Живопись в эпоху возрождения: Живопись эпохи Ренессанса

Живопись эпохи Ренессанса

Современную живопись невозможно представить без влияния на неё творчества величайших художников эпохи Ренессанса. Творчество это – признанная классика, и она всегда будет существовать в подсознании живописцев наших дней. Именно в период Возрождения появилось большинство уникальнейших произведений искусства, частью которого является живопись, а особенно живопись мастеров итальянской школы.

Рафаэль — Святая Екатерина Александрийская, 1507

Ренессансом называют период с конца тринадцатого до конца шестнадцатого веков, а главной фигурой, центром внимания художников, становится человек. Развиваются основы воздушной и линейной перспективы, композиции, подробно изучается строение человеческого тела, появляется портрет. Художники совершенствуют технику живописи, стараясь добиться максимальной реалистичности картины, подобно фотографии, детально описывающей сюжет: http://photo-day.ru/.

Начало эпохи Ренессанса связано с такими именами как Мартини, Джотто, Боттичелли. Развивалось искусство живописи Возрождения настоящими титанами, великими и непревзойдёнными мастерами: Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонаротти, Рафаэль, Микеланджело Меризи де Караваджо. Именно благодаря этим художникам появляется идеальный стиль, исполненный возвышенной величавостью и предельной ясностью. Античная или религиозная тематика картин трактуется как современный, светский сюжет, а их персонажи поэтичны и изящны.

Отдавая дань мастерству многих живописцев итальянского Возрождения, нужно отдельно упомянуть великого Леонардо. Вклад этого человека в развитие классической живописи огромен. Ведь, именно он разработал и начал применять для написания своих полотен особый приём, «сфумато», с помощью которого картина смотрелась, будто сквозь лёгкую дымку. Это придавало произведениям Да Винчи ту самую знаменитую таинственность, загадочность, а самая известная картина мастера – «Джоконда» — до сих пор является предметом научных споров, диссертаций и невероятного количества книг.

---

]]> ]]>

Картины эпохи возрождения ренессанс | Живопись в стиле ренесанс

Картины в манере Ренессанса

Не всякий человек является поклонником творчества современных художников и даже тех живописцев, которые жили и творили веком-двумя ранее. Многих людей гораздо сильнее привлекают более ранние стили изобразительного искусства. Среди них особое место занимают картины художников эпохи Возрождения, или Ренессанса. И это неудивительно. Произведения, создававшиеся в те времена, считаются вершиной мирового наследия, критики, историки и знатоки признают их лучшим, что способен сотворить человек.

 

По всем интересующим Вас вопросам обращайтесь по телефону: +7 (812) 309-28-38

 

 

Небольшой экскурс в историю

Ренессанс как стиль не только в живописи, но также в литературе, архитектуре и скульптуре пришел на смену готике в XIV веке. Основоположником его стал итальянский мастер Джотто. Именно он начал писать иконы в совершенно новом для того времени духе.

Так, на место двухмерного пространства пришло трехмерное, сами же изображенные на полотнах персонажи начали «испытывать эмоции». Строгая, не допускающая отклонений от канона средневековая живопись стала более живой, обрела наиболее человеческий образ. Расширился список освещаемых тем. Если раньше превалировали сцены, изображающие Страшный суд, муки, которые ждут грешников, и прочие мрачные события, то уже при Джотто начали появляться новые мотивы — например, значимые эпизоды из жизнеописания Христа.

То был Проторенессанс, предшественник начавшего зарождаться течения, сама же эпоха Возрождения наступила чуть позже — в XV веке, а своей наивысшей точки достигла к концу этого столетия. Тогда на мировую художественную сцену вышли такие мэтры, как Сандро Боттичелли, а чуть позже еще более известные живописцы — Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан. Творения этих гениев эпохи Возрождения настолько знамениты, что видеть их мы можем практически повсюду — на страницах учебников и энциклопедий, картинках в Интернете и, конечно, в известнейших музеях мира.

Несмотря на то что живопись Ренессанса продолжает концентрироваться на религиозной тематике, все чаще она обращает внимание и на обычных людей. Художники активно интересуются мифическими сюжетами, воспевают великолепие человеческого тела. Джорджоне, например, прославился благодаря своим полотнам с обнаженной женской натурой. В эпоху же позднего Возрождения широкое распространение получила портретная живопись — картины, изображавшие знатных людей, представителей аристократии, королей.

География течения

Из Италии Ренессанс распространился по всей Европе, в новой для себя манере начали творить французские, английские, германские живописцы. В каждой новой стране он обретал уникальные черты. Во многом благодаря этому стилю изобразительное искусство начало развиваться в принципиально новом для себя направлении. Позже несколько гиперболизированные идеи Возрождения найдут себя в барокко и маньеризме, которые придут ему на смену веком позже.

Где полюбоваться на живопись Ренессанса и совершить покупку?

Сегодня вам не нужно ехать в Лувр или Галерею Боргезе, чтобы насладиться творениями известных живописцев эпохи Возрождения. В арт-пространстве «Мансарда Художников» вы всегда сможете найти качественные копии работ мастеров того времени. Более того, данные произведения удастся купить по самой выгодной цене — такую возможность мы предоставляем каждому, кто решит заглянуть к нам в дом 10 на Большой Пушкарской улице в Санкт-Петербурге. Совершить покупку можно и прямо на нашей сайте.

С «Мансардой Художников» высокое искусство не просто станет ближе — оно прочно войдет в вашу жизнь!

 

7 ПРИЧИН купить у нас:

 

1. Акции до 35%

2. Более 7000 произведений

3. Регулярное пополнение картин

4. Удобное местоположение

5. Своя Багетная мастерская

6. Реставрация картин

7. Возможность взять картину на примерку

 

Итальянская живопись эпохи Ренессанса

Эпоха Возрождения или Ренессанс подарила нам множество великих произведений искусства. Это был благоприятный период для развития творчества. С Ренессансом связаны имена многих великих художников. Ботичелли, Микеланджело, Рафаэль,  Леонардо Да Винчи, Джотто, Тициан, Корреджо – это лишь малая часть имен  творцов того времени.С этим периодом связано возникновение новых стилей и техник живописи. Подход к изображению человеческого тела стал практически научным. Художники стремятся к реальности – они прорабатывают каждую деталь. Люди и события на картинах того времени выглядят крайне реалистично.

Историки выделяют несколько периодов в развитии живописи в эпоху Возрождения.

Готика – 1200-е годы. Популярный стиль при дворе. Отличался помпезностью, вычурностью, излишней красочностью. В качестве красок применялась темпера. Картины представляли собой миниатюры, тематика которых – алтарные сюжеты. Самые известные представители этого направления – итальянские художники Витторе Карпаччо, Сандро Ботичелли.

Сандро БотичеллиПроторенессанс  – 1300-е годы. В это время происходит перестройка нравов в живописи. Религиозная тематика отходит на задний план, а светская приобретает все большую популярность. Картина занимает место иконы. Людей изображают более реалистично, для художников становятся важными мимика, жесты. Появляется новый жанр изобразительного искусства – портрет. Представителями этого времени являются  Джотто, Пьетро Лоренцетти, Пьетро Каваллини.Ранее Возрождение – 1400-е годы. Расцвет нерелигиозной живописи. Даже лики на иконах становятся более живыми – они обретают человеческие черты лица. Художники более ранних периодов пытались рисовать пейзажи, но они служили лишь дополнением, фоном к основному изображению. В период Раннего Возрождения пейзаж становится самостоятельным жанров. Продолжает развиваться и портрет. Ученые открывают закон линейной перспективы, на этой основе строят свои картины и художники. На их полотнах можно видеть правильное трехмерное пространство. Яркие представители этого периода Мазаччо, Пьеро Делла Франческо, Джованни Беллини, Андреа Мантенья.

Высокое Возрождение – Золотой Век. Кругозор художников становится еще шире  – их интересы простираются в пространство Космоса, они рассматривают человека, как центр мироздания.

В это время появляются «титаны» Возрождения – Леонардо Да Винчи, Микеланджело, Тициан, Рафаэль Санти и другие. Это люди, чьи интересы не ограничивались живописью. Их познания простирались гораздо дальше. Самым ярким представителем был Леонардо Да Винчи, который был не только великим живописцем, но и ученым, скульптором, драматургом. Он создал фантастические техники в живописи, например «смуффато» – иллюзию дымки, которая использовалась при создании знаменитой «Джоконды».

Леонардо Да Винчи

Позднее Возрождение  – угасание эпохи Ренессанса (середина 1500-х конец 1600-х). Это время связано с переменами, религиозным кризисом. Расцвет заканчивается, линии на полотнах становятся более нервными, уходит индивидуализм. Образом картин все чаще становится толпа. Талантливые работы того времени принадлежат перу Паоло Веронезе, Якопо Тиноретто.

Паоло Веронезе

Италия подарила миру самых талантливых художников эпохи Возрождения, о них в истории живописи встречается больше всего упоминаний. Между тем в других странах в этот период живопись также развивалась, и оказала влияние на развитие этого искусства. Живопись других стран в этот период называют Северным Возрождением.

Искусствоед.ру – сетевой ресурс о культуре и искусстве

Просмотры: 34 159

Эпоха Возрождения — одна из самых ярких в истории человечества. Она не только дала толчок к развитию изобразительного искусства, но заложила основы дальнейшего развития европейской культуры Нового времени. Идеологической базой Возрождения стал гуманизм — течение общественной мысли, которое зародилось в 14 веке в Италии, а затем на протяжении второй половины 15 — 16 века распространилось в других европейских странах, провозгласившее высшей ценностью человека и его благо. Гуманисты считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Наиболее ярко и полно воплотились идеи гуманизма в изобразительном искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями.

Источником знаний и образцом художественного творчества для гуманистов была античность. Несмотря на декларируемое гуманистами возвращение к классической древности в противопоставлении «варварству» средневековой культуры, искусство Ренессанса во многом сохранило преемственность по отношению к предшествовавшей художественной традиции.

В новую эпоху на первое место выступает творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была на редкость многообразной. Поражает разносторонняя одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали в различных областях, совмещая занятия живописью, скульптурой, архитектурой с увлечением литературой, поэзией и философией, с занятиями точными науками. Выражение «человек Возрождения», «ренессансная личность», обозначающее разносторонне одаренную личность, стало впоследствии нарицательным.

Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей (правящих богатых семейств) — крупнейших покровителей и заказчиков произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине 15 века, богатая купеческая Венеция. В 16 веке столицей итальянского Возрождения стал Рим. Впоследствии местные центры искусства, кроме Венеции, утратили прежнее значение.

В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов:

1. Проторенессанс (вторая половина 13 — 14 век),
2. Раннее Возрождение (15 век),
3. Высокое Возрождение (конец 15 — первые десятилетия 16 века)
4. Позднее Возрождение (последние две трети 16 века).

ПРОТОРЕНЕССАНС

В итальянской культуре 13 — 14 веков уже начали появляться черты нового искусства. «Последний поэт Средневековья» и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265 — 1321) создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы 14 столетия — Франческо Петрарка (1304 — 1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313 — 1375), основоположник жанра новеллы.

Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.

Итальянская архитектура долго следовала средневековым традициям, что выражалось в основном в использовании многих мотивов готики — крупных, спокойных форм, горизонтального членения внутреннего пространства, широких поверхностей стен. Раньше, чем в архитектуре и живописи, новые художественные тенденции наметились в скульптуре. Ярче всего это проявилось в работах скульпторов пизанской школы, основателем которой был

Никколо Пизано (около 1220 — между 1278 и 1284).

Его творчество развивалось под влиянием античной традиции, он, несомненно, изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла на ее дальнейшее формирование. Главным достижением ваятеля стало то, что он сумел придать формам объем и выразительность, а каждому изображению — телесную мощь. Образы Пизано статичны, величавы и бесстрастны. Из мастерской Никколо Пизано вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын

Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный и как архитектор.

Одним из самых ценных источников сведений о жизни и творчестве итальянских художников Возрождения служит внушительный труд «Жизнеописания наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» (1550), принадлежащий перу Джорджо Вазари (1511 — 1574), итальянского архитектора, живописца и историка искусства. Первое жизнеописание в книге Вазари посвящено Чимабуэ (около 1240 — около 1302), которого он назвал родоначальником нового итальянского стиля живописи. Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлеченность и статичность. Хотя в своем творчестве Чимабуэ следовал византийским традициям, он старался выразить земные чувства, смягчить жесткость византийского канона.

Чимабуэ, Джованни. Верхняя церковь, интерьер. Восточная часть. Чимабуэ, Джованни. Фрески Верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, фреска на средокрестном своде, сцена: св. Иоанн Евангелист, деталь: архитектура. 1280-1283 Чимабуэ, Джованни. Фрески Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи, правый неф, сцена: Мадонна на троне, четыре ангела и св. Франциск. 1278-1280 Чимабуэ, Джованни. Мадонна со святыми (Мадонна Санта Тринита). 1280-1285 Чимабуэ, Джованни. Мария с ангелами, из церкви Сан Франческо в Пизе. Около 1280 Чимабуэ, Джованни. Мозаика кафедрального собора в Пизе, сцена: Христос на престоле с Марией и Иоанном, деталь: Иоанн. 1301-1302 Чимабуэ, Джованни. Распятие из Санта Кроче во Флоренции, состояние до 1966. 1287-1288 Чимабуэ, Джованни. Фрески Верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, фреска на средокрестном своде, сцена: св. Марк, деталь: архитектура (Италия). 1280-1283 Чимабуэ, Джованни. Фрески Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи, сцена: Сон Иннокентия III. Около 1260 Чимабуэ, Джованни. Фрески Нижней церкви Сан Франческо в Ассизи, сцена: Св. Франциск отрекается от имущества. Около 1260 Чимабуэ, Джованни. Фрески Верхней церкви Сан Франческо в Ассизи, фреска на средокрестном своде, сцена: св. Лука. 1280-1283

Одним из учеников Чимабуэ был Джотто ди Бондоне. Наиболее известные произведения Джотто — фрески в капелле дель Арена в Падуе (1304 — 1306), названной так потому, что на ее месте когда-то находился цирк. Сравнительно небольшая капелла имеет форму вытянутого прямоугольника. Впечатление простора и наполненности светом в сравнительно небольшом помещении возникает благодаря фрескам Джотто, их сияющим краскам и ясности форм — на холодновато синем фоне выделяются фигуры, написанные в желтых, розовых, зеленых тонах. Роспись посвящена жизни Богоматери и Христа. На стене у входа помещен «Страшный суд», напротив находится «Благовещение»; на длинных стенах расположены в три ряда самостоятельные композиции, связанные между собой как фрагменты одного рассказа. Повествование неторопливо и незамысловато, исполнено спокойного достоинства. Образы Джотто естественны, человечны, сдержанны, лица однотипны, детали скупы. При этом, используя язык жестов, движений, обобщенных силуэтов, художнику удалось передать различные оттенки чувств и душевных состояний. Каждая композиция, являясь частью целого, может восприниматься и как самостоятельное произведение. Новаторское значение искусства Джотто осознали уже его современники, оно привлекало к себе большое внимание и в последующие века.

Дуччо ди Буонинсенья (около 1255 — 1320), старший современник Джотто и основатель сиенской школы живописи, в своем творчестве придерживался традиций византийской иконописи. Его крупнейшая работа — огромный алтарный образ «Маэста» («Величие»). В центре вытянутой горизонтальной композиции восседает на троне Мадонна с Младенцем, которых окружают святые и ангелы; вокруг расположены также отдельные, меньшие по размерам сцены на сюжеты из жизни Богоматери и Христа. Оборотная сторона доски состояла из множества небольших, полных драматизма изображений на темы Страстей Господних.

К кругу Дуччо принадлежал Симоне Мартини (около 1284 — 1344). Он увлекался светской позднеготической культурой, рыцарской поэзией, французской миниатюрой; работал в Сиене, Ассизи, Неаполе, а в последние годы жизни — при папском дворе в Авиньоне, где стал другом Петрарки. Для палаццо Публико города Сиена он создал несколько фресок. На одной из них — большой фреске «Маэста» (1315) — под сенью легкого розового балдахина с алыми и белыми кистями Мадонна с Младенцем, а также окружающие ее святые и ангелы образуют изящную группу. На противоположной стене зала художник поместил темную фреску иного характера. В истории искусства она стала первым изображением конкретного исторического события с портретом современника, который, к тому же, явился прототипом будущих конных монументов. В верхней части стены изображен на коне кондотьер Гвидориччо де Фольяни. Его лицу мастер придал портретные черты. Одеяние прямо держащегося в седле всадника и попона лошади имеют одинаковый узор из крупных темно-синих ромбов на желтом фоне. Узор как бы объединяет всадника и животное в одно существо.

Мартини, Симонe Алтарный образ из Кембриджа. Трое святых с ангелами в навершиях. Слева направо: св. Амвросий, архангел Михаил, св. Августин 1320-1325 Дерево, темпера Кембридж (Великобритания). Музей Фицуильям Мартини, Симонe Алтарный образ из Пизы. Мадонна со святыми 1319 Дерево, темпера Пиза. Музей Сан Маттео Мартини, Симонe Благословляющий Христос Около 1317 76 x 46 см Дерево, темпера Неаполь. Национальная галерея Каподимонте Предположительно часть алтаря Мартини, Симонe Евангелист Иоанн 1330-1339 34,5 x 24 см Дерево, темпера Бирмингем. Бирмингемский университет, Барберовский институт изящных искусств Предположительно правая створка диптиха распятия Мартини, Симонe Кондотьер Гвидориччо да Фольяно 1328 340 x 968 см Фреска Сиена. Палаццо Пубблико, зал Карты мира Мартини, Симонe Мадонна на троне как покровительница города в окружении святых. Фреска из Палаццо Пубблико в Сиене Закончена в 1316 Фреска Сиена. Палаццо Пубблико, зал Карты мира

РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

В 15 веке искусство Италии заняло господствующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской культуры были заложены во Флоренции. Политическая власть принадлежала здесь купцам и ремесленникам, особое влияние на городские дела оказывали несколько богатейших семейств, постоянно соперничавших друг с другом. Эта борьба закончилась в конце 14 века победой дома Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Медичи стекались писатели, поэты, ученые, архитекторы и художники. В архитектуре тогда произошел подлинный переворот. Во Флоренции развернулось широкое строительство, на глазах менявшее облик города.

Уроженцем Флоренции был Филиппо Брунеллески (1377 — 1446), родоначальник ренессансной архитектуры Италии, один из создателей научной теории перспективы. Разносторонне одаренный, получивший широкое гуманистическое образование, он первоначально работал как скульптор и участвовал в конкурсе 1401 года на лучший проект бронзовых рельефов для дверей флорентийского баптистерия. Раннее творение Брунеллески — купол собора Санта Мария дель Фьоре во Флоренции. Архитектору предстояло перекрыть без возведения лесов огромный пролет купола (диаметр основания 42 метра). Зодчий изобрел необычайно сложную для своего времени конструкцию: легкий пустотелый купол с двойной оболочкой и каркасом из восьми ребер, который опоясывали кольца. Грандиозный купол, покрытый темно-красной черепицей, связанный крепкими белыми ребрами и увенчанный изящным беломраморным световым фонарем, торжественно парит над городом как величественный образ Флоренции. Творение Брунеллески — предшественник многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы.

Следующий этап развития итальянской архитектуры 15 века связан с именем Леона Баттисты Альберти (1404 — 1472), философа и ученого. По многогранности деятельности и интересов, охватывавших гуманитарные и точные науки, экономику, философию, поэзию, музыку, живопись, скульптуру, архитектуру, Альберти — идеальная «ренессансная личность», сравнимая лишь со всемирно известным мыслителем и художником классического Возрождения Леонардо да Винчи. Страстный поклонник античности, Альберти создал в 1430-х годах «Описание города Рима», составив его первую топографическую карту, и написал свой знаменитый трактат «Десять книг о зодчестве» (1449 — 1452). Ранее им были созданы трактаты «О живописи» и «О статуе» (1435 — 1436). В Италии и за ее пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства. И все же его главным призванием оставалась архитектура, хотя зодчему далеко не всегда удавалось осуществить свои смелые идеи. Полнее всего оригинальный замысел Альберти удалось выразить во флорентийском палаццо Ручеллаи (1446 — 1451), которое завершил его помощник известный архитектор Бернардо Росселино. Общая композиция здания традиционна, зато фасад приобрел новые черты. Стена выложена гладкими отшлифованными каменными блоками, украшена пилястрами. Работая в Мантуе над строительством церкви Санта Андреа (была завершена после смерти зодчего), Альберти полностью отошел от готических принципов. Огромный фасад церкви напоминает триумфальную арку. Такой же прием Альберти использовал ранее в церкви Сан Франческо в городе Римини, превращенной им по заказу правителя Сиджизмондо Малатеста в усыпальницу, так называемую Темпио Малатестиано (здание не было завершено). Многие постройки Леона Баттисты Альберти оформлены системой большого ордера (колонны и пилястры располагаются по всей поверхности фасада от низа до верха), которая будет использоваться Микеланджело и Палладио.

Альберти, Леон Баттиста Палаццо Ручеллаи Начата около 1456 Флоренция Альберти, Леон Баттиста Санта Мария Новелла Флоренция Альберти, Леон Баттиста Собор Святого Петра (купол) 1546-1565 Рим Альберти, Леон Баттиста Темпио Малатестиано 1450-1468 Римини. Сан Франческо Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Верхняя часть фасада Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Верхняя часть фасада Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Западный фасад Начат около 1471 Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро. Неф и хор Начат около 1471 Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Темпьетто дель Санто Сеполькро 1467 Флоренция. Санта Мария Новелла Альберти, Леон Баттиста Трактат «Об архитектуре». План церкви с трансептом 1550 Альберти, Леон Баттиста Трактат «Об архитектуре». Центрический план с круглыми апсидами 1550 Альберти, Леон Баттиста Трактат «Об архитектуре» 1550

В 15 веке переживала расцвет и итальянская скульптура. Она приобрела самостоятельное, независимое от архитектуры значение, в ней появились новые жанры. В практику художественной жизни начинали входить заказы богатых купеческих и ремесленных кругов на украшение общественных зданий. В 1401 году был объявлен конкурс на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия. Победил на конкурсе блестящий рисовальщик Лоренцо Гиберти (около 1381 — 1455). Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, Гиберти, в творчестве которого главным были равновесие и гармония всех элементов изображения, посвятил жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Вершиной его творчества, воплотившей результаты его исканий, стали восточные двери флорентийского баптистерия (1425 — 1452), которые Микеланджело назвал «Вратами рая» Составляющие их десять квадратных композиций из позолоченной бронзы передают глубину пространства, в которой сливаются фигуры, природа и архитектура. Своей выразительностью они напоминают живописные картины.

Гиберти, Лоренцо Баптистерий. Деталь северных дверей: Тайная вечеря 1425-1452 39 x 39 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Баптистерий. Северные двери 1404-1424 Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Барельеф головы Витторио, сына Лоренцо Гиберти 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Барельеф головы Лоренцо Гиберти 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Библейский персонаж 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Восточные двери. Деталь. Каин и Авель 1425-1452 80 x 80 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо «Врата рая». Восточные двери 1425-1452 506 x 287 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Исаак посылает Исава на охоту 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. История Иосифа 1425-1452 80 x 80 см Бронза, позолота Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Каин убивает Авеля 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Обнаружение посланными Иосифа золотой чаши у Вениамина 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Опьянение Ноя 1425 Флоренция. Баптистерий Гиберти, Лоренцо Врата рая. Сивилла 1425 Флоренция. Баптистерий

Из мастерской Гиберти вышел будущий великий реформатор итальянской скульптуры Донато ди Никколо ди Бетто Барди, прозванный Донателло (около 1386 — 1466). Донателло старался передать в искусстве жизненную правду, одновременно придавая своим работам черты возвышенной героики. Эти характерные особенности проявились уже в ранних работах мастера — статуях святых, предназначенных для наружных ниш фасадов церкви Ор Сан Микеле во Флоренции, и ветхозаветных пророков флорентийской кампанилы. В 1430 году Донателло создал «Давида» — первую в итальянской скульптуре Возрождения статую обнаженного человека, предназначавшуюся для фонтана во внутреннем дворе палаццо Медичи. Библейский пастух, победитель великана Голиафа, — один из излюбленных образов Ренессанса. Изображая его юношеское тело, Донателло, несомненно, исходил из античных образцов, но переработал их в духе своего времени. Задумчивый и спокойный Давид в пастушьей шляпе, затеняющей его лицо, попирает ногой голову Голиафа и словно не сознает еще совершенного им подвига.

Донателло Давид 1408-1409 Высота: 191 см Мрамор Флоренция. Национальный музей Барджелло Донателло Давид, деталь 1444-1446 Высота: 158 см Бронза Флоренция. Национальный музей Барджелло Донателло Давид 1444-1446 Высота: 158 см Бронза Флоренция. Национальный музей Барджелло Донателло Избиение младенцев в Вифлееме, фрагмент Первая половина 15 века Перо Ренн. Музей изящных искусств, Кабинет рисунков Донателло Кафедра певчих, деталь 1433-1438 Мрамор, мозаика Флоренция. Музей собора Донателло Кафедра певчих, деталь 1433-1438 Мрамор, мозаика Флоренция. Музей собора Донателло Кафедра певчих 1433-1438 Мрамор, мозаика Флоренция. Музей собора Донателло Кающаяся Магдалина, фрагмент Около 1456-1457 Высота: 236 см Бронза, позолота Флоренция. Палаццо Веккио Донателло Кающаяся Магдалина Около 1456-1457 Высота: 236 см Бронза, позолота Флоренция. Палаццо Веккио Донателло Конная статуя Гаттамелаты 1444-1453 Высота: 340 см Бронза на мраморном постаменте Падуя. Площадь дель Санто Донателло Мадонна Пацци Около 1417-1418 74,5 x 69,5 см Мрамор Берлин. Государственный музей Донателло Несение креста Первая половина 15 века Перо, отмывка Четсуорт (графство Дербишир). Девонширская коллекция Донателло Пир Ирода Около 1425 60 x 60 см Бронза, позолота Сиена. Баптистерий Донателло Пророк Аввакум («Цукконе») 1423-1426 Высота: 195 см Мрамор Флоренция. Музей собора Донателло Св. Георгий 1416-1417 Высота: 209 см Мрамор Флоренция. Музей собора Донателло Св. Марк 1411-1413 Высота: 236 см Мрамор Флоренция. Орсанмикеле Донателло Христос перед Пилатом Первая половина 15 века Перо на бумаге Четсуорт (графство Дербишир). Девонширская коллекция Донателло Юдифь и Олоферн Около 1456-1457 Высота: 236 см Бронза, позолота Флоренция. Палаццо Веккио

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, светскому искусству. Ведущая роль в нем принадлежала семье скульпторов делла Роббиа. Глава семьи Лукка делла Роббиа (1399 или 1400 — 1482), современник Брунеллески и Донателло, прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе, часто сочетая их с архитектурой. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа, Иоанна Крестителя. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435 — 1525).

Огромная роль, которую в архитектуре раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо. Брунеллески и Донателло переживали творческий расцвет, когда родился Мазаччо (1401 — 1428). Он умер молодым, не дожив до 27 лет, и все же успел сделать в живописи целый ряд открытий. Классическим образцом алтарной композиции стала его «Троица» (1427 — 1428), созданная для церкви Санта Мария Новелла во Флоренции. На фреске представлены распятие, фигуры Марии и Иоанна Крестителя, которых осеняет образ Бога Отца. На переднем плане запечатлены коленопреклоненные заказчики, как бы находящиеся в самом помещении церкви. Величавая отрешенность образов сочетается здесь с невиданной до тех пор реалистичностью в передаче пространства и архитектуры, с объемностью фигур, выразительной портретной характеристикой лиц заказчиков и с удивительным по силе чувства образом Богоматери.

В творчестве современника Мазаччо Паоло Уччелло (1397 — 1475) тяга к нарядной сказочности приобретала подчас наивный оттенок. Эта особенность творческого стиля художника стала его своеобразной визитной карточкой. Но в творчестве Уччелло своенравная фантазия сочеталась со страстью изучения перспективы. Он вошел в историю как один из тех живописцев, кто впервые стал применять в своих полотнах линейную перспективe. Смелые искания Уччелло нашли выражение в трех его известных картинах, заказанных Козимо Медичи и посвященных битве флорентийцев с сиенскими войсками при Сан-Романо. Художник изобразил, как на фоне игрушечного пейзажа сошлись в ожесточенной схватке всадники и воины, перемешались копья, щиты, древки знамен. В целом картина производит впечатление условной, застывшей, на редкость красивой, поблескивающей золотом декорацией с фигурами коней красного, розового и даже голубого цвета.

Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406 — 1469), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных картин, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», написанная для капеллы в палаццо Медичи, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.

Несколько особняком в истории флорентийской школы стоит творчество Доменико Венециано (до 1410 — 1461). В его картинах (среди которых «Мадонна с четырьмя святыми», созданная около 1445) господствуют тонкая и воздушная гармония красок, серебристый свет. С его именем связывают изысканные профильные женские портреты.

Мастерство Венециано как замечательного колориста не оказало заметного влияния на живопись Флоренции, но получило дальнейшее развитие в творчестве его великого ученика — Пьеро делла Франческа (около 1420 — 1492), крупнейшего художника и теоретика Возрождения. Самое замечательное создание Пьеро делла Франческа — его фрески в алтаре церкви Сан Франческо в Ареццо (1452 — 1466). Они посвящены истории креста, на котором был распят Христос, рассказанной в популярной в то время «Золотой легенде» итальянского монаха 13 века Якопо де Вораджине. В узкой готической капелле с высоким окном художнику пришлось расположить фрески в три яруса. В размещении сцен мастер не следовал строго за нитью повествования, а стремился создать общее композиционное единство, фресковый ансамбль, рассчитанный на единовременное обозрение. Фрески производят необычайно сильное впечатление. Алтарь из-за сочетания почти не приглушенных тенями красок — голубых, розовых, светло и темно-зеленых, желтых и вишнево-красных — кажется залитым светом. Господствуют голубые и синие тона — даже вороные лошади написаны темно-синим, а не черным. Сочетание объемности и в то же время плоскостности в изображении — одна из удивительных особенностей искусства Пьеро делла Франческа, который, строго соблюдая законы перспективы, не создавал иллюзии глубины пространства.

Во второй половине 15 столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие прекрасные мастера. Среди живописцев наиболее знаменит Андреа Мантенья (1431 — 1506). Он стремился создавать такие образы, в которых соединялись черты античных героев и людей эпохи Возрождения. Наибольшую известность Мантенье принесли многочисленные росписи дворцовых покоев. Из всех его работ до нас дошли девять полотен «Триумфа Цезаря» в Риме и фрески «Камеры дельи Спози» Мантуанского дворца (1465 — 1474), ставшие основным вкладом этого художника в монументальную живопись эпохи Возрождения. В тот период Мантенья вновь вернулся к своей любимой античной теме: на больших полотнах, написанных гризайлью, он словно воссоздал древнеримские рельефы. Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю североитальянскую живопись.

Мантенья, Андреа Гравер: Мантенья, Андреа Вакханалия с винным прессом Около 1494 332 х 462 мм Резцовая гравюра на меди Четсуорт (графство Дербишир). Девонширская коллекция Мантенья, Андреа Цикл фресок в свадебном зале герцогского дворца в Мантуе [11]. Купольная фреска 1473 Фреска Мантуя. Палаццо Дукале (Герцогский дворец) Заказчик: Лодовико Гонзага Мантенья, Андреа Мертвый Христос Около 1490-1500 66 x 81 см Дерево, темпера Милан. Пинакотека Брера Мантенья, Андреа Парнас 1497 160 x 192 см Холст Париж. Лувр Мантенья, Андреа Празднество богов 1514 170 x 188 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Мантенья, Андреа Самсон и Далила 1495 47 x 37 см Холст Лондон. Национальная галерея Монохромная картина (гризайль) на крашенном охрой фоне Мантенья, Андреа Святое семейство со св. Елизаветой и младенцем Иоанном Последняя треть 15 века 75 x 61 см Холст Дрезден. Картинная галерея Мантенья, Андреа Семь апостолов, наблюдающих Вознесение Христа Около 1661 290 х 218 мм Неочиненное перо бистром, кисть в контурах, подсветка белым, на грунтованной серо-зеленым тоном бумаге Кембридж (штат Массачусетс). Художественный музей Фогг, Отдел гравюры и рисунка Мантенья, Андреа Торжество Добродетели Около 1504 106 x 192 см Холст, темпера Париж. Лувр Триумф Цезаря Мантенья, Андреа Христос в Гефсиманском саду (Моление о чаше) 1455 63 x 80 см Дерево, темпера Лондон. Национальная галере Мантенья, Андреа Юдифь и Олоферн Около 1495 30,11 x 18,1 см Дерево Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея

Особое место в живописи раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (1445 — 1510). Его имя стало известно благодаря картине «Поклонение волхвов» (1476), на которой изображены три поколения правителей Флоренции — Медичи. Его знаменитые картины зрелого периода «Весна» (около 1477 — 1478) и «Рождение Венеры» (1483 — 1484) навеяны стихами выдающегося гуманиста Анджело Полициано. Аллегорическая картина «Весна«, написанная для украшения виллы Медичи, принадлежит к числу наиболее сложных произведений Боттичелли. В «Рождении Венеры» впервые со времен античности богиня изображена обнаженной, а ее поза напоминает классические статуи. Благодаря поверхностной моделировке и четкости контуров изображение кажется барельефным, лишенным трехмерности. Художник не придает значения глубине пространства, но в картине ощущается свобода движения, а тела обладают чувственной красотой. В начале 1490-х годов в творчестве Боттичелли произошел решительный перелом. На него оказали сильнейшее влияние страстные проповеди доминиканского монаха Савонаролы, обличавшего папство, аристократию, богатство и гуманистическую культуру. Когда в 1494 году Медичи были изгнаны из Флоренции, а во главе республики фактически оказался Савонарола, Флоренцию охватил религиозный фанатизм. На улицах запылали костры, в которых горели предметы роскоши и даже произведения искусства. Боттичелли мучительно метался между гуманистической ренессансной культурой художественного кружка при дворе Медичи и призывами к аскетизму Савонаролы. Сильное впечатление на художника произвела казнь монаха, обвиненного в ереси: он был повешен перед Палаццо Веккьо, а затем сожжен на костре.

В поздний период творчества Боттичелли обращался к религиозным сюжетам трагического характера. К ним относятся две картины «Оплакивание Христа» (около 1500 года).

Боттичелли, Сандро Благовещение 1489-1490 150 x 156 см Дерево, темпера Флоренция. Галерея Уффици Боттичелли, Сандро Весна (Primavera) Около 1482 203 x 314 см Дерево, темпера Флоренция. Галерея Уффици Боттичелли, Сандро Данте и Вергилий у скованных гигантов 1480-1495 323 х 470 мм Перо поверх рисунка серебряным карандашом, на пергаменте Берлин. Гравюрный кабинет Боттичелли, Сандро Оплакивание Христа Около 1495 107 x 71 см Дерево, темпера Милан. Музей Польди Пеццоли Боттичелли, Сандро Осень 31,7 x 25,3 см Черный мел, перо, коричневые чернила, акварель, белила на тонированной бледно-розовой бумаге Лондон. Британский музей Боттичелли, Сандро Поклонение волхвов, тондо Около 1473 Диаметр: 131,5 см Дерево, темпера Лондон. Национальная галерея Возможно, совместная работа с Филиппо Липпи Боттичелли, Сандро Поклонение волхвов Около 1472 50 x 136 см Дерево, темпера Лондон. Национальная галерея Возможно, совместная работа с Филиппо Липпи Боттичелли, Сандро Поклонение волхвов 1481-1482 70,2 x 104,2 см Дерево, темпера Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея В 1470-1471 годах Боттичелли созданы четыре картины на тему «Поклонение волхвов», срав. Национальная галерея, Лондон и Уффици, Флоренция Боттичелли, Сандро Рождение Венеры Около 1485 172,5 x 278,5 см Холст, темпера Флоренция. Галерея Уффици

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Джорджоне, Тициан Вечелио, Донато Браманте, охватывает сравнительно короткий период — от конца 15 века до конца второго десятилетия — середины 16 века. Научные открытия расширили представления людей о мире — не только о земле, но и о Космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов, изобразительный язык стал обобщенным и сдержанным. Центром строительства в эпоиху Высокого Возрождения стал Рим, где сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе.

ДОНАТО БРАМАНТЕ

Донато Браманте (1444 — 1514) начинал творческую деятельность как живописец. Как на архитектора на него оказали сильнейшее влияние градостроительные идеи Леонардо да Винчи. В течение 20 лет Браманте работал в Милане и возвел несколько великолепных зданий. Одно из самых значительных — перестроенная по приказу Лодовико Моро алтарная часть церкви Санта Мария делла Грацие. В этой постройке Браманте с редким изяществом соединил местные ломбардские традиции с античной ордерной архитектурой. Наибольших высот архитектор достиг во время работы в Риме, куда он переехал в 1499 году. Именно там искусство Браманте приобрело классическую чистоту, монументальность, пластическое совершенство. Зодчему пришлось завершать начатый другим архитектором фасад палаццо Канчеллария. Благодаря огромной, четко расчлененной поверхности фасада с плоским рустом величественный дворец приобрел черты общественного сооружения. Безупречный по очертанию стройных арок большой красивый прямоугольный внутренний двор был целиком создан Браманте. Начало новому классическому стилю положил маленький круглый Темпьетто (храмик), воздвигнутый зодчим в 1502 году во дворе монастыря Сан Пьетро ин Монторио. В этом скромном по размерам памятнике была осуществлена идея центрического купольного сооружения.

С восшествием на папский престол Юлия II — человека энергичного, который к тому же заботился о возвеличении Папского государства, — началась пора перестройки и украшения Рима; Браманте стал главным папским архитектором. В 1505 году приступили к созданию дворцового комплекса в Ватикане. Браманте намеревался построить систему дворцовых зданий и дворов, начиная от двора Сан Дамазо до Бельведера, который служил для турниров, шествий, праздничных зрелищ. Но при жизни архитектора это колоссальное сооружение не было полностью возведено; ныне двор расчленен возведенными позднее зданиями. Браманте стал первым архитектором собора Святого Петра, который было решено построить на месте обветшавшей базилики. В этом здании, призванном своим великолепием затмить все памятники древнего Рима, должна была получить самое совершенное воплощение идея центрально-купольного храма. Замысел архитектора обладал поистине имперским величием. План сооружения представлял собой греческий крест, вписанный в квадрат с огромным полусферическим куполом над средокрестием, четырьмя малыми куполами и высокими башнями по углам. Все четыре фасада должны были быть одинаковыми, с преобладанием строго классических форм.

Браманте, Донато Античный воин Около 1477 127 x 285 см Фреска Милан. Пинакотека Брера Браманте, Донато Вид на винтовую лестницу Бельведера Ватикан Браманте, Донато Внутренний двор церкви Санта Мария делла Паче Закончен 1504 Рим Браманте, Донато Гераклит и Демокрит 1477 Перенесена на холст Милан. Пинакотека Брера Браманте, Донато Палаццо Каприни (Дом Рафаэля) Начата около 1501 Рим Браманте, Донато План Темпьетто и окружающего его двора Рим Браманте, Антонио; Капрарола, Кола ди Санта Мария делла Консолационе 1508 Тоди Браманте, Донато Санта Мария делле Грацие. Интерьер Милан. Санта Мария делле Грацие Браманте, Донато Санта Мария делле Грацие Начата около 1492 Милан Браманте, Донато Св. Христофор Вторая половина 15 века 308 х 190 мм Серебряный штифт и подсветка белым на подготовленной бумаге, разметка на квадраты Копенгаген. Государственный художественный музей, Королевское собрание графики Браманте, Донато; Микеланджело Буонаротти; Фонтана, Доменико и Джакомо делла Порте Собор Святого Петра. Интерьер 1452-1626 Ватикан Браманте, Донато; Микеланджело Буонаротти; Фонтана, Доменико и Джакомо делла Порте Собор Святого Петра 1452-1626 Ватикан Браманте, Донато Темпьетто Сан Пьетро ин Монторио 1502 Рим

ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ

В истории человечества нелегко найти столь же гениальную личность, как Леонардо да Винчи (1452 — 1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника и ученого стал ясен только тогда, когда были проанализированы разрозненные документы его наследия. Несмотря на многочисленные исследования, посвященные различным сторонам деятельности Леонардо, многое в его творчестве остается загадочным и продолжает волновать умы людей.

Вскоре после переезда из Флоренции в Милан Леонардо пишет «Мадонну в скалах», где использует очень необычный сюжет поклонения младенца Иоанна младенцу Христу в присутствии Богоматери и ангела. Фигуры и лица окутаны воздушной дымкой, придающей им особую мягкость. Итальянцы этот прием Леонардо называли «сфумато». В Милане, по-видимому, мастер создал и полотно «Мадонна с Младенцем» («Мадонна Литта»). Здесь он стремился к большей обобщенности и идеальности образа. Изображен не определенный момент, а некое длительное состояние спокойной радости, в которое погружена прекрасная молодая женщина, кормящая грудью ребенка. Иной, драматический настрой отличает монументальную роспись Леонардо «Тайная вечеря», исполненную им в 1495 — 1497 годах для трапезной церкви Санта Мария делла Грацие в Милане. Неудовлетворенный ограниченными возможностями традиционной техники фресковой живописи, Леонардо в виде эксперимента использовал в этой работе смесь масла и темперы, которая плохо держалась на поверхности стены. Поэтому еще при жизни мастера краски начали осыпаться. Но и сейчас еще можно судить о сильнейшем впечатлении, которое она некогда производила на зрителей. Фреска огромна — 4,6 на 8,8 м, занимает всю торцевую стену трапезной. Поражает в первую очередь ее строгая уравновешенность. Архитектура играет роль фона, подчиненного расположению фигур — прием, обратный тому, что было принято в эпоху раннего Возрождения. Очевидно, художник хотел придать всей сцене компактность, причем не только внешнюю, но и внутреннюю, для чего разделил композицию на несколько уровней значения. Изображена драматическая кульминация трапезы, когда Христос произнес роковые слова: «Один из вас предаст меня». На эти слова каждый из апостолов реагирует по-своему, проявляя свой характер, свое собственное отношение к Спасителю. Изображенные на фреске апостолы подтверждают слова Леонардо — наивысшая и наиболее трудная задача живописца заключается в изображении «намерения человеческой души» с помощью жестов, движений рук и ног.

Когда в 1499 году Милан был взят французскими войсками, Леонардо покинул город. Началась пора его скитаний. Некоторое время он работал во Флоренции. Там творчество художника словно озарила яркая вспышка: он написал портрет Моны Лизы, супруги богатого флорентийца Франческо ди Джокондо (около 1503). Изысканное сфумато доведено здесь до предельного совершенства. Формы смоделированы последовательным нанесением прозрачных красочных слоев, благодаря чему возникает эффект внутреннего свечения картины. Но в большей степени зрителя завораживает обаяние модели. Художник в этой работе вновь создает гармонию двух противоположных начал — идеализированного образа и портрета реальной женщины.

Нельзя себе представить, что Леонардо да Винчи мог жить и творить в другую эпоху. И, тем не менее, его личность выходила за ее пределы. О масштабе и уникальности его дарования позволяют судить рисунки мастера, наброски, схемы, неразрывно связанные не только с рукописями, посвященными точным наукам, но и с работами по теории искусства. В знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других его записях большое внимание уделено изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Много места отдано проблемам передачи светотени, объемной моделировке, линейной и воздушной перспективе.

Леонардо да Винчи Автопортрет Около 1512 333 х 214 мм Сангина на бумаге Турин. Королевская библиотека Леонардо да Винчи Анатомический рисунок черепа Около 1490 19 x 13,7 см Сангина, перо, по наброску черным мелом Из собрания Ее величества королевы Елизаветы II Леонардо да Винчи Воин в античном доспехе, в профиль Около 1478 282 х 200 мм Серебряный штифт на желтовато-белой бумаге Лондон. Британский музей, Отдел гравюры и рисунка Леонардо да Винчи Голова молодой женщины Около 1486 145 х 197 мм Серебряный штифт на грунтованной синим тоном бумаге Виндзорский замок. Королевская библиотека Леонардо да Винчи Голова Христа в терновом венце Около 1500 92 х 116 мм Серебряный штифт на бумаге Венеция. Галерея Академии Леонардо да Винчи Дама с горностаем (Чечилия Галлерани) Около 1484 54 x 40 см Холст, масло Краков. Национальный музей Леонардо да Винчи Канон пропорций мужской фигуры по Витрувию 34,4 x 24,5 см Тушь Венеция. Галерея Академии Леонардо да Винчи Крещение Христа Около 1472-1475 177 x 151 см Дерево, масло Флоренция. Галерея Уффици Написана совместно с Андреа Вероккьо Леонардо да Винчи Мадонна Бенуа Около 1478 49,5 x 31,5 см Дерево, масло Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Леонардо да Винчи Мадонна в скалах. Мадонна с Младенцем Иисусом, младенцем Иоанном Крестителем и ангелом Около 1483-1486 198 x 123 см Холст Париж. Лувр Леонардо да Винчи Мадонна в скалах 1503-1506 189,5 x 120 см Дерево, масло Лондон. Национальная галерея Первоначально центральная часть триптиха, см. также парижскую версию Леонардо да Винчи Мадонна Литта Около 1490 42 x 33 см Дерево, темпера Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Леонардо да Винчи Мадонна с гвоздикой 1478 42 x 67 см Дерево, масло Мюнхен. Старая Пинакотека Леонардо да Винчи Мадонна с младенцем и Св. Анной Около 1510 168 x 112 см Дерево, масло Париж. Лувр Леонардо да Винчи Мона Лиза (Джоконда) 1503-1505 77 x 53 см Дерево, масло Париж. Лувр Леонардо да Винчи Пейзаж долины Арно 1473 193 х 285 мм Перо коричневым тоном, на бумаге Флоренция. Галерея Уффици, Кабинет рисунков и гравюр Леонардо да Винчи Поклонение волхвов Около 1482 246 x 243 см Дерево Флоренция. Галерея Уффици Леонардо да Винчи Портрет дамы (Беатриче д’Эсте?) Около 1490 51 x 34 см Дерево, масло Милан. Пинакотека Амброзиана Авторство Леонардо оспаривается Леонардо да Винчи Портрет музыканта Около 1490 40,6 x 30,1 см Холст, масло Милан. Библиотека Амброзиана Леонардо да Винчи Св. Иероним Около 1480 103 x 75 см Дерево Рим. Ватиканская пинакотека Незавершенная картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря 1495-1497 420 x 910 см Фреска (масляная темпера) Милан. Трапезная монастыря Санта Мария делле Грацие

РАФАЭЛЬ

С творчеством Рафаэля Санти (1483 — 1520) в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии, это был художник, открытый миру (в противоположность гению-одиночке Микеланджело). Гений Рафаэля обладал необыкновенной способностью к синтезу, что позволило ему, объединив достижения Леонардо и Микеланджело, создать искусство, проникнутое одновременно лиризмом и драматизмом, поражающее богатством использованных живописных средств и скульптурной моделировкой форм. Настроение душевной чистоты, еще несколько наивное в одной из его первых небольших картин — «Мадонна Конестабиле» (1502 — 1503), — приобрело возвышенный характер в лучшем произведении раннего периода Рафаэля — «Обручение Марии» (1504). Происходящая на фоне чудесной архитектуры сцена обручения Марии и Иосифа представляет собой образ высокой красоты. Выразительны, певучи, метки и пластичны их движения, позы и жесты героев, например, сближающиеся руки Марии и Иосифа. Успехи Рафаэля были настолько значительны, что в 1508 году его пригласили к папскому двору в Рим. Художник получил заказ на роспись парадных апартаментов Папы, так называемых станц (комнат) в Ватиканском дворце. Росписи ватиканских станц (1509 — 1517) принесли Рафаэлю славу, выдвинули его в ведущие мастера не только Рима, но и всей Италии.

В первой из комнат, Станце делла Сеньятура, по-видимому, находилась папская библиотека, и в своих росписях, покрывающих стены и потолок, художник представил четыре области духовной деятельности человека: богословие, философию, юриспруденцию и поэзию. Из этих фресок «Афинская школа» долгое время считалась шедевром Рафаэля. На ней изображена философская школа города Афины: Платон и Аристотель стоят в окружении известных греческих философов, каждому из которых придана своя поза. Тело и дух, действие и чувство приведены здесь в полную гармонию, каждому персонажу отведена его собственная роль. В целом по своему духу фреска тяготеет к «Тайной вечере» Леонардо.

Рафаэль был замечательным мастером рисунка. Здесь ярко проявилось его безупречное, легкое, свободное чувство линии. Значительный вклад он внес и в архитектуру. Само имя Рафаэля в дальнейшем стало олицетворением идеального, наделенного божественным даром художника.

Рафаэль Санти Обручение Девы Марии. 1504 Lo sposalizio della Vergine Дерево, масло. 174 × 121 см Брера, Милан Рафаэль Санти Станца делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Диспут (прославление таинства евхаристии), фрагмент. Архитектор Браманте (с книгой), Франческо Мария делла Ровере (стоит на переднем плане) 1509 Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II Рафаэль Санти Станца [11] делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Афинская школа 1509-1510 500 x 700 см Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II, станца изначально была комнатой, где папа заверял документы подписью, затем библиотекой, позднее залом церковного трибунала Рафаэль Санти Два обнаженных мужчины 41 x 28,1 см Сангина, по наброску карандашом, на белой бумаге Вена. Собрание графики Альбертина Рафаэль Санти Мадонна в зелени. Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем 1506 113 x 88 см Дерево, масло Вена. Музей истории искусства Заказчик: Таддео Таддеи Рафаэль Санти Мадонна Грандука. Мадонна с Младенцем 1504 84 x 55 см Дерево, масло Флоренция. Палаццо Питти Рафаэль Санти Мадонна Конестабиле. Мадонна с Младенцем 1504 Диаметр: 17,9 см Дерево, масло, перенесена на холст Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Рафаэль Санти Станца [03] делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Диспут (прославление таинства евхаристии) 1509 500 x 770 см Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II Рафаэль Санти Несение креста Около 1516 318 x 229 см Холст, масло Мадрид. Прадо Первоначально алтарая картина для Санта Мария делло Спазимо в Палермо, написана совместно с учениками Рафаэля Рафаэль Санти Станца [25] делла Сеньятура в Ватикане. Настенная фреска. Парнас 1510-1511 Основание около 670 см Фреска Рим. Ватикан, Станца делла Сеньятура Заказчик: папа Юлий II, станца изначально была комнатой, где папа заверял документы подписью, затем библиотекой, позднее залом церковного трибунала Рафаэль Санти Портрет молодого человека Около 1504 54 x 39 см Дерево, масло Будапешт. Венгерский музей изобразительных искусств Рафаэль Санти. Преображение Христа. Около 1518 Рафаэль Санти. Святое семейство с агнцем. 1507 Рафаэль Санти. Сикстинская Мадонна. Мадонна с младенцем, папа Сикст II и св. Барбара. 1513-1514 Рафаэль Санти. Три грации. 1504-1505 Рафаэль Санти. Станца делла Сеньятура в Ватикане. Фреска в плафоне (фрагмент). Адам и Ева. 1508 Рафаэль Санти. Станца делла Сеньятура в Ватикане. Фреска в плафоне (фрагмент). Юстиция. 1508

МИКЕЛАНДЖЕЛО

Представление о гениальности как о божественном вдохновении, о сверхчеловеческой способности, дарованной нескольким избранным личностям и через них себя проявляющей, наиболее полно иллюстрируется жизнью и творчеством Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564). Он был убежден, что создание образа человека является наивысшим средством самовыражения, и в этом он ближе к античной скульптуре, чем другие ренессансные художники. Его самое известное произведение первого римского периода — «Пьета» («Оплакивание Христа», созданное в 1498 — 1501 годах) в капелле собора Святого Петра. На коленях Марии распростерто безжизненное тело Христа. Горе матери светло и возвышенно, лишь в жесте левой руки словно выплескивается наружу душевное страдание. Вернувшись во Флоренцию в 1501 году, Микеланджело принялся за исполнение монументальной мраморной статуи Давида (1501 — 1504). Статуя достигает пяти с половиной метров высоты. Не изображая головы поверженного Голиафа, скульптор сумел создать образ не героя-победителя, но защитника города. В статуе спокойствие сочетается с внутренней напряженностью, она выражает столь характерное для Микеланджело «действие в покое».

Микеланджело считал себя скульптором, что, однако, не помешало ему быть великим живописцем и архитектором. Самое грандиозное произведение монументальной живописи Высокого Возрождения — роспись потолка Сикстинской капеллы в Ватикане, выполненная в 1508 — 1512 годах. Плафон представляет собой грандиозный ансамбль, включающий сотни фигур, ритмично размещенных в отведенных им полях, на которые художник расчленил свод капеллы. Роспись потолка поражает внутренним единством гигантской композиции.

Микеланджело Буонаротти Битва кентавров Около 1490-1492 80,5 x 88 см Мрамор Флоренция. Дом Буонаротти Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения [09]. Бог-творец в окружении четырех мужских фигур 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Брут 1540 Флоренция. Национальный музей Барджелло Микеланджело Буонаротти Вакх Около 1535 Флоренция. Национальный музей Барджелло Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения. Господь сотворяет Адама 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения. Грехопадение и Изгнание из рая 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Гробница Джулиано, герцога Немурского 1520 Флоренция Микеланджело Буонаротти Гробница папы Юлия II 1542-1545 Мрамор Рим. Сан Пьетро ин Винколи Микеланджело Буонаротти Давид 1501-1504 Высота: 434 см Мрамор Флоренция. Галерея Академии Микеланджело Буонаротти Давид-Аполлон 1530 Флоренция. Национальный музей Барджелло Микеланджело Буонаротти Мадонна с младенцем между Св. Козмой и Дамианом Флоренция Микеланджело Буонаротти Мадонна у лестницы Около 1490 55,5 x 40 см Мрамор Флоренция. Дом Буонаротти Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Медный змий 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Моисей 1513-1516 Высота: 235 см Мрамор Рим. Сан Пьетро ин Винколи Микеланджело Буонаротти Обнаженный юноша 390 x 190 см Фреска Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения [04]. Отделение света от тьмы 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Площадь Капитолия Рим Микеланджело Буонаротти Победа Около 1520-1525 Высота: 261 см Мрамор Флоренция. Палаццо Веккио Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Повешение Амана на дереве 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Положение во гроб Около 1510 161 x 149 см Дерево, масло Лондон. Национальная галерея Микеланджело Буонаротти Порта Пиа Начата 1562 Рим Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Пророк Даниил 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Пророк Иеремия 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Пьета Около 1547-1555 Высота: 226 см Мрамор Флоренция. Музей собора Микеланджело Буонаротти Пьета Ронданини 1552/1553-1564 Высота: 195 см Мрамор Милан. Городской музей и пинакотека Кастелло Сфорцеско Микеланджело Буонаротти Пьета 1497-1499 Высота: 174 см Мрамор Рим. Собор Святого Петра Микеланджело Буонаротти Раб 1532-1534 Флоренция Микеланджело Буонаротти Распятие Св. Петра. Капелла Паолина Ватикан Микеланджело Буонаротти Распятие Св. Петра 1545-1550 625 x 661 см Фреска Рим. Капелла Паолина Микеланджело Буонаротти Речной бог на лестнице палаццо Сенаторов Рим Микеланджело Буонаротти Сан Лоренцо. Новая сакристия 1519-1527 Флоренция Микеланджело Буонаротти Святое семейство 1504-1505 Диаметр: 120 см Дерево, масло Флоренция. Галерея Уффици Микеланджело Буонаротти Страшный суд 1534-1541 17 x 13,3 см Фреска Рим. Сикстинская капелла Микеланджело Буонаротти Умирающий раб Около 1513-1516 Высота: 229 см Мрамор Париж. Лувр Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения (фрагмент с центральными сценами). Жертвоприношение Ноя, Грехопадение и Изгнание из рая, Допрос и Проклятие Адама и Евы 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, общий вид 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II Микеланджело Буонаротти Фрески плафона Сикстинской капеллы. История творения, сцена в люнете. Эритрейская сивилла 1508-1512 Фреска Рим. Ватикан, Сикстинская капелла Заказчик: папа Юлий II

ДЖОРДЖОНЕ

Наивысшего расцвета в 16 веке достигла венецианская живопись с ее богатыми традициями, созданными мастерами предшествующего столетия. Джордже Барбарелли да Кастельфранко, прозванный Джорджоне (1476 или 1477 — 1510) сформировался в среде венецианских гуманистов. Он писал картины для ценителей искусства и частных коллекций, однако его крупные работы, выполненные по заказам, не сохранились. Известно лишь несколько картин мастера, написанных маслом. Джорджоне — художник тонкой поэзии, глубокого лирического чувства, скрытых переживаний. В его картинах нет ни сюжета, ни активного действия. Но его творчество полно пленительной красоты, сохраняет вечную волнующую привлекательность. Главную роль в его живописи играет колорит с многообразием тонов и их мягкими переливами. Одна из ранних работ Джорджоне — «Юдифь» (около 1502) — посвящена подвигу библейской героини Юдифи, спасшей родной город от нашествия ассирийцев. Прекрасная кроткая Юдифь олицетворяет в картине высшую справедливость.

Герои Джорджоне чаще всего пребывают в раздумье, погружены в созерцание собственного внутреннего мира. Знаменитая картина «Гроза» (около 1505) полна таинственной поэтичности, которой подчинены не столько люди, сколько сама природа, напряженно застывшая в ожидании грозы. Впервые в истории живописи пейзаж играет столь важную роль в картине, как бы отражая душевное состояние героев. В 1507 — 1508 годах Джорджоне создал картину «Спящая Венера» — самый прекрасный женский образ в искусстве Высокого Возрождения. В расцвете творческих сил он умер от чумы, не успев завершить свою великую картину, и пейзаж в ней дописывал Тициан.

Джорджоне Автопортрет (?) Около 1500-1510 52 x 43 см Холст Брауншвейг. Музей герцога Антона-Ульриха Вероятно, автопортрет в облике Давида; возможно, картина первоначально изображала Давида и Голиафа, но нижняя ее часть с головой Голиафа была отрезана Джорджоне Лаура (портрет молодой женщины) Около 1506 41 x 33,6 см Холст, наклеенный на дерево Вена. Музей истории искусства Джорджоне Мадонна с младенцем на фоне пейзажа 1500-1510 44 x 36,5 см Дерево, масло Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Джорджоне Поклонение волхвов 1500-1510 29 x 81 см Дерево Лондон. Национальная галерея Джорджоне Поклонение пастухов Около 1500-1510 91 x 111 см Дерево Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Джорджоне Сельский концерт 1500-1510 110 x 138 см Холст Париж. Лувр С равной достоверностью приписывается Джорджоне и Тициану Вичелио Джорджоне Спящая Венера Около 1510 108 x 175 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Джорджоне Три возраста жизни Около 1500-1510 62 x 77 см Дерево Флоренция. Палаццо Питти Атрибуция спорна Джорджоне Три философа Около 1503-1504 123,5 x 144,5 см Холст Вена. Музей истории искусства Джорджоне Читающая мадонна Около 1500-1510 76 x 60 см Дерево Оксфорд. Музей Эшмолеан На заднем плане площадь св. Марка в Венеции Джорджоне Юдифь Около 1505 144 x 66,5 см Дерево Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж Джорджоне Гроза Около 1507-1508 82 x 73 см Холст Венеция. Галерея Академии

ТИЦИАН

В отличие от рано ушедшего из жизни Джорджоне, Тициан Вечеллио прожил почти столетие (1476 или 1477 — 1576). Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Он был одним из создателей монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и парадного. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи, оказавшим сильное воздействие на ее развитие в 17 столетии. Художника привлекали образы пышной женской красоты, как, например, в самой известной его картине раннего периода «Любовь небесная и земная» (1515 — 1516). Полотно «Вакханалия«, написанное около 1518 года, является откровенно языческим по духу и было вдохновлено встреченным у античного автора описанием подобного празднества. Пейзаж, колорит которого построен на контрасте холодных и теплых тонов, обладает поэтичностью, присущей «Грозе» Джорджоне, но фигуры персонажей трактованы иначе. Энергичные, сильные и жизнерадостные, они движутся с полной раскованностью. Персонажи идеализированы настолько, чтобы убедить в своей принадлежности к ушедшим временам.

В последний период творчества, начиная с 1550-х годов, Тициана волновала трагическая сторона жизни, зрелище человеческих страданий. В этот период он пишет картину «Бичевание Христа«, где освещенные во мраке пламенем факелов фигуры палачей, полных бессмысленной ярости, противопоставлены нравственной силе Христа. В картине «Святой Себастьян» герой, пронзенный стрелами, но не сломленный, словно возникает из хаоса Вселенной. Окружающий его мир охвачен грозным движением; колорит теряет яркость красок, становится почти монохромным, широкие свободные мазки сглаживают четкость очертаний, и живописная поверхность как будто вибрирует. Последняя большая алтарная картина Тициана — «Оплакивание Христа» (1573 — 1576). В сумеречном свете, на фоне грязной каменной ниши, группа близких застыла у тела Христа в безмолвной скорби. С криком отчаяния выбегает навстречу зрителю рыжеволосая Магдалина, жестом стремительно поднятой руки она словно призывает весь мир разделить безмерное горе.

Тициан пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера принадлежит скорее уже позднему Возрождению. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами и гибнущий, сохраняет свое величие.

Тициан Вечелио Кающаяся Мария Магдалина Около 1565 119 x 98 см Холст, масло Санкт-Петербург. Государственный Эрмитаж «Любовь земная и Любовь небесная» (1514) Тициан Вечелио Автопортрет Около 1562 96 x 75 см Холст, масло Берлин. Картинная галерея Бичевание Христа, 1560 Холст, масло Тициан Вечелио Благовещение Около 1564 410 x 240 см Холст, масло Венеция. Сан Сальваторе Тициан. Вакханалия. Около 1518 Тициан Вечелио Венера и Адонис 1553 186 x 207 см Холст, масло Мадрид. Прадо Заказчик: Филипп II Испанский, из цикла картин на поэтические темы для испанского короля, 1553-1562 Тициан Вечелио Венера с зеркалом Около 1555 124,5 x 105,4 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Из наследия Тициана Вечелио Тициан Вечелио Даная 1553-1554 128 x 178 см Холст, масло Мадрид. Прадо Заказчик: Филипп II Испанский, из цикла картин на поэтические темы для испанского короля, 1553-1562 Тициан Вечелио Конный портрет императора Карла V 1548 332 x 279 см Холст, масло Мадрид. Прадо Тициан Вечелио Нимфа и пастух Около 1570 149,7 x 187 см Холст, масло Вена. Музей истории искусства Оплакивание Христа 1576 галерея Академии Венеция Тициан Вечелио Положение во гроб Около 1566 130 x 168 см Холст, масло Мадрид. Прадо Тициан Вечелио Похищение Европы 1559-1562 185 x 205 см Холст, масло Бостон (штат Массачусетс). Музей Изабеллы Стюарт Гарднер Заказчик: Филипп II Испанский Тициан Вечелио Саломея с головой Иоанна Крестителя Около 1560 87 x 80 см Холст, масло Мадрид. Прадо Святой Себастьян 1570 Эрмитаж

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Во второй половине 16 века в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиклассические тенденции. Однако они почти не затронули Венецию, которая во второй половине 16 столетия стала главным очагом позднеренессансного искусства, давшей миру таких великих мастеров как Андреа Палладио, Паоло Веронезе, Якопо Тинторетто.

АНДРЕА ПАЛЛАДИО

Андреа Палладио (1508 — 1580) — крупнейший ренессансный архитектор Северной Италии в эпоху позднего Возрождения. Он родился в Падуе, большое влияние на него оказали североитальянские гуманисты. Поэт Джанджорджо Триссино из Виченцы дал ему прозвище Палладио (от имени греческой богини Афины Паллады), потому что считал этого юношу способным возродить красоту и мудрость древних греков. Палладио заложил принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма 17 — 18 веков и получили название палладианства. Свои идеи он изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570). Он считал, что произведения архитектуры должны создаваться по законам разума и в соответствии с определенными универсальными правилами. Образцом для любого зодчего остаются произведения античных строителей. Композиции Палладио исполнены естественности, покоя, завершенности, строгой упорядоченности; ясна и целесообразна планировка зданий, связанных с окружающей средой. Постройки Палладио украсили Виченцу, Венецию и прилегающие к ним загородные местности. Архитектура вилл, построенных Палладио, необычайно разнообразна. Но их объединяют общие принципы, отвечающие требованиям удобства, чувству меры, симметрии и свободы композиции, гармонично связанной с окружающей природой. Самая знаменитая вилла «Ротонда» (1551 — 15б7) близ Виченцы стоит на открытой местности на холме. Она представляет собой кубический объем, увенчанный куполом, с одинаковыми портиками в виде фронтонов античных храмов со всех четырех сторон. При этом портики виллы прекрасно гармонируют со стеной позади них и являются неотъемлемой частью всего сооружения, придавая конструкции ощущение спокойного достоинства и праздничного изящества. Блестяще найденное Палладио композиционное и пластическое решение «Ротонды» послужило в будущем прообразом для многих храмов и мавзолеев.

Палладио, Андреа Анфилада комнат на вилле Барбаро 1560-1570 Мазер Палладио, Андреа Вилла Барбаро 1560-1570 Мазер А. Палладио. Вилла Альмерико-Вальмарана («Ла Ротонда» или «Капра») в Виченце. 1551—1567, достроена Винченцо Скамоцци. Фасад. Палладио, Андреа Вилла Фоскари (Малконтента) 1559-1560 Под Венецией Палладио, Андреа Интерьер Театра Олимпико 1580-1583 Виченца Палладио, Андреа Интерьер церкви Иль Реденторе 1577-1592 Венеция Палладио, Андреа Лоджиа дель Капитано Виченца Палладио, Андреа Палаццо Вальмарана 1566-1582 Виченца Палладио, Андреа Палаццо делла Раджионе 1549-1617 Виченца Палладио, Андреа Палаццо Кьерикати Начат 1551 Виченца Палладио, Андреа Фасад церкви Иль Реденторе 1577-1592 Венеция Палладио, Андреа Фасад церкви Сан Дзакария 1458-1534 Венеция Палладио, Андреа Фронтиспис первого издания «Четыре книги об архитектуре» 1570 Венеция Палладио, Андреа Центральный купол виллы Ротонда 1551-1567 Под Виченцой Палладио, Андреа Церковь Сан Джорджо Маджоре Начата около 1566 Венеция

ПАОЛО ВЕРОНЕЗЕ

Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в живописи Паоло Веронезе (1528 — 1588). В 1558 году художник получил приглашение принять участие в украшении Дворца дожей в Венеции, где он создал великолепные декоративные ансамбли настенных и плафонных росписей со множеством персонажей и занимательных деталей. Блестящий мастер колорита, Веронезе использовал насыщенные звучные цвета и тончайшие оттенки, объединенные общим серебристым тоном. Одна из лучших работ молодого Веронезе — росписи потолка церкви Сан Себастьяно в Венеции (1556 — 1557), посвященные истории библейской героини Эсфири. Мастер использовал эффект «прорыва» потолка, в результате чего перед зрителями «открывалось» голубое небо. Фигуры были изображены в головокружительных ракурсах.

В годы творческого расцвета Веронезе украсил росписями виллу Барбаро Вольпе в Мазере (15б0 — 15б1), построенную Андреа Палладио. Эти фрески стали одним из крупнейших достижений монументально-декоративной живописи. Центральное место в станковой живописи Паоло Веронезе занимают его знаменитые монументальные холсты на евангельские сюжеты. Эти произведения известны под общим названием «Пиры Веронезе» К ним относятся, в частности, картины «Брак в Кане» (1563) и «Пир в доме Левия» (1573).

Веронезе, Паоло Брак в Кане 1563 669 x 990 см Холст Париж. Лувр Веронезе, Паоло Венера и Адонис 1580 212 x 191 см Холст, масло Мадрид. Прадо Веронезе, Паоло Венера и Марс Около 1580 206 x 161 см Холст Нью-Йорк. Музей Метрополитен Веронезе, Паоло Голгофа Вторая треть 16 века 102 x 102 см Холст, масло Париж. Лувр Веронезе, Паоло Дворец Дожей. Роспись плафона До 1585 Венеция. Дворец Дожей Веронезе, Паоло Измена Около 1565 191 x 191 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Веронезе, Паоло Купание Вирсавии Вторая треть 16 века Холст, масло Лион. Музей изящных искусств Веронезе, Паоло Купание Сусанны Вторая треть 16 века 198 x 198 см Холст, масло Париж. Лувр Веронезе, Паоло Марс и Венера Вторая треть 16 века 163 x 125 см Холст, масло Эдинбург. Национальная галерея Шотландии Веронезе, Паоло Мистическое обручение св. Екатерины Вторая треть 16 века Холст, масло Монпелье. Музей Фабр Веронезе, Паоло Нахождение Моисея Вторая треть 16 века 178 x 277 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Веронезе, Паоло Noli me tangere («Не прикасайся ко мне») Вторая треть 16 века Холст, масло Гренобль. Городской музей Веронезе, Паоло Похищение Европы Около 1580 240 x 303 см Холст Венеция. Дворец Дожей Веронезе, Паоло Проповедь Иоанна Крестителя Вторая треть 16 века 208 x 140 см Холст, масло Рим. Галерея Боргезе Веронезе, Паоло Свадьба в Кане Галилейской Вторая треть 16 века 207 x 457 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Веронезе, Паоло Спасение младенца Моисея из вод Нила Вторая треть 16 века 50 x 43 см Холст, масло Мадрид. Прадо Веронезе, Паоло Трапеза в доме Левия Вторая треть 16 века 555 x 1280 см Холст, масло Венеция. Галерея Академии Веронезе, Паоло Христос в Эммаусе Вторая треть 16 века 241 x 415 см Холст, масло Париж. Лувр Веронезе, Паоло Христос и книжники 1548 236 x 430 см Холст, масло Мадрид. Прадо Веронезе, Паоло Христос и сотник из Капернаума Вторая треть 16 века 192 x 297 см Холст, масло Мадрид. Прадо

ЯКОПО ТИНТОРЕТТО

Полной противоположностью Веронезе был его современник Тинторетто (1518 — 1594). Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности этого последнего из великих мастеров итальянского Возрождения. Вслед за поздним Микеланджело и Тицианом Тинторетто проложил новые пути в искусстве. Он острее и глубже, чем большинство его современников, ощущал трагизм своего времени. Мастер восстал против сложившихся в изобразительном искусстве традиций — соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности, расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства. Славу Тинторетто принесла картина «Чудо Святого Марка» (1548). Выразительность форм и насыщенная цветовая гамма, сочетание крупных пятен красного и синего создают впечатление чуда, происходящего на глазах у смятенной толпы. Стремительно летящий вниз головой Святой Марк в развевающейся алой одежде останавливает казнь несправедливо осужденного. Реставрация последних десятилетий обнаружила во всем великолепии богатую красочную палитру мастера. В картине «Введение во храм» в церкви Санта Мария дель Орто (1555) художник выразительно и смело построил композицию по диагонали — самому динамичному приему в живописи. Тинторетто привлекали массовые сцены. Созданная им для Дворца дожей «Битва при Царе» (около 1585) занимает целую стену. В сущности, это первая подлинно историческая картина в европейской живописи. Для того чтобы передать в картине напряжение битвы, мастер использовал беспокойный ритм линий, цветовые удары, вспышки света.

Тинторетто, Якопо Битва архангела Михаила с сатаной Вторая половина 16 века 318 x 220 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Тинторетто, Якопо Битва при Таро 1578-1579 270 x 422 см Холст, масло Мюнхен. Старая Пинакотека Цикл батальных полотен, заказчик: герцог Мантуанский Тинторетто, Якопо Вакх и Ариадна 1578 146 x 157 см Холст, масло Венеция. Дворец Дожей Из цикла картин для зала Антиколлегии Дворца дожей в Венеции Введение Марии во храм 1553-1555 Церковь Санта Мария дель Орто, Венеция Тинторетто, Якопо Возникновение Млечного пути Около 1575 148 x 165 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Заказчик: император Рудольф II Тинторетто, Якопо Даная Вторая половина 16 века Холст, масло Лион. Музей изящных искусств Тинторетто, Якопо Девы мудрые и неразумные Вторая половина 16 века Холст, масло Роттердам. Музей Бойманса-ван Бёйнингена Тинторетто, Якопо Крещение Христа Вторая половина 16 века 137 x 105 см Холст, масло Мадрид. Прадо Тинторетто, Якопо Моисей высекает воду из скалы 1577 554 x 526 см Холст, масло Венеция. Скуола Сан Рокко Тинторетто, Якопо Музицирующие женщины Вторая половина 16 века 142 x 214 см Холст, масло Дрезден. Картинная галерея Тинторетто, Якопо Нахождение Моисея Вторая половина 16 века 76,3 x 132 см Холст, масло Нью-Йорк. Музей Метрополитен Тинторетто, Якопо Рай Около 1579 143 x 362 см Холст, масло Париж. Лувр Тинторетто, Якопо Распятие 1565 518 x 1224 см Холст, масло Венеция. Скуола Сан Рокко Тинторетто, Якопо Св. Георгий и дракон Около 1560 158 x 100 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Тинторетто, Якопо Тайная вечеря 1592-1594 365 x 568 см Холст Венеция. Сан Джорджо Маджоре Тинторетто, Якопо Укрытие тела св. Марка 1562-1566 421 x 306 см Холст, масло Венеция. Галерея Академии Тинторетто, Якопо Цикл картин «Чудо св. Марка». Чудо св. Марка 1548 415 x 541 см Холст, масло Венеция. Галерея Академии Первоначально в Скуоле Сан Марко в Венеции Тинторетто, Якопо Юдифь и Олоферн 1550-1560 188 x 251 см Холст Мадрид. Прадо

ЭЛЬ ГРЕКО

Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии. Но нельзя не упомянуть еще одного художника, чье своеобразное творчество имело большое значение для искусства последующих эпох. Доменико Теотокопули (1541 — 1614), прозванный Эль Греко, уроженец греческого острова Крит, проведший большую часть жизни в Испании, тоже был представителем венецианской школы. Он усвоил уроки Тициана, Тинторетто, Рафаэля, Микеланджело и других мастеров, но на его творчество оказал влияние мистицизм, получивший широкое распространение именно в Испании. Это придало его работам высокую одухотворенность.

Самая впечатляющая по размерам и по силе воздействия из значительных работ Эль Греко — «Погребение графа Оргаса» (1586) в церкви Санто-Томе в Толедо. На огромном полотне прославляется добродетель и набожность усопшего вельможи, пожертвовавшего при жизни церкви большую часть своего состояния. В этом произведении художник демонстрирует высокое мастерство в передаче цвета, фактуры различных материалов; каждая деталь — облака, руки и ноги, развивающиеся одежды — участвует в вихреобразном движении. Для создания целостного образа экстатического видения художник использовал весь арсенал выразительных средств своего времени.

Образы, рожденные воображением Эль Греко, наделены некоей бестелесной одухотворенностью, и в этом их главное отличие от искусства эпохи Контрреформации в Испании с его физической убедительностью, почти осязаемостью.

Эль Греко Изгнание торгующих из храма До 1570 65 x 83 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Эль Греко Кающаяся Мария Магдалина Около 1580 156,5 x 121 см Холст, масло Будапешт. Венгерский музей изобразительных искусств Эль Греко Несение креста 1577-1579 108 x 78 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Погребение графа Оргаса Около 1586 480 x 360 см Холст, масло Толедо. Сан Томе Эль Греко Портрет дворянина Около 1584-1594 46 x 43 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Портрет папы Пия V Около 1600-1610 Холст Париж. Частное собрание Эль Греко Распятие 1577-1579 35 x 26 см Медь, масло Милан. Частное собрание Эль Греко Св. Мартин и нищий Около 1597-1599 98 x 191 см Холст, масло Вашингтон (округ Колумбия). Национальная галерея Эль Греко Свадьба в Кане Галилейской Около 1600 30 x 41 см Холст, масло Страсбург. Музей изящных искусств Эль Греко Святое семейство 1594-1604 107 x 69 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Сновидение Филиппа II Около 1580 139 x 109 см Холст, масло Мадрид. Эскориал Эль Греко Тайная вечеря 1596 43 x 52 см Дерево, масло Болонья. Национальная пинакотека Эль Греко Троица 1577 300 x 179 см Холст, масло Мадрид. Прадо Эль Греко Христос изгоняет торгующих из храма Около 1600 106 x 128 см Холст, масло Лондон. Национальная галерея Эль Греко Христос исцеляет слепого Около 1570 65,5 x 84 см Дерево, масло Дрезден. Картинная галерея

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ — нам не надо, прост для общего развития

Большинство художников 15 века, живших к северу от Альп, оставались равнодушными к итальянским формам и идеям. Но в 1500-х годах ситуация резко изменилась: в северные края хлынул поток произведений итальянского искусства. И на смену «поздней готике» постепенно пришло Северное Возрождение. Это довольно условный термин, так как характер объединяемых им художественных направлений был разнообразнее, чем в Италии в 16 веке. Различным был и характер влияния итальянских ренессансных произведений — тут были и Раннее, и Высокое, и Позднее Возрождение во всем многообразии региональных вариантов.

Матис Готхард Грюневальд (1480 — 1529) был заново открыт только в 20 столетии. Его главное произведение — Изенгеймский алтарь — уникальное для северного искусства того времени произведение. Оно поражает своей величественностью; особенно сильное впечатление остается от «Распятие». Вся композиция в целом создает ощущение единства преходящего и вечного, реального и символического.

Сильный отпечаток наложило итальянское искусство на творчество Альбрехта Дюрера (1471 — 1528). Разделяя точку зрения итальянских мастеров, что изобразительное искусство принадлежит к гуманитарным наукам, Дюрер перенял также и идеал художника как гуманного человека и ученого. Усердно пополняя свои интеллектуальные и творческие познания, он смог освоить за свою жизнь огромное множество тем и технических средств. А, будучи величайшим мастером гравюры того времени, Дюрер оказал широкое влияние на искусство 16 века через свои листы, которые получили распространение во всей Европе. Он был первым художником, неравнодушным к своему внешнему облику, чем он очень близок к духу Возрождения. Торжественная фронтальная поза и идеализация черт в автопортрете 1500 года говорят о незаурядной личности, совершенно не похожей на обычных портретируемых. В картине выразилось не столько тщеславие Дюрера, сколько та серьезность, с какой он воспринимал свою миссию художника-реформатора.
Лукас Кранах Старший (1472 — 1553) известен, прежде всего, своими портретами и восхитительно непоследовательными мифологическими сценами, в который получила воплощение особая северная трактовка идей гуманизма. Так, на картине «Суд Париса» главный герой изображен в виде немецкого рыцаря в модных доспехах, а три грации — в виде манерных, кокетливых обнаженных дам.

Для нидерландского художника Питера Брейгеля Старшего (1525 или 1530 — 1569) характерно обращение к пейзажу, крестьянской жизни и морально-аллегорическим композициям. В картине «Притча о слепых» (1568) чувствуется философское неприятие религиозного и политического фанатизма. Источник сюжета — Евангелие от Матфея (15, 12-19), но он многократно трактовался и пересказывался гуманистами как притча о человеческой глупости. Брейгелю удалось придать сюжету особенную выразительность и трагическую глубину.

* * *

Искусство Возрождения, зародившееся в Италии как сочетание гуманистических идей с поиском новых средств и форм в изобразительном искусстве, постепенно распространилось практически на территории всей Европы, в каждом ее регионе получая собственные трактовки и находки. Эта эпоха оказала огромное влияние на формирование мировоззрения и идеалов культуры Нового времени.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

LiveJournal

Одноклассники

Мой мир

Живопись Возрождения | Artrue

Стиль и идеи эпохи ренессанса.

Суд Соломона

Живопись Возрождения

В качестве основных идей искусства Ренессанса выступают наиболее важные открытия в области философии и нововведения этого исторического периода. Особенно знаменитыми композициями, дошедшими до нас их этой эпохи, отличаются Итальянские художники. Живопись Ренессанса несла свою философию и личность художников, которые поднимались из ямы анонимности и безызвестности, добиваясь впечатляющих высот. Лучшие живописцы были востребованы среди коллекционеров, знати, богачей и правителей.

Страшный суд

Религия

Живопись в средние века преобладала сценами из Библии и сюжетами мифологии. Это направление было тесно связано с архитектурой. Картины и фрески служили украшением для церковных стен, потолков, алтарей, дверных проемов и прочих элементов. В начале эпохи Возрождения традиция начала меняться, так как художники стали создавать произведения, призванные стать в первую очередь произведением искусства, зрители которого восхищались бы стилем мастера. Изображение религиозного содержания перестает быть лишь объектом поклонения и различных ритуалов. Религиозные образы до сих пор играют важную роль в искусстве севера.

Семь смертных грехов

Гуманизм

Гуманизм Возрождения оставил важный отпечаток на живописи. Художники сочетают в работах языческие и христианские мифы, изучают анатомию, чтобы прийти к более реалистичному изображению человеческой формы, пишут сцены, создающие эффект объемности. Новые методы в значительной мере способствовало изобретению масляной и станковой живописи. Такой рост укрепляет это направление, как самодостаточного раздел искусства.

Художники эпохи Возрождения, как правило, обучались у более старших и опытных мастеров. После этого юный мастер обычно отправлялся в путешествие, чтобы изучить иную архитектуру и картины своих современников.

Работодатели

Мастера охотно искали покровительства богатых дворян, королей, пап, чтобы обеспечить себя богатством. Частные лица заказывали портреты себя и членов своей семьи. Художники занимаются интерьерной живописью, процветающие города покрываются фресками.

Капелла. Фото.

Переход к барокко

В конце ренессанса итальянские мастера разрабатывают стиль, известный как «маньеризм». Картины в этом стиле изображали многолюдные и сложные сцены, играли со зрителем, создавая оптические иллюзии. Маньеризм не связан с религиозными или классическими мифами, а просто выражал мастерство художника. Конец ренессанса знаменуется началом периода барокко, который будет господствовать в Европе на протяжении двух столетий.

Юдифь, убивающая Олоферна

Живопись эпохи Возрождения — список художников по алфавиту | Художники

Живопись эпохи Возрождения — Список художников

Для живописи эпохи Возрождения характерно обращение профессионального взгляда художника к природе, к законам анатомии, жизненной перспективе, действию света и другим идентичным естественным явлениям. Художники Возрождения, работая над картинами традиционной религиозной тематики, начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа как элемент сюжета на заднем плане. Это позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными, в чём проявилось резкое отличие их творчества от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

А

Буонаротти Микеланджело1475 – 1564; итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель. Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения и раннего барокко — 204 картины

В

Вечеллио Тициан, Тициан 1488/1490–1576; итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения — 324 картины
Винчи, Леонардо да 1452–1519; итальянский художник и учёный, изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения — 203 картины

Г

Герардо ди Джованни Дель Фора 1445-1497; итальянский художник флорентийской школы — 18 картин

Д

З

И

К

Караваджо, Микеланджело Меризи да 1571-1610; итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко — 90 картин

Л

Леонардо да Винчи 1452–1519; итальянский художник и учёный, изобретатель, писатель, музыкант, один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения — 203 картины

М

Микеланджело Буонаротти1475 – 1564; итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель. Один из крупнейших мастеров эпохи Возрождения и раннего барокко — 204 картины
Микеланджело Меризи да Караваджо1571-1610; итальянский художник, реформатор европейской живописи XVII века, основатель реализма в живописи, один из крупнейших мастеров барокко — 90 картин

Н

О

Огюст Ренуар 1841-1919; французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма — 1208 картины

П

Р

Рафаэль Санти 1483-1520; великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы — 189 картины
Рембрандт Харменс ван Рейн 1606-1669; голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи — 675 картины
Ренуар, Пьер Огюст 1841-1919; французский живописец, график и скульптор, один из основных представителей импрессионизма — 1208 картины

С

Санти, Рафаэль 1483-1520; великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы — 189 картины

Т

Тициан, Тициан Вечеллио 1488/1490–1576; итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения — 324 картины

У

Ф

Фора, Герардо ди Джованни Дель 1445-1497; итальянский художник флорентийской школы — 18 картин

Х

Харменс ван Рейн, Рембрандт 1606-1669; голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи — 675 картины

Ц

Ч

Ш

Щ

Э

Я

Ян Вермеер 1632–1675 ; нидерландский художник-живописец, мастер бытовой живописи и жанрового портрета — 38 картин

224,Живопись и наука эпохи Возрождения: кратко

Эпоха Возрождения или Ренессанса (от фр. Renaissance) представляет собой период европейской истории, ознаменованный многими культурными преобразованиями.

Эпоха Возрождения пришла на смену Средним векам и стала промежуточным звеном между ними и эпохой Просвещения.

В данной статье мы хотим кратко осветить ключевые моменты эпохи Возрождения, и рассказать интересные факты из этого исторического периода.

Блок: 1/6 | Кол-во символов: 403
Источник: https://interesnyefakty.org/epoha-vozrozhdeniya/

Эпоха Возрождения кратко

Сразу же нужно сказать, что эпоха Возрождения европейской культуры имела мировое значение. Точные годы Ренессанса установить невозможно, тем более что для каждого европейского государства они отличаются. Однако принято считать, что эпоха Возрождения началась в XIV веке, а закончилась в начале XVII века.

Чем же ознаменовался этот период? Прежде всего, тем, что на смену средневековому религиозному фанатизму пришла светская культура и гуманизм.

Антропоцентризм (то есть центральное место во всех культурных и научных изысканиях занимает человек) стал господствующей идеологией.

Именно тогда возрождается интерес к забытой античной культуре. Собственно от этого и происходит термин «Возрождение».

Если говорить кратко о Ренессансе, то основным его феноменом было то, что после падение Византийской империи, бежавшие в разные европейские державы византийцы, начали распространять свои библиотеки. А именно в них содержалось множество античных источников, которые в Европе того времени практически не были известны.

В городах стали появляться и набирать обороты различные научные и культурные центры, действующие независимо от церкви. Началось это движение в Италии.

Условно эпоху Возрождения можно разделить на 4 этапа:

1. Проторенессанс (2-я половина XIII века — XIV век)
2. Раннее Возрождение (начало XV — конец XV века)
3. Высокое Возрождение (конец XV — первые 20 лет XVI века)
4. Позднее Возрождение (середина XVI — 1590-е годы)

С полной уверенностью можно сказать, что на все государства Европы Ренессанс оказал колоссальное влияние.

По сути, эпоха Возрождения – это переход от феодального общественного устройства к буржуазному. Именно тогда формируются национальные государства, между которыми начинает процветать торговля, и устанавливаются международные дипломатические отношения.

Неимоверными темпами развивается наука, а книгопечатание увековечивает этот исторический период на века. Географические открытия и появление естествознания стали переломным моментом в осознании человеком самого себя. Закладывается основа всех будущих научных теорий и открытий.

Блок: 2/6 | Кол-во символов: 2083
Источник: https://interesnyefakty.org/epoha-vozrozhdeniya/

Раннее Возрождение

В начале XV века Филиппо Брунеллески (1377—1446), флорентийский учёный и архитектор, открыл и описал законы линейной перспективы в живописи. Это позволило художникам получать совершенные изображения трёхмерного пространства на плоском полотне картины.

Другим важным шагом стало появление нерелигиозного, секулярного искусства. Портрет и пейзаж утвердились как самостоятельные жанры. Даже религиозные сюжеты приобретали иную трактовку — художники Возрождения стали рассматривать их персонажей как героев с ярко выраженными индивидуальными чертами и человеческой мотивацией поступков.

Наиболее известные художники этого периода — Мазаччо (1401—1428), Мазолино (1383—1440), Беноццо Гоццоли (1420—1497), Пьеро Делла Франческо (1420—1492), Андреа Мантенья (1431—1506), Никколо Пиццоло (1421-1453), Джованни Беллини (1430—1516), Антонелло да Мессина (1430—1479), Доменико Гирландайо (1449—1494), Сандро Боттичелли (1445—1510).

Большое распространение получила скульптура. В творчестве скульпторов получили развитие многие формы: статуя, рельеф, бюст и т. д. Ими были достигнуты новые высоты в изображении пластики человеческого тела: эмоций, движений тела, сложных сцен в многоплановых, перспективных рельефах. Наиболее известными скульпторами этого периода являются Донателло (1386—1466) и Лоренцо Гиберти (1381—1456).

Блок: 2/7 | Кол-во символов: 1335
Источник: https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%B7%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%B8%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%BE%D0%B5_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%BE_%D0%92%D0%BE%D0%B7%D1%80%D0%BE%D0%B6%D0%B4%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D1%8F

Проторенессанс

Первые художники, предвестники эпохи Возрождения, появились в Италии в конце XIII века. При создании художественных полотен традиционной религиозной тематики они стали использовать новые художественные приемы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане. Это резко отличало их от предыдущей иконографической традиции, которая характеризовалась условностями в изображении. Для обозначения их творчества принято использовать термин – проторенессанс.

Джотто ди Бондоне – художник и архитектор эпохи Ренессанса. Среди ранних работ Джотто следует отметить фрески Верхней церкви Сан-Франческо, которые создавались между 1290–1299 гг. Так как фрески создавались группой мастеров, то достоверные работы Джотто определить крайне сложно. Некоторые исследователи вообще отрицают его авторство. Около 1310 года расписывалась нижняя церковь, в росписи которой также принимал участие Джотто. В период с 1304 по 1306 гг. Джотто создал свое самое главное произведение – роспись капеллы дель Арена в Падуе (рис. 1). Расположенные в три яруса росписи рассказывают в хронологическом порядке о жизни Марии и Христа. Решение темы в виде ряда драматических сюжетов, простота ситуаций, пластическая выразительность жестов и светлый колорит делают росписи шедевром проторенессансной живописи Италии.

Рис. 1. Джотто ди Бондоне – роспись капеллы дель Арена в Падуе (Источник)

Блок: 3/6 | Кол-во символов: 1394
Источник: https://interneturok.ru/lesson/istoriya/7-klass/evropa-i-mir-v-kontse-xv-xvii-vv/zhivopis-i-nauka-epohi-vozrozhdeniya

Человек эпохи Возрождения

Человек эпохи Возрождения резко отличается от средневекового человека. Для него характерна вера в мощь и силу разума, преклонение перед необъяснимым даром творчества.

«Портрет молодой женщины» Сандро Боттичелли

Гуманизм выставляет в центр внимания мудрость человека и ее достижения, как высшее благо для разумного существа. Собственно это и приводит к бурному расцвету науки.

Гуманисты считают своим долгом активно распространять литературу античных времен, ведь именно в познании они видят подлинное счастье.

Одним словом, человек эпохи Возрождения пытается развиваться и улучшать «качество» индивида посредством изучения античного наследия, как единственного основания.

А интеллект в этом преобразовании занимает ключевое место. Отсюда возникновение различных антиклерикальных идей, часто выступающих необоснованно враждебно к религии и церкви.

Блок: 3/6 | Кол-во символов: 872
Источник: https://interesnyefakty.org/epoha-vozrozhdeniya/

Высокое Возрождение

Наивысший расцвет искусства Возрождения пришёлся на первую четверть XVI века, которая получила название «Высокое возрождение». Работы Сансовино (1486—1570), Леонардо да Винчи (1452—1519), Рафаэля Санти (1483—1520), Микеланджело Буонарроти (1475—1564), Джорджоне (1476—1510), Тициана (1477—1576), Антонио Корреджо (1489—1534) составляют золотой фонд европейского искусства.

Подходя к живописи с точки зрения естествоиспытателя, Леонардо да Винчи добился высокого мастерства в передаче мимики лица и тела человека, способах передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем его работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам. В дальнейшем эти новации были развиты Рафаэлем Санти.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонарроти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его картины прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Творчество Джорджоне и Тициана отличает интерес к пейзажу, поэтизации сюжета. Оба художника достигли большого мастерства в искусстве портрета, с помощью которого передавали характер и богатый внутренний мир своих персонажей.

Блок: 3/7 | Кол-во символов: 1208
Источник: https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%B7%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%B8%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%BE%D0%B5_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%BE_%D0%92%D0%BE%D0%B7%D1%80%D0%BE%D0%B6%D0%B4%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D1%8F

Черты

изобразительного искусства эпохи Возрождения:

• построение объемной композиции (трехмерность)

• применение линейной перспективы

• натурализм, подражание природе. Интерес к анатомии человека

• изменение статуса художника. Художник перестает быть анонимным ремесленником

• живописная картина вытесняет икону. Происходит обращение к внешним предметам, видимым физическим зрением (в отличие от иконы, для который первостепенный является невидимый, «прикровенный» смысл)

• появляются светские жанры, в частности, портрет

• появляется круглая (отделившаяся от стены и предназначенная для обозрения со всех сторон) и обнаженная скульптура

науки Возрождения:

• развитие наук о человеке

• развитие математики и естественных наук

• переход от чистого умозрения к опыту

• связь с практикой (развитие навигации, картографии, различных технологий)

Блок: 4/9 | Кол-во символов: 827
Источник: https://helperia.ru/a/zhivopisy-i-nauka-epohi-vozrozhdenija

Позднее Возрождение

После разграбления Рима имперскими войсками в 1527 году итальянское Возрождение вступает в период кризиса. Уже в творчестве позднего Рафаэля намечается новая художественная линия, получившая название маньеризма. Для этой эпохи свойственны взвинченность и изломанность линий, удлинённость или даже деформированность фигур, зачастую обнажённых, напряжённость и неестественность поз, необычные или причудливые эффекты, связанные с размерами, освещением или перспективой, использование едкой хроматической гаммы, перегруженность композиции и т. д. Первые мастера маньеризма — Пармиджанино, Понтормо, Бронзино — жили и работали при дворе герцогов дома Медичи во Флоренции. Позднее маньеристская мода распространилась по всей Италии и за её пределами. В 1590-е годы на смену маньеризму приходит искусство барокко (переходные фигуры — Тинторетто и Эль Греко)

Блок: 4/7 | Кол-во символов: 874
Источник: https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%B7%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%B8%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%BE%D0%B5_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%BE_%D0%92%D0%BE%D0%B7%D1%80%D0%BE%D0%B6%D0%B4%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D1%8F

Введение

На данном уроке речь пойдет о живописи и науке эпохи Возрождения.

Фундаментом эпохи Возрождения был гуманизм. Это идейное течение выдвигало на первый план человека. Антропоцентризм (идеалистическое воззрение, согласно которому человек есть средоточие Вселенной и цель всех совершающихся в мире событий)противопоставлялся теоцентризму (философская концепция, в основе которой лежит понимание Бога как абсолютного, совершенного, наивысшего бытия, источника всей жизни и любого блага) Средневековья. Центром эпохи Возрождения была Италия.

В развитии итальянского изобразительного искусства эпохи Возрождения выделяют несколько этапов:

— Проторенессанс (конец XIII–XIV вв.)

— Раннее Возрождение (XV век)

— Высокое Возрождение (конец XV – первая треть XVI вв.)

— Позднее Возрождение (середина и вторая половина XVI века)

Блок: 2/6 | Кол-во символов: 830
Источник: https://interneturok.ru/lesson/istoriya/7-klass/evropa-i-mir-v-kontse-xv-xvii-vv/zhivopis-i-nauka-epohi-vozrozhdeniya

Философия эпохи Возрождения

Коротко сказать о философии эпохи Возрождения достаточно трудно. Можно лишь кратко перечислить самых знаменитых ее представителей.

Николай Кузанский – один из виднейших немецких мыслителей. Кузанский был универсальным ученым и энциклопедистом. Он отстаивал идеи неоплатонизма, считая смыслом философии соединение противоположностей в Едином.

Леонардо Бруни – итальянский гуманист, историк и писатель, а также выдающийся ученый своего времени. Он написал биографии Данте и Петрарки. Бруни видел в безграничных творческих возможностях человека смысл философии эпохи Возрождения.

Знаменитые деятели, ученые и философы Ренессанса — Галилео Галилей, Николай Коперник и Джордано Бруно заслуживают отдельных статей.

Кратко лишь можно сказать, что Коперник произвел первую революцию в научном мире, став автором гелиоцентрической системы мира.

Галилей стал основателем экспериментальной физики. Он впервые использовал телескоп в научных целях, сделав ряд важнейших астрономических открытий.

Джордано Бруно был признан еще своими современниками одним из самых крупных мыслителей эпохи Возрождения. Его философия и многочисленные трактаты привели к конфликту с католической церковью. Бруно многим известен тем, что за свои научные и философские воззрения был приговорен к казни и сожжен на костре в Риме.

Мишель Монтень – французский философ эпохи Возрождения и автор известной книги «Опыты». Он одним из первых выступил против использования жестокости в педагогике.

Мартин Лютер – выдающийся немецкий богослов и реформатор. Стал родоначальником Реформации, которая привела к возникновению крупнейшего христианского движения – протестантизма. Именно Реформация во многом предопределила развитие Европы после эпохи Возрождения.

Томас Мор – английский философ и гуманист. Автор известной книги «Утопия». Непримиримый критик Лютера и идей Реформации.

Эразм Роттердамский – видный мыслитель, получивший прозвище «князь гуманистов». Отличался свободолюбивыми взглядами. В конце жизни также полемизировал с Лютером.

Других представителей философии эпохи Возрождения мы лишь перечислим: Марсилио Фичино и Лоренцо Валла, Джаноццо Манетти и Жан Боден, Томмазо Кампанелла и Никколо Макиавелли.

Блок: 5/6 | Кол-во символов: 2204
Источник: https://interesnyefakty.org/epoha-vozrozhdeniya/

Участники

Джотто ди Бондоне – итальянский художник и архитектор эпохи Проторенессанса.Леонардо да Винчи – итальянский художник и учёный, изобретатель, писатель, музыкант эпохи Высокого Возрождения. Образец гуманистического идеала всесторонне развитой личности.

Сандро Боттичелли – итальянский живописец, представитель Высокого Возрождения.

Микеланджело Буонарроти – художник, поэт, скульптор, архитектор Высокого Возрождения.

Рафаэль Санти – итальянский живописец, график, архитектор Высокого Возрождения.

Лукас Кранах Старший – немецкий живописец и график, яркий представитель Северного Возрождения.

Питер Брейгель Старший («Мужицкий») – нидерландский художник и график (Северное Возрождение).

Альбрехт Дюрер – немецкий живописец, гравер, ученый (Северное Возрождение).

Николай Коперник – польский астроном, автор книги «О вращении небесных тел». В ней он впервые высказал идею о том, что Земля вращается вокруг солнца и вокруг своей оси (в противовес столетиями существовавшему представлению о неподвижности Земли). Создатель гелиоцентрической системы мира, согласно которой Земля вертится вокруг солнца (эти система сменила геоцентрическую систему мира, согласно которой центром Вселенной является Земля, вокруг которой вертится солнце, Луна и планеты).

Джордано Бруно (1548–1600) – итальянский философ, развивал учение Коперника. Высказал идею о том, что Вселенная бесконечна и не имеет центра. За свои идеи был сожжен на костре.

Андреас Везалий – итальянский естествоиспытатель, основоположник научной анатомии.

Уильям Гарвей – английский естествоиспытатель и врач. Разрабатывал теорию кровообращения. Основоположник эмбриологии и физиологии.

Блок: 5/9 | Кол-во символов: 1636
Источник: https://helperia.ru/a/zhivopisy-i-nauka-epohi-vozrozhdenija

Произведения

Джотто ди Бондоне:

Росписи капеллы дель Арена в Падуе (1304-1306):

• «Поцелуй Иуды»

• «Бегство в Египет»

• «Страшный суд»

• «Введение Марии во храм»

• «Свадебное шествие Марии»

• «Въезд в Иерусалим»

• «Путь на Голгофу»

Леонардо да Винчи:

Рисунки:

• «Автопортрет» (1512)

• «Эмбрион человека»

• «Витрувианский человек» (1487)

Картины:

• «Мадонна с Младенцем» («Мадонна Литта») (1490)

• «Мадонна в гроте» (1483-86)

• «Мона Лиза» («Джоконда») (1503-1504)

• «Дама с горностаем» (1483-90)

Фрески:

• «Тайная вечеря» (1498)

Сандро Боттичелли:

• Весна

• Рождение Венеры (1482-1485)

Микеланджело Буанарроти:

Скульптуры:

• «Давид» (1501-04)

• «Пьета» («Оплакивание Христа») (1498-1500)

Фрески:

• «Сотворение Адама» (фрагмент росписи плафона Сикстинской капеллы)

• «Страшный суд» (1535-1541)

Рафаэль Санти:

• «Автопортрет» (1506)

• «Мадонна Конестабиле» (1504)

• «Сикстинская Мадонна» (1512-13)

Питер Брейгель:

• «Крестьянский танец» (1567)

• «Охотники на снегу» (1565)

Альбрехт Дюрер:

• Автопортрет (1498)

• Автопортрет (1500)

• Серия гравюр к книге «Апокалипсис»

Лукас Кранах Старший:

• «Мартин Лютер»

Блок: 6/9 | Кол-во символов: 1090
Источник: https://helperia.ru/a/zhivopisy-i-nauka-epohi-vozrozhdenija

Художники эпохи Возрождения

Несомненно, художники эпохи Возрождения заслуживают большего внимания, чем краткое о них упоминание. Но мы лишь приведем самые знаменитые имена.

Сандро Боттичелли – яркая звезда на небосклоне художественного искусства Ренессанса. Самые знаменитые картины: «Рождение Венеры, «Весна», «Поклонение волхвов», «Венера и Марс», «Рождество».

«Рождение Венеры» Сандро Боттичелли. Одно из первых со времён античности изображений обнажённого женского тела. Около 1485 года.

Пьеро делла Франческа – известный итальянский художник и математик. Он написал такие знаменитые произведения, как «О перспективе в живописи» и «Книжица о пяти правильных телах».

Отличался тем, что в совершенстве владел техникой живописи, зная ее научную теорию. Знаменитые картины: «История царицы Савской», «Бичевание Христа» и «Алтарь Монтефельтро».

Леонардо да Винчи – один из самых знаменитых художников и универсальных ученых не только эпохи Возрождения, но и вообще, всех времен.

Обладал уникальными способностями и стал изобретателем многих вещей, появившихся только в 20 веке. Самые известные картины гения да Винчи: «Тайная вечеря», «Мона Лиза», «Мадонна Бенуа» и «Дама с горностаем».

«Витрувианский человек» Леонардо да Винчи. Один из главных символов Ренессанса.

Рафаэль Санти – один из искуснейших художников и архитекторов эпохи Возрождения. За короткую жизнь (а прожил он всего 37 лет), Рафаэль написал множество потрясающих картин, наиболее известные среди которых «Сикстинская Мадонна», «Портрет молодой женщины» и фреска «Афинская школа».

«Афинская школа» — самая знаменитая фреска Рафаэля.

Микеланджело Буоанарроти – гениальный художник, скульптор и архитектор Ренессанса. О его творчестве до сих пор слагают легенды и анекдоты. Кроме множества художественных работ, он написал около 300 стихов, дошедших до наших дней. Самые крупные работы: «Мадонна Дони», «Сотворение Адама», статуи «Моисей» и «Давид».

Тициан Вечеллио – выдающийся художник эпохи Возрождения. Тициану еще не исполнилось 30 лет, как его признали «королем живописцев и живописцем королей». Кстати, мы уже писали про один весьма забавный и интересный факт из жизни Тициана. Крупнейшие работы: «Венера Урбинская», «Похищение Европы», «Несение креста», «Коронование терновым венцом» и «Мадонна Пезаро».

Теперь вы знаете о том, что собой представляла эпоха Ренессанса. Мы постарались кратко осветить ключевые направления культуры, искусства и науки Ренессанса, а также рассказали о наиболее значимых представителях этих направлений.

Кстати говоря, рекомендуем посмотреть замечательные фотографии о том, как бы выглядели современные звезды в эпоху Возрождения. Очень интересно и увлекательно.

Понравился пост? Нажми любую кнопку:

Блок: 6/6 | Кол-во символов: 2701
Источник: https://interesnyefakty.org/epoha-vozrozhdeniya/

Ссылки

• На Викискладе есть медиафайлы по теме Изобразительное искусство Возрождения
• Третий том «Всеобщей истории искусств» целиком посвящён искусству эпохи Возрождения. Рассмотрено искусство Италии, Нидерландов, Германии, Франции, Испании, Португалии, Англии, Далмации, Венгрии, Чехословакии, Польши.

Блок: 7/7 | Кол-во символов: 301
Источник: https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%B7%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%B8%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%BE%D0%B5_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%BE_%D0%92%D0%BE%D0%B7%D1%80%D0%BE%D0%B6%D0%B4%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D1%8F

Кол-во блоков: 18 | Общее кол-во символов: 17921
Количество использованных доноров: 4
Информация по каждому донору:

1. https://interneturok.ru/lesson/istoriya/7-klass/evropa-i-mir-v-kontse-xv-xvii-vv/zhivopis-i-nauka-epohi-vozrozhdeniya: использовано 2 блоков из 6, кол-во символов 2224 (12%)
2. https://ru.wikipedia.org/wiki/%D0%98%D0%B7%D0%BE%D0%B1%D1%80%D0%B0%D0%B7%D0%B8%D1%82%D0%B5%D0%BB%D1%8C%D0%BD%D0%BE%D0%B5_%D0%B8%D1%81%D0%BA%D1%83%D1%81%D1%81%D1%82%D0%B2%D0%BE_%D0%92%D0%BE%D0%B7%D1%80%D0%BE%D0%B6%D0%B4%D0%B5%D0%BD%D0%B8%D1%8F: использовано 4 блоков из 7, кол-во символов 3718 (21%)
3. https://helperia.ru/a/zhivopisy-i-nauka-epohi-vozrozhdenija: использовано 4 блоков из 9, кол-во символов 3716 (21%)
4. https://interesnyefakty.org/epoha-vozrozhdeniya/: использовано 5 блоков из 6, кол-во символов 8263 (46%)

Искусство эпохи Возрождения | Определение, характеристики, стиль, примеры и факты

Искусство эпохи Возрождения , живопись, скульптура, архитектура, музыка и литература, созданные в течение 14, 15 и 16 веков в Европе под совокупным влиянием возросшего осознания природы, возрождение классического обучения и более индивидуалистический взгляд на человека. Ученые больше не верят, что Ренессанс ознаменовал резкий разрыв со средневековыми ценностями, как предполагает французское слово renaissance , буквально «возрождение».Скорее, исторические источники предполагают, что интерес к природе, гуманистическое обучение и индивидуализм уже присутствовали в период позднего средневековья и стали доминирующими в Италии 15 и 16 веков одновременно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация повседневной жизни, рост рациональной денежно-кредитной экономики и значительный рост социальной мобильности.

Популярные вопросы

Каковы характеристики искусства эпохи Возрождения и чем оно отличается от искусства средневековья?

В искусстве эпохи Возрождения наблюдается постепенный переход от абстрактных форм средневековья к изобразительным формам 15 века.Сюжеты выросли из в основном библейских сцен, чтобы включить портреты, эпизоды из классической религии и события из современной жизни. Человеческие фигуры часто изображаются в динамических позах, демонстрируя выражение, используя жесты и взаимодействуя друг с другом. Они не плоские, но предполагают массу, и они часто занимают реалистичный пейзаж, а не стоят на золотом фоне, как некоторые фигуры в искусстве Средневековья. Искусство эпохи Возрождения из Северной Европы подчеркивало точность деталей как средство достижения реалистичности работы.

Когда и где началось и закончилось искусство эпохи Возрождения?

Характеристики искусства эпохи Возрождения, особенно натурализм, можно найти в европейском искусстве 13 века, но не преобладали до 15 века. Ученые традиционно описывают рубеж XVI века как кульминацию эпохи Возрождения, когда такие художники, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль, прежде всего в Италии, создавали не только реалистичное, но и сложное искусство. Около 1520 года Возрождение уступило место маньеризму, в котором чувство драмы проникло в реалистическое искусство.

Как гуманизм и религия повлияли на искусство эпохи Возрождения?

Интерес к гуманизму, философии, которая подчеркивает индивидуальность и человеческую способность к самореализации через разум, превратил художника эпохи Возрождения из анонимного мастера в человека, практикующего интеллектуальные занятия. Художники вводили новые предметы в свои работы, которые отражали растущий акцент на личности, включая портреты, сцены современной жизни и исторические повествования. Хотя культура эпохи Возрождения становилась все более светской, религия по-прежнему имела важное значение в повседневной жизни, особенно в Италии, где находился центр католицизма.Значительная часть искусства эпохи Возрождения изображала сцены из Библии или была заказана церковью. Однако упор на натурализм поместил такие фигуры, как Христос и Мадонна, не на великолепный золотой фон, как в средние века, а в пейзажи из наблюдаемого мира.

Что сделало искусство эпохи Возрождения революционным?

События эпохи Возрождения изменили ход искусства, и это до сих пор находит отклик. Интерес к гуманизму превратил художника из анонимного мастера в человека, занимающегося интеллектуальным поиском, что позволило нескольким стать первыми знаменитыми художниками.Растущий коммерческий класс предлагал художникам новых покровителей, которые требовали новых предметов, особенно портретов и сцен из современной жизни. Более того, научные наблюдения и классические исследования внесли свой вклад в создание некоторых из наиболее реалистичных представлений о человеческой фигуре в истории искусства. Фигуры имеют точную анатомию, естественным образом сочетаются с классической схемой контрапоста и обладают чувством массы — достижение, облегченное благодаря гибкости масляной краски, среды, которая набирала популярность.Они также занимают правдоподобное пространство — достижение, основанное на развитии линейной и атмосферной перспективы, иллюзионистских устройств, показывающих глубину на двумерной поверхности.

Какие известные произведения искусства эпохи Возрождения?

Два самых известных произведения искусства в истории были написаны в эпоху Возрождения: Мона Лиза (ок. 1503–15019) и Тайная вечеря (ок. 1495–1498), оба выполнены Леонардо да Винчи, которые проявляют интерес не только к реалистичному изображению человеческой фигуры, но и к наполнению ее характером посредством выражения, жестов и поз.Среди других известных произведений искусства — скульптура Микеланджело Давида (1501–04) и его картины для Сикстинской капеллы (потолок, 1508–12; Страшный суд , 1536–41), в которых художник выдвинул точное представление анатомии человека до сложных крайностей в сложных элегантных позах. Афинская школа Рафаэля (ок. 1508–15011) прославляет интеллектуалов, заполняя глубокий зал, искусно выполненный с использованием недавно систематизированной линейной перспективы, известными западными мыслителями.Донателло Давид (начало 15 века) напоминает классическую скульптуру с использованием контрапоста, когда фигура стоит естественно с весом на одной ноге. Альбрехт Дюрер демонстрирует североевропейский интерес к деталям в своем Автопортрете (1500), а картина Тициана Венера из Урбино (1538) иллюстрирует венецианский интерес к изображению мягкого света и ярких цветов.

В Италии собственно эпохе Возрождения предшествовал важный «прото-ренессанс» в конце 13 — начале 14 веков, который черпал вдохновение из францисканского радикализма.Святой Франциск отверг формальную схоластику преобладающего христианского богословия и вышел среди бедняков, восхваляя красоту и духовную ценность природы. Его пример вдохновлял итальянских художников и поэтов наслаждаться окружающим миром. Самый известный художник периода прото-ренессанса, Джотто ди Бондоне (1266/67 или 1276–1337), раскрывает новый живописный стиль, который зависит от ясной, простой структуры и большого психологического проникновения, а не от плоской, линейной декоративности и иерархичности композиции его предшественников и современников, таких как флорентийский художник Чимабуэ и сиенские художники Дуччо и Симоне Мартини.Великий поэт Данте жил примерно в то же время, что и Джотто, и его поэзия демонстрирует аналогичную заботу о внутреннем опыте и тонких оттенках и вариациях человеческой натуры. Хотя его Божественная комедия принадлежит Средневековью по своему замыслу и идеям, его субъективный дух и сила выражения ориентированы на эпоху Возрождения. Петрарка и Джованни Боккаччо также принадлежат к этому периоду прото-ренессанса, как благодаря своим обширным исследованиям латинской литературы, так и благодаря своим произведениям на родном языке.К сожалению, ужасная чума 1348 года и последующие гражданские войны затопили как возрождение гуманистических исследований, так и растущий интерес к индивидуализму и натурализму, проявленный в произведениях Джотто и Данте. Дух Возрождения не проявлялся снова до начала 15 века.

Джотто: Оплакивание

Оплакивание , фреска Джотто, ок. 1305–06; в Часовне Арены, Падуя, Италия.

SCALA / Art Resource, Нью-Йорк

В 1401 году во Флоренции проводился конкурс на получение заказа на бронзовые двери для установки в Баптистерий Сан-Джованни.Потерпев поражение от ювелира и художника Лоренцо Гиберти, Филиппо Брунеллески и Донателло уехали в Рим, где они погрузились в изучение античной архитектуры и скульптуры. Когда они вернулись во Флоренцию и начали применять свои знания на практике, рационализированное искусство древнего мира возродилось. Основоположником живописи эпохи Возрождения был Мазаччо (1404–28). Интеллектуальность его концепций, монументальность его композиций и высокая степень натурализма в его работах делают Мазаччо центральной фигурой в живописи эпохи Возрождения.Следующее поколение художников — Пьеро делла Франческа, Поллайуоло и Андреа дель Верроккьо — продвигалось вперед в исследованиях линейной и воздушной перспективы и анатомии, развивая стиль научного натурализма.

Гиберти, Лоренцо: Врата рая

Врата рая , двери из позолоченной бронзы работы Лоренцо Гиберти, 1425–1452 гг .; на восточной стороне баптистерия Сан-Джованни во Флоренции.

SuperStock

Ситуация во Флоренции была исключительно благоприятной для искусства.Гражданская гордость флорентийцев нашла выражение в статуях святых-покровителей, заказанных Гиберти и Донателло для ниш в зале гильдии зерновых рынков, известном как Ор Сан-Микеле, и в самом большом куполе, построенном с древних времен, который Брунеллески поставил на флорентийском соборе. Стоимость строительства и украшения дворцов, церквей и монастырей оплачивалась богатыми купеческими семьями.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Основными среди них были Медичи, которые доминировали во Флоренции с 1434 года, когда было избрано первое правительство Медичи, до 1492 года, когда умер Лоренцо Медичи.Во время своего правления Медичи субсидировали практически весь спектр гуманистической и художественной деятельности, связанной с эпохой Возрождения. Козимо (1389–1464), разбогатевший на торговых прибылях в качестве папского банкира, был ученым, который основал неоплатоническую академию и собрал обширную библиотеку. Он собрал вокруг себя выдающихся писателей и классиков своего времени, в том числе Марсилио Фичино, неоплатоника, который был наставником Лоренцо де Медичи, внука Козимо. Лоренцо (1449–1492) стал центром группы художников, поэтов, ученых и музыкантов, которые верили в неоплатонический идеал мистического союза с Богом через созерцание красоты.Эта эстетическая философия, менее натуралистичная и более изысканная, чем преобладающий дух первой половины кватроченто, была разъяснена Джованни Пико делла Мирандола, воплощена в живописи Сандро Боттичелли и выражена в стихах самим Лоренцо. Лоренцо также сотрудничал с органистом и хормейстером Флорентийского собора Генрихом Исааком в сочинении живой светской хоровой музыки, которая предвосхитила мадригал, характерную форму Высокого Возрождения.

Медичи, Вилла

Вилла Медичи, Рим.

© Mirek Hejnicki / Shutterstock.com

Медичи торговали во всех крупных городах Европы и одним из самых известных шедевров искусства Северного Возрождения, алтарем Портинари, работы Хуго ван дер Гуса ( c. 1476) ; Уффици, Флоренция) по заказу их агента Томмазо Портинари. Вместо того, чтобы быть написанным с использованием обычной темперации того периода, работа написана полупрозрачной масляной глазурью, которая дает блестящий цвет, подобный драгоценному камню, и глянцевую поверхность.Художники раннего Северного Возрождения были больше озабочены детальным воспроизведением предметов и их символическим значением, чем изучением научной перспективы и анатомии, даже после того, как эти достижения стали широко известны. С другой стороны, художники центральной Италии начали применять масляную живопись вскоре после того, как алтарь Портинари был доставлен во Флоренцию в 1476 году.

Поклонение пастухов

Поклонение пастухов , центральная панель Портинари Алтарь Хуго ван дер Гуса, г. 1474–76; в галерее Уффици, Флоренция.

Эрих Лессинг / Art Resource, Нью-Йорк

Искусство высокого Возрождения, процветавшее около 35 лет, с начала 1490-х до 1527 года, когда Рим был разграблен имперскими войсками, вращается вокруг трех величественных фигур: Леонардо да Винчи (1452–1452 гг. 1519), Микеланджело (1475–1564) и Рафаэль (1483–1520). Каждый из трех олицетворяет важный аспект того периода: Леонардо был величайшим человеком эпохи Возрождения, гением-одиночкой, которому не было чужды ни одной области науки; Микеланджело излучал творческую силу, создавая обширные проекты, которые черпали вдохновение в человеческом теле как конечном средстве выражения эмоций; Рафаэль создавал произведения, прекрасно выражающие классический дух — гармоничные, красивые и безмятежные.

Хотя Леонардо в свое время был признан великим художником, его неутомимые исследования анатомии, природы полета и структуры растительного и животного мира оставляли ему мало времени для рисования. Его слава основана в основном на нескольких завершенных картинах; среди них Мона Лиза (1503–05, Лувр), Богородица в скалах (1483–86, Лувр) и печально испорченная фреска Тайная вечеря (1495–98; реставрирована 1978–99). ; Санта-Мария-делле-Грацие, Милан).

Ранние скульптуры Микеланджело, такие как Pietà (1499; собор Св. Петра, Рим) и Давида (1501–04; Академия, Флоренция), демонстрируют захватывающие технические способности в сочетании с склонностью нарушать правила анатомия и пропорции служат большей выразительной силе. Хотя Микеланджело сначала думал о себе как о скульпторе, его самая известная работа — гигантская потолочная фреска Сикстинской капеллы в Ватикане, Рим. Он был завершен за четыре года, с 1508 по 1512 год, и представляет собой невероятно сложную, но философски единую композицию, в которой традиционное христианское богословие сочетается с неоплатонической мыслью.

Микеланджело: Сотворение Адама

Сотворение Адама , фрагмент потолочной фрески Сикстинской капеллы Микеланджело, 1508–1212; в Ватикане.

Scala / Art Resource, Нью-Йорк

Величайшая работа Рафаэля, Афинская школа (1508–1511 гг.), Была написана в Ватикане одновременно с работой Микеланджело над Сикстинской капеллой. В этой большой фреске Рафаэль объединяет представителей аристотелевской и платонической школ.Вместо плотной и бурной поверхности шедевра Микеланджело Рафаэль помещает свои группы спокойно разговаривающих философов и художников в огромный двор с уходящими вдаль сводами. Первоначально Рафаэль находился под влиянием Леонардо, и он включил пирамидальную композицию и красиво смоделированные лица Девы в скалах во многие свои собственные картины Мадонны. Однако он отличался от Леонардо своей потрясающей продуктивностью, уравновешенным темпераментом и своим предпочтением классической гармонии и ясности.

Рафаэль: Афинская школа

Фрагмент из Афинской школы , фреска Рафаэля, 1508–1511; в Stanza della Segnatura в Ватикане.

Эрих Лессинг / Art Resource, Нью-Йорк

Создателем архитектуры высокого Возрождения был Донато Браманте (1444–1514 гг.), Который приехал в Рим в 1499 г., когда ему было 55 лет. Его первый римский шедевр, Темпьетто (1502 г.) в С. Пьетро-ин-Монторио представляет собой централизованное купольное сооружение, напоминающее классическую храмовую архитектуру.Папа Юлий II (годы правления 1503–15013) выбрал Браманте в качестве папского архитектора, и вместе они разработали план замены старого собора Святого Петра IV века новой церковью гигантских размеров. Однако проект был завершен спустя много времени после смерти Браманте.

Рим: Темпьетто

Темпьетто, дизайн Донато Браманте, 1502 г .; во дворе Сан-Пьетро-ин-Монторио, Рим.

© Иегуда Бернштейн / Dreamstime.com

Гуманистические исследования продолжались при могущественных папах Высокого Возрождения, Юлии II и Льве X, равно как и развитие полифонической музыки.Сикстинский хор, который выступал на богослужениях, когда исполнял обязанности папы, привлекал музыкантов и певцов со всей Италии и Северной Европы. Среди самых известных композиторов, которые стали членами, были Жоскен де Пре ( ок. 1450–1521) и Джованни Пьерлуиджи да Палестрина ( ок. 1525–94).

Ренессанс как единый исторический период закончился падением Рима в 1527 году. Трещины между христианской верой и классическим гуманизмом привели к маньеризму во второй половине 16 века.Однако великие произведения искусства, вдохновленные духом Возрождения, продолжали создаваться в северной Италии и в северной Европе.

Казалось бы, не затронутые кризисом маньеризма, северные итальянские художники, такие как Корреджо (1494–1534) и Тициан (1488 / 90–1576), продолжали без видимых конфликтов прославлять Венеру и Деву Марию. Масляная среда, представленная в северной Италии Антонелло да Мессина и быстро принятая венецианскими художниками, которые не могли использовать фрески из-за влажного климата, казалась особенно адаптированной к сангвинической, любящей удовольствия культуре Венеции.Череда блестящих художников — Джованни Беллини, Джорджоне, Тициан, Тинторетто и Паоло Веронезе — разработала лирический венецианский стиль живописи, сочетающий языческий сюжет, чувственное обращение с цветом и поверхностью краски и любовь к экстравагантным декорациям. Более близким по духу к более интеллектуальным флорентийцам кватроченто был немецкий художник Альбрехт Дюрер (1471–1528), который экспериментировал с оптикой, усердно изучал природу и распространил свой мощный синтез стилей Возрождения и Северной готики в западном мире посредством его гравюры и ксилографии.

Тициан: Адам и Ева

Адам и Ева , картина Тициана, масло, 1550 г .; в Прадо, Мадрид.

SCALA / Art Resource, Нью-Йорк

10 самых известных картин эпохи Возрождения

Период с 14 по 17 век в Европе обычно называют Ренессансом, и он ознаменовал возрождение или возрождение классической учености и мудрости. Волна возрождения затронула многие области европейской цивилизации, особенно области искусства, религии, литературы и политики.Возрождение ознаменовало возросшее понимание природы, возрождение обучения, которое присутствовало в средневековый период, но стало заметным в 15 и 16 веках. Искусство эпохи Возрождения — это представление индивидуального взгляда на человека. В период Возрождения были замечены славные работы многих легендарных художников, которые почитаются до сих пор.

Вот некоторые из самых важных и известных картин эпохи Возрождения.

1. Мона Лиза:
   
   
   Картина «Мона Лиза» Леонардо да Винчи — одна из самых известных и признанных картин в истории.Бесспорно, это самая обсуждаемая картина из-за загадочной улыбки. Было много дискуссий об улыбке Моны Лизы, независимо от того, улыбается она или нет. Главная особенность этой картины в том, что да Винчи нарисовал ее глаза таким образом, что даже когда вы меняете угол обзора, кажется, что глаза Моны Лизы всегда следят за вами. Картина написана маслом на дереве и в настоящее время находится в собственности правительства Франции. Мона Лиза выставлена ​​в Лувре, Париж, и принадлежит публике, а это означает, что ее нельзя купить или продать.
2. Primavera :

   В переводе с итальянского это слово означает весна. Примавера — это картина Сандро Боттичелли, чье настоящее имя было Алессандро ди Мариано Филипепи. Картина также известна как «Аллегория весны». Считается, что Боттичелли создал это произведение искусства около 1482 года и считается одним из ярких образцов искусства эпохи Возрождения. Многие пытались интерпретировать картину, и многие придумали объяснения. Одни говорят, что это мифическая аллегория, другие — о смене сезона на весну.Эта картина популярна из-за использования цвета и различных объяснений. Примавера считается самой противоречивой картиной в мире.

3. «Сотворение Адама». Автор Микеланджело Буонарроти:

   Созданный в 1512 году, это одна из знаковых картин Микеланджело. Творением Адама является роспись на потолке Сикстинской капеллы. Несмотря на то, что это одна из самых тиражируемых картин всех времен, по популярности она уступает только Моне Лизе.Картина стала символом человечества, так как на ней изображены руки Бога и Адама на грани соприкосновения.

4. Тайная вечеря:

   
   Тайная вечеря считается лучшим произведением Леонардо да Винчи в 1498 году. Тайная вечеря является важной картиной эпохи Возрождения. Изображение показывает Иисуса с учениками на его последней вечере. Картина отличается умным использованием цвета, света и анатомии. Картина также является предметом множества дискуссий и домыслов.Многие предположили, что учеником, сидящим справа от Иисуса, является Мария Магдалина, и многие также задавались вопросом о значении или значении V-образной формы между Иисусом и человеком справа. Несмотря на все домыслы, Тайная вечеря — один из шедевров Леонардо да Винчи.

5. Афинская школа Рафаэля:
   
   

   Написанная в 1511 году, она стоит среди четырех основных фресок на стенах Апостольского дворца в Ватикане. Четыре фрески символизируют философию, поэзию, богословие и право.Картина символизирует философию, потому что, как говорят, картина представляет собой лучший период греческой философии, поскольку в центре картины можно найти Аристотеля и Платона. Эта картина прекрасно передала классический дух эпохи Возрождения.

6. Поцелуй Иуды:

   Написанная в 1306 году Джотто ди Бондоне, эта картина изображает момент предательства Иисуса Иудой Искариотом, который поцеловал Иисуса римским солдатам.Часовня Скровеньи является домом для цикла фресок Джотто ди Бондоне, а «Поцелуй Иуды» — самая известная картина в этом цикле. Многие критики считают, что Джотто — гений, и ни один художник не смог превзойти его работы. Его мастерство очевидно в том, как он запечатлел выражение лица Иисуса и Иуды в этой сцене предательства.

7. Страшный суд:

   Картина Микеланджело Буонарроти, выполненная в 1541 году, находится на алтарной стене Сикстинской капеллы в Ватикане.Картина рассказывает о втором пришествии Иисуса, о дне, когда Бог будет судить все человечество. Микеланджело изобразил Иисуса в центре в окружении святых. Верхняя часть картины показывает воскресение мертвых на небеса, а нижняя часть показывает сошествие грешников в ад. Использование цветов и превосходная манера письма делают эту картину самой почитаемой в мире.

8. Сикстинская Мадонна:

   Рафаэлло Санцио, широко известный как Рафаэль, написал Сикстинскую Мадонну в 1512 году.На картине изображена Мать Мария, держащая в руках младенца Иисуса, а по обеим ее сторонам — святые Варвара и святой Сикст, а под ними — два херувима. Это одно из самых известных произведений Рафаэля и важное полотно эпохи Возрождения.

9. Успение Пресвятой Богородицы:
   
   

   Главный алтарь в базилике Санта-Мария-Глориоза-дей-Фрари, где находится эта картина Тициано Вечеллио, также известного как Тициан. Эта картина была написана Тицианом в его ранние годы, и он использовал яркие цвета в этой картине.«Успение Богородицы» — картина о восхождении Богородицы на небо. Тициан изобразил Мать Марию в красном платье, которая вознесена на небеса туда, где Бог смотрит на Марию, в то время как апостолы прощаются с ней с земли.

10. Рождение Венеры. Автор Сандро Боттичелли:

    
    

    
    Картина, созданная в 1485 году, изображает богиню Венеру, прибывающую на остров Кипр. Она изображена чистой и зрелой женщиной, стоящей на ракушке. Боттичелли уделял большое внимание каждой детали Венеры.Эта картина была написана в тот период, когда на картинах изображалась нагота, что делает ее важной картиной эпохи Возрождения.

В этом списке представлены 10 самых важных картин эпохи Возрождения, на которых возвышались многие художники. Ренессанс, без сомнения, был культурным и художественным возрождением в истории, и эти картины стали синонимами периода Возрождения.
(Источник изображения: Википедия)

Искусство и архитектура эпохи Возрождения | Оксфорд Арт

Введение

Фра Анджелико: Благовещение (ок.1440–45), фреска, северный коридор, монастырь Святого Марка, Флоренция; фото: Эрих Лессинг / Art Resource, NY

Ренессанс относится к эпохе в Европе с 14 по 16 века, когда после готики развился новый стиль в живописи, скульптуре и архитектуре. Хотя религиозный взгляд на мир продолжал играть важную роль в жизни европейцев, возрастающее понимание мира природы, индивидуального и коллективного мирского существования человечества характеризует период Возрождения.Возрождение произошло от французского слова «возрождение» и итальянского слова «ринаскита», означающих «возрождение». Ренессанс был периодом, когда ученые и художники начали исследовать то, что они считали возрождением классической науки, литературы и искусства. Например, последователи писателя XIV века Петрарки начали изучать тексты из Греции и Рима на предмет их морального содержания и литературного стиля. Укоренившись в средневековом университете, это исследование под названием «Гуманизм» сосредоточено на риторике, литературе, истории и моральной философии.

В эпоху Возрождения сохранились многие черты средневековья, включая наследие художественных приемов, используемых в книгах, рукописях, драгоценных предметах и ​​масляной живописи. Картины Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена запечатлевают изысканные детали мира природы, чтобы облегчить религиозный и духовный опыт зрителя. К северу от Альп идеалы Возрождения достигли высшей точки в творчестве Альбрехта Дюрера в начале 16 века, а Германия стала доминирующим художественным центром.С Реформацией и отсутствием католической церкви в немецкоязычных странах 16 века гравюры на дереве и гравюры способствовали распространению протестантских идеалов. В результате такие художники, как Питер Брейгель I в Нидерландах и Ганс Гольбейн в Англии, специализировались на более светских предметах, таких как пейзаж и портретная живопись.

Наконец, вершина этого периода, называемого Высоким Возрождением, наиболее известна некоторыми из величайших мастеров западного искусства: Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэля.Такие известные произведения, как «Мона Лиза» Леонардо, потолочные фрески Сикстинской капеллы Микеланджело и знаменитые Мадонны Рафаэля по-прежнему восхищают зрителей своим натурализмом. После Высокого Возрождения маньеризм развился с ок. 1510–20–1600 гг. В работах этого стиля часто подчеркивалась изобретательность и ловкость художника. Основные произведения, такие как Палаццо дель Те Джулио Романо и Мадонна с длинной шеей Пармиджанино, отражают новаторские маньеристские разработки. Во Франции присутствие итальянских художников-маньеристов в Фонтенбло установило изысканный вкус.Для многих художественные творения эпохи Возрождения по-прежнему представляют собой высшее достижение в истории искусства.

Очерки

Биографии

• Альберти, Леон Баттиста
• Альтдорфер, Альбрехт
• Беллини, Джованни
• Боттичелли, Сандро
• Брейгель, Питер I [старший]
• Бронзино, Аньоло
• Брунеллески, Филиппо
• Кристус, Петрус
• Кранах, Лукас, старший и младший
• Донателло
• Дуччо
• Дюрер, Альбрехт
• Джотто
• Греко, Эль
• Леонардо да Винчи
• Липпи, Фра Филиппо
• Ломбардо, Туллио
• Манара, Балдассаре
• Мемлинг, Ганс
• Микеланджело
• Пьеро делла Франческа
• Пьеро ди Козимо
• Рафаэль
• Сарто, Андреа дель
• Тинторетто, Якопо
• Тициан
• Эйк, Ян ван
• Weyden, Rogier van der

Вернуться ко всем предметным руководствам

Искусство эпохи Возрождения | Безграничная всемирная история

Итальянское Возрождение

Цели обучения

Искусство итальянского Возрождения на протяжении веков оказывало влияние на всю Европу.

Основные выводы

Ключевые моменты

• Флорентийская школа живописи стала доминирующим стилем эпохи Возрождения. Произведения эпохи Возрождения изображали более светские темы, чем предыдущие художественные направления.
• Микеланджело, да Винчи и Рафаэль — одни из самых известных художников Высокого Возрождения.
• За Высоким Возрождением последовало движение маньеристов, известное своими удлиненными фигурами.

Ключевые термины

• фреска : Тип настенной росписи, в которой цветные пигменты смешиваются с водой и наносятся на влажную штукатурку.По мере высыхания штукатурки и пигментов они сливаются, и картина становится частью самой стены.
• Маньеризм : Стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.

Ренессанс начался в 14 веке и оставался доминирующим стилем в Италии и в большей части Европы до 16 века. Термин «ренессанс» был разработан в 19 веке для описания этого периода времени и сопровождающего его художественного стиля.Однако люди, жившие в эпоху Возрождения, действительно считали себя отличными от своих средневековых предшественников. Из множества сохранившихся текстов мы знаем, что люди, жившие в эпоху Возрождения, считали себя разными в основном потому, что они сознательно пытались подражать древним в искусстве и архитектуре.

Флоренция и эпоха Возрождения

Когда вы слышите термин «ренессанс» и представляете себе стиль искусства, вы, вероятно, представляете стиль эпохи Возрождения, развившийся во Флоренции, который стал доминирующим стилем искусства в эпоху Возрождения.В средние века и в эпоху Возрождения Италия была разделена на несколько городов-государств. Каждый город-государство имел собственное правительство, культуру, экономику и художественный стиль. В эпоху Возрождения в Италии было развито множество различных стилей искусства и архитектуры. Сиена, которая была политическим союзником Франции, например, сохраняла готический элемент в своем искусстве на протяжении большей части эпохи Возрождения.

Определенные условия способствовали развитию стиля Ренессанс во Флоренции в этот период.В 15 веке Флоренция стала крупным торговым центром. Производство ткани стимулировало их экономику, и появился купеческий класс. Гуманизм, который развился в 14 веке, оставался важным интеллектуальным движением, которое также повлияло на производство искусства.

Раннее Возрождение

В период раннего Возрождения художники начали отказываться от византийского стиля религиозной живописи и стремились создать реализм в изображении человеческой формы и пространства. Эта цель к реализму началась с Чимабуэ и Джотто и достигла своего пика в искусстве «совершенных» художников, таких как Андреа Мантенья и Паоло Уччелло, которые создавали работы, в которых использовалась одноточечная перспектива и играли с перспективой для своих образованных, знающих искусство. зритель.

В эпоху Раннего Возрождения мы также видим важные изменения в предметной области, помимо стиля. Хотя религия была важным элементом повседневной жизни людей, живших в эпоху Возрождения, и оставалась движущим фактором художественного производства, мы также видим новый путь, открытый для дыхания — мифологический сюжет. Многие ученые указывают на картину Боттичелли «Рождение Венеры » как на самое первое панно с мифологической сценой. В то время как сама традиция, вероятно, возникла из картины кассона, которая обычно включала сцены из мифологии и романтических текстов, развитие мифологической живописи открыло бы мир для художественного покровительства, производства и тем.

Рождение Венеры: Рождение Венеры Боттичелли было одним из самых важных произведений раннего Возрождения.

Высокое Возрождение

Период, известный как Высокое Возрождение, представляет собой кульминацию целей Раннего Возрождения, а именно реалистичное представление фигур в пространстве, переданных с достоверным движением и в должным образом благопристойном стиле. Самые известные художники этого периода — Леонардо да Винчи, Рафаэль, Тициан и Микеланджело.Их картины и фрески являются одними из самых известных произведений искусства в мире. Картина Да Винчи «Тайная вечеря », Рафаэля Афинская школа и роспись потолка Сикстинской капеллы Микеланджело являются шедеврами этого периода и воплощают элементы Высокого Возрождения.

Свадьба Девы, Рафаэля: На картине изображена церемония бракосочетания Марии и Иосифа.

Маньеризм

Живопись высокого Возрождения во Флоренции переросла в маньеризм.Художники-маньеристы, сознательно восставшие против принципов Высокого Возрождения, имели тенденцию изображать вытянутые фигуры в нелогичных пространствах. Современная наука признала способность искусства маньеризма передавать сильные, часто религиозные эмоции, в то время как Высокому Возрождению этого не удавалось. Некоторые из главных художников этого периода — Понтормо, Бронзино, Россо Фьорентино, Пармиджанино и ученик Рафаэля Джулио Романо.

Искусство и покровительство

Семья Медичи использовала свое огромное состояние, чтобы контролировать флорентийскую политическую систему и спонсировать ряд художественных достижений.

Цели обучения

Обсудите взаимосвязь между искусством, покровительством и политикой в ​​эпоху Возрождения

Основные выводы

Ключевые моменты

• Хотя Ренессанс был в самом разгаре до того, как семья Медичи пришла к власти во Флоренции, их покровительство и политическая поддержка искусства помогли превратить Ренессанс в полноценное культурное движение.
• Богатство и влияние Медичи первоначально были связаны с торговлей текстилем, которой руководила гильдия Арте делла Лана; благодаря финансовому превосходству Медичи доминировали в правительстве своего города.
• Патронаж Медичи отвечал за большую часть флорентийского искусства во время их правления, поскольку художники обычно создавали свои работы только тогда, когда они получали заказы заранее.
• Хотя сами Медичи не были учеными, хорошо известно, что семья была покровителями знаменитого Галилео Галилея, воспитавшего несколько поколений детей Медичи.

Ключевые термины

• Лоренцо Медичи : итальянский государственный деятель и фактический правитель Флорентийской республики, который был одним из самых могущественных и восторженных покровителей эпохи Возрождения.
• патронаж : Поддержка, поощрение, привилегии или финансовая помощь, которую организация или человек оказывает другому, особенно в области искусства.

Обзор

Давно обсуждается, почему Возрождение началось во Флоренции, а не где-либо еще в Италии. Ученые отметили несколько уникальных особенностей флорентийской культурной жизни, которые могли вызвать такое культурное движение. Многие подчеркивали роль Медичи, семьи банкиров, а затем и герцогского правящего дома, в покровительстве и стимулировании искусства.Лоренцо де Медичи (1449–1492) был катализатором огромного количества меценатов, побуждая своих соотечественников заказывать работы ведущих художников Флоренции, включая Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Микеланджело Буонарроти. Работы Нери ди Биччи, Боттичелли, да Винчи и Филиппино Липпи были заказаны дополнительно монастырем Сан-Донато-агли-Скопети ордена августинцев во Флоренции.

Покровительство Дома Медичи

Дом Медичи был итальянской банковской семьей, политической династией, а затем и королевским домом, который впервые начал приобретать известность при Козимо де Медичи во Флорентийской республике в первой половине 15 века.Их богатство и влияние изначально были связаны с торговлей текстилем, которой руководила гильдия Arte della Lana. Как и другие семьи синьоров, они доминировали в правительстве своего города, они смогли подчинить Флоренцию своей семье и создали среду, в которой могли процветать искусство и гуманизм. Они, наряду с другими семьями Италии, такими как Висконти и Сфорца из Милана, Эсте из Феррары и Гонзага из Мантуи, способствовали рождению итальянского Возрождения.

Самыми большими достижениями Медичи были спонсорство искусства и архитектуры, в основном искусства и архитектуры раннего и высокого Возрождения. Медичи были ответственны за большую часть флорентийского искусства во время своего правления. Их деньги были значительными, потому что в этот период художники, как правило, делали свои работы только тогда, когда получали заказы заранее. Джованни ди Биччи де Медичи, первый покровитель искусств в семье, помогал Мазаччо и заказал Брунеллески реконструкцию базилики Сан-Лоренцо во Флоренции в 1419 году.Известными соратниками Козимо Старшего были Донателло и Фра Анджелико. Самым значительным дополнением к списку за многие годы был Микеланджело Буонарроти (1475–1564), создавший работы для ряда Медичи, начиная с Лоренцо Великолепного, который, как говорили, очень любил молодого Микеланджело, приглашая его учиться. семейное собрание античной скульптуры. Лоренцо также был покровителем Леонардо да Винчи (1452–1519) в течение семи лет. Действительно, Лоренцо был сам по себе художником, автором стихов и песен; его поддержка искусства и литературы рассматривается как высшая точка покровительства Медичи.

Дом Медичи: Члены семьи Медичи аллегорически помещены в окружение короля из Трех волхвов в сельской местности Тосканы на фреске Беноццо Гоццоли, ок. 1459.

В архитектуре Медичи ответственны за некоторые примечательные особенности Флоренции, включая Галерею Уффици, Сады Боболи, Бельведер, Капеллу Медичи и Палаццо Медичи. Позже, в Риме, Папы Медичи продолжили семейную традицию, покровительствуя художникам в Риме.Папа Лев X в основном заказывал работы Рафаэлю. Папа Климент VII поручил Микеланджело расписать алтарную стену Сикстинской капеллы незадолго до смерти понтифика в 1534 году. Элеонора Толедская, принцесса Испании и жена Козимо I Великого, купила дворец Питти у Буонаккорсо Питти в 1550 году. Козимо, в свою очередь, покровительствовал Вазари, который построил галерею Уффици в 1560 году и основал Accademia delle Arti del Disegno («Академию художеств рисования») в 1563 году. Мария Медичи, вдова Генриха IV из Франции и мать Людовика XIII, является предметом заказанного цикла картин, известного как цикл Марии Медичи, написанного для Люксембургского дворца придворным художником Питером Полем Рубенсом в 1622–1623 годах.

Хотя сами Медичи не были учеными, хорошо известно, что семья была покровителями знаменитого Галилео Галилея, воспитавшего несколько поколений детей Медичи и являвшегося важной фигурой в стремлении своего покровителя к власти. В конце концов, Фердинандо II отказался от покровительства Галилея, когда инквизиция обвинила Галилея в ереси. Однако семья Медичи действительно предоставляла ученому безопасную гавань на долгие годы. Галилей назвал четыре самых больших луны Юпитера в честь четырех детей Медичи, которых он обучал, хотя имена, которые использовал Галилей, не используются в настоящее время.

Леонардо да Винчи

Хотя Леонардо да Винчи восхищается как ученый, академик и изобретатель, он наиболее известен своими достижениями как художник нескольких шедевров эпохи Возрождения.

Цели обучения

Опишите работы Леонардо да Винчи, демонстрирующие его самые новаторские техники как художника

Основные выводы

Ключевые моменты

• Среди качеств, делающих работы да Винчи уникальными, — новаторские техники, которые он использовал при нанесении краски, его детальное знание анатомии, его новаторское использование человеческой формы в фигуративной композиции и его использование сфумато.
• Среди самых известных работ, созданных да Винчи, — небольшой портрет под названием Мона Лиза , известный неуловимой улыбкой на лице женщины, вызванной тем, что да Винчи тонко затемнил уголки рта и глаза, так что точный характер улыбки не может быть определен.
• Несмотря на свои знаменитые картины, да Винчи не был плодовитым живописцем; он был плодовитым рисовальщиком, вел дневники с небольшими набросками и подробными рисунками, фиксировавшими все, что его интересовало.

Ключевые термины

• sfumato : В живописи — нанесение тонких слоев полупрозрачной краски, чтобы не было видимых переходов между цветами, тонами и часто объектами.

Хотя Леонардо да Винчи восхищается как ученый, академик и изобретатель, он наиболее известен своими достижениями в качестве художника нескольких шедевров эпохи Возрождения. Его картины были новаторскими по разным причинам, а его работы подражали студентам и подробно обсуждались знатоками и критиками.

Среди качеств, делающих работы да Винчи уникальными, — новаторские техники, которые он использовал при нанесении краски, его детальное знание анатомии, его использование человеческой формы в фигуративной композиции и его использование сфумато. Все эти качества присутствуют в его самых знаменитых работах: Мона Лиза , Тайная вечеря и Дева в скалах .

Мадонна в скалах, Леонардо да Винчи, 1483–1486: На этой картине изображены Мадонна с младенцем Иисусом с младенцем Иоанном Крестителем и ангелом в скалистом окружении.

Тайная вечеря

Самая известная картина да Винчи 1490-х годов — Тайная вечеря , написанная для трапезной монастыря Санта-Мария-делла-Грацие в Милане. На картине изображена последняя трапеза Иисуса и 12 Апостолов, где он объявляет, что один из них предаст его. По завершении картина была признана шедевром дизайна. Эта работа демонстрирует то, что да Винчи сделал очень хорошо: взял очень традиционный сюжет, такой как Тайная вечеря, и полностью заново изобрел его.

До этого момента в истории искусства все изображения Тайной вечери следовали одной и той же визуальной традиции: Иисус и апостолы сидят за столом. Иуда находится на противоположной стороне стола от всех остальных, и зритель легко узнает его. Когда да Винчи писал «Тайную вечерю», он поместил Иуду с той же стороны стола, что и Христос и апостолы, которые, как показано, реагируют на Иисуса, когда он объявляет, что один из них предаст его. Они изображены встревоженными, расстроенными и пытающимися определить, кто совершит действие.Зрителю также предстоит определить, какая фигура — Иуда, который предаст Христа. Изображая сцену таким образом, да Винчи привнес в свою работу психологию.

К сожалению, этот шедевр эпохи Возрождения начал портиться сразу после того, как да Винчи закончил рисовать, во многом из-за выбранной им техники рисования. Вместо того, чтобы использовать технику фрески, да Винчи использовал темпера на земле, которая в основном была левкасом, пытаясь передать тонкие эффекты масляной краски на фреске.Его новая техника не увенчалась успехом и привела к образованию плесени и отслаиванию поверхности.

Тайная вечеря: «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи, хотя и сильно испорченная, демонстрирует мастерство художника в фигуративной композиции человеческого тела.

Мона Лиза

Среди работ, созданных да Винчи в 16 веке, есть небольшой портрет, известный как Мона Лиза, или Джоконда , «смеющаяся». В настоящее время это, пожалуй, самая известная картина в мире.Его слава основана, в частности, на неуловимой улыбке на лице женщины — ее таинственности, вызванной, возможно, тем фактом, что художник тонко затемнил уголки рта и глаз, так что точный характер улыбки не может быть определен.

Темное качество, которым славится эта работа, было названо сфумато, нанесением тонких слоев полупрозрачной краски, чтобы не было видимого перехода между цветами, тонами и часто объектами. Другие характеристики, обнаруженные в этой работе, — это платье без украшений, в котором глаза и руки не конкурируют с другими деталями; драматический пейзажный фон, на котором мир кажется пребывающим в постоянном движении; приглушенная окраска; и чрезвычайно гладкий характер живописной техники с использованием масел, но нанесенных во многом как темпера и смешанных на поверхности, так что мазки кисти неразличимы.И снова да Винчи вводит здесь новшества в живописи. В эпоху Возрождения портреты были очень распространены. Однако женские портреты всегда были в профиль, что считалось правильным и скромным. Здесь да Винчи представляет портрет женщины, которая не только смотрит на зрителя, но и следит за ним глазами.

Мона Лиза: В «Моне Лизе» да Винчи применяет свою технику сфумато для создания тени.

Богородица с младенцем и Святой Анной

На картине Богородица с младенцем и св.Anne , композиция да Винчи снова поднимает тему фигур в пейзаже. Что делает эту картину необычной, так это то, что на ней наложены две наклонно поставленные фигуры. Мария сидит на коленях своей матери, Святой Анны. Она наклоняется вперед, чтобы удержать Младенца Христа, который грубо играет с ягненком, что является знаком его собственной неминуемой жертвы. Эта картина оказала влияние на многих современников, в том числе на Микеланджело, Рафаэля и Андреа дель Сарто. Тенденции в его композиции были приняты, в частности, венецианскими художниками Тинторетто и Веронезе.

Богоматерь с младенцем и святой Анной: Богородица с младенцем и святой Анной (ок. 1510 г.) Леонардо да Винчи, Лувр.

Микеланджело

Микеланджело был флорентийским художником 16 века, известным своими шедеврами скульптуры, живописи и архитектурного дизайна.

Цели обучения

Обсудить достижения Микеланджело в скульптуре, живописи и архитектуре

Основные выводы

Ключевые моменты

• Микеланджело создал свою колоссальную мраморную статую Давида из цельного куска мрамора, что сделало его выдающимся скульптором необычайного технического мастерства и силы символического воображения.
• В живописи Микеланджело известен потолком и Страшный суд Сикстинской капеллы, где он изобразил сложную схему, представляющую творение, падение человека, спасение человека и генеалогию Христа.
• Главный вклад Микеланджело в базилику Святого Петра заключался в использовании формы греческого креста и массивной внешней каменной кладки, где каждый угол был заполнен лестничной клеткой или небольшой ризницей. Эффект представляет собой сплошную поверхность стены, которая кажется изломанной или изогнутой под разными углами.

Ключевые термины

• Contrapposto : Положение человека стоя, при котором большая часть веса приходится на одну ногу, а другая нога расслаблена. Эффект контрапоста в искусстве делает фигуры очень натуралистичными.
• Сикстинская капелла : Самая известная часовня Апостольского дворца.

Микеланджело был флорентийским художником 16 века, известным своими шедеврами скульптуры, живописи и архитектурного дизайна.Его самые известные работы — Давид , Страшный суд и Базилика Святого Петра в Ватикане.

Скульптура:

Давид

В 1504 году Микеланджело было поручено создать колоссальную мраморную статую, изображающую Давида как символ флорентийской свободы. Последующий шедевр, David , сделал художника выдающимся скульптором, обладающим исключительными техническими навыками и силой символического воображения. Давид был создан из цельного мраморного блока и стоит больше, чем жизнь, так как изначально предназначался для украшения Флорентийского собора. Работа отличается от предыдущих представлений тем, что библейский герой не изображен с головой убитого Голиафа, как на статуях Донателло и Верроккьо; оба представляли героя, победившего над головой Голиафа. Ни один из ранее флорентийских художников не обходился без гиганта. Вместо того, чтобы казаться победителем над врагом, лицо Дэвида выглядит напряженным и готовым к бою.Сухожилия на его шее туго выпирают, лоб нахмурен, а глаза, кажется, пристально смотрят на что-то вдалеке. Вены выступают из его опущенной правой руки, но его тело находится в расслабленной позе Contrapposto , и он несёт перевязь, небрежно перекинутую через левое плечо. В эпоху Возрождения контрапостов поз считались отличительной чертой античной скульптуры.

Давид Микеланджело, 1504 : Давид Микеланджело стоит в позе контрапоста.

Скульптура предназначалась для установки снаружи Дуомо и стала одним из самых узнаваемых произведений скульптуры эпохи Возрождения.

Картина:

Страшный суд

В живописи Микеланджело известен своими работами в Сикстинской капелле. Первоначально ему было поручено покрасить казны tromp-l’oeil после того, как на первоначальном потолке образовалась трещина. Микеланджело лоббировал иную и более сложную схему, представляющую Сотворение, Падение Человека, Обещание спасения через пророков и Генеалогию Христа.Работа является частью более крупной схемы украшения внутри часовни, которая представляет большую часть доктрины католической церкви.

В итоге композиция содержала более 300 фигур, а в центре — девять эпизодов из Книги Бытия, разделенных на три группы: сотворение Богом Земли, сотворение Богом человечества и их падение от Божьей благодати и, наконец, состояние человечества в лице Ноя и его семьи. Двенадцать мужчин и женщин, пророчествовавших о пришествии Иисуса, нарисованы на подвесках, поддерживающих потолок.Среди самых известных картин на потолке — «Сотворение Адама, Адама и Евы в Эдемском саду», «Великий потоп», «Пророк Исайя» и «Кумская сивилла». Вокруг окон нарисованы предки Христа.

Фреска «Страшный суд » на алтарной стене Сикстинской капеллы была заказана Папой Климентом VII, и Микеланджело работал над проектом с 1536–1541 годов. Работа находится на алтарной стене Сикстинской капеллы, что не является традиционным местом для объекта.Обычно сцены Страшного суда помещали на стене у выхода из церквей, чтобы напомнить зрителю о вечных наказаниях, когда они оставляли богослужение. Страшный суд — это изображение Второго пришествия Христа и апокалипсиса; где души человечества поднимаются и участвуют в своих различных судьбах, судимые Христом, в окружении Святых. В отличие от более ранних фигур Микеланджело, нарисованных на потолке, фигуры в Страшный суд сильно мускулистые и находятся в гораздо более искусственных позах, демонстрируя, насколько эта работа выполнена в стиле маньеризма.

В этой работе Микеланджело отверг упорядоченное изображение Страшного суда, установленное средневековой традицией, в пользу закрученной сцены хаоса, когда судят каждую душу. Когда картина была представлена, она подверглась резкой критике за включение классических образов, а также за количество обнаженных фигур в несколько наводящих на размышления позах. Плохой прием, который получила работа, может быть связан с Контрреформацией и Тридентским собором, которые привели к предпочтению более консервативного религиозного искусства, лишенного классических отсылок.Хотя некоторые фигуры были сделаны более скромными с добавлением драпировки, изменения были внесены только после смерти Микеланджело, демонстрируя уважение и восхищение, которые были ему оказаны при его жизни.

Страшный суд: Фреска «Страшный суд» на алтарной стене Сикстинской капеллы была заказана Папой Климентом VII. Микеланджело работал над проектом с 1534–1541 годов.

Архитектура: Базилика Святого Петра

Наконец, несмотря на участие других архитекторов, Микеланджело спроектировал собор Св.Базилика Петра. Главный вклад Микеланджело заключался в использовании симметричного плана в форме греческого креста и массивной внешней каменной кладки, при этом каждый угол был заполнен лестничной клеткой или небольшой ризницей. Эффект представляет собой непрерывную поверхность стены, которая изгибается или ломается под разными углами, не имея прямых углов, которые обычно определяют изменение направления в углах здания. Этот фасад окружен гигантскими коринфскими пилястрами, которые расположены под немного разными углами друг к другу, что соответствует постоянно меняющимся углам поверхности стены.Над ними огромный карниз колышется непрерывной полосой, создавая впечатление, что все здание находится в состоянии сжатия.

Базилика Святого Петра: Микеланджело спроектировал купол базилики Святого Петра в 1564 году или ранее, хотя на момент его смерти он был незаконченным.

Маньеризм

Художники-маньеристы начали отвергать гармонию и идеальные пропорции эпохи Возрождения в пользу иррациональных настроек, искусственных цветов, нечетких предметов и удлиненных форм.

Цели обучения

Опишите стиль маньеризма, его отличие от стиля Возрождения и причины его возникновения.

Основные выводы

Ключевые моменты

• Маньеризм пришел после Высокого Возрождения и до барокко.
• Художники, пришедшие на поколение после Рафаэля и Микеланджело, столкнулись с дилеммой. Они не могли превзойти великие произведения, которые уже были созданы Леонардо да Винчи, Рафаэлем и Микеланджело. Именно тогда мы начинаем видеть появление маньеризма.
• Якопо да Понтормо (1494–1557) представляет собой переход от эпохи Возрождения к стилю маньеризма.

Ключевые термины

• Маньеризм : Стиль искусства в Европе с ок. 1520–1600. Маньеризм пришел после Высокого Возрождения и до барокко. Не каждый художник, работающий в этот период, считается художником-маньеристом.

Маньеризм — это название, данное стилю искусства в Европе с ок. 1520–1600. Маньеризм пришел после Высокого Возрождения и до барокко.Однако не каждая картина художника в этот период считается художником-маньеристом, и среди ученых есть много споров о том, следует ли считать маньеризм отдельным движением от Высокого Возрождения или стилистической фазой Высокого Возрождения. Здесь маньеризм будет рассматриваться как отдельное направление в искусстве, поскольку существует много различий между стилями Высокого Возрождения и стилями маньеризма.

Стиль

Что делает произведение искусства маньеристом? Прежде всего мы должны понять идеалы и цели Возрождения.В эпоху Возрождения художники по-новому познакомились с классической античностью. Кроме того, они разработали теории перспективы и всеми способами стремились создавать произведения искусства, которые были бы совершенными, гармоничными и демонстрировали идеальные изображения мира природы. Леонардо да Винчи, Рафаэль и Микеланджело считаются художниками, достигшими величайших достижений в искусстве эпохи Возрождения.

Ренессанс подчеркивал гармонию и красоту, и никто не мог создать более прекрасных работ, чем три великих художника, перечисленные выше.Художники, пришедшие на смену поколению, столкнулись с дилеммой; они не могли превзойти великие произведения, которые уже были созданы да Винчи, Рафаэлем и Микеланджело. Именно тогда мы начинаем видеть появление маньеризма. Молодые художники, пытающиеся создать что-то новое и непохожее, начали отказываться от гармонии и идеальных пропорций в пользу иррациональных декораций, искусственных цветов, нечетких сюжетов и вытянутых форм.

Якопо да Понтормо

Якопо да Понтормо (1494–1557) олицетворяет переход от эпохи Возрождения к стилю маньеризма.Возьмем, к примеру, его «Поклонение с креста », алтарь, написанный для часовни в церкви Санта-Феличита во Флоренции. Фигуры Марии и Иисуса, по-видимому, являются прямой отсылкой к пьете Пьета Микеланджело. Хотя работа называется « Deposition», на крестика нет. Ученые также называют эту работу «Погребение», но гробницы нет. Отсутствие ясности в предмете — отличительная черта маньеристской живописи. К тому же сеттинг иррационален, как будто не в этом мире, а цвета далеки от натуралистических.Это произведение не могло быть создано художником эпохи Возрождения. Движение маньеристов подчеркивает разные цели, и это произведение искусства Понтормо демонстрирует этот новый и иной стиль.

Понтормо, Снятие с креста, 1525-1528, Церковь Санта Феличита, Флоренция: Это произведение искусства Понтормо демонстрирует отличительные черты стиля маньеризма: неясный сюжет, иррациональное окружение и искусственные цвета.

10 самых известных картин эпохи Возрождения

Самые известные картины эпохи Возрождения датируются периодом около 300 лет и ознаменовали период революции в искусстве, аналогов которой нет до сих пор.

Эпоха Возрождения охватывает более трех веков, с 14 по 17 век нашей эры, и знаменует собой бум классических произведений искусства, выдержавших испытание временем.

Наиболее заметными были художники и их возвращение к классическому мышлению и философии древних греков и римлян.

Сегодня такие имена, как Да Винчи, Микеланджело, Боттичелли и Рафаэль считаются гениями, и их вклад в искусство, гуманитарные науки, науку и философию не имеет себе равных.

Картины эпохи Возрождения совершили качественный скачок вперед с точки зрения материалов и техники, с линейной перспективой и высокоточным анатомическим изображением человеческой формы.

Многие великие работы были профинансированы богатыми купцами или заказаны католической церковью.

Следующий список самых известных картин эпохи Возрождения не является исчерпывающим, но в нем подробно описаны самые известные работы.

Известные картины эпохи Возрождения

1.Мона Лиза

Мона Лиза может считаться самой известной картиной в мире, а также самой известной улыбкой в ​​придачу!

На его имя у да Винчи относительно мало законченных полотен по сравнению с другими плодовитыми сторонниками того времени.

Тем не менее, все его работы считаются настоящими шедеврами, и это награда, которую получают очень немногие.

Мона Лиза — портрет половинного роста, который, как полагают, принадлежит Лизе Герардини, жене богатого флорентийского купца по имени Франческо дель Джокондо.

«Мона Лиза» теперь принадлежит французской публике и выставлена ​​в Лувре, находится в доверительном управлении публики и никогда не может быть продана.

Однажды он был украден итальянским служащим и доставлен обратно в Италию, который утверждал, что он принадлежит именно этому месту. В конце концов его поймали, а произведение вернули в Лувр.

Каждый день приходится отвечать на длинные вопросы, чтобы хоть мельком увидеть ее знаменитую улыбку.

Это, пожалуй, самая известная картина эпохи Возрождения, если не всех времен.

2. Тайная вечеря

Как и многие известные произведения искусства эпохи Возрождения Тайная вечеря — это религиозная сцена, изображающая Тайную вечерю Иисуса и его двенадцать апостолов и написанная Леонардо да Винчи.

Это нетипичная фреска, которую обычно рисуют на стенах. Леонардо решил использовать свои любимые масляные краски.

Леонардо предпочитает масло, так как оно медленно сохнет и позволяет ему вносить изменения и более медленный, более продуманный подход к работе.

Леонардо понял, что если он будет использовать масляные краски, то естественная влага, проникающая через большинство каменных стен зданий, должна быть запечатана, иначе это испортит его работу.

Чтобы противостоять этому, он нанес двойной слой левкаса, мастики и смолы.

За свою долгую историю картину неоднократно приходилось реставрировать.

В результате как экологического, так и преднамеренного ущерба, очень мало осталось от первоначального верхнего слоя масляной живописи.

3. Сотворение Адама

Сотворение Адама было написано Микеланджело примерно в 1508–1512 годах.

Оно составляет центральное изображение на потолке Сикстинской капеллы.

Изображение изображает Бога, дающего жизнь Адаму из Книги Бытия, и стало одним из самых знаковых и воспроизводимых изображений, когда-либо созданных.

Общая площадь составляет около 500 квадратных метров, и Микеланджело потребовалось более четырех лет, чтобы закончить одну из самых сложных и крупных фресок, когда-либо созданных.

Всего существует около 300 фигур, но Сотворение Адама сосредоточено на Боге справа, дающем жизнь Адаму, который представляет человека.

Адам лежит на краю земли в довольно расслабленной манере, и его ангелы несут Бога, протягиваясь к Адаму, чтобы дать дар жизни через его прикосновение.

Чтобы по-настоящему оценить величие одного из лучших произведений искусства эпохи Возрождения, вы должны пройти под потолком Сикстинской капеллы и посмотреть вверх.

4.Primavera

Считается, что Сандро Боттичелли написал Primavera в 1482 году, название на английском языке означает Весна, и картину иногда называют « Аллегория весны ».

Реальная сцена и то, что она представляет, является причиной многих споров среди ученых-искусствоведов и комментаторов, некоторые говорят, что она изображает мифическую аллегорию, а другие — смену времен года.

Это один из лучших образцов искусства эпохи Возрождения, который примечателен не только своим значением, но и тем, как Боттичелли использовал цвет, что было довольно поразительно для той эпохи, в которой он был написан.

5. Афинская школа

Афинская школа — это фреска, написанная Рафаэлем между 1509 и 1511 годами в Апостольском дворце в Ватикане.

На картине изображен почти всегда выдающийся греческий философ.

Он написан в Stanza della Segnatura, которая находится на втором этаже северного крыла Ватиканского дворца.

Это одна из четырех больших фресок, написанных в этой комнате, каждая из которых представляет такие отрасли человеческого знания, как Справедливость, Философия, Поэзия и Афинская школа.

В композиции широко используются перспективные элементы, и взгляд обращен на две центральные фигуры Платона слева и Аристотеля справа.

Слева — философы, представляющие философию Платона, а справа — философы, представляющие философию Аристотеля, всего 50 фигур на картине.

6. Рождение Венеры

Одно из лучших произведений искусства эпохи Возрождения. В картине «Рождение Венеры» изображена римская богиня Венера, прибывающая на берег, родившаяся полностью выросшей в море, ее доставили на гигантской раковине.

Сандро Боттичелли написал другую знаменитую картину эпохи Возрождения, на которой изображен мифологический образ Примаверы.

Оба великих произведения искусства были заказаны могущественной банковской династией Медичи, которые были чрезвычайно сильными покровителями искусства во Флоренции.

Раньше большинство работ было написано на деревянных панелях, но Рождение Венеры на самом деле является темпурой на холсте.

Холст имел явное преимущество перед деревом, так как во влажном климате дерево имело тенденцию к короблению, а холст — нет.

7. Сикстинская Мадонна

Сикстинская Мадонна была одним из последних великих произведений Рафаэля в искусстве эпохи Возрождения. Он умер всего через несколько лет.

На картине изображена Дева Мария с младенцем Иисусом по бокам на изображении — святые Сикст и святая Варвара, под ней на переднем плане — херувимы, смотрящие вверх на Марию.

Картина была написана для монахов-бенедиктинцев в монастыре Сан-Систо Пьяченца, который был повешен на почетном месте возле алтаря.

Позже он попал в Германию в 1754 году к королю Саксонии Агусту III. По прибытии в Германию он вызвал серьезные споры, ставящие под сомнение границы между искусством и религией.

Картина позже переехала в Москву после Второй мировой войны, а затем, наконец, вернулась в Германию в 1955 году.

Она считается одной из самых известных картин Девы Марии эпохи Возрождения и представляет собой мастер-класс Рафаэля с точки зрения света и света. тень.

8. Страшный суд

Страшный суд — это массивная фреска, написанная Микеланджело, которая украшает всю переднюю стену Сикстинской капеллы в Ватикане.

Микеланджело потребовалось более четырех лет между 1536 и 1541 годами, чтобы завершить его не только из-за размера, но также из-за сложности и количества фигур.

Он начал работать над ним через 25 лет после завершения строительства потолка Сикстинской капеллы и к тому моменту был значительно стар — 67 лет к тому времени, когда он был завершен.

Первоначально все мужчины были изображены обнаженными, но позже они были прикрыты раскрашенными драпировками.

Первоначально прием был смешанным между похвалой и критикой, причем обнаженные тела были основным предметом разговора, так же как и то, насколько мускулистыми были многие фигуры.

9. Поцелуй Иуды

Поцелуй Иуды также известен как Предательство Христа и изображает сцену, когда Иуда знакомит Христа с должностными лицами синедриона, что привело к его аресту и окончательной казни.

Он был написан Джотто ди Бондоне по заказу влиятельной семьи банкиров Скровенги в часовне Скровенги, построенной семьей на месте древнеримской арены.

Картина, вероятно, наиболее известна тем, что положила конец знакомому средневековому стилю живописи и знаменовала новую волну художественной революции, которой было раннее Возрождение.

Серия фресок, написанных Джотто для богатой банковской семьи, в то время считалась самым современным произведением искусства любого художника.

10. Успение Богородицы

Успение Богородицы, также известное как Успение Фрари, — это картина Титана, которая находится на главном алтаре базилики Санта-Мария-Глориоска-дей-Фрари в Венеции.

Он был расписан Титаном между 1515 и 1518 годами и является самым большим алтарем в Венеции.

Для Титана это был первый раз, когда он стремился подражать более современным динамичным сценам, которые Рафаэль и Микеланджело становились известными на юге Флоренции.

Картина обрамлена массивными мраморными колоннами и позолоченными краями и при взгляде с другого конца церкви выглядит весьма эффектно.

---

Картины итальянского Возрождения

Движение живописи итальянского Возрождения ознаменовало массовый отход от более готических сцен средневекового искусства, предшествовавших ему, к возврату к более гуманистическому подходу к искусству и мышлению.

Вдохновленные великими греческими философами и мыслителями, художники эпохи Возрождения отказались от прежнего акцента на символизме и сосредоточили внимание на личности.

Расцвет богатых купцов и банковских семей, таких как Медичи, из итальянских городов, таких как Флоренция и Венеция, позволил заметно увеличить финансовую поддержку начинающих художников, чтобы продемонстрировать там более современный стиль.

Уменьшение силы и влияния церкви также повлияло на распространение гуманизма, в то время как предыдущие церкви сопротивлялись такому развитию.

При этом церковь по-прежнему была массовым потребителем искусства эпохи Возрождения, и многие из самых известных картин эпохи Возрождения были фресками, которые украшают интерьеры некоторых из лучших итальянских часовен и соборов.

Большинство произведений искусства эпохи Возрождения находится в Италии, многие известные картины маслом все еще находятся в хорошем состоянии, однако большая часть сохранившихся фресок подверглась существенным изменениям в целях консервации.

Искусство раннего Возрождения (1400-1500)

Искусство раннего Возрождения было мостом между предыдущим византийским готическим стилем искусства и более современным гуманистическим подходом к искусству, архитектуре, мышлению и науке.

Флорентийский художник Джотто был одним из первых, кто вырвался из жизни примерно с 1300 по 1310 год, создав фрески капеллы Скровеньи.

Этот период между 1300 и 1400 годами считается прото-ренессансом и отмечен постепенным отклонением от классического символического византийского искусства с религиозными изображениями с использованием плоских 2D-живописных техник к более натуралистическому подходу.

Джотто возглавил ранний ренессанс, которым руководили такие, как Брунеллески, Донателло и Мазаччо, а также великие банковские семьи Флоренции, поддерживающие и финансирующие это новое движение.

И Брунеллески, и Донателло произвели революцию в использовании линейной перспективы и дали жизнь и глубину живописи и архитектурным рисункам.

Искусство Высокого Возрождения

Высокое Возрождение — это примерно тридцатилетний период, когда все великие имена были очень активными и часто конкурировали друг с другом за различные заказы.

Большинство историков считают, что искусство эпохи Возрождения началось примерно в 1495 году и закончилось в 1520 году, а сигналом к ​​нему стала смерть Рафаэля.

Все великие имена в искусстве, архитектуре, скульптуре и науках, особенно в анатомии человека, были на пике своего творческого пути.

Да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и Браманте охватили новые методы, материалы, а также развитие и усовершенствование линейной перспективы.

Массивные полотна и фрески создавались в невиданных ранее масштабах и по сей день считаются одними из самых известных картин эпохи Возрождения, когда-либо созданных.

Искусство эпохи Возрождения — Всемирная историческая энциклопедия

Искусство эпохи Возрождения в Европе (1400–1600 гг. Н. Э.) Включает в себя одни из самых узнаваемых и самых любимых картин и скульптур в мире.Мастера часто обладали мастерством как в живописи, так и в скульптуре, и, изучая искусство древности и добавляя свои теоретические знания математической перспективы и новые техники рисования, они создавали поистине уникальные произведения искусства. Реализм, детализация, драматизм и тонкие смысловые слои стали чертами религиозного и светского искусства. Теперь художники, наконец, освободились от своего прежнего статуса ремесленников и заняли новое положение в качестве важных участников культуры и престижа общества, в котором они жили.

Определяющими чертами искусства эпохи Возрождения являются:

• интерес к изображению основных элементов классического искусства, особенно формы и пропорций человеческого тела.
• интерес к истории современного искусства и постоянный путь развития.
• — это смешение языческой и религиозной иконографии, но в центре внимания — человечество.
• склонность к монументальности и драматическим позам.
• интерес к эмоциональному отклику зрителя.
• развитие точной математической перспективы.
• интерес к гиперреалистичным и детализированным портретам, сценам и пейзажам.
• проявляет интерес к использованию ярких цветов, оттенков и улавливанию световых эффектов.
• Разработка масляных красок и мелкой гравюры.
• использование тонких форм и предметов повседневного обихода, чтобы придать дополнительный смысл.
• рост престижа художников как лучших мастеров, сочетающих интеллектуальные знания с практическими навыками.

Средневековое происхождение

Раньше считалось, что искусство эпохи Возрождения возникло из ниоткуда в чудесном возрождении идей и таланта, но исследования современных историков показали, что многие элементы искусства эпохи Возрождения подвергались экспериментам в 14 веке нашей эры. Такие художники, как Джотто (ум. 1337 г. н.э.), стремились сделать свои картины более реалистичными, поэтому они использовали ракурс, чтобы придать сцене ощущение глубины. Использование Джотто ракурса, света и тени, эмоций и динамичного выбора сцен лучше всего видно на его религиозных фресках в капелле Скровеньи в Падуе (ок.1315 г. н.э.). Эти техники, а также успех художника в оживлении персонажей окажут огромное влияние на более поздних художников. По этой причине Джотто часто называют «первым художником эпохи Возрождения», даже если он жил до самого Возрождения.

Поцелуй Иуды Джотто

Джотто (общественное достояние)

Состоятельные меценаты были движущей силой искусства эпохи Возрождения в период, когда подавляющее большинство художественных работ создавалось по заказу.Церкви были обычными бенефициарами этой системы в первой половине эпохи Возрождения. Расписные панели для запрестольных образов и фресок были наиболее распространенной формой художественного оформления, часто изображая sacra convertazione , то есть Богородицу с младенцем в окружении святых и доброжелателей. Монументальные алтари высотой в несколько метров часто были искусно обрамлены, чтобы имитировать современные тенденции в архитектуре. Самый известный алтарь из всех — Гентский алтарь 1432 года н.э. Яна ван Эйка (ок.1390-1441 гг. Н. Э.). Таким образом, предметы раннего Возрождения очень похожи на те, которые были популярны в средние века.

Развитие искусства было относительно медленным, но поскольку некоторые художники приобрели большую известность, они смогли разработать новые идеи и сделать искусство отличным от того, что было раньше.

Частные покровители, такие как папы, императоры Священной Римской империи, короли и герцоги, все видели преимущества украшения своих городов и дворцов, но они также были очень заинтересованы в том, чтобы заработать репутацию благочестивых и знатоков искусства и истории.Как только покровитель находил художника, который ему нравился, он часто нанимал его на долгое время в качестве официального придворного художника, ставя перед ним всевозможные задачи, от портретов до дизайна ливреи. Покровители платили, и поэтому они часто обращались с конкретными просьбами о деталях произведения искусства. Кроме того, хотя художник мог использовать свои навыки и воображение, он должен был оставаться в рамках условностей, поскольку фигуры в их работах должны были быть признаны такими, какие они есть. Например, было бы бесполезно создавать фреску, изображающую жизнь святого, если никто не узнает, кем был этот святой.По этой причине развитие искусства было относительно медленным, но поскольку некоторые художники приобрели большую известность, они смогли разработать новые идеи в искусстве и сделать его отличным от того, что было раньше.

Возрождение классики

Определяющей чертой периода Возрождения был возрождение интереса к древнему миру Греции и Рима. В рамках того, что мы сейчас называем гуманизмом эпохи Возрождения, проводились консультации с классической литературой, архитектурой и искусством для извлечения идей, которые можно преобразовать в современном мире.Лоренцо де Медичи (1449–1492 гг. Н. Э.), Глава великой флорентийской семьи, был известным покровителем, и его коллекция старинных произведений искусства стала предметом изучения многих художников. Молодые художники, прошедшие обучение в мастерских признанных мастеров, также имели там доступ к старинному искусству или, по крайней мере, к репродукциям рисунков.

История любви?

Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку новостей по электронной почте!

Рождение Венеры — Боттичелли

Сандро Боттичелли (CC BY-SA)

Художники прямо имитировали классические произведения искусства или их части в своих произведениях.В 1496 году н.э., например, Микеланджело (1475-1564 гг.) Изваял Спящего Купидона (ныне утерян), который он намеренно состарил, чтобы сделать его подлинным древним произведением. Еще одно воссоздание античности, на этот раз полностью вымышленное, — это фреска Афинская школа Рафаэля (1483-1520 гг.). На этой фреске, завершенной в 1511 году нашей эры и находящейся в Ватикане, изображены все основные мыслители древнего мира. Особой популярностью пользовались обычные изображения из классической мифологии. Они были снова переосмыслены, и в некоторых случаях они даже обогнали древнее искусство в нашем сознании, когда мы думаем об определенных предметах. Рождение Венеры (ок. 1484 г. н.э., Галерея Уффици, Флоренция) Сандро Боттичелли (1445-1510 гг. Наконец, изображение древней архитектуры и руин было особенным фаворитом многих художников эпохи Возрождения, чтобы придать фоновую атмосферу как их мифологическим, так и религиозным произведениям.

Повышение статуса художников

Еще одним новым событием стал интерес к реконструкции истории искусства и каталогизации, кто именно и почему были великими художниками.Самым известным ученым, составившим такую ​​историю, был Джорджо Вазари (1511–1574 гг. Н. Э.) В его Жизни выдающихся итальянских архитекторов, художников и скульпторов (1550 г. н.э., пересмотренный 1568 г. н.э.). История — это монументальная запись художников эпохи Возрождения, их работ и анекдотических историй, связанных с ними, поэтому Вазари считается одним из пионеров истории искусства. Художникам также было полезно иметь конкретные биографии, написанные о их жизни и творчестве, даже когда они были еще живы, например, 1553 г. н.э. г. «Жизнь Микеланджело », написанная Асканио Кондиви (1525–1574 г.Художники также писали тексты о техниках на благо других, самым ранним из которых был комментариев Лоренцо Гиберти (1378-1455 гг. Поскольку комментариев включают подробности о жизни и творчестве Гиберти, это также первая автобиография европейского художника.

Давид Микеланджело

Джо Хант (CC BY)

Этот интерес к художникам эпохи Возрождения, их частной жизни и тому, как они пришли к созданию шедевров, отражает их высокий статус.Художников по-прежнему считали мастерами, такими как сапожники и плотники, и они были вынуждены вступить в торговую гильдию. Это начало меняться в эпоху Возрождения. Художники явно отличались от других ремесленников, потому что они могли получить широкую известность благодаря своим работам и вызвать у своих сограждан чувство гражданской гордости. Однако именно интеллектуальные усилия художников, таких как Леонардо да Винчи (1452-1519 гг. Н.э.) и Альбрехт Дюрер (1471-1528 гг. гуманитарные науки, такие как латынь и риторика.Художники проявляли большой интерес к изучению истории искусства, того, что происходило в мире искусства в других местах, писали трактаты о своем ремесле и проводили эксперименты в математической перспективе. Все это сделало искусство наукой.

Еще одна отличительная черта художников эпохи Возрождения, особенно тех, кто принадлежал к Высокому Возрождению (1490-1527 гг. Н.э.), — это их исключительные способности в различных медиа. Такие деятели, как Микеланджело и Леонардо, были такими же опытными художниками, как и скульпторы, и оба, как и многие другие мастера, тоже обратились к архитектуре.У таких успешных мастеров были большие мастерские, которые были тренировочными площадками для следующего поколения художников.

Повышение уверенности в своих навыках, знаниях и вкладе в культуру в целом проявляется в увеличении числа художников, писавших автопортреты. Другим симптомом было частое подписание произведений искусства, иногда в очень заметных частях картины (даже если помощники в мастерской мастера часто заканчивали работы).

Афинская школа Рафаэля

Рафаэль (общественное достояние)

Живопись и новые техники

Художники эпохи Возрождения были разносторонними и часто экспериментировали, но, как правило, в эпоху Возрождения они использовали технику фрески для стен, темпера для панелей и масло для панелей или холста.Фреска — роспись по мокрому гипсовому фону — и темпера — с использованием пигментов, смешанных с яичным желтком — были техниками, которые использовались задолго до периода Возрождения. Однако были проведены эксперименты с использованием масляных красок (пигментов, смешанных с льняным или ореховым маслом), которые давали более насыщенные цвета, более широкий диапазон тонов и большую глубину, чем традиционные цвета. Масла позволили показать больше деталей на картине и позволили мазкам кисти стать визуальным эффектом. К концу 15 века н.э. большинство крупных художников при работе за мольбертом использовали масло, а не темпера.Недостаток масел в том, что они быстро портятся, если их использовать на стенах вместо настоящей фрески.

В зависимости от местоположения использовались разные стили и техники рисования. Например, техника colore (или colorito ) была превалирующей в Венеции (где для создания и определения гармоничной композиции использовались контрастные цвета), а во Флоренции предпочтение было отдано DESGNO (где рисование линий формы имело приоритет). Другие техники, усовершенствованные художниками эпохи Возрождения, включают кьяроскуро (контрастное использование света и тени) и сфумато (переход светлых тонов в более темные).

Тема картины была еще одной возможностью для экспериментов. Картина фигур в драматических позах стала модой эпохи Возрождения, что лучше всего видно на потолке Сикстинской капеллы Микеланджело в Риме (1512 г.). Огромное ощущение движения создается благодаря использованию художником контрапоста , то есть асимметрии между верхней и нижней частью фигур, техники, используемой Леонардо и многими другими. Другая идея заключалась в создании фигур в сцене, особенно треугольников. Целью этого было создать гармоничную композицию и придать дополнительную глубину, как это видно на фреске Леонардо Тайная вечеря в миланской Санта-Мария-делле-Грацие (ок.1498 г. н.э.) или Галатея Рафаэля (ок. 1513 г. н.э., Вилла Фарнезина, Рим).

Бог, сотворяющий Солнце, Луну и планеты, Сикстинская капелла

Микеланджело (общественное достояние)

Художники стремились к еще большему ощущению реальности в своих картинах, и это могло быть достигнуто путем воспроизведения перспективы, которую можно было бы ожидать увидеть в трехмерном изображении. Андреа Мантенья (ок. 1431–1506 гг. Н. Э.) Использовал приемы ракурса точно так же, как это делал Джотто. См. Его Агония в саду (ок.1460 г. н.э., Национальная галерея, Лондон). Мантенья также любил рисовать свои сцены так, как если бы на них смотрели снизу, — еще один трюк, который придавал его работе глубину. Иногда достигается глубина в середине картины, в то время как фигуры доминируют на переднем плане, приближая их к зрителю. Это была технология, изобретенная Пьетро Перуджино (ок. 1450-1523 гг. Н. Э.), И лучше всего ее можно увидеть в «Свадьбе Девы Марии » (ок. 1504 г. н. Э., Пинакотека Брера, Милан) Рафаэля, когда-то ученика Перуджино.

Между тем, художники, такие как Пьеро делла Франческа (ок. 1420–1492 гг. Н. Э.) Пошли дальше и использовали точные математические принципы перспективы, что можно увидеть в его «Бичевание Христа » (ок. 1455 г. н.э., Национальная галерея Марке, Урбино). ). Некоторые критики считали, что некоторые художники слишком далеко зашли в использовании перспективы, и первоначальный смысл их живописи был утерян; Паоло Уччелло (1397–1475 гг. Н. Э.) Стал конкретной жертвой этого требования. Картина Уччелло «Охота » (ок. 1460 г. н.э., Эшмоловский музей, Оксфорд), безусловно, является смелой картиной с панорамным видом на симметричный лес, уходящий во все более темный фон, в то время как на переднем плане доминируют охотники и их собаки, все сходящиеся друг к другу. к далекой центральной точке.

Экстаз Святого Франциска Джованни Беллини

Google Cultural Institute (общественное достояние)

Еще одним шагом на пути к большей реальности было обеспечение сцены из единого источника света, обеспечивающего совпадающие области тени во всех элементах картины. См., Например, книгу Джованни Беллини (ок. 1430–1516 гг.) 1480 г. н. Э. «Экстаз святого Франциска » (коллекция Фрика, Нью-Йорк). Художники даже начали подшучивать над зрителем, например, в зеркале на портрете Яна ван Эйка «Свадьба Арнольфини » (1434 г. н.э., Национальная галерея, Лондон), где показаны отражения фигур, которые должны стоять рядом со зрителем.Все эти методы имели дополнительное преимущество, создавая «вау-фактор» у зрителей, которые не привыкли видеть такие инновации.

Художники эпохи Возрождения хотели придать своим работам еще один уровень смысла, чем просто визуальное первое впечатление. Мифологические сцены часто были наполнены символикой, предназначенной для того, чтобы отделить хорошо образованного зрителя от менее образованного. Тициан (ок. 1487–1576 гг. Н. Э.) Даже описал свои мифологические картины как форму поэзии, то, что он назвал поэзией , такова была плотность классических ссылок в них.См., Например, его Вакх и Ариадна (ок. 1523 г. н.э., Национальная галерея, Лондон).

Мона Лиза

Центр исследований и реставрации музеев Франции (общественное достояние)

Портретная живопись была еще одной областью, в которой художники эпохи Возрождения преуспели. Самым известным примером является картина Леонардо Мона Лиза (около 1506 г. н.э., Лувр, Париж), на которой изображена неопознанная женщина. Леонардо не только нарисовал подобие, но и передал настроение натурщицы.Контуры, перспектива и градации цвета объединяются, чтобы оживить изображение. Кроме того, непринужденная поза и вид женщины в три четверти — еще один намек на движение. Эта картина впоследствии оказала огромное влияние на портреты. Еще одним событием стало использование повседневных предметов в портретах, чтобы намекнуть на характер, убеждения и интересы натурщика. Голландские художники были особыми мастерами в создании реалистичных портретов, и их идеи распространились на Италию, где их можно увидеть в работах, например, Пьеро делла Франческа, особенно в его картине Федерико да Монтефельтро, герцога Урбино (ок.1470 г. н.э., Уффици, Флоренция).

Скульптура и ломка классической формы

Хотя многие религиозные сюжеты оставались популярными в скульптуре, например, Пьета — Дева Мария, оплакивающая тело Иисуса Христа, — традиционная иконография вскоре уступила место более инновационным методам обработки. Донателло (ок. 1386-1466 гг. Н. Э.), Например, экспериментировал с техникой жертвоприношения и финишем, чтобы уловить эмоции фигуры, — стратегию, лучше всего прослеживаемую в его деревянной Марии Магдалине (ок.1446 г. н.э., Museo dell’Opera del Duomo, Флоренция).

Мария Магдалина Донателло

Sailko (CC BY-SA)

Классическое возрождение привело к тому, что скульпторы создали свои собственные версии древних фигур из дерева, камня и бронзы. Самым известным из них является «Давид » Микеланджело (1504 г., Galleria dell’Accademia, Флоренция). Мраморная фигура, представляющая библейского царя, который в молодости убил гигантского Голиафа, намного больше, чем в натуральную величину, около пяти.20 метров (17 футов) в высоту. Он напоминает колоссальные статуи Геракла из древности, но напряжение фигуры и его детально проработанное лицо — изобретения эпохи Возрождения.

Донателло создал свою версию Давида в бронзе (1420-е или 1440-е гг. Н.э., Барджелло, Флоренция), и эта работа была еще одним драматическим отклонением от античной скульптуры. Эта поза создает чувственную фигуру, которую невозможно было создать в древности. И Микеланджело, и Давид Донателло напоминают о тесной связи между искусством и функцией в эпоху Возрождения.Давид появился на официальной печати Флоренции, и как убийца Голиафа, это было своевременным напоминанием о борьбе флорентийцев против конкурирующего города Милана.

Чудо мула Донателло

Sailko (общественное достояние)

Связанным со скульптурой искусством была гравюра. Донателло снова был задействован здесь, создав великолепные бронзовые панели с низким рельефом для баптистерия Сиены и нескольких флорентийских церквей. Техника вырезания сцены с небольшой глубиной, но все же для достижения ощущения перспективы была известна как «сплющенный рельеф» или rilievo schiacciat o.Совершенно иная техника заключалась в создании металлических панелей с такими рельефными фигурами, что они почти круглые. Самый известный пример этой техники — «Врата рая» Лоренцо Гиберти, двери флорентийского баптистерия Сан-Джованни (завершено в 1452 году н. Э.). На позолоченных панно, прикрепленных к дверям, изображены библейские сцены и даже бюст самого Гиберти.

С 1420 г. н.э. гравюры, сделанные с гравюр на дереве, были популярны, но именно развитие гравировки на медных пластинах с 1470-х гг. Н.э. действительно привело к тому, что гравюры стали настоящим видом искусства.Медные пластины дали гораздо большую точность и детализацию. Мантенья и Дюрер были двумя известными специалистами в этом вопросе, и их гравюры стали очень коллекционируемыми. Самым успешным типографом был Маркантонио Раймонди (1480-1534 гг. Н. Э.), И его репродукции изобразительного искусства помогли распространить идеи в Северной Европе и наоборот.

Чудо Святого Марка Тинторетто

Дидье Дескуэнс (CC BY-SA)

Наследие искусства эпохи Возрождения

Коллекционирование произведений искусства стало увлечением богатых, но по мере того, как средний класс становился богаче, они тоже могли приобретать искусство, хотя и не столь великое.Мастерские, подобные тем, что организовал Гиберти, начали не с массового производства произведений искусства, а по крайней мере с использованием стандартных элементов, взятых из существующего каталога. Короче говоря, искусство больше не было ограничено только богатыми, и те, кто все еще не мог позволить себе оригиналы, всегда могли купить гравюры. Печатные издания также широко распространяют репутацию художников. Благодаря расширению арт-рынка мастера теперь могли создавать произведения искусства так, как они думали, что должно быть, а не в качестве покровителей.

Искусство эпохи Возрождения постоянно развивалось.Например, маньеризм — это расплывчатый термин, который первоначально относился к необычно иному искусству, появившемуся после Высокого Возрождения. Затем маньеризм приобрел более позитивное значение — стильность, двусмысленность сообщения, контраст и, в целом, игра с методами и стандартизацией, установленными ранними художниками эпохи Возрождения. См., Например, Чудо Святого Марка г. н.э., спасающего раба г. н.э. Тинторетто (ок. 1518–1594 гг. Н. Э., Academia, Венеция). Из маньеризма возник следующий крупный стиль в европейском искусстве, высоко декоративное барокко, которое вывело богатые цвета, мелкие детали и энергичные позы искусства эпохи Возрождения на новую крайность подавляющего драматизма и декора.

Перед публикацией эта статья была проверена на предмет точности, надежности и соответствия академическим стандартам.

Живописные техники эпохи Возрождения — ItalianRenaissance.org

Художники эпохи Возрождения использовали несколько различных техник для создания произведений. Вот несколько из наиболее важных техник и материалов, которые были им доступны.

Фреска

Фреска — это работа, когда пигменты смешиваются с водой и наносятся на влажную штукатурку.Пигменты впитываются в стену по мере ее высыхания, в результате чего картина и стена становятся единым целым. Преимущество фрески — долговечность; поскольку картина стала частью стены, она не изнашивается так же, как картина, если пигменты наносятся местно. Главный недостаток заключается в том, что, поскольку художник работает с мокрой штукатуркой, ему нужно работать быстро, пока она не высохла. Кроме того, цвета обычно непрозрачны, а покрытие имеет матовый вид.

Тип фрески на мокрой штукатурке (как описано выше) иногда называют buon fresco .Другой тип фрески, называемый fresco secco , предполагает нанесение пигмента на сухую стену. Этому, конечно же, не хватает прочности buon fresco .

Пример темперной росписи

Темпера

Темпера создается при смешивании пигмента с яйцом для получения стойкой краски. Типы цветов, которые художники могли достичь с помощью темперы, были ограничены, но это была среда выбора для большинства художников, работающих в Италии до конца пятнадцатого века, когда были приняты масляные краски.

Пример масляной живописи

Масло

Масляные краски получили широкое распространение в Северной Европе в первой половине пятнадцатого века и стали популярными в Италии только в конце века. Масло сохнет медленно, что позволяет легко вносить изменения во время высыхания. В отличие от фресковой живописи, масляная живопись позволяла художникам создавать полупрозрачные эффекты, потому что масло можно было легко наносить как глазурь.