо).
Юдифь
Еще одним прекрасным образцом мастерства Донателло стала статуя «Юдифь и Олоферн», созданная в 1455–1457 гг. Произведение иллюстрирует ветхозаветную историю о вдове из Ветилуи, храбро убившей ассирийского полководца Олоферна, чтобы спасти свой город от завоевания. Хрупкая женщина с отрешенным взглядом и лицом, полным скорби, держит в высоко поднятой руке меч, готовясь отсечь голову безвольно прислонившегося к ее ногам опьяненного Олоферна.
«Юдифь и Олоферн» – один из вариантов популярных в эпоху Возрождения преданий о женском героизме. Донателло вложил в это произведение все свое мастерство и сумел передать как гамму чувств Юдифи, так и символизм образа в целом. Самая выразительная часть композиции – лицо вдовы. Оно проработано так тщательно, что кажется живым. При взгляде на Юдифь, сотворенную Донателло, очень легко понять, какие эмоции она испытывала. Тонкое умение предания лицу экспрессивных черт, свойственное мастеру, в полной мере было применено Донателло именно в этой скульптуре.
Умер великий Донателло в 1466 году. В последние годы жизни в его творчестве явственно доминировали мотивы старости, смерти и страданий. В этот период появилась Мария Магдалина Донателло – не пышущая красотой и полная сил девушка, но изнуренная постом и ощущающая тяжесть прожитых лет старуха. Однако и в этих, и в более ранних произведениях дух гениального скульптора жив до сих пор и продолжает вдохновлять и волновать.
fb.ru