Великие скульпторы эпохи возрождения: Скульптура эпохи возрождения: описание и фото

Содержание

Скульптура эпохи возрождения: описание и фото

Скульптура Ренессанса — один из важнейших видов искусства Возрождения, достигший в это время расцвета. Основным центром развития жанра была Италия, главным мотивом — ориентация на античные образцы и любование человеческой личностью. Находившаяся в эпоху средневековья в состоянии полной зависимости от архитектуры, скульптура эпохи Возрождения вновь обретает самостоятельное значение.

Как равноправный компонент она входит в архитектурные ансамбли на основе содружества, но не подчинения архитектуре. Освобождаясь от сковывающего ее религиозно-мистического содержания, она обращается к жизни, к реальным образам действительности, человеку.

Наряду с сохраняющими свое значение образами христианства и античности объектом изображения скульпторов оказываются теперь и живые люди, герои современности. Развитие получает жанр портрета, создаются конные статуи, украшающие площади городов.

Значительно изменяется характер декоративного рельефа, образные возможности которого расширяются в связи с использованием приемов живописно-перспективного изображения и новых материалов, в частности полихромной керамики.

Скульптура раньше живописи прочно встает на новый путь развития, что объясняется тем местом, которое она занимала в средневековых культовых сооружениях.

При больших постройках создавались мастерские, которые готовили скульпторов-декораторов, проходивших здесь хорошую подготовку, знакомясь с архитектурой, со строительным и ювелирным делом. Все эти познания помогали в работе над монументальной пластикой, отличавшейся особой тщательностью исполнения.

Проторенессанс.

Новые художественные искания в скульптуре наметились прежде всего в пизанской школе, основателем которой был

Никколо Пизано (1220-1278 или 1284)
Шестигранная мраморная кафедра (1260), выполненная им для баптистерия в Пизе, стала выдающимся достижением ренессансной скульптуры и повлияла не ее дальнейшее формирование. Кафедра из трех видов (оттенков) мрамора представляет собой целое архитектурное сооружение. По средневековой традиции на парапетах (стенках) представлены сюжеты из жизни Христа. Между ними — фигуры пороков и аллигорических добродетелей. Колонны опираются на спины лежащих львов.

Кафедра баптистерия в Пизе

Главное достижение в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.

Особое место в итальянской скульптуре принадлежит Джованни Пизано (сын Никколо Пизано) (1245-1314). Он создает кафедры для соборов и церквей, статуи святых, пророков, Мадонн.

Стиль Джованни Пизано отличается большей свободой и динамичностью, он показывает фигуры в движении и использует различные средства драматизации, его скульптурам присущи резкие повороты и угловатые очертания.

Совместно с отцом и Арнольфо ди Камбио он создает фонтан Маджоре в Перудже. Грани и ребра верхней чаши украшены 24 скульптурами. На гранях нижней — 50 барельефов. Чаши выполнены из белого и розового мрамора. Над ними возвышается третья чаша, отлитая из бронзы. Фонтан обнесен металлической решеткой.

Фонте Маджоре в г.Перуджа (1275-1278)

С 1287 по 1296 гг. Джованни исполнял должность главного архитектора кафедрального собора в г.Сиена. Полные динамики и драматизма фигуры скульптурной композиции фасада собора свидетельствуют о значительном влиянии на Пизано французской готической пластики. Из всех готических итальянских фасадов сиенский собор имеет самое роскошное скульптурное убранство.

Фасад кафедрального собора в Сиене

Одним из величайших достижений Джованни Пизано считается кафедра для церкви Сант-Андреа в Пистойе (1297-1301). Тематика украшающих кафедру рельефов также сходна с пизанскими. Однако лица персонажей более выразительны, их позы и жесты, более драматичны. Особенной экспрессией отличаются сцены «Распятие» и «Избиение младенцев».

Кафедра церкви Сант-Андреа в Пистойе

XV век был периодом глобального изменения в искусстве. Художники стараются возродить традиции прошлого, основы их программы — открытая перспектива и законы пропорций. Античность воспринимается не как набор образцов для подражания, а как историческое осознание прошлого и его неизбежной связи с настоящим. Ренессансный человек желал отринуть наслоившиеся традиции (готические, византийские) и вернуться к древнеримской доблести, древнему классическому источнику.

Раннее Возрождение.

Настоящим реформатором итальянской скульптуры был Донателло. Его скульптуры «оторвались» от стен (до этого в основном скульптура была представлена, как рельеф и барельеф, как украшение здания).
Донателло (Флоренция) (около 1386 -1466) — итальянский скульптор эпохи Возрождения, основоположник индивидуализированного скульптурного портрета. Донателло придерживался реалистических принципов, иногда кажется, что он нарочно отыскивал некрасивые стороны природы.

Святой Марк.

Давид. 1440г. Флоренция

Этот первый конный памятник в искусстве Возрождения, посвященный выдающейся личности, получил совсем иную, чем в античности, трактовку. Уверенно сидит на могучем коне кондотьер, держа в руке жезл командующего. В его лице, умном и суровом, — черты несомненного портретного сходства, выражение непреклонной воли и энергии

Статуя Гаттамелаты (1447-1453). Падуя

Андреа дель Верроккьо (1435- 1488) — итальянский скульптор и живописец эпохи Возрождения, один из учителей Леонардо да Винчи. Имя позаимствовал у своего учителя, ювелира Верроккьо. Скульптура Давид — фигура не застыла, наоборот, характеризуется полной раскованностью. Тело слегка повернуто, тяжесть перенесена на одну ногу.

Давид, 1473

Верроккио было уже пятьдесят лет и он работал над своей последней и самой значительной скульптурой — конным памятником кондотьеру Бартоломео Коллеони, который и доныне стоит в Венеции. Всадник, на лице которого, по словам Шелли, застыла «усмешка холодного превосходства», легко касается рукой поводьев и, кажется, сдерживает животное только могучей силой своей воли. Мускулы ног коня так напряжены и вырисовываются таким выпуклым рельефом, что кажется, будто с него содрана шкура, — свидетельство интереса Верроккио к новой науке — анатомии, которая начинала расцветать как раз в это время. Верроккио работал над своей замечательной статуей, наверное, лет десять, но так и не увидел ее на пьедестале: он умер в Венеции, когда ему было всего пятьдесят три года. Отливку его шедевра закончил Алессандро Леопарди, добавивший статуе несколько декоративных деталей и свою подпись.

Конный памятник кондотьеру Бартоломео Коллеони

___

Высокое Возрождение («Чинквеченто»).

Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.

Микеланджело ди Лодовико ди Леонардо ди Буонарроти Симони (1475- 1564)- итальянский скульптор, художник, архитектор, поэт, мыслитель.

Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Герои гения страдают, размышляют, ликуют.

В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда.

Картины и скульптуры Микеланджело Буонаротти полны героического пафоса и, одновременно трагического ощущения кризиса гуманизма. Его работы прославляют силу и мощь человека, красоту его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире. По характеру своего дарования он был прежде всего скульптор. Это ощущается и в живописных работах мастера, необычайно богатых пластичностью движений, сложных поз, отчётливой и мощной лепкой объёмов.

Во Флоренции Микеланджело создал бессмертный образец Высокого Возрождения — статую «Давид», ставшую на многие века эталоном изображения человеческого тела.

Давид. 1501-1504

В Риме самая известная скульптурная композиция «Пьета́» (1498-1499), одно из первых воплощений фигуры мёртвого человека в пластике. «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей.

Работы гениального мастера восхищали современников ничуть не меньше, чем современного зрителя. После того, как публика увидела скульптуру «Умирающий раб», в обществе поползли слухи, что был замучен натурщик, чтобы страдания можно было изобразить вернее.

Умирающий раб

Статуя пророка Моисея, предназначавшаяся для одного из папских надгробий Ватиканского собора, одна из самых любимых работ самого скульптора.

Известно, что автор постоянно возвращался к ней и доделывал на протяжении 30 лет. Фигура пророка обладает секретом, чтобы полностью понять задумку автора, нужно разглядеть фигуру со всех сторон.

В этом случае зритель чувствует некое напряжение и энергию, исходящую изнутри скульптуры

Особенностью работ Микеланджело было то, что он участвовал в создании своих скульптурных шедевров на всех стадиях, начиная с выбора мраморной глыбы и перевозки ее до мастерской. Мастер никому не доверял даже простейших транспортировочных и погрузочных работ. Он словно уже в огромной глыбе видел свое произведение и уже относился к ней, как к хранилищу будущего шедевра.

Искусствоведы постоянно «находят» все новые работы скульптора, который никогда не считал нужным подписывать свои работы (подписал лишь одну). На сегодняшний день известно о 57 скульптурах Микеланджело, из которых около 10 безвозвратно утрачены.

Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Возрождения, но и на всю дальнейшую мировую культуру.

Оглавление.

Источник: http://mansa-uroki.blogspot.com/2015/04/blog-post_16.html

Скульптуры эпохи Возрождения: фото и описание

Отличительный признак эпохи Возрождения в том, что культура во всех своих ипостасях носила светский характер, при этом в ней доминировал антропоцентризм, то есть на первом плане находились человек, его интересы и деятельность как основа существования. В период расцвета Ренессанса в европейском обществе наблюдался интерес к античности.

Наиболее заметным проявлением ренессансной культуры стал стиль «Возрождение» в архитектуре. Основы зодчества, формировавшиеся веками, обновлялись, зачастую принимая неожиданные формы.

Ренессанс в архитектуре

Начало Ренессанса характеризовалось влиянием романского стиля на оформление архитектурных сооружений, а поскольку этот стиль неразрывно связан с настенными изображениями, то скульптуры долгое время использовалась преимущественно для украшений фасадов. Таким образом, возник стиль «Возрождение» в архитектуре, единение классических контуров с новой эстетикой.

В период Ренессанса фасады домов облагораживались скульптурными композициями. Живопись и скульптура эпохи Возрождения стали неотъемлемой частью архитектурных сооружений. Художественные фрески размещались среди изваяний из мрамора и бронзы.

Архитектура Высокого Возрождения

В постройках появились величественность, сдержанное благородство и признаки монументальности. Дома в Риме стали строить по принципу центрально-осевой симметрии.

Основоположником нового стиля являлся Донато д’Анджело Браманте, талантливый архитектор, создавший Собор Святого Петра в Ватикане.

Взаимодействие стилей

Со временем скульптуры эпохи Возрождения стали принимать все более самостоятельные формы.

Начало таким изображениям положил итальянский ваятель Вилиджельмо, который, создавая рельефы для собора в Модене, значительно углубил изображения скульптурной группы на стене, и, таким образом, возникло самостоятельное произведение искусства, связанное со стеной только опосредовано. Цельное скульптурное изображение опиралось на стену, но не более того.

Появилась динамическая ритмика, расположение статуй между контрфорсами добавляло впечатления независимости от окружающей среды. Архитектурные постройки и скульптуры Возрождения все больше отдалялись, не теряя взаимосвязи. При этом они органично дополняли друг друга.

Затем скульптуры эпохи Возрождения и вовсе отделились от плоскости стены. Это был закономерный процесс поиска нового. Постепенное освобождение пластических форм от архитектурной плоскости закончилось появлением нескольких направлений самостоятельного скульптурного искусства.

Знаменитые ваятели эпохи Ренессанса

В исторический период, который назывался «Возрождение», скульптура получила статус высокого искусства. Историческое значение обрели XVI ваятелей европейского происхождения, а именно:

Андреа Верроккьо;
Бесерра Гаспар;
Нанни ди Банко;
Башелье Николя;
Санти Гуччи;
Никколо ди Донателло;
Джамболонья;
Дезидерио да Сеттиньяно;
Якопо делла Кверча;
Арнольфо ди Камбио;
Микеланджело Буонаротти;
Ян Пфистер;
Лука Делла Роббиа;
Андреа Сансовино;
Бенвенуто Челлини;
Доменико Фанчелли.

Наиболее известные скульпторы эпохи Ренессанса — это:

Микеланджело Буонаротти;
Донателло;
Бенвенуто Челлини.

Самые значимые скульптуры эпохи Возрождения вышли из-под резца этих непревзойденных мастеров.

Знаменитый флорентиец

Наряду с реалистическим стилем он в совершенстве владел канонической классикой. Одним из шедевров Донателло является деревянная статуя Магдалины (1434 год, Флорентийский баптистерий). Исхудавшая длинноволосая старуха изображена с пугающей достоверностью.

Тяготы жизни отражены на изможденном лице отшельницы.

Еще одна скульптура работы великого мастера — «Царь Давид», которая находится на фасаде башни Джотто во Флоренции. Статуя из мрамора Святого Георгия продолжает библейскую тему, начатую ваятелем с изображения Святого апостола Марка также в мраморе. Из той же серии скульптура Святого Иоанна Крестителя.

С 1443 по 1453 годы Донателло прожил в Падуе, где создал конную скульптуру «Гаттамелата» с изображением кондотьера Эразмо де Нарни.

В 1453 году он вернулся в родной город Флоренцию, где и жил вплоть до своей кончины в 1466 году.

Бенвенуто Челлини

Придворный скульптор Ватикана Бенвенуто Челлини родился в 1500 году в семье мастера-краснодеревщика. Он считается последователем маньеризма — течения, отражающего стиль претенциозных форм в искусстве. Преимущественно работал с бронзовым литьем. Наиболее известные скульптуры Челлини:

«Нимфа Фонтенбло» — бронзовый рельеф, отлитый в 1545 году, в настоящее время находится в Парижском Лувре.
«Персей» — Флоренция, Лоджия Ланци.
Бюст Козимо Медичи — Флоренция, Барджелло.
«Апполон и Гиацинт» — Флоренция.
Бюст Биндо Альтовити — Флоренция.
«Распятие» — Эскориал, 1562 год.

Великий скульптор Бенвенуто Челлини занимался изготовлением государственной символики, наград и монетных образцов. Он, помимо всего прочего, был весьма талантливым и успешным ювелиром при Ватикане. Папа Римский заказывал Бенвенуто драгоценные украшения.

Микеланджело Буонарроти

Гениальный скульптор эпохи Возрождения, автор бессмертных творений в мраморе и бронзе Микеланджело Буонарроти родился в 1475 году в небольшом Тосканском городе Капрезе.

Владеть скульптурным инструментом мальчик научился раньше, чем писать и читать. В 13 лет Микеланджело попал на обучение к художнику Гирландайо Доменико. Затем о его таланте узнал Лоренцо де Медичи, знатный флорентиец.

Вельможа стал покровительствовать подростку.

В двадцатилетнем возрасте Буонарроти создал несколько скульптур для Арочного проема церкви Святого Доминика в Болонье. Затем он изваял две скульптуры («Спящий Купидон» и «Святой Йоханнес») для доминиканского проповедника Джироламо Савонаролы. Спустя год Микеланджело получает приглашение от кардинала Рафаэля Риарио для работы в Риме. Там скульптор создает «Римскую пьету» и «Вакха».

В Риме Буонарроти выполняет несколько заказов для разных соборов и церквей, а в 1505 году римский папа Юлий II предлагает ему ответственную работу — изготовить гробницу для его святейшества. В связи со столь ответственным заказом Микеланджело отбывает в Каррар, где проводит более полугода, выбирая подходящий мрамор для папской усыпальницы.

Для гробницы скульптор изготовил четыре мраморных изваяния: «Умирающий раб», «Лия», «Моисей» и «Связанный раб». С 1508 и до конца 1512 года Буонарроти работает над фресками Сикстинской капеллы. В 1513 году, после кончины Юлия Второго, скульптор получает заказ от Джованни Медичи на изготовление статуи Христа с крестом.

Великий скульптор эпохи Возрождения Микеланджело Буонарроти скончался в 1564 году в Риме. Похоронен во Флорентийской базилике Санта-Кроче.

«Чинквиченто»

Он дал миру шедевры, которые навечно вписаны в скрижали высокого искусства.

Портрет Моны Лизы и «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи,»Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти, «Давид» Микеланджело Буонарроти — эти и другие произведения украшают залы престижных музеев.

Итальянский скульптор Андреа Сансовино (1467-1529 гг.) — один из наиболее заметных представителей эпохи Высокого Возрождения.

Первой работой Сансовино стало алтарное терракотовое украшение для церкви Санта-Агата с изображениями Св. Себастьяна, Роха и Лаврентия. Аналогичную скульптурную группу Андреа изваял для алтаря церкви Сан-Спирито во Флоренции.

Скульптура Высокого Возрожденияотличается выраженной духовностью и какой-то особой проникновенностью.

Вероккьо Андреа

Это знаменитый скульптор эпохи Раннего Ренессанса, учитель Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Пьетро Перуджино. Главным предметом творчества Верроккьо было ваяние, на втором месте — живопись. Андреа был прославленным постановщиком придворных балов и талантливым декоратором. Скульптура Высокого Возрождения фактически началась с работ Верроккьо.

Бронзовое изваяние предназначалось для украшения виллы Медичи, однако Джулиано и Лоренцо сочли себя недостойными столь высокой чести и предали скульптуру в Палаццо Синьории во Флоренции. Великолепная скульптура Раннего Возрождения, таким образом, обрела свое место. В частных домах старались не держать уникальные художественные произведения.

Не менее ценным с точки зрения высокого искусства было также и позднее Возрождение. Скульптура Бенвенуто Челлини «Персей» считается непревзойденным шедевром Позднего Ренессанса.

Источник: https://autogear.ru/article/161/303/skulpturyi-epohi-vozrojdeniya-foto-i-opisanie/

Изобразительное искусство Возрождения

Италия XIV век
при создании полотен традиционной религиозной тематики художники начали использовать новые художественные приёмы:
построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане,
что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными.

Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении.

Renaissance

эпоха интеллектуального и художественного расцвета, который начался в Италии в 14 веке, достигнув пика в 16 веке и оказав значительное влияние на европейскую культуру.

Термин «Возрождение», означавший возврат к ценностям античного мира (хотя интерес к римской классике возник ещё в 12 веке), появился в 15 веке и получил теоретическое обоснование в 16 веке в трудах Вазари, посвящённых творчеству знаменитых художников, скульпторов и зодчих.

В это время сложилось представление о царящей в природе гармонии и о человеке как венце её творения. Среди выдающихся представителей этой эпохи —
художник Альберти;
архитектор, художник, учёный, поэт и математик Леонардо да Винчи.

Живописцы Ренессанса создали цельную, обладающую внутренним единством концепцию мира, наполнили традиционные религиозные сюжеты земным содержанием (Никола Пизано, конец 14 века; Донателло, начало 15 века).

Реалистическое изображение человека стало главной целью художников Раннего Возрождения, о чем свидетельствуют творения Джотто и Мазаччо.
Изобретение способа передачи перспективы способствовало более правдивому отображению действительности.
Одной из главных тем произведений живописи Ренессанса
(Жильбер, Микеланджело)
были трагическая непримиримость конфликтов, борьба и гибель героя.

Художники Ренессанса:

Леонардо да Винчи, Ботичелли, Тициан, Микеланджело, Рафаэль.

Около 1425 г. Флоренция стала центром Ренессанса (флорентийское искусство), но к началу 16 века (Высокое Возрождение) ведущее место заняли Венеция (венецианское искусство) и Рим.

Культурными центрами являлись дворы герцогов Мантуи, Урбино и Феррады.
Главными меценатами были Медичи и римские папы, особенно Юлий II и Лев Х. Крупнейшими представителями «северного Ренессанса» были
Дюрер, Кранах Старший, Хольбейн.
Северные художники в основном подражали лучшим итальянским образцам, и только немногие, например Ян ван Скорел, сумели создать свой стиль, который отличался особой элегантностью и грацией, названной в последствии — маньеризм.

Известные картины художников Ренессанса (Эпохи Возрождения)
можно посмотреть
здесь
здесь
здесь

Источник: https://li-ga2014.livejournal.com/347601.html

Скульптура эпохи возрождения

Этот нелегкий путь скульптуры эпохи Возрождения… От Бендетто Антеллами — одного из немногих известных нам скульпторов Средневековья, до Микеланджело Буонаротти — великого мастера, получившего признание и при своей жизни, и в настоящее время. Давайте немного окунемся в ту эпоху, проследим за развитием скульптуры как искусства.

Скульптура в начале Возрождения

В Средневековье скульптура не считалась искусством. Дело в том, что она была ремеслом, зависимым от архитектуры, и как искусство не воспринималось. Все стало меняться в эпоху Возрождения, когда скульптура постепенно выходит из рамок архитектуры. Скульпторы медленно, но уверенно начинают работать самостоятельно, без привязки к строительству и связанными с ним барельефами, колоннами и другими архитектурными изысками того времени.

Скульптор Бендетто Антеллами работал в романском стиле, характерном для его времени, но уже в его работах видно желание вырваться из узких границ зодчества средних веков. Его работы довольно просты, но заметно стремление автора передать изящество и красоту людей, вне зависимости от места расположения или назначения работы.

Его опыт продолжили мастер Никколо Пизано и его ученик — Арнольфо ди Камбио. Работая над своими произведениями, эти скульпторы задавались целью изменить общепринятые в то время идеалы красоты. Их скульптуры – это поиск нового в забытых работах античности.

Работы Андреа дель Веррокьо, учеником которого был Микеланджело, и Донателло — уже вполне самостоятельные произведения, которые совершенно вышли из рамок архитектуры средних веков.

Середина эпохи-развитие скульптуры как искусства

Этот же библейский персонаж, но работы уже другого итальянского скульптора – Донателло. Давид изображен легким ,расслабленным. Поза больше подходит для античного бога, чем пастушка из Библии.

Это был первая обнаженная статуя в то время. Семья Медичи, покровительствующая художникам и архитекторам Возрождения, и бывшая заказчиком этой скульптуры, увидев результат работы Донателло, «спрятала» скульптуру подальше от любопытных глаз соседей и знакомых, во дворе своего дома.

Скульптуры Микеланджелло

Скульптурами этого мастера восхищались в его эпоху так же, как и в настоящее время. Ходили слухи, что для своих работ автор замучил живого натурщика, чтобы натуральнее изобразить осанку и пластику скульптуры. Это говорили те, кто видел его «Умирающего раба», работу из целого цикла скульптур, предназначенных для установки в гробнице Папы Римского Юлия II.

Этот автор известен своими работами, которые украшают Рим, Флоренцию, Ватикан. На его произведения приезжают смотреть и ценители искусства, и люди, далекие от этого. Работы его не могут оставить равнодушными никого.

Единственная работа мастера, которую он подписал, и которая является вершиной его творчества — «Оплакивание Христа», изображение Мадонны, держащей на руках безжизненного Иисуса. Микеланджело выполнил эту скульптуру, одновременно и цельной и показывающей нам противоположности: живое и мертвое, горизонтальное и вертикальное, обнаженное и закрытое.

Очень кратко мы прошлись по основным представителям искусства скульптуры этого времени, проследили за становлением скульптуры как самостоятельной категории, вышедшей за рамки архитектуры. Безусловно, одним из величайших мастеров считается Микеланджело, художник и скульптор, гений своего времени. Любоваться его работами можно бесконечно.

Источник: https://gogetart.art/blog/311-skulptura-epokhi-vozrozhdeniya

Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. XV—XVI века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. В какой-то миг показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Вспомнили о древних римлянах и греках. Они тоже строили общество свободных граждан, где главная ценность — человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет ! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда центр мира – Человек). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. В другие времена они рождаются один в 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан — титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках: Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения и не было.

1. Джотто (1267—1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало XVI века. Лувр, Париж.

XIV век. Проторенессанс. Главный его герой — Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа — золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Старые и молодые. Печальные. Скорбные. Удивленные. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305 гг.). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он перевёл библейские сюжеты на простой, понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Джотто восхищались. Но его новаторство развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401—1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура осталась в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Также Мазаччо добавил выразительности не только лицам, но и телам. Эмоции людей мы уже читаем по позам и жестам. Как, например, мужское отчаяние Адама и женскую пристыженность Евы на самой знаменитой его фреске.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Художники Эпохи Возрождения».

3. Леонардо да Винчи (1452—1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи — один из титанов Эпохи Возрождения. Он колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно да Винчи повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519 гг. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений, но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. Даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье “Мона Лиза Леонардо да Винчи. Загадка Джоконды, о которой мало говорят”.

4. Микеланджело (1475—1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Он изображал совершенного человека, в котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал в одиночку. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был нелюдимым. Обладал крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережил угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы — это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях Древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни — это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма XX века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до XX века. Что же делать последующим поколениям? Идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483—1520 гг.)

Рафаэль. Автопортрет. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его Мадонны по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кротость. Их жертвенность.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о Сикстинской Мадонне. Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы — это не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по-другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. И множили его чувственные образы в тысячах своих полотен.

О самых знаменитых картинах Рафаэля читайте в статье “Портреты Рафаэля. Друзья, возлюбленные, покровители”.

6. Тициан (1488-1576 гг)

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562 г. Музей Прадо, Мадрид.

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Вам это ничего не напоминает? Конечно, это техника Рубенса. И техника художников XIX века: барбизонцев и импрессионистов. Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.

***

Художники эпохи Возрождения — это обладатели больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень многое изучить. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Использовали весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

статью «Английские художники. 6 мастеров, покоривших весь мир».

Проверьте свои знания, пройдя онлайн-тест «Мастера Эпохи Возрождения».

Оксана Копенкина

Источник: https://arts-dnevnik.ru/hudozhniki-epohi-vozrozhdeniya/

7 самых вдохновляющих памятников итальянского Возрождения

1. Вилла Медичи во Фьезоле

Виллы семейства Медичи, построенные в окрестностях Флоренции в период с XIV по XVII век, в 2013 году были внесены в список Всемирного культурного наследия ЮНЕСКО скопом. Всего их двадцать семь, и у каждой есть свои особенности: самая старая, самая маленькая…

Вилла во Фьезоле (1471) – самая “садовая”. Что же такого особенного в местном саду? В отличие от более парадных вилл Медичи, сад во Фьезоле, хотя и сделан регулярным, не слишком строг – то, что он расположен на сложном рельефе, разбивает композицию.

Прогулка по саду – наполненное разнообразными визуальными впечатлениями приключение, сцены сменяют друг друга, а вид на тосканские холмы оттеняет всё это, как грандиозный театральный задник.

Именно по такому принципу – разнообразие сцен на фоне более широкого фона – потом делались английские пейзажные сады, которые все родом из Фьезоле, где эффект возник почти случайно.

Вилла Ланте в местечке Баньяйя под Витербо построена в 1560-х годах для папского наместника в регионе, кардинала Джанфранческо Гамбары. Как это часто бывает с виллами той эпохи, главная ее прелесть – сад. В данном случае очень необычный: он почти лишен зелени, но украшен множеством фонтанов, в том числе шутих, созданных инженером Томмазо Гинуччи.

Эти шутихи плюс статуи знаменитого скульптора Джамболоньи заставили современников говорить о вилле Ланте как о месте, где природа стала рабой человеческих капризов, а историков архитектуры – отнести ее к стилистике маньеризма.

Нынешнее название вилла получила в XVII веке, когда ее купил герцог Бомарцо Ланте делла Ровере – его потомки владели домом до XIX века.

Вилла Ротонда, построенная величайшим архитектором эпохи Возрождения Андреа Палладио под Виченцей, – одно из самых знаменитых зданий в истории.

Во-первых, она воплощает все принципы палладианского стиля: важнейшая роль ордера, симметричная композиция с куполом, разбивка фасада по высоте на три пропорциональные части, – и ее многократно копировали по всему миру, от Англии до России. Во-вторых, это последняя постройка Палладио: он умер в 1580 году, когда отделка здания была еще не совсем завершена.

Достраивал лебединую песню мастера его ученик Винченцо Скамоцци. Ну и в‑третьих, вилла Ротонда просто головокружительно красива: она стоит на вершине холма, как миниатюрная шкатулка, вроде бы скромная, но выполненная с несравненным изяществом.

Еще одна вилла, оставившая глубокий след в мировом искусстве. Количество ее изображений бессчетно, подражаний ей – десятки, в том числе наш родной Петергоф: Петр I пытался в своем парке превзойти здешние фонтаны.

Сделанные в 1670-х годах при участии великого скульптора Лоренцо Бернини, они и правда сложны и прекрасны, но вилле, известной также под названием Тиволи (по городу, на окраине которого она стоит), и без них есть чем заинтересовать публику.

Например, первым ее владельцем был Ипполито д’Эсте – сын Лукреции Борджиа, а последним – эрцгерцог Франц Фердинанд, с убийства которого началась Первая мировая война.

5. Вилла Медичи в Пратолино

Еще одно здание из комплекса медицейских вилл под Флоренцией было построено в 1581 году Бернардо Буонталенти – знаменитым архитектором и театральным декоратором.

Сад в Пратолино может служить сценой для грандиозного спектакля на мифологический или героический сюжет (собственно, театральные представления тут и правда были нередки). Самый знаменитый фрагмент сада – пруд с огромной статуей “Аллегория Апеннин” работы Джамболоньи.

В 1821 году историческое здание виллы снесли и построили новое – в 1860 году его купил Павел Демидов (виллу иногда называют Villa Demidoff), во владении наследников которого, Абамелек-Лазаревых, имение и находилось до 1955 года.

Возможно, самый эксцентричный и загадочный памятник итальянского Возрождения расположен у подножия замка Орсини в городе Бомарцо и известен в мировой культуре под двумя именами: Священный лес и Сад чудовищ.

Известно, кто разбил сад – Пирро Лигорио (автор виллы д’Эсте), когда – с 1548 по 1580 год, и для кого – для кондотьера Вичино Орсини. Неясно только, зачем и почему он захотел уставить всю территорию жутковатыми аллегорическими скульптурами, среди которых Пегас, две сирены, Протей, слон Ганнибала, дракон, черепаха, гигант, пес Цербер, две Цереры, Афродита и врата преисподней.

Сюжет скульптур, как предполагается, восходит к сну из мистического романа “Гипнэротомахия Полифила” (1499): там упомянуты слон с обелиском на спине и прочие странности. Но версия эта спорная и на вопрос, зачем в парке такое иметь, не отвечает.

Зато сад эффектен неимоверно и повлиял на творчество многих людей – от Сальвадора Дали до Филиппа Старка (версия “Врат преисподней” служит камином в его интерьере московского ресторана Baccarat Cristal Room).

Вилла Альдобрандини во Фраскати под Римом строилась с 1598 по 1603 год для племянника папы Климента VIII сначала по проекту Джакомо делла Порта, а после смерти архитектора – Карло Мадерно, который занимался отделкой здания.

Кроме того, он спроектировал в саду фантастический “Водяной театр” – каменную экседру со статуями, точь‑в‑точь такую, как театральные декорации той эпохи.

Чтобы обеспечить водой садовый театр и каскад фонтанов, Мадерно построил акведук длиной 8 км от источника на горе Альджидо под Моденой до виллы Альдобрандини – она, к слову, до сих пор находится во владении потомков папского племянника.

Donata Mazzini/архив пресс-службы; diomedia; CORBIS/RPG; legion-media; архив пресс-службы; Florian Monheim/Bildarchiv-Monheim/arcaidimages.com; Herbert Monheim/Bildarchiv-Monheim/arcaidimages.com; getty images/Fotobank; Corbis/all over pressИталияРейтинг ADАрхитектура11 Июня 2014, Обновлено 31 Января 2019

Источник: https://www.admagazine.ru/architecture/7-samyh-vdohnovlyayuschih-pamyatnikov-italyanskogo-vozrozhdeniya

Скульптура эпохи Возрождения: описание и фото

Скульптура Возрождения прошла долгий и непростой путь от робких попыток Бенедетто Антелами внести в свои работы индивидуальность, характерность и нестандартность, до блестящих и безупречных работ «создателя Ватикана» Микеланджело Буонаротти.

Если в средние века скульптура была неразрывно связана с архитектурой и как отдельное искусство даже не рассматривалось, то с началом эпохи возрождения начинается медленный, но верный процесс отделения скульптуры, высвобождение его от зависимости от архитектурных задумок. Скульптуры постепенно «отодвигаются» от стен храмов, от рельефов и портиков, становясь самостоятельным, самодостаточным искусством.

Эпоха Возрождения делится на три периода, первый из которых берет свое начало еще в 13 веке, а последний заканчивает 16 век.

Творчество Бенедетто принадлежит романской эпохе. Однако в его работах (рельефы Пармского собора) уже угадывается стремление вырваться из тесных рамок канонического средневековья. Его скульптуры еще непропорциональны, просты, но в лицах можно разглядеть попытку передать интеллект, творческое начало и красоту человека.

Традицию подхватили скульпторы Пизано и ди Камбио. Их скульптуры — это не просто поиски новой эстетики, искания связаны с лучшими образцами античной древности, стремление вернуться к которым и породило революцию во взгляде на красоту.

Скульптуры Верроккьо и Донателло окончательно «оторвались» от стен и представляют собой самостоятельные произведения искусства.
Библейский Давид в исполнении учителя великого Леонардо (Андреа Верроккьо) — нескладный, угловатый подросток, изумленный своей собственной победой над великаном, гордо попирает ногой голову поверженного врага. На лице героя едва уловимая улыбка, а детские кудри и нарочито «героическая» поза вызывает умиление. Мастер изобразил юношу с непростым подростковым характером. Самоуверенного, бунтарского склада. Работа получилась реалистичной как по внешнему виду, так и по внутреннему содержанию. Здесь нет и тени средневекового пафоса, патетики. Здесь автор любуется обычным мальчиком, который оказался героем.

Именно Донателло первым создал обнаженную скульптуру Возрождения. До него ни один мастер не осмеливался так близко подойти к античным образцам, привнеся в них христианскую добродетель. Давид Донателло — также нескладен и несколько угловат. Пропорции тела трактуются достаточно мягко, герой лишен выраженной мускулатуры. Выбранная автором поза героя свободна, расслаблена. Это поза скорее греческого бога, нежели библейского персонажа. Известно, что для своего времени скульптура была настолько смела, что заказавшие ее Медичи предпочли установить ее во дворе своего дома, подальше от чужих глаз.

Стремительное развитие искусства, и скульптуры в частности, происходило на рубеже 15 и 16 веков, когда большое строительство развернулось в Риме, Флоренции, Венеции и других крупных городах Италии. Этот период, который носит гордое название «Высокого Возрождения», связан, в первую очередь, с именем Микеланджело.

Микеланджело прославился своими скульптурами, украшающими Ватикан, Рим, Флоренцию. Его работа «Пьета» — вершина мировой скульптуры, проявление гениальных способностей. Герои гения страдают, размышляют, ликуют. В них столько содержания, энергии и глубины, что любование великолепными работами гения не прекратится, вероятно, никогда. Подробнее с работами мастера можно ознакомиться здесь.

Скульптура эпохи Ренессанса

Скульптура, как один из самых древнейших видов искусства, меняется вместе с людьми и временем. И скульптуры эпохи Ренессанса не исключение. Что нам известно об эпохе Ренессанса или, в переводе с латинского, Возрождения?

Это целый культурный пласт, который пришел на смену аскетичным средним векам и принес с собой возрождение античности, расцвет культуры, гуманизм, установление личности человека как высшей ценности.

Италия тринадцатого века считается колыбелью Ренессанса и продлилась эта эпоха до 16 века, когда начали появляться новые направления и стили в искусстве. Скульптура, которая ранее лишь украшала рельефами архитектурные сооружения, в период Возрождения постепенно приобретает самостоятельность. И к концу 16-го века, это уже отдельный вид искусства.

Искусствоведы делят эпоху Ренессанса условно на четыре этапа.

Проторенессанс появился в позднем средневековье и ярким его представителем был скульптор и архитектор Арнольфо ди Камбио. Он автор главного собора во Флоренции, статуи короля Карла I в Риме, фонтана в Перудже с многочисленными скульптурами. Работы Арнольфо ди Кампио подвержены влиянию античности, они спокойны и выдержаны, пропитаны греческим духом. Под рукой мастера они становятся более наглядными, выразительными в исполнении, пластичными, приближенными к реальности. Подтверждением этому является его скульптура «Оплакивание Иоанном Марии».

Раннее Возрождение охватывает весь 15 век. Скульптура как искусство начинает отделяться от религиозных средневековых канонов. Имя Донателло ди Никколо ди Бетто Барди самое знаменитое в тот период. Он первым «отлепил» от стены рельеф — изображения скульптур углубляются, индивидуализируются. Первым создал обнаженную натуру. А также работая над конной статуей кондотьера Гаттамелаты, первого памятника в бронзе, он нашел необычное для того времени решение по расположению скульптуры относительно стен здания. Благодаря этому, весь контур всадника и коня прекрасно смотрится с любой стороны, не сливается с фасадом церкви и от этого кажется более значительным и монументальным, несмотря на небольшие размеры.

Высокое Возрождение — это расцвет и пик эпохи Ренессанса. Длится он с конца 15 века до 20-х годов 16. Немалую роль сыграл в этом и вступивший на папский престол папа Юлий II. Он известен как меценат искусства. При нем творили свои шедевры такие таланты как Леонардо да Винчи, Рафаэль и великий Микеланджело. Микеланджело Буонаротти, прожив почти 90 лет, сделал множество работ. Но его всемирно известный Давид, это вершина эпохи Ренессанса и человеческого гения. Его скульптуры мощны и объемны, но в то же время завораживают гибкостью и реальностью объекта. Скульптура периода Высокого Возрождения вышла из тени архитектуры окончательно, она независима от религии, у мастеров ваяния появляются заказчики. Скульптура становится классической, достойной своих античных греко-римских предков.

К Позднему Возрождению условно относят вторую половину 16 века. Здесь уже трудно назвать момент, когда появляется кризис и упадок эпохи Возрождения и начинается новый этап в искусстве – маньеризм, он переходный перед следующим стилем в скульптуре и архитектуре – барокко. Настолько разнообразны в своих проявлениях работы мастеров ваяния и художников. Слишком свободным становится отношение авторов к принципам и формам античного искусства. Большое влияние в этом периоде имеет итальянский скульптор, живописец и ювелир Бенвенуто Челлини. Его известный рельеф Нимфа Фонтенбло сделана в бронзе для короля Франции Франциска первого. Знатоки искусства относят это произведение к раннему маньеризму. Также последняя скульптурная группа Пьета, в исполнении Микеланджело, как бы завершает не только его творческий путь, но и эпоху Возрождения.

Влияние эпохи Ренессанса имеет огромное значение для понимания и изучения человека, природы в целом, для возрождения античной культуры, в частности. Скульптура, благодаря Возрождению, стала более понятна и доступна обычным людям, разбудила в них потребность в красоте и эстетике. Эпоха Возрождения породила множество гениальных творцов, чьи шедевры до сих пор не перестают восхищать и поражать своим великолепием.

Художники Эпохи Возрождения. 6 великих итальянских мастеров

Возрождение — это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и духовной.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до импрессионистов.

1. Джотто (1267—1337).

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275—1280. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302—1305). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто — это цикл его фресок в капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Такого они никогда не видели.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303—1305. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

О фресках мастера читайте подробнее в статье “Джотто. Между иконой и реализмом Возрождения”.

Только через 100 лет появится достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401—1428).

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало XV века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425—1427. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако в отличие от предшественника уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто — прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426—1427. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.

Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426—1427. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Так новаторство Мазаччо было подхвачено всеми великими художниками Высокого Возрождения.

О фреске мастера читайте в статье “Изгнание из Рая” Мазаччо. Почему это шедевр”.

3. Леонардо да Винчи (1452—1519).

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489—1490. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо — это то, что он нашёл способ сделать образы … живыми.

Леонардо да Винчи. Мона Лиза. 1503—1519. Лувр, Париж.

Сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Однако сами подумайте. 19 картин — и он — величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию, при этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

4. Микеланджело (1475—1564).

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511. Сикстинская капелла, Ватикан.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции . Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

5. Рафаэль (1483—1520).

Рафаэль. Автопортрет. 1506. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда: и при жизни, и после смерти.

Рафаэль. Сикстинская Мадонна. 1513. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Рафаэль. Афинская школа. 1509—1511. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

6. Тициан (1488-1576).

Тициан. Автопортрет (фрагмент). 1562. Музей Прадо, Мадрид.

За такую яркость таланта его все любили. Называли “королем живописцев и живописцем королей”.

Тициан. Вознесение Марии. 1515—1518. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые, густые. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого — образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты — ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье “Венера Урбинская Тициана. 5 необычных фактов”.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняли нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

***

Если Вам близок мой стиль изложения и Вам интересно изучать живопись, я могу отправить Вам на почту бесплатный цикл уроков. Для этого заполните простую форму по этой ссылке.

Комментарии других читателей смотрите ниже. Они часто являются хорошим дополнением к статье. Ещё вы можете поделиться своим мнением о картине и художнике, а также задать вопрос автору.

Автор: Оксана Копенкина

Перейти на главную страницу

Английская версия статьи

Facebook

Twitter

Вконтакте

Одноклассники

Похожее

Скульптуры эпохи возрождения микеланджело

Начало эпохи Возрождения приходится на первую четверть XIV века. На протяжении трех последующих столетий культура Ренессанса развивалась бурными темпами и только в последние десятилетия XVI века наметился ее упадок. Отличительный признак эпохи Возрождения в том, что культура во всех своих ипостасях носила светский характер, при этом в ней доминировал антропоцентризм, то есть на первом плане находились человек, его интересы и деятельность как основа существования. В период расцвета Ренессанса в европейском обществе наблюдался интерес к античности. Наиболее заметным проявлением ренессансной культуры стал стиль «Возрождение» в архитектуре. Основы зодчества, формировавшиеся веками, обновлялись, зачастую принимая неожиданные формы.

Ренессанс в архитектуре

Скульптуры эпохи Возрождения первоначально никак не о себе не заявляли. Их роль сводилась к убранству архитектурных ордеров: барельефы на карнизах, капителях, фризах и порталах. Начало Ренессанса характеризовалось влиянием романского стиля на оформление архитектурных сооружений, а поскольку этот стиль неразрывно связан с настенными изображениями, то скульптуры долгое время использовалась преимущественно для украшений фасадов. Таким образом, возник стиль «Возрождение» в архитектуре, единение классических контуров с новой эстетикой. В период Ренессанса фасады домов облагораживались скульптурными композициями. Живопись и скульптура эпохи Возрождения стали неотъемлемой частью архитектурных сооружений. Художественные фрески размещались среди изваяний из мрамора и бронзы.

Архитектура Высокого Возрождения

Появление Ренессанса в культурных сферах в первую очередь затронуло зодчество. Архитектура Высокого Возрождения получила свое развитие в Риме, где на фоне предшествующего периода стал складываться общенациональный стиль. В постройках появились величественность, сдержанное благородство и признаки монументальности. Дома в Риме стали строить по принципу центрально-осевой симметрии. Основоположником нового стиля являлся Донато д’Анджело Браманте, талантливый архитектор, создавший Собор Святого Петра в Ватикане.

Взаимодействие стилей

Со временем скульптуры эпохи Возрождения стали принимать все более самостоятельные формы. Начало таким изображениям положил итальянский ваятель Вилиджельмо, который, создавая рельефы для собора в Модене, значительно углубил изображения скульптурной группы на стене, и, таким образом, возникло самостоятельное произведение искусства, связанное со стеной только опосредовано. Цельное скульптурное изображение опиралось на стену, но не более того. Появилась динамическая ритмика, расположение статуй между контрфорсами добавляло впечатления независимости от окружающей среды. Архитектурные постройки и скульптуры Возрождения все больше отдалялись, не теряя взаимосвязи. При этом они органично дополняли друг друга.

Знаменитые ваятели эпохи Ренессанса

Андреа Верроккьо;
Бесерра Гаспар;
Нанни ди Банко;
Башелье Николя;
Санти Гуччи;
Никколо ди Донателло;
Джамболонья;
Дезидерио да Сеттиньяно;
Якопо делла Кверча;
Арнольфо ди Камбио;
Микеланджело Буонаротти;
Ян Пфистер;
Лука Делла Роббиа;
Андреа Сансовино;
Бенвенуто Челлини;
Доменико Фанчелли.

Наиболее известные скульпторы эпохи Ренессанса – это:

Микеланджело Буонаротти;
Донателло;
Бенвенуто Челлини.

Самые значимые скульптуры эпохи Возрождения вышли из-под резца этих непревзойденных мастеров.

Знаменитый флорентиец

Никколо ди Бетто Барди Донателло, основоположник скульптурного портрета, считается самым реалистичным ваятелем своего времени, отвергающим надуманные «красивости» в изобразительном искусстве. Наряду с реалистическим стилем он в совершенстве владел канонической классикой. Одним из шедевров Донателло является деревянная статуя Магдалины (1434 год, Флорентийский баптистерий). Исхудавшая длинноволосая старуха изображена с пугающей достоверностью. Тяготы жизни отражены на изможденном лице отшельницы.

Еще одна скульптура работы великого мастера – «Царь Давид», которая находится на фасаде башни Джотто во Флоренции. Статуя из мрамора Святого Георгия продолжает библейскую тему, начатую ваятелем с изображения Святого апостола Марка также в мраморе. Из той же серии скульптура Святого Иоанна Крестителя.

В 1453 году он вернулся в родной город Флоренцию, где и жил вплоть до своей кончины в 1466 году.

Бенвенуто Челлини

Придворный скульптор Ватикана Бенвенуто Челлини родился в 1500 году в семье мастера-краснодеревщика. Он считается последователем маньеризма – течения, отражающего стиль претенциозных форм в искусстве. Преимущественно работал с бронзовым литьем. Наиболее известные скульптуры Челлини:

«Нимфа Фонтенбло» – бронзовый рельеф, отлитый в 1545 году, в настоящее время находится в Парижском Лувре.
«Персей» – Флоренция, Лоджия Ланци.
Бюст Козимо Медичи – Флоренция, Барджелло.
«Апполон и Гиацинт» – Флоренция.
Бюст Биндо Альтовити – Флоренция.
«Распятие» – Эскориал, 1562 год.

Микеланджело Буонарроти

Гениальный скульптор эпохи Возрождения, автор бессмертных творений в мраморе и бронзе Микеланджело Буонарроти родился в 1475 году в небольшом Тосканском городе Капрезе. Владеть скульптурным инструментом мальчик научился раньше, чем писать и читать. В 13 лет Микеланджело попал на обучение к художнику Гирландайо Доменико. Затем о его таланте узнал Лоренцо де Медичи, знатный флорентиец. Вельможа стал покровительствовать подростку.

В Риме Буонарроти выполняет несколько заказов для разных соборов и церквей, а в 1505 году римский папа Юлий II предлагает ему ответственную работу – изготовить гробницу для его святейшества. В связи со столь ответственным заказом Микеланджело отбывает в Каррар, где проводит более полугода, выбирая подходящий мрамор для папской усыпальницы.

«Чинквиченто»

В общую картину Ренессанса органично вписался период Высокого Возрождения. Тогда же появился термин «чинквиченто», что означает «превосходство». Этот период взлета продолжался около сорока лет. Он дал миру шедевры, которые навечно вписаны в скрижали высокого искусства. Портрет Моны Лизы и «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи,»Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти, «Давид» Микеланджело Буонарроти – эти и другие произведения украшают залы престижных музеев.

Итальянский скульптор Андреа Сансовино (1467-1529 гг.) – один из наиболее заметных представителей эпохи Высокого Возрождения. Первой работой Сансовино стало алтарное терракотовое украшение для церкви Санта-Агата с изображениями Св. Себастьяна, Роха и Лаврентия. Аналогичную скульптурную группу Андреа изваял для алтаря церкви Сан-Спирито во Флоренции. Скульптура Высокого Возрождения отличается выраженной духовностью и какой-то особой проникновенностью.

Вероккьо Андреа

Это знаменитый скульптор эпохи Раннего Ренессанса, учитель Леонардо да Винчи, Сандро Боттичелли и Пьетро Перуджино. Главным предметом творчества Верроккьо было ваяние, на втором месте – живопись. Андреа был прославленным постановщиком придворных балов и талантливым декоратором. Скульптура Высокого Возрождения фактически началась с работ Верроккьо.

Художник долгое время творил, находясь во Флоренции. Им было создано надгробие для флорентийского вельможи Козимо Медичи, затем более двадцати лет скульптор работал над композицией «Уверение Фомы». Знаменитая статуя Давида была создана Верроккьо в 1476 году. Бронзовое изваяние предназначалось для украшения виллы Медичи, однако Джулиано и Лоренцо сочли себя недостойными столь высокой чести и предали скульптуру в Палаццо Синьории во Флоренции. Великолепная скульптура Раннего Возрождения, таким образом, обрела свое место. В частных домах старались не держать уникальные художественные произведения. Не менее ценным с точки зрения высокого искусства было также и позднее Возрождение. Скульптура Бенвенуто Челлини «Персей» считается непревзойденным шедевром Позднего Ренессанса.

Видеоматериалы

Одним из известнейших мастеров эпохи Высокого возрождения по заслуге считается великий художник, скульптор, поэт и философ, Микеланджело Буанаротти.

В ранней юности начальное образование получил во Флоренции, в Латинской школе. Уроки живописи брал у Гирландайо, а уроки скульптуры у Бертольдо ди Джованни, которые проходили в художественной школе, которую основал Лоренцо Медичи. В обучение входило копирование фресок Джотто и Мазаччо, изучение скульптурных работ Донателло, а в 1494 году, в Болонье, работы Якопо делла Кверча. Обучаясь, Микеланджело живет в доме Лоренцо, здесь он знакомится с философией неоплатонизма, влияние которой впоследствии прослеживается в его творчестве и мировосприятии. Он всегда тяготел к укрупненным формам, что отражается уже в первых работах мастера — «Битва Кентавров» и «Мадонна у лестницы».

По прибытию в Рим он продолжает изучать античную скульптуру, благодаря осознанию принципов которой все его работы обладают прекрасной пластикой. К этому периоду относят статую Вакха, ныне находящуюся в национальном музее во Флоренции (около 1494 года), а так же скульптурную группу «Пьета» (примерно 1498 — 99 годы), которые свидетельствуют о начальном периоде творческой зрелости художника.

Статуя Давида была заказана художнику, вернувшемуся во Флоренцию, правительством республики. Статую, высотой 5,5 метров установили на главной площади Флоренции, неподалеку от Палаццо Веккио. По замыслу градоначальников, она символизировала свободу республики. Микеланджело отошел от традиции изображать Давида хрупким подростком, который попирает отрубленную голову Голиафа, как это было принято у мастеров 15 века. Давид в исполнении Микеланджело только готовится к сражению, это гигант атлет — который полон уверенности и силы.

В это же время идет работа Микеланджело и над другим правительственным заказом — он выполняет картон к фреске «Битва при Кашине», которая должна была украшать зал Палаццо Веккио, равно как и роспись Да Винчи «Битва при Ангьяри». Замысел в жизнь воплощен не был, сохранилась одна из зарисовок картона, в которой уже можно увидеть динамику и жесты, впоследствии нашедшие отражение в Сикстинском плафоне.

В 1505 году Микеланджело вызывают в Рим, папа Юлий II поручил ему создавать свое надгробие. В отличие от надгробий, традиционных для Италии — а принято было сооружать надгробия пристенные — Микеланджело спроектировал отдельно стоящий мавзолей, который планировалось украсить 40 фигурами в человеческий рост. Однако сам папа Юлий II быстро утратил интерес к этому проекту, финансирование прекратилось, и Микеланджело демонстративно уехал во Флоренцию в марте 1506 года. Возвращение в Рим состоялось только в 1508 году, с получением заказа на роспись Сикстинской капеллы.

В годах Микеланджело работает над самым грандиозным из своих творений — фресками Сикстинского плафона. Для начала художник отверг проект, предложенный ему для работы. Проект подразумевал исполнение 12 фигур апостолов в боковых частях свода, основную же часть планировалось заполнить орнаментом. Микеланджело создал свой собственный проект, который и сегодня искусствоведы стараются истолковать. Роспись свода папской капеллы включает в себя 9 композиций на библейские темы, они располагаются в зеркале свода. Цикл включает в себя темы из книги Бытия от «Сотворения мира» до «Всемирного потопа». Боковые пояса свода украшены изображениями двенадцати огромных фигур Сивилл и Пророков. В распалубках и люнетах расположился цикл «Предки Христа», в угловых парусах фрески, изображающие спасение иудейского народа. Эта грандиозная работа вмещает в себя многие десятки персонажей, каждый из которых является воплощением духовной энергии.

Микеланджело возвращается к работе над надгробием Юлия II, умершего в 1513 году. Для гробницы он начинает создавать статуи «Умирающий раб», «Восставший раб» и «Моисей». Изначальный проект многократно пересматривали наследники папы, и в конечном итоге в 1545 году в церкви Сан-Пьетро ин Винколи, в Риме установили пристенное надгробие, выполненное в двух ярусах, его украсила статуя «Моисей» и еще шесть статуй из мастерской Микеланджело, созданных им в 1540 году.

Методы обработки мрамора Микеланджело отличались от современников-скульпторов. О способах его работы свидетельствуют четыре статуи, неоконченные мастером — цикл «Рабы», изначально они предназначались для надгробия папы. Микеланджело обрабатывал глыбу мрамора с одной стороны, как бы высвобождая скульптуру. Его современники работали с глыбой мрамора одновременно со всех сторон. Кстати, в своих стихах Микеланджело неоднократно обыгрывает идею о том, что предназначение скульптора высвободить образ, скрытый в камне. «Рабы» как будто пытаются вырваться из камня, а их напряженные позы только усиливают впечатление.

В 1516 Микеланджело получил задание от папы Льва X, разработать проект фасада для Флорентийской церкви Сан-Лоренцо, построенной Брунеллески в пятнадцатом веке. Задумка Микеланджело была грандиозной. Он хотел сделать этот фасад «зеркалом Италии», однако работа не состоялась — не хватило средств. В 1520 году кардиналом Джулио Медичи было дано поручение, сделать из Новой сакристии церкви Сан Лоренцо монументальную усыпальницу для рода Медичи. Эта работа шла с перерывами. В 1527 — 1530 годах Микеланджело руководил обороной во время осады Флоренции противниками Медичи. И по отъезду Микеланджело в Рим (1534 году) работа была не готова, статуи установили лишь в 1546 году.

Архитектурное и художественное решение Капеллы Медичи искусствоведами трактуются по-разному. Считается, что изображенные в доспехах римских императоров герцоги Лоренцо и Джулиано Медичи, совершенно не похожи на своих прототипов, и скорее всего, являются символами Жизни деятельной и Жизни созерцательной. Саркофаг выполнен легкими графическими линиями, тем резче контраст с ним огромных статуй Дня и Ночи, Утра и Вечера, изображенных лежащими на крышках саркофага. Их позы напряжены и неудобны, будто они вот-вот соскользнут с саркофага. Сам Микеланджело пафос этих образов выразил в своем стихотворении, в котором он говорит как бы от имени Ночи:

Мне сладко спать, а пуще — камнем быть,
Когда кругом позор и преступленье:
Не чувствовать, не видеть — облегченье.
Умолкни ж, друг, к чему меня будить?

Стиль Микеланджело архитектора окончательно формируется в годах во Флоренции. Стиль этот крайне живописен и пластичен. Неожиданным решением стала конструкция монументальной лестницы библиотеки Лауренциана. Она начинается прямо у порога читального зала во втором этаже, узкий марш крутых ступеней плавно вытекает из дверного проема, и распределяется на три рукава стремительно и неожиданно, так же круто разворачивается вниз.

В 1534 году Микеланджело перебирается жить в Рим. Здесь начинается последний, но не менее яркий период его творчества. Сближение с кружком поэтессы Виттории Колонна приносит в его творчество идею религиозного обновления. Он проникается новыми идеями, и, в итоге, работая над фреской «Страшный суд» для Сискстинской капеллы Микеланджело отходит от традиционной иконографии. Страшный суд изображается не в момент свершения, когда грешники и праведники уже отделены друг от друга, а самое его начало. Динамика картины создана диссонирующими позами персонажей, они полны отчаяния. В общей массе и грешники, и праведники, их сложно различить.

По воспоминаниям Вазари, фреска была чрезвычайно близка к уничтожению: папа Павел IV изначально планировал сбить фреску в гг., однако впоследствии поручил Даниэле да Вольтерра привести тела святых в приемлемый вид. Изобразить на них одежду или хотя бы набедренные повязки.

Последние работы Микеланджело в живописи пронзены пафосом и трагедией — «Распятие апостола Петра», «Падение Савла» являются тому примером. Живопись этого периода легла в основу формирования маньеризма.

Поздние скульптурные работы, такие как «Пьета с Никодимом» и неоконченная скульптурная группа «Пьета Ронданини» объединяет сложный пластический язык и драматические образы.

В римский период Микеланджело раскрывается как поэт и философ, мастерски владеющий слогом.

В 1546 году Микеланджело получает назначение возглавить строительство собора св. Петра, его спроектировал и начал строить которое Браманте. К моменту смерти Браманте были возведены четыре гигантских столба с арками средокрестия и часть одного нефа. Преемники Браманте Перуцци, Рафаэле, Сангалло при работе отошли от изначального плана, однако практически не продвинулись в работе. Микеланджело вернулся к изначальному плану постройки, и при жизни им была возведена восточная часть собора и тамбур купола, который впоследствии возвел Джакомо делла Порта.

Другой архитектурный проект, задуманный Микеланджело был завершен только в семнадцатом веке. Это известный ансамбль Капитолия. В него вошли перестроенный Дворец Сенаторов, Дворцы Консерваторов — два дворца с одинаковыми фасадами. По центру площади статуя Марка Аврелия, верхом на коне, от площади к жилым кварталам ведет широкая лестница. Этот ансамбль стал связующим звеном между древним Римским форумом и новой частью города.

Во Флоренцию Микеланджело так и не вернулся, несмотря на многочисленные приглашения от герцога Козимодо Медичи. Но после смерти, его все-таки похоронили во Флоренции, в церкви Санта Кроче, тайно забрав тело из Рима, тайно забрав тело из Рима.

«Искусство ревниво»

Родился Микеланджело 6 марта 1475 года в тосканском городе Капрезе. Был учеником в мастерской Доменико Гирландайо. В ранние годы создавал карандашные копии флорентийских художников – Джотто и Мазаччо. Также обучался в школе скульптора Бертольдо ли Джованни. Умер Микеланджело 18 февраля 1564 года в Риме.

Микеланджело – особая фигура в истории искусств. Его работы поражают современников своей масштабностью, органичным сочетанием форм, великолепием и грациозностью. Каждое из произведений, созданное им, стоит особняком в мировом искусстве. За всем этим кроется талант художника, усердный и упорный характер человека, привыкшего доводить начатое до конца. Трудолюбие было главной чертой Микеланджело. Он мог забыть про сон, про еду, но не останавливаться в работе, вкладывать в нее всю свою душу. «Искусство ревниво: оно требует, чтобы человек отдавался ему всецело» – говорил Микеланджело. Именно поэтому его творчество так привлекает и поражает.

Оплакивая Христа

Список работ Микеланджело полон всевозможных шедевров: от статуй и живописных полотен до архитектурных сооружений. Выбрать для обозрения несколько работ представляет большую сложность, но все же, это возможно. Многие искусствоведы выделяют такое произведение Микеланджело, как «Пьета» («Оплакивание Христа»), выполненную в 1499 году для собора Святого Петра.

Для работы художник уединился и лишил себя всякого комфорта. По представлению Микеланджело, Мария должна была быть очень юной. Он считал, что мужчина в возрасте может быть красивым, а женщина – нет. Так и получилось, что Мария стала выглядеть менее чем на двадцать лет, а ее сын – лет на тридцать с довольно крепким телосложением.

Надин Сотель писал по этому поводу:

«Чтобы нести его, она должна была иметь силу, которую он потерял на кресте, и это было совершенно необходимо: двуполая пара «Пьеты», как начало мира, является настоящей провокацией для теологов». Работа была выполнена за короткий срок, и для того, чтобы успеть, Микеланджело работал по двадцать четыре часа в сутки.

Один из современников заметил: «Хотя он и не был очень сильным, однако за четверть часа отрубил от очень тяжелой глыбы мрамора больше, чем удалось бы трем молодым каменотесам, если бы поработали в три или четыре раза дольше. Он набрасывался на работу с такой энергией и огнем, что, я думал, мрамор разлетится вдребезги. Одним ударом он откалывал куски в три-четыре пальца толщиной и так точно в намеченном месте, что если он еще немного удалил мрамора, то испортил бы всю работу».

Впечатление, которое производила «Пьета» было невообразимым: она не выражала ни невыносимой боли, ни мирного спокойствия. Микеланджело смог добиться, казалось, невозможного, а именно эффекта присутствия. Отсюда и восторженная реакция: люди, смотрящие на нее, ощущали живую энергию, воплощенную в мраморе.

Святая Дева сидит на камне, на ее коленях покоится безжизненное тело Иисуса, снятое с креста. Это выглядит непостижимо, но Микеланджело умышленно допустил некую логическую несовместимость: во весь рост его Мадонна превышает два метра, а Христос значительно ниже. При этом головы обоих имеют одинаковые размеры. Возможно, из подобных несовместимостей деталей, в целом, скульптура получилась вполне органичной и монументальной.

Прекрасное мраморное изваяние стало памятником зрелого таланта Микеланджело. Рим был восхищен этим произведением. Джорджо Вазари не мог найти слов для выражения восторга и удивления. По его словам, даже древние не могли достичь подобного совершенства, и было трудно поверить, что бездушному камню кто-то смог придать такую безукоризненность форм, какой нечасто достигает даже сама природа.

Готовый ко всему

Другая не менее важная скульптура Микеланджело «Давид», выполненная в 1504 году, высотой более пяти метров. Такое величие.

Надин Сотель писал: «Давид представляет собой символическое продолжение композиции Донателло: его Юдифь воплощает кровавую борьбу против тирании, а Давид – отвагу и спокойную силу, иначе говоря – гражданское мужество. Библейский Давид защищал свой народ и справедливо управлял им, и теперь все ждали от правительства Флоренции такой же смелости и такой же честности».

Статуя была предназначена для кругового обзора, изображая обнаженного Давида, сосредоточенного на предстоящей схватке с Голиафом. Здесь Микеланджело ввел новшество, поскольку его предшественники изображали Давида в момент торжества после победы над соперником. Юноша стоит в готовности к бою, его мышца напряжены, сам он спокоен и сосредоточен. Мимика изображает все внутренние чувства героя, показывая его устрашающий вид. Великая сила заключена в этой фигуре.

«Давид» стал олицетворением Флоренции, он стоял лицом к Риму, будто охраняющий и следящий за безопасностью города, как предупреждение римской церкви о том, чтобы она не думала угрожать заново обретенной свободе.

Необходимое спасение

Еще одной значимой для мирового культурного наследия работой является роспись потолка фрески «Сикстинской капеллы», творение на которое он потратил пять лет, начиная с 1508 года. Это самый тяжелый труд за весь творческий период художника. Заказ на роспись поступил от папы Юлия II, отношения с которым у Микеланджело не складывались.

В эпоху Возрождения потолочная живопись имела декоративный характер, ограничиваясь несложной тематикой. Поэтому работа Микеланджело является самым настоящим исключением из правил, отступлением от эстетических норм эпохи. В огромной по размерам потолочной фреске автор воссоздал библейскую легенду, ансамбль включает в себя более трехсот фигур. «Основная тема– потолка это доктрина о необходимости человечества в спасении, предложенным Богом через Иисуса» – писали Блеч и Долинер.

На фресках проиллюстрировано сотворение мира, в центре которого помещено человечество. Используя игру света и тени, Микеланджело создавал эффект рельефа, то есть он писал фигуры на плоскости так, словно они были высечены из камня. Он изобразил самые разные эпизоды из истории еврейского народа: Давид и Голиаф у него восславляют победу над филистимлянами; Юдифь и Олоферн рассказывают о смерти полководца, стоявшего во главе вторгшегося в Иудею войска царя Навуходоносора. Тут же автор изобразил пророка Иеремию – это скорбный старец, сидящий, скрестив ноги. Правой рукой он опирается на колено. Он ушел в себя, погрузившись в глубокую думу.

Усердная и многочасовая работа над фреской без перерыва заметно пошатнула здоровье Микеланджело. Он стал плохо видеть, чувствовал спазмы в теле, его спина не разгибалась. Он намеренно не улучшал условий своего существования, считая, что только счастливый человек может позволить себе комфорт. Несмотря на то, что техникой фрески художник владел не в совершенстве, он вкладывал в работу все свои силы. Именно благодаря этому произведение было выполнено на высшем уровне.

И, когда, Микеланджело закончил роспись потолка, он сам удивился получившемуся масштабу. Удивительная и поразительная работа была проделана великим художником. Он оставил своим потомкам неоценимое состояние, которое поражает смотрящих уже много столетий.

Надо сказать, что талант Микеланджело был действительно масштабен. Все его величие выражалось в усердном труде, внимательности к деталям и любви к своему делу. Он стал воплощением целой эпохи наряду со своими не менее великими современниками и олицетворением искусства XVI столетия.

Великий скульптор ренессанса Донателло | Мир ковки

Донателло – известный итальянский скульптор эпохи ренессанса. Донато ди Никколо ди Бетто Барди родился во Флоренции в 1386 году. В 1401 году пошел работать в ювелирную мастерскую в небольшом городе Пистойе, расположенном недалеко от Флоренции. В 1403 году стал помощником и учеником Лоренцо Гиберти, который возглавлял одну из самых больших бронзолитейных и ювелирных мастерских во Флоренции. Которая работала над созданием скульптурных композиций для баптистерия Собора. Донателло создавал скульптуры из камня, мрамора, дерева и бронзы. В 1412 года он был принят в гильдию Св. Луки, гильдию живописцев, как живописец, скульптор и золотых дел мастер.

Первой работой Донателло из бронзы является статуя св. Людовика Тулузского, созданная им в 1422 году по заказу совета гвельфской партии для украшения церкви Ор Сан Микеле во Флоренции. Эта статуя представляет собой один из самых красивых памятников эпохи ренессанса. В настоящее время она хранится в музее при церкви Санта-Кроче. В 1427 году Донателло создал бронзовый реликварий Сан Россоре для церкви Оньисанти, который хранится в Национальном музее города Пиза.

В период с 1430 по 1433 года Донателло работал над созданием бронзовой скульптуры Давида, которая являлась навершием фонтана, стоявшего во дворце Медичи. Эта скульптура стала первым памятником, стоявшим не у стены, как было принято ранее, а обозревался со всех сторон. Бронзовый Давид более полутора метров высотой, ставший своеобразным символом Флоренции в борьбе за свободу, был изображен обнаженным. Мастер смог очень живо изобразить гибкое мускулистое тело юноши, стоящего в расслабленной позе с мечом в руках, попирая ногой отрубленную голову Голиафа. В данный момент бронзовая статуя Давида хранится в Национальном музее Италии.

В конце 1430-х годов мастер начал работу над бронзовой статуэткой полуобнаженного мальчика, названной «Амур-Атис». Эта скульптура изображает Приапа, античное божество плодородия. В тоже время Донателло работал над созданием бронзовых дверей Старой сакристии Сан-Лоренцо. В средине 1440-х годов Донателло начал работу над сооружением самого большого Алтаря, поражающего воображение множеством скульптур и рельефов. Основой Алтаря стали бронзовые скульптуры изображавшие Мадонну с младенцем на руках и шесть фигур святых.

В конце 1440-х годов Донателло работал над бронзовой статуей посвященной полководцу Эразмо да Нарни, носившему прозвище Гаттамелата. Прообразом памятника стала скульптура Марка Аврелия. Кондотьер Гаттамелат изображен верхом на коне. Бронзовая скульптура была установлена на каменном постаменте на площади перед Собором св. Антония и стала первым светским памятником того периода. Донателло смог создать мужественный образ уверенного человека, типичного героя эпохи Возрождения, имеющего яркие индивидуальные черты. Эту работу Донателло выполнил, следуя античным традициям.

На закате своей карьеры Донателло отлил из бронзы большую скульптурную композицию изобразившую Юдифь, отсекающую голову Олофрену. Работу над ней автор смог закончить в 1460 году. Голова Юдифи считается одним из самых прекраснейших творений эпохи раннего Возрождения. Девушка, несмотря на героический поступок, выглядит бессильной и надломленной, ее рука держащая меч, как бы лишена силы. Бронзовая Юдифь является навершием фонтана, который был установлен во дворе палаццо Медичи. В настоящее время данную скульптурную группу можно увидеть в Палаццо Веккио, куда ее перенесли в после реставрации в 1986 году.

Последней работой Донателло считаются две бронзовые кафедры, выполненные для церкви Сан Лоренцо во Флоренции. Мастер начал работу над ними в 1460 году, но так и не смог завершить. Кафедры, посвященные истории Страстей Христовых и изображавшие эпизоды из Мистических преображений Христа были закончены учениками Донателло. Скульптурные образы полны драматизма, но при этом им присуща большая одухотворенность. Донателло умер 13 декабря 1466 года, но оставил после себя множество прекрасных произведений искусства, внесших изменения в привычную скульптуру того времени. Донателло отошел в своих произведениях от средневековых традиций. Он применял античные идеалы и возродил изображение обнаженных тел в скульптуре, стал первым, кто создал светский памятник.

Посмотреть работы Донателло можно в галерее.

Великие скульпторы — презентация онлайн

1. Великие вкульпторы

Учитель: Морозова Ю.А.
Ведь сам Бог – скульптор:
Он создал человека не колдовством,
А кусок за куском – как ваятель
Л. Бернини

3. Скульптура – одно из самых древних искусств.

Мы знаем произведения, созданные
тысячелетия тому назад мастерами
Египта, Индии и Греции. Само слово
произошло от латинского «sculpere»,
что значит «высекать».
До сих пор сохранилась и прекрасная
легенда о замечательном скульпторе
Пигмалионе.
Одним из первых скульпторов, чье имя
сохранило время, был Мирон (V в. до н.
э.). Какое творение этого автора вам
известно?

5. Фидий

–
легендарный
автор
скульптур
Зевса
Олимпийского и Афродиты
Эфесской,
вошедших
в
«семь чудес света».

6. Скопас

– исполнил мифологические
образы с драматизмом и
сложной
гаммой
человеческих
чувств
(«Менада»).

7. Пракситель

– изображал олимпийских
богов
и
богинь
(«Отдыхающий
Сатир»,
«Аполлон» и др.).

8. Лисипп

–
стремился
передать
многообразие
характера
(«Александр Македонский» и др.). греческий скульптор,
вместе со Скопасом и Праксителем вошел в триаду
величайших
скульпторов
классической
греческой
скульптуры. Завершает эпоху поздней классики (IV в. до
н. э.)
Еще одна яркая страница истории развития скульптуры связана с
эпохой Возрождения.
Не правда ли – примерам нет конца
Тому, как образ, в камне воплощенный,
Пленяет взор потомка восхищенный
И замыслом, и почерком резца?
Творенье может пережить творца:
Творец уйдет, природой побежденный,
Однако образ, им запечатленный,
Веками будет согревать сердца.
И я портретом в камне или цвете,
Которым, к счастью, годы не опасны,
Наш век могу продлить, любовь моя, –
Пускай за гранью будущих столетий
Увидят все, как были вы прекрасны,
Как рядом с вами был ничтожен я.
Это стихи великого художника этой эпохи Микеланджело Буонарроти

10. Какое творение этого автора вам известно?

(«Давид».)
Давид — мраморная статуя работы Микеланджело, впервые
представленная флорентийской публике на площади Синьории 8
сентября 1504 года. С тех пор пятиметровое изваяние стало
восприниматься как символ Флорентийской республики и одна из
вершин не только искусства Возрождения, но и человеческого гения
в целом. В настоящее время оригинал статуи находится в Академии
изящных искусств во Флоренции.
Статуя, предназначенная для кругового обзора, изображает
обнажённого Давида, сосредоточенного на предстоящей схватке с
Голиафом. В этом сюжете состояло иконографическое новшество,
поскольку Вероккьо, Донателло и прочие предшественники
Микеланджело предпочитали изображать Давида в момент
торжества после победы над гигантом.
Юноша готовится к бою с превосходящим его по силе врагом. Он
спокоен и сосредоточен, но мышцы его напряжены. Брови грозно
сдвинуты, в них читается нечто устрашающее. Через левое плечо он
перекинул пращу, нижний кончик которой подхватывает его правая
рука. Свободная поза героя — классический пример контрапоста —
уже подготавливает смертоносное движение.

12. История

Речь о создании статуи ветхозаветного царя впервые зашла
в середине XV века, когда гильдия торговцев шерстью (на
которую народ Флоренции возложил надзор за украшением
соборного храма Санта-Мария-дель-Фьоре) выступила с
предложением окружить собор двенадцатью
крупногабаритными скульптурами ветхозаветных персонажей.
К 1464 году было готово только два изваяния, одно из которых
выполнил Донателло, а другое — его подмастерье Агостино ди
Дуччо. Для статуи Давида во Флоренцию была доставлена
огромная глыба мрамора из копей Каррары. После смерти
Донателло в 1466 году Агостино отошёл от работы над этим
проектом, едва принявшись за обтёсывание ног фигуры. Вскоре
был расторгнут контракт и с пришедшим ему на смену Антонио
Росселлино.
Взор «Давида»
К началу XVI века заброшенная глыба мрамора,
которую флорентийцы прозвали «Гигантом»,
представляла собой жалкое зрелище. С каждым
десятилетием она неумолимо таяла в размерах из-за
губительного воздействия осадков. Наконец
кураторы собора, проконсультировавшись
с Леонардо да Винчи и другими знатоками
скульптуры, признали статую годной к доделке.
После некоторых колебаний завершение «Давида»
было поручено известному своей амбициозностью
26-летнему скульптору Микеланджело Буонарроти.
Контракт с ним был подписан 16 августа 1501 года, а
уже 13 сентября молодой человек приступил к
работе. Борьба Микеланджело за извлечение из
бесформенной глыбы идеального человеческого тела
продолжалась два года.
25 января 1504 года, когда работа над «Давидом» уже
близилась к завершению, его пришли оценить ведущие
флорентийские художники. Только немногие из них, во главе
с Боттичелли, по-прежнему настаивали на размещении статуи
близ собора. Для прочих консультантов, включая Джулиано да
Сангалло, Пьеро ди Козимо и Леонардо да Винчи,
общегражданский посыл скульптуры перевесил её религиозное
значение. Для защиты от негативного действия сил природы
статую было предложено перенести туда, где заседал городской
совет, — в лоджию Ланци.
Транспортировка статуи к стенам палаццо Веккьо заняла
четыре дня. На этом месте «Давид» сменил двухметровую
бронзовую группу «Юдифь и Олоферн» работы Донателло.
Подобно своей предшественнице, произведение Микеланджело
воспринималось как наглядный образ героической борьбы
флорентийского народа за свободу от тирании.
В 1873 году во избежание порчи от воздействия осадков и
выветривания статуя была перенесена в один из
залов Академии изящных искусств. Её место на площади
Синьории заняла в 1910 году копия. В 2003—2004 годах
оригинал Микеланджело был очищен реставраторами от
накопившихся за многие годы загрязнений.

15. Для поисковой работы учащимся предлагается ряд имен скульпторов

: О. Роден, В. Мухина, И. Шадр, С.
Коненков, И. Мартос и др.
http://5klass.net/istorija-9-klass/Arkhitektura-Drevnej-Gretsii/008-MironDiskobola.html
http://uadream.com/tourism/europe/Greece/element.php?ID=50762
http://go.mail.ru/search_images
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/0/0a/Skopas_menade_pushkin.jpg
http://ancientrome.ru/art/artwork/img.htm?id=2099
http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Michelangelo%27s_David__63_grijswaarden.png?uselang=ru
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Michelangelos_David.jpg?uselang=r
u

Скульптура эпохи Возрождения | Безграничная история искусства

Скульптура эпохи Возрождения во Флоренции

Скульптура эпохи Возрождения возникла во Флоренции в 15 веке и находилась под сильным влиянием классической скульптуры.

Цели обучения

Определите импульс скульптуры во Флоренции 15 века, ее основных экспонатов и наиболее известных работ

Основные выводы

Ключевые моменты

Считается, что собственно скульптура эпохи Возрождения началась со знаменитого конкурса дверей флорентийского баптистерия в 1403 году, который выиграл Лоренцо Гиберти.
Гиберти разработал набор дверей для соревнований, размещенных у северного входа, и еще одну, более великолепную пару, для восточного входа, названную «Врата рая». На обоих воротах изображены библейские сцены.
Гиберти основал большую мастерскую, в которой обучались многие известные флорентийские скульпторы и художники. Он возродил восковое литье бронзы по выплавляемым моделям — технику, которая использовалась древними и впоследствии была утрачена.
Донателло создал своего бронзового Давида для Козимо Медичи.Задуманная независимо от архитектурного окружения, это была первая известная отдельно стоящая статуя обнаженной натуры, созданная с древних времен.
Период был отмечен значительным увеличением патронажа скульптуры со стороны государства для общественного искусства и со стороны богатых меценатов для своих домов. Общественная скульптура стала важнейшим элементом облика исторических центров города. Вдобавок портретная скульптура, особенно бюсты, стала очень популярной во Флоренции.

Ключевые термины

аллегория : представление абстрактных принципов персонажами или фигурами.
потерянный воск : Метод литья скульптуры, при котором модель скульптуры изготавливается из воска: модель используется для изготовления формы; когда форма застыла, воск плавится и выливается, оставляя форму, готовую к использованию для отливки скульптуры.
баптистерий : обозначенное пространство, которое может стоять внутри церкви как отдельная комната или даже как отдельное здание, связанное с церковью, где находится купель и, следовательно, где совершается таинство христианского крещения (через окропление или обливание). ) выполняется.Обычно в эпоху Возрождения баптистерии были отдельными зданиями, так как люди крестились перед входом в церковь или собор.

Известная как «колыбель Возрождения», Флоренция 15 века была одним из крупнейших и богатейших городов Европы, а ее богатейшие жители были горячими покровителями искусства, в том числе скульптуры. Отходя от международного готического стиля, который ранее доминировал в Италии, и опираясь на стили классической античности, скульптура эпохи Возрождения зародилась во Флоренции и находилась под сознательным влиянием античной скульптуры.

Лоренцо Гиберти

Сама скульптура эпохи Возрождения часто считается началом знаменитого конкурса дверей баптистерия Флоренции в 1403 году, в котором до сих пор сохранились пробные модели, представленные победителем Лоренцо Гиберти и занявшим второе место Филиппо Брунеллески. Бронзовые двери Гиберти состоят из 28 панелей, изображающих сцены из жизни Христа, четырех евангелистов и святых отцов церкви Амвросия, Иеронима, Григория и Августина. На их завершение ушло 21 год, и они все еще стоят у северного входа в баптистерий, хотя их затмевает великолепие его второй пары ворот для восточного входа, которые Микеланджело назвал «вратами рая».«Эти новые ворота были введены в эксплуатацию в 1425 году и построены в течение 27 лет. Они состоят из 10 прямоугольных панелей, изображающих сцены из Ветхого Завета, и умело используют недавно обнаруженные принципы перспективы, чтобы добавить глубины композиции. Их окружает богато украшенный позолоченный каркас из фруктов и листвы, статуэтки пророков и бюсты скульптора и его отца.

Врата рая, баптистерий Флоренции : На воротах Гиберти изображены сцены из Ветхого Завета у восточного входа в баптистерий.

Для выполнения этих огромных заказов Гиберти организовал большую мастерскую, в которой впоследствии обучались многие известные флорентийские скульпторы и художники, в том числе Донателло, Микелоццо и Паоло Уччелло. Он возродил восковое литье бронзы по выплавляемым моделям — технику, которая использовалась древними и впоследствии была утрачена. Это сделало его мастерскую особенно известной и привлекла внимание начинающих художников.

Донателло

Еще одним очень влиятельным скульптором из Флоренции был Донателло (1386–1466), который наиболее известен своими работами с барельефом, формой неглубокого рельефа, который он использовал как среду для включения значительных скульптурных разработок 15 века в перспективную иллюзию. .Донателло получил свое раннее художественное образование в мастерской ювелира, а затем некоторое время обучался в мастерской Гиберти, прежде чем предпринять поездку в Рим с Филиппо Брунеллески, где он предпринял исследования и раскопки римской архитектуры и скульптуры. Римское искусство оказало важнейшее влияние на творчество Донателло. Его главным спонсором во Флоренции был Козимо де Медичи, величайший меценат города.

Донателло создал своего бронзового Давида для двора Козимо в Палаццо Медичи.Задуманная полностью круглой и независимой от архитектурного окружения, это была первая известная отдельно стоящая статуя обнаженной натуры, созданная со времен античности, и представляла собой аллегорию гражданских добродетелей, преодолевших жестокость и невежество. Эта скульптура представляла собой особенно важное развитие в скульптуре эпохи Возрождения: создание скульптуры независимо от архитектуры, в отличие от предшествующего международного готического стиля, где скульптура редко существовала независимо от архитектуры.

Давид — Донателло : Гений Донателло сделал его важной фигурой в период раннего итальянского Возрождения.Его бронзовый Давид, созданный между 1430–1432 годами, является образцом его зрелой работы. В настоящее время он находится во дворце и музее Барджелло.

Другие важные проекты Донателло во Флоренции и ее окрестностях включают мраморную кафедру фасада собора Прато, резную Cantoria или хор Флорентийского Дуомо, созданный под влиянием древних саркофагов и византийских сундуков из слоновой кости, сцену Благовещения для Кавальканти. алтарь в церкви Санта-Кроче и бюст молодого человека с камеей , первый образец портрета-бюста мирянина с классической эпохи.

Покровительство скульптуры

Этот период был отмечен значительным увеличением патронажа скульптуры со стороны государства для общественного искусства и со стороны богатых меценатов для их домов. Общественная скульптура стала важнейшим элементом внешнего вида исторических центров города, а портретная скульптура, особенно бюсты, стала чрезвычайно популярной во Флоренции после нововведений Донателло. Эти нововведения 15 века вскоре распространились по Италии, а затем и по всей Европе.

10 самых известных скульпторов западного искусства, от Микеланджело до Родена

Роден, Микеланджело, Донателло — это имена новаторских провидцев, создавших некоторые из величайших скульптур в истории искусства.Скульпторы, подобные этим одаренным творцам, имеют уникальную возможность воплотить свои объекты в жизнь и манипулировать материалами, чтобы бросить вызов ожиданиям зрителей. Будь то резка мрамора или литье из бронзы, нельзя отрицать силу скульптуры.

На протяжении всей истории были известные скульпторы, выдержавшие испытание временем. Возможно, их ценят за способность создавать очень реалистичные фигуры или, может быть, их ценят за их готовность раздвигать границы и бросать вызов ожиданиям.Независимо от их стиля, мы собрали коллекцию великих скульпторов, создавших одни из самых узнаваемых произведений западного искусства в истории.

Этот взгляд на 10 знаменитых скульпторов — от древних греков до модернистов 20-го века — показывает хронологию развития западного искусства. Без вклада каждого художника было бы трудно представить визуальную культуру в том виде, в котором мы ее знаем сейчас.

Узнайте больше о 10 известных скульпторах, которые помогли сформировать западное искусство и культуру.

Пракситель (активный 4 век до н.э.)

«Афродита Книдская» Мрамор, римская копия с греческого оригинала IV века Праксителя. (Фото: Museo Nazionale Romano di Palazzo Altemps [общественное достояние], через Wikimedia Commons)

Несмотря на то, что о великих скульпторах древней Греции много узнать, одно имя выдержало испытание временем. Благодаря работам великих авторов, таких как Плиний Старший и Витрувий, название « Praxiteles » стало синонимом древнегреческой скульптуры.Ни одна из его оригинальных статуй не сохранилась, но мы знакомы с его работой благодаря римским копиям оригиналов. Афродита Книдоса — его самая известная работа и первый пример женской фигуры в натуральную величину, изображенной в обнаженном виде. Эта работа будет влиять на то, как женская форма изображалась в скульптуре на долгие века.

Донателло (ок. 1386 — 1466)

«Кающаяся Магдалина» Донателло (Фото: Дивот [общественное достояние], через Wikimedia Commons)

Итальянский скульптор Донателло сыграл ключевую роль в продвижении искусства и культуры в эпоху итальянского Возрождения.В основном он работает во Флоренции, но многие его работы до сих пор можно найти в городе. Его бронзовая статуя Давида — знак значительных изменений в искусстве, поскольку это была первая отдельно стоящая обнаженная фигура со времен античности и знаменует начало скульптуры эпохи Возрождения. Поразительный реализм его дерева Penitent Magdalene показывает, насколько Донателло опередил свое время.

Микеланджело (1475 — 1564)

«Давид» Микеланджело. (Фото: Stock Photos from Marta Pons Moreta / Shutterstock)

Хотя он тесно связан с фресковым искусством из-за его впечатляющего потолка Сикстинской капеллы, Микеланджело действительно скульптор в душе.Он считал, что каждый кусок мрамора содержит произведение искусства, ожидающее выхода, и ему просто нужно было сколоть его, пока оно не появится. Его культовая статуя Давида остается непреходящим символом итальянского Возрождения и продолжает вдохновлять поколения художников. Скульптор до самой смерти, Микеланджело был предан своему делу, и он продолжал работать вплоть до недели своей смерти в возрасте 88 лет.

Джанлоренцо Бернини (1598 — 1680)

«Плутон и Персефона» Бернини.(Фото: Stock Photos from wjarek / Shutterstock)

Пожалуй, ни один другой художник не определяет эпоху барокко так, как Джанлоренцо Бернини , чья впечатляющая карьера длилась почти 70 лет. Вундеркинд Бернини в подростковом возрасте создавал крупномасштабные мраморные скульптуры. Позже он станет архитектором базилики Святого Петра — следуя по стопам Микеланджело — где он создал культовую площадь и колоннаду базилики, а также ее центральный бронзовый навес. Мастер материалов, Бернини известен своей удивительной способностью создавать движения и вызывать эмоции в своей работе.В его руках мрамор превращается в мягкую плоть, которая выглядит настолько реальной, что хочется протянуть руку и сжать ее.

Огюст Роден (1840-1917)

Актерский состав из оперы «Мыслитель» Родена. (Фото: стоковые фотографии Шона Нила / Shutterstock)

Французский скульптор Считается, что Огюст Роден привнес скульптуру в современную эпоху. Имея классическое образование, он привлек к себе международное внимание после того, как его работы были представлены на Всемирной выставке.Роден продолжает оставаться одним из самых признанных художников в мире, его выдающаяся работа « Мыслитель » видна в различных отливках по всему миру. Роден известен своей способностью отказаться от реализма и декора в пользу использования текстуры, деталей поверхности, а также света и тени для передачи эмоций. Его внимание к внутренним эмоциям и страданиям является поворотным моментом в истории искусства и служит отличительной чертой модернизма.

Константин Бранкузи (1876 — 1957)

«Бесконечная колонна» Бранкузи.(Фото: Stock Photos from Radu Bercan / Shutterstock)

Один из самых влиятельных скульпторов 20 века, Константин Бранкузи, , был пионером модернизма. На румынского художника сильно повлияли народные традиции, хотя он также искал вдохновения в культурах за пределами Европы. Его скульптуры известны своими чистыми геометрическими линиями, о чем свидетельствует его знаменитая серия Bird in Space . Бранкузи также создал мастерскую скульптуру на открытом воздухе. Бесконечная колонна — одна из трех работ, созданных им в память о румынских героях Первой мировой войны.Сложенные друг с другом формы имеют половину ромбовидной формы в верхней части тотема, который символизирует бесконечность.

Альберто Джакометти (1901 — 1966)

Швейцарский скульптор Альберто Джакометти , пожалуй, наиболее известен своими тонкими вытянутыми фигурами. Их грубая текстура позволяет зрителям увидеть силу скульптора, который также был художником и гравером. В течение шестилетнего периода, начиная с 1938 года, Джакометти сосредоточился на скульптурах небольшого размера, каждая из которых имела размер не более двух штук.75 дюймов в высоту. Работа Джакометти часто рассматривается при обсуждении экзистенциализма и условий жизни человека. Многие ученые предположили, что его удлиненные фигуры связаны с отсутствием смысла в жизни 20-го века.

Генри Мур (1898-1986)

«Лежащая фигура» Генри Мура. (Фото: Стоковые фотографии Рона Эллиса / Shutterstock)

Известный своими полуабстрактными публичными скульптурами, английский художник Генри Мур был выдающимся скульптором после Второй мировой войны как в Великобритании, так и за рубежом.В его работах чаще всего изображены наклоняющиеся фигуры с повторяющейся темой Матери и Дитя. Фигуры Мура часто делятся на несколько частей, но его чистые линии позволяют зрителям эффективно видеть фигуру в абстрактной форме. Поклонники его творчества захотят посетить его поместье площадью 60 акров в Перри Грин, Хартфордшир. Сейчас он принадлежит Фонду Генри Мура и хранит самую большую коллекцию его работ.

Сол Левитт (1928-2007)

«Башня» Сола Левита.(Фото: общественное достояние через Википедию)

Признанный основоположником минимализма и концептуализма, Sol LeWitt приобрел известность в конце 1960-х годов. Американский художник предпочел термин «структуры» скульптуре. Он очень интересовался модульными структурами, которые часто имели кубическую природу, и большая часть его работ выполнялась из штабелированных шлакоблоков. Позже он начал использовать криволинейные формы и насыщенные цвета, что полностью отличалось от его предыдущей работы.Многогранный художник Левитт также известен своими настенными рисунками, гуашью и архитектурными проектами.

Луиза Буржуа (1911-2010)

«Маман» Луизы Буржуа. (Фото: Stock Photos from tichr / Shutterstock)

Самая известная благодаря своим работам и инсталляциям, французско-американский скульптор Луиза Буржуа получила международное признание в 1982 году после того, как Музей современного искусства провел ее первую ретроспективу. К этому времени ей было уже за 70, и она сделала успешную карьеру.Основываясь на собственном жизненном опыте, ее скульптуры часто исследуют темы семьи, сексуальности и смерти. В 1990-х Буржуа начала использовать паука как символ в своем искусстве. Maman был отлит как серия из шести бронзовых изделий и стоит на высоте более 30 футов. Работа — ода матери скульптора, которая умерла в детстве, и говорит о ее силе и защите над своей семьей.

Статьи по теме:

Как природная красота эллинистической скульптуры веками покоряла мир

Эта безрукая скульптура — один из самых ценных шедевров Лувра

8 реальных людей, ставших звездами самых известных картин истории искусства

Как мраморные скульптуры вдохновляли художников и привлекали внимание публики на протяжении тысячелетий

10 лучших парков скульптур в мире

5 величайших скульпторов всех времен

Играть в двух измерениях достаточно легко, но что на самом деле отличает мужчин от мальчиков? Может быть, это когда вы отказываетесь от мольберта на пояс для инструментов и начинаете работать с молотком и зубилом.Эти удивительные скульпторы взяли свой талант 3-D.

1. Донателло (1386? — 1466)

Святой Георгий (бронзовая копия мраморного оригинала) (Фото: Jastrow [wiki])

Несомненно, величайший скульптор раннего Возрождения, Донателло [вики] родился во Флоренции, хотя он много путешествовал и был известен по всей Италии. Донателло в совершенстве владел бронзой, камнем, деревом и терракотой, и ничто не ускользало от его выдающихся способностей: рельефная скульптура, обнаженные тела, конные статуи, группы фигур и отдельные фигуры сидящих или стоящих.Фактически, он заново изобрел искусство скульптуры так же, как другие современники заново изобретали искусство живописи, и его нововведения и открытия оказали огромное влияние. Прежде всего, Донателло, казалось, мог оживить скульптуру благодаря своей способности рассказывать истории, сочетать реализм и сильные эмоции и создавать впечатление, что его фигуры были не просто объектами красоты для пассивного созерцания, а творениями, наполненными энергией. и думал, готовый приступить к действию.

2.Микеланджело (1475–1564)

Давид Микеланджело

Пьета Микеланджело

Явно выдающийся гений, влияние [вики] Микеланджело доминировало в европейском искусстве, пока Пикассо не изменил правила. Во-первых, скульптор, во-вторых, художник и архитектор, Микеланджело был трудоголиком — меланхоличным, темпераментным и одиноким человеком. Он глубоко верил в человеческий облик (особенно в обнаженного мужчину) как в высшее выражение человеческой духовности, чувствительности и красоты.Фактически, ранние работы Микеланджело показывают человека как меру всего: идеализированного, мускулистого, уверенного и квазибожественного. Постепенно этот образ становится более выразительным, более человечным, менее совершенным, подверженным ошибкам и ошибочным. Он любил поворачиваться и скручивать позы, полные скрытой энергии, и лица, которые выражали весь спектр человеческих эмоций. Бесконечно изобретательный, он никогда не повторял позу, хотя, будучи настоящим человеком эпохи Возрождения, он с гордостью заимствовал греческие и римские прецеденты.

3.Джан Лоренцо Бернини (1598 — 1680)

Аполлон и Дафна Бернини

Похищение Прозерпины Бернини

Давид Бернини

Бернини [wiki] освободил интеллектуальную скульптуру от прежнего занятия с земной тяжестью и земной серьезностью. откройте для себя новую свободу, которая позволила ему двигаться, парить и обладать дальновидностью и театральностью. Вундеркинд Бернини обладал яркой индивидуальностью и блестящим остроумием (он писал комедии) — качествами, которые просвечивают в его скульптурах.Он также был настоящим провидцем в техническом отношении, умевшим вырезать мрамор так, чтобы он казался движущимся или обладал нежностью тончайшего кружева. В своих лучших проявлениях он сочетает скульптуру, архитектуру и живопись в экстравагантном театральном ансамбле, особенно в своих фонтанах, где игра воды и света над его огромными человеческими фигурами и животными создает видение, буквально не от мира сего. .

4. Огюст Роден (1840-1917)

«Мыслитель» Родена, оригинал бронзового литья в Музее Родена в Париже (Изображение предоставлено: a.Muse.d [Flickr])

Врата ада Родена в музее Родена в Филадельфии, штат Пенсильвания

Ходячий человек Родена (Фото предоставлено Дэвидом Монниа [wiki])

Роден [wiki] — великолепный , триумфальный финал скульптурной традиции, которая начинается с Донателло. О нем справедливо говорят на одном дыхании с Микеланджело, хотя они очень разные: Микеланджело вырезан из мрамора, а Роден вылеплен из глины. Застенчивый трудоголик, неопрятный и физически огромный, Роден возник из бедных семей.Он стал международной знаменитостью и был очень привлекательным для умных женщин. Роден также был хорошо известен тем, что любил текучесть глины и гипса, и смог сохранить это качество даже тогда, когда его работа была отлита из бронзы, тем самым волшебным образом высвободив в своих фигурах необычайный диапазон человеческих чувств и ощущение неизвестных сил природы. природа.

5. Константин Бранкузи (1876 — 1957)

Поцелуй Бранкузи

Бесконечная колонна Бранкузи

Бранкузи [вики] — одна из выдающихся фигур искусства 20-го века, оказавшая огромное влияние на скульптуру и дизайн.Он родился в румынской крестьянской семье, поселился в Париже в 1904 году, став учеником Родена. Удивительно, но Бранкузи оставался равнодушным к чести и славе. В основе его творчества — неутомимая изысканность и поиск чистоты. Никогда не абстрактно, его работы всегда ссылаются на что-то узнаваемое в природе. Бранкузи верил в принцип «Истина в материалах» и всегда подчеркивал качество каждого материала, который он использовал. Чистота и простота его формы затрагивают нечто очень важное в человеческой психике, точно так же, как, например, звук морских волн.

Скульптура эпохи Возрождения | Основные гуманитарные науки

Введение

Сводная таблица

Резюме скульптуры эпохи Возрождения
Раннее Возрождение ок. 1400-1500	Высокое Возрождение ок. 1500-25	Позднее Возрождение ок. 1525-1600
Гиберти, Донателло	Микеланджело	Джамболонья

Общие характеристики

Искусство Возрождения отличается от средневекового искусства прежде всего физическим реализмом и классической композицией (см. Западная эстетика).

Раннее Возрождение было периодом становления искусства Возрождения; Другими словами, именно художники раннего Возрождения первыми и разработали физический реализм и классическую композицию. Кульминацией этих усилий стала модель High Renaissance , во время которой была достигнута вершина классического баланса, гармонии и сдержанности. В течение года позднего ренессанса этот суровый классицизм был смягчен, допуская некоторую сложность и динамизм (тем самым предвещая подъем искусства барокко).

Отличительным подтекстом в искусстве позднего Возрождения был маньеризм: сознательное стремление к новизне и сложности. В скульптуре маньеризм привел к таким качествам, как , искаженная анатомия, (например, удлиненные конечности) и сложные позы, . Некоторые художники позднего Возрождения работали в полном стиле маньеризма, в то время как другие просто находились под влиянием этого движения (в той или иной степени).

Основная статья

Раннее Возрождение

ок. 1400-1500

Живопись и архитектура эпохи Возрождения были основаны Мазаччо и Брунеллески соответственно.Основоположником скульптуры эпохи Возрождения был Гиберти, шедевром которого являются Врата рая, пара бронзовых дверей для баптистерия Флоренции . Основные панели этих дверей состоят из 10 библейских сцен , выполненных с впечатляющим реализмом, включая глубокую перспективу.

Один из помощников Гиберти, Донателло, стал величайшим скульптором раннего Возрождения. Именно Донателло, наконец, возродил классических статуй (начиная с Святого Марка), в том числе конных статуй (из них Гаттамелата , первая конная статуя со времен античности).G299, H683-89,1 Среди других его основных работ — Святой Георгий и Давид.

Высокое Возрождение

ок. 1500-1525

Бесспорным мастером скульптуры Высокого Возрождения является Микеланджело, который разделил свою карьеру между Флоренцией (его родным городом) и Римом. Пьета — жемчужина его ранних работ, а его шедевр, Давид, часто считается величайшей скульптурой всех времен. Возможно, его самое последнее произведение — Моисей.

Хотя карьера Микеланджело простиралась до позднего Возрождения, большая часть его скульптур относится к эпохе Высокого Возрождения; его последние годы были посвящены живописи и архитектуре.

Позднее Возрождение

ок. 1525-1600

Самым выдающимся скульптором-маньеристом был фламандский итальянец Джамболонья. Как отмечалось ранее, типичные черты маньеристической скульптуры включают сложных поз и удлиненную анатомию . Первое качество проявляется в групповых скульптурах жестокости Похищение сабинян и Геракл и Несс , а также в нескольких более мягких статуях Меркурия .Скульптуры Меркурия также демонстрируют удлиненные конечности, как и женская статуя L’Architettura .

1 — «Донателло», Encarta 2004.
2 — «Маньеризм», Британская энциклопедия. По состоянию на август 2010 г.

западная скульптура | История, художники и факты

Западная скульптура , трехмерные художественные формы, созданные на территории современной Европы, а затем и в неевропейских регионах, где преобладала европейская культура (например, Северная Америка) от эпохи металла до наших дней.

Эдмония Льюис: Агарь
Агарь , мраморная скульптура Эдмонии Льюис, 1875 г .; в Смитсоновском музее американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия
Смитсоновский музей американского искусства, Вашингтон, округ Колумбия / Art Resource, Нью-Йорк
Как и живопись, западная скульптура имела тенденцию быть гуманистической и натуралистической, концентрируясь на человеческой фигуре и изученных человеческих действиях от природы. В начале истории искусства сложились два основных типа: скульптурные, в которых фигуры изображены по кругу, и рельефные, в которых фигуры выступают из земли.
Западная скульптура в античном мире Греции и Рима и от позднего средневековья до конца XIX века дважды претерпевала поступательное развитие — от архаической стилизации к реализму; термин «прогрессивный» здесь означает, что стилистическая последовательность определялась тем, что было ранее известно о представлении человеческой фигуры, каждый шаг зависел от предыдущего, а не эстетическим прогрессом или улучшением. Современная критика иногда заявляет, что многое было потеряно в результате перемен.В любом случае скульпторы Запада внимательно наблюдали за человеческим телом в действии, сначала пытаясь найти его идеальный вид и пропорции, а затем стремясь к драматическим эффектам, героическим и трагическим; еще позже они отдавали предпочтение менее значимым чувствам или, по крайней мере, более знакомым и приземленным предметам.
Доэллинский, раннехристианский, византийский и раннесредневековый периоды противоречили гуманистско-натуралистическому уклону Греции, Рима и эпохи Возрождения; в ХХ веке это противоречие было еще более резким.В 20-м веке произошел переход от гуманистического натурализма к экспериментам с новыми материалами и методами, а также с новыми и сложными образами. С появлением абстрактного искусства понятие фигуры стало охватывать широкий диапазон небуквального представления; понятие скульптуры было заменено более открытой категорией отдельно стоящей скульптуры; и, кроме того, появились новые типы, в том числе кинетическая скульптура, в которой фактическое движение частей или всей скульптуры считается элементом дизайна, и скульптура окружающей среды, в которой художник либо изменяет данную среду, как если бы она была своего рода средний или обеспечивает в самой скульптуре среду, в которую может войти зритель.
Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас
Европейские культуры эпохи металла
Эгейское и Восточное Средиземноморье
Эгейская цивилизация — это общий термин для доисторических культур бронзового века в районе Эгейского моря, охватывающий период от ок. 3000 г. до н.э. до с. 1100 г. до н. Э., Когда железо стало повсеместно использоваться в этой местности. С древнейших времен эти культуры делятся на три основные группы: (1) минойская культура (после легендарного царя Миноса) Крита, (2) кикладская культура островов Киклады и (3) элладская культура материковой Греции ( Эллада).Для удобства каждая из трех культур разделена на три фазы: раннюю, среднюю и позднюю, в соответствии с фазами бронзового века. Культура Кипра в восточном Средиземноморье, хотя и возникла несколько позже, чем в Эгейском море, стала параллельна им к среднему бронзовому веку. Фаза позднего бронзового века на материке обычно называется микенской в честь Микен, главного памятника позднего бронзового века в материковой Греции.
Первым центром сложной цивилизации в районе Эгейского моря с большими городами и дворцами, изысканным искусством, обширной торговлей, письменностью и использованием камней печати был Крит.Здесь с конца 3-го тысячелетия до нашей эры возникла очень самобытная цивилизация, во многом благодаря более древним цивилизациям Египта и Ближнего Востока, но оригинальная по своему характеру.
Критская (минойская) цивилизация начала распространяться к концу раннего бронзового века через Эгейское море на острова и материковую часть Греции. В эпоху поздней бронзы, с середины XVI века и далее, цивилизация, более или менее однородная на первый взгляд, но с местными расхождениями, встречается по всему Эгейскому региону.Со временем люди, несущие эту цивилизацию, распространили колонии на восток до Кипра и в других местах на южном и западном побережьях Малой Азии до Сирии, а также на запад до Тарента на юге Италии и даже, возможно, до Сицилии. Во второй половине этого периода, примерно после 1400 г. до н. Э., Центр политической и экономической власти, если не художественных достижений, по-видимому, переместился из Кносса на Крите в Микены на материковой части Греции.
Редакторы Британской энциклопедии
Учебные материалы итальянского Возрождения — Национальная художественная галерея
Хотя Микеланджело был известен тем, что выполнял большую часть кропотливой работы по резьбе по мрамору, скульптура, как и живопись, чаще всего была совместной работой, будь то из бронзы, дерева, терракоты или камня.Каменная скульптура (а Италия богата мрамором) представляла уникальные проблемы, начиная с затрат и логистических трудностей, связанных с транспортировкой тяжелых материалов. Для создания оснастки, необходимой для размещения больших блоков, требовались значительные инженерные навыки, а скульпторам приходилось понимать способность материала выдерживать собственный вес в космосе. Учитывая необходимые навыки, неудивительно, что многие скульпторы также работали архитекторами.
Помощники обычно обтачивали блок для вырезания по рисункам, сделанным мастером, или рисунку, который он набросал непосредственно на камне, или путем переноса точек с небольшой модели, которую мастер сделал из воска или глины.В течение первой половины пятнадцатого века скульпторы из мрамора и бронзы все больше полагались на трехмерные модели, называемые bozzetti, и менее, только на рисунки. Работа с трехмерной формой с самого начала побуждала скульпторов планировать свои работы с разных точек зрения и создавать более динамичные и сложные позы. Bozzetti были особенно полезны при объяснении запланированной работы покровителю. Некоторые художники тоже использовали модели. Леонардо, например, задрапировал их тканью, чтобы изучить распад складок — практику, которую он, кажется, перенял у своего учителя Верроккьо, который сам был прежде всего скульптором.
Скульптурные образцы Микеланджело
Микеланджело
Рисунки лежащей статуи, ок. 1525
Перо и чернила, 13,7 x 20,9 см (5 3/8 x 8 1/4 дюйма)
Британский музей, Лондон
© Попечители Британского музея
Микеланджело обработал свои скульптурные эскизы по быстрым наброскам и более подробным изображениям, а также создал бозцетти . Этот эскиз с размерами, вероятно, предназначался для карьера. Он показывает ранний этап планирования возлежащего речного бога, одного из двух, которые должны были быть частью гробницы, созданной Микеланджело для Лоренцо де Медичи.Также существует глиняная модель речного бога (Академия, Флоренция), но мрамор так и не был выполнен.
Giambologna
Эскиз модели речного бога, ок. 1580
Терракота, 31 x 39,4 x 25 см (22 1/5 x 15 1/2 x 9 4/5 дюйма)
Музей Виктории и Альберта, Лондон
Этот bozzetto, также для речного бога, был сделан Giambologna , который родился более чем через пятьдесят лет после Микеланджело. Джамболонья сделал больше бозцетти , чем любой другой скульптор его времени для работ из мрамора и бронзы.Сохранившиеся модели скульпторов предполагают, что bozzetti — как и рисунки — начали цениться сами по себе как часть большего интереса к художнику и его творческому процессу.
Бронзовые статуи были наиболее ценимыми произведениями искусства в древнем мире, но отдельно стоящие бронзовые скульптуры не производились широко в течение многих столетий. Бронза как материал для искусства пережила свое собственное «возрождение» в пятнадцатом веке, причем не только для крупных скульптур и статуэток, но и для рельефных плакеток и медалей.Скульпторы, работающие с бронзой — дорогим и технически сложным материалом — часто оставляли отливку профессионалам, таким как изготовители колоколов или пушек. В работе над бронзовыми дверями баптистерия Флоренции между 1407 и 1424 годами помогали Гиберти не менее двадцати пяти человек. Бронза требовала не только высоких температур и тщательного контроля процесса литья, но и понимания того, что технически возможно при проектировании и производстве.
Для отделки скульптуры, независимо от материала, часто требуются другие навыки и другие руки.Поверхности из мрамора подвергались полировке разной степени, чтобы удалить (или нет) следы, оставленные инструментами для резьбы. Патинирование бронзы производилось химическими процессами, в результате которых цвет поверхности достигался от зеленого до блестящего коричневого и черного, что в противном случае достигалось только со временем, когда металл окислялся. Художники обычно расписывали скульптуры из дерева и терракоты , , а иногда и мрамор; они могут даже позолочить неокрашенные мраморные фигуры, чтобы выделить детали. Эти процессы, опять же, обычно выполнялись специалистами.
Святой Иоанн Креститель
Бенедетто да Майано
Святой Иоанн Креститель , ок. 1480
Окрашенная терракота, 48,9 x 52 x 26 см (19 1/4 x 20 1/2 x 10 1/4 дюйма)
Национальная галерея искусств, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Эндрю У. Меллона
Изображение предоставлено Попечительский совет Национальной художественной галереи
Бенедетто да Майано работал в основном с мрамором, но также делал скульптуры из терракоты в качестве моделей и готовых работ, подобных этой.
Ручной труд — пот и грязь, — связанный с созданием скульптуры, был одним из аргументов, выдвинутых против него в парагоне , дебатах об относительных достоинствах живописи и скульптуры, которые стали популярным образом писателей и теоретиков эпохи Возрождения (и позже). , и художники (см. Конкуренция за Статус 2).
10 самых известных скульпторов и их величайшие шедевры
Скульптура — это трехмерное искусство , которое было первоначально создано резьбой и моделированием материалов, таких как камень, металл, керамика и дерево .Однако с момента возникновения Модернизма в конце 19 века художники использовали самые разные процессы и материалы для создания скульптур. Самый ранний скульптор в нашем списке — Донателло , который родился в 14 веке. Он и Микеланджело — два самых известных скульптора Возрождения , периода с конца 14-го до 17-го века , в котором художники пытались возродить и подражать древнему греко-римскому искусству .За Ренессансом последовал период барокко , чьей выдающейся фигурой, несомненно, был Джан Лоренцо Бернини . XIX век стал свидетелем подъема модернистского движения в искусстве, которое было отмечено сознательным отходом от традиций и использованием новаторских форм выражения . Ведущие скульпторы модернистского движения включают Огюста Родена, Константина Бранкузи, Альберто Джакометти и Генри Мура . Последним скульптором в нашем списке является Фернандо Ботеро , который входит в число самых влиятельных ныне живущих художников в мире.Вот 10 самых известных скульпторов и их величайшие шедевры.
# 10 Фернандо Ботеро
Фернандо Ботеро
Родился : 19 апреля 1932 г.
Гражданство: колумбиец
Отец Фернандо Ботеро умер, когда ему было четыре года, и он вырос под покровительством своего дяди. В юности посещал школу матадоров на человек. Когда ему было 14 лет, Ботеро принес шесть своих картин с быками в магазин продавца и попросил продавца продать их.Когда одна из его картин нашла покупателя, Ботеро понял, что может зарабатывать на жизнь как художник. Вскоре он бросил корриду и сосредоточился на живописи. Его картины были впервые выставлены в , 16 лет , и со временем он стал одним из самых успешных и богатых современных художников . В 1960-х Ботеро разработал свой товарный знак стиля из , изображающий людей и фигуры в большом, преувеличенном объеме . Его стиль очень отчетливый, неповторимый и сразу бросается в глаза наблюдателю.Хотя скульптуры являются лишь частью всего творчества Ботеро, скульптуры, пожалуй, являются его наиболее значительными работами и первыми принесли ему международную известность. Фернандо Ботеро самый влиятельный латиноамериканский художник в мире и , возможно, самый известный из ныне живущих скульпторов .
Шедевр: Троянский конь (19 92 )
Троянский конь (1992) — Фернандо Ботеро
Другие известные скульптуры: —
Равальский кот (1987)
Женщина, курящая сигарету (1987)
# 9 Константин Брынкуши
Константин Бранкузи
Продолжительность жизни: 19 февраля 1876 г. — 16 марта 1957 г.
Национальность: Румын
Бранкузи родился в семье бедных крестьян и рано проявил талант к резьбе по дереву.Промышленник помог ему поступить в Крайовскую школу искусств и ремесел , а затем он поступил в Бухарестскую школу изящных искусств . В 1903 году Бранкузи отправился в Paris , и именно здесь он сделал свою артистическую карьеру. Он работал в мастерской Огюста Родена , но оставил ее через два месяца, сказав: «Ничто не может расти под большими деревьями» . Покинув мастерскую Родена, он начал развивать революционный стиль, которым он известен.Бранкузи стремился изобразить в своей скульптуре «не внешнюю форму, а идею, суть вещей» . Хотя многие считают его искусство абстрактным, он настаивал на том, что оно было репрезентативным и раскрыло фундаментальную, часто скрытую, реальность . Константин Бранкузи считается пионером модернизма , влиятельным движением, отмеченным сознательным отходом от традиций . Он был одним из самых влиятельных скульпторов 20-го века и назван патриархом современной скульптуры.
Шедевр: Птица в космосе (19 23 )
Птица в космосе (1923) — Константин Бранкузи
Другие известные скульптуры: —
Поцелуй (1908)
Бесконечная колонна (1938)
# 8 Александр Колдер
Александр Колдер
Продолжительность жизни: 22 июля 1898 г. — 11 ноября 1976 г.
Национальность: Американец
Один из самых влиятельных скульпторов 20-го века и, возможно, самый известный скульптор-абстрактный , Александр Колдер известен своим изобретением мобильного , абстрактной скульптуры, которая движется в ответ на прикосновение или потоки воздуха , принимая Преимущество принципа равновесия.Помимо мобильных телефонов, Колдер создал статические скульптуры под названием stabiles , проволочные скульптуры, игрушки, театральные декорации, картины маслом и гуашью и даже украшения и многочисленные предметы домашнего обихода. Колдер также создал монументальные скульптуры, в том числе .125 для аэропорта JFK в Нью-Йорке в 1957 году, Spirale для ЮНЕСКО в Париже в следующем году и свою самую большую скульптуру El Sol Rojo в 1968 году за пределами стадиона Aztec Stadium. для летних Олимпийских игр в Нью-Мексико .Через два месяца после его смерти в ноября 1976 года , Александр Колдер был награжден Президентской медалью свободы , высшей гражданской наградой США .
Шедевр: Цирк Кальдера (1926–1931)
Цирк Кальдера (1931 г.) — Александр Колдер
Другие известные скульптуры: —
Фламинго (1974)
Ловушка для омаров и рыбий хвост (1939)
# 7 Пабло Пикассо
Пабло Пикассо
Продолжительность жизни: 25 октября 1881 г. — 8 апреля 1973 г.
Национальность: Испанский
Пабло Пикассо считается самым влиятельным художником 20-го века .Среди прочего, он был одним из пионеров художественного движения Кубизм, , в котором художники изобразили предмет с множества точек зрения, чтобы придать ему более широкий контекст. В отличие от живописи, которой он формально обучался, скульптура занимала для Пикассо экспериментальный статус . Он подошел к среде со свободой художника-самоучки, готового нарушить все правила. Первая скульптура Пикассо датируется 1901 . В период с с 1910 по 1914 год он создал кубистских скульптур и не создавал никаких работ в этой среде более десяти лет.В конце 1920-х он экспериментировал с конструкциями из проволоки , а затем перенес эти сюрреалистических композиций в скульптуру. В последующие десятилетия Пикассо использовал отходы и мусор для создания скульптур, которые затем отлил из бронзы. На последнем этапе своей карьеры он создавал цветные скульптуры из листового металла. Пабло Пикассо, которого многие считают величайшим художником всех времен, также является известным скульптором , чьи работы в средах до сих пор широко известны .
Шедевр: Чикаго Пикассо (196 7 )
Чикаго Пикассо (1967) — Пабло Пикассо
Другие известные скульптуры: —
Гитара (1914)
Голова женщины (1934)
# 6 Генри Мур
Генри Мур
Продолжительность жизни: 30 июля 1898 г. — 31 августа 1986 г.
Национальность: Английский
Модернизм — это направление в искусстве, характеризующееся сознательным отходом от традиций и использованием новаторских форм выражения .Генри Мур, вместе со своим профессиональным соперником Барбарой Хепуорт , был пионером в области современной скульптуры , и он считается среди величайших скульпторов 20-го века. Во время учебы в Leeds School of Art Мур и Хепворт подружились и развили дружеское профессиональное соперничество, которое продлилось долгие годы. Влияние, которое они оказывали на работы друг друга, было не только важным для развития их карьеры, но и способствовало подъему модернизма на британской арт-сцене.Генри Мур наиболее известен своими полуабстрактными монументальными бронзовыми скульптурами , которые расположены по всему миру как общественные произведения искусства. Его формы обычно являются абстракциями человеческой фигуры; и обычно пробиты или содержат пустоты . Генри Мур был всемирной знаменитостью к 1940-м годам и оказал прямое влияние на несколько поколений скульпторов .
Masterpiece: Лежащие фигуры (1930–1980-е годы)
Большая лежащая фигура (1984) — Генри Мур
Другие известные скульптуры: —
Король и королева (1957)
Корзина для птиц (1939)
# 5 Альберто Джакометти
Альберто Джакометти
Продолжительность жизни: 10 октября 1901 — 11 января 1966
Национальность: Швейцарский
Замечательную творческую карьеру Альберто Джакометти можно разделить на фазы.Его работы 1930-х годов представляют собой, вероятно, самый важный вклад в скульптуру сюрреализма . Сюрреализм — это движение, которое отвергло рационализм и сосредоточило внимание на направлении бессознательного разума для раскрытия силы воображения . Наиболее яркие сюрреалистические работы Джакометти напоминают игр, игрушек и архитектурных моделей , которые побуждают зрителя физически взаимодействовать с ними . В конце 1930-х годов Джакометти отказался от сюрреализма, чтобы представить человеческую фигуру в убедительной иллюзии реального пространства.Однако именно после Второй мировой войны он создал свои самые известные скульптуры. Эти чрезвычайно высоких и тонких фигурок мощно передают тон меланхолии, отчуждения и одиночества , выраженный в таких философиях, как экзистенциализм . Альберто Джакометти был очень влиятельным художником, который, возможно, является самым важным скульптором 20-го века .
Шедевр: Ходячий человек I (1961)
Шагающий человек I (1961) — Альберто Джакометти
Другие известные скульптуры: —
Указывающий (1947)
Женщина с перерезанным горлом (1932)
# 4 Донателло
Донателло
Срок службы: 1386 — 13 декабря 1466
Национальность: Итальянский
Датируемый 14-17 веками , Возрождение было периодом в истории Европы, который был отмечен возобновлением интереса к древней греко-римской культуре .Донателло, вместе со своим другом, известным архитектором Филиппо Брунеллески , совершил поездку в Рим и изучил древнеримские руины , что до того момента не предпринималось с такими подробностями. Донателло и Брунеллески продолжали оказывать большое и глубокое влияние на искусство и архитектуру эпохи Возрождения . Донателло дал другое направление западной скульптуре, отойдя от преобладающего готического стиля , который был отмечен мягко изогнутыми линиями и невыразительным лицом , к классическому стилю с драматическими выражениями и детализированного реализма .Он также был пионером нескольких художественных приемов, которые оказали глубокое и огромное влияние на последующие поколения художников эпохи Возрождения. Донателло был ведущим скульптором раннего Возрождения и создал одни из самых известных скульптур в мире, включая бронзовый Давид и конную статую Гаттамелаты .
Masterpiece: Бронзовый Давид (1 440s )
Бронзовый Давид (1440-е годы) — Донателло
Другие известные скульптуры: —
Конная статуя Гаттамелаты (1453)
Кающаяся Магдалина (1455)
# 3 Джан Лоренцо Бернини
Джан Лоренцо Бернини
Продолжительность жизни: 7 декабря 1598 — 28 ноября 1680
Национальность: Итальянский
Baroque был очень богато украшенным и часто экстравагантным стилем архитектуры, искусства и музыки, который процветал в Европе с начала 17-го до конца 18-го века .Скульптура в стиле барокко пыталась запечатлеть динамическое движение человеческих фигур, должна была рассматриваться со всех сторон и располагалась по центру, а не у стены. Джан Лоренцо Бернини приписывают создание стиля барокко скульптуры , и он развил его до такой степени, что другие художники имеют лишь второстепенное значение в обсуждении этого стиля. Бернини был определением детского гения . Его «признали вундеркиндом, когда ему было всего восемь лет» , и вскоре он заслужил восхищение и расположение влиятельных покровителей, которые провозгласили его «Микеланджело своего века» .У него была долгая и выдающаяся карьера, создавая одни из самых известных скульптур из когда-либо созданных. Бернини был ведущим и самым известным скульптором своего возраста . По словам одного ученого: «То, что Шекспир значит для драмы, Бернини может быть для скульптуры».
Шедевр: Экстаз Святой Терезы (1 652 )
Экстаз Святой Терезы (1652) — Джан Лоренцо Бернини
Другие известные скульптуры: —
Давид (1624)
Аполлон и Дафна (1625)
# 2 Огюст Роден
Огюст Роден
Продолжительность жизни: 12 ноября 1840-17 ноября 1917
Национальность: Французский
Огюст Роден отвернулся от греческого идеализма и декоративной красоты; таким образом отходит от многовековых традиций в области скульптуры .Вместо этого он смоделировал человеческое тело с реализмом и внушил эмоции благодаря своему мастерству во взаимодействии света и тени; и через детализированные текстурированные поверхности. Некоторые из его скульптур были настолько реалистичными, что его обвинили в замене , то есть , сделав слепок с живой модели . Из-за его отхода от преобладающих традиций скульптуры многие из самых известных скульптур Родена подвергались критике при его жизни. Однако он отказался менять свой стиль, и со временем его сравнивали с Микеланджело и считали величайшим художником эпохи .Огюст Роден был выдающейся фигурой в области скульптуры , оказавшей глубокое и глубокое влияние на будущее поколение художников. Его широко считают отцом современной скульптуры , а его работы Мыслитель — это одна из самых известных скульптур, когда-либо созданных созданных .

РубрикаРазное