Работы эпохи возрождения: Картины эпохи Возрождения, ТОП-30 знаменитых картин
Картины эпохи Возрождения, ТОП-30 знаменитых картин
В Италии с XIV века началась эпоха Ренессанса, вслед за духовным Возрождением, начавшимся от Мартина Лютера, лидера протестантизма в Германии. Дух протеста против всеобщего порабощения религиозной верхушкой всех сфер жизни вскоре коснулся и искусства. В то время и были написаны многие знаменитые картины эпохи Возрождения.
Новый уровень внутреннего раскрепощения отразился на манере живописцев, появились новые способы изображения обнаженной натуры, игры светотени, подачи объема и перспективы. Итальянский Ренессанс оставил богатейшее наследие в виде живописных и скульптурных шедевров. На этих примерах можно судить о новаторских подходах в изображении лиц, фигур и сюжетных композиций.
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи
Самой известной картиной эпохи Возрождения считается «Джоконда» да Винчи, которую еще называют «Мона Лиза» (1503). Знаменитое полотно выставлено в Лувре, но в 1911 году его похитили.
Многие спорят о красоте безбровой девушки Лизы дель Джокондо с полуулыбкой. Тонкую линию бровей не смогли восстановить реставраторы 18-го века. Леонардо поспорил с учеником, что изобразит взгляд, который будет следить за каждым, стоящим в любой точке зала, и выиграл пари. Сегодня принято делать пародии и фотошопить один из лучших портретов эпохи Возрождения. Самая актуальная тема – всемирная пандемия.
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи
Этот шедевр нужно отнести не к картинам эпохи Возрождения, а к монументальным изображениям в виде фрески. Толпы туристов спешат в Доминиканский монастырь Санта-Мария-делле-Грацие в Милане, чтобы увидеть легендарный библейский сюжет накануне предательства Христа (1497) кисти великого Леонардо.
Существует поверье, что любое желание сбудется, если увидеть эту сцену в Пасхальную неделю в этом месте. Фреска осталась нетронутой при бомбежке во времена Второй мировой войны (другие стены трапезной были разрушены).
«Дама с горностаем» Леонардо да Винчи
Среди наиболее известных картин эпохи Возрождения самой спорной считается «Дама с горностаем» (1490). Некоторые утверждают, это не горностай, а фуро. Да и портрет писал не Леонардо да Винчи, а один из талантливых последователей, хотя манера очень сходная.
Скорее всего, правду никто не узнает. Но этим полотном очень гордится Краковская национальная галерея живописи.
«Мадонна в скалах» Леонардо да Винчи
Существует две версии одной из самых загадочных картин эпохи Возрождения. Одна «Мадонна в скалах» (1508) экспонируется в Национальной галерее Лондона, другая – алтарный образ Братства Непорочного Зачатия доминиканцев в Милане (1483 – заказ).
Авторство документально подтверждено экспертами, но из-за репродукции у Леонардо были трудности из-за судебного разбирательства с заказчиком. Но, согласитесь, «Мадонна в гроте с Ангелами» (другое название) здесь действительно девственно прекрасна!
«Сикстинская Мадонна» Рафаэль Санти
В Дрезденской галерее хранится шедевр, который затмевает другие знаменитые картины эпохи Возрождения.
Написано по заказу Папы Римского Юлия II, как алтарный образ монастыря Св.Сикста II в Пьяченце. Здесь всё прекрасно – Мать Иисуса Мария с младенцем на руках, Облако Свидетелей на заднем плане, Святые Сикст и Варвара (покровители церкви), а также тщательная прорисовка драпировок и облаков.
«Афинская школа» Рафаэль Санти
Никто из знаменитых художников на картинах эпохи Возрождения не смог освоить изображение перспективы, как делал Рафаэль. Его фреска в «Зале указов» Апостольского дворца в Ватикане визуально расширяет пространство (1511).
Одна из работ для комнат (стансов) дворца, которые олицетворяют 4 сферы духовного развития – мудрость, философию, поэзию и теологию.
«Донна Велата» Рафаэль Санти
«Женщина под покрывалом» или «Донна Велата» Рафаэля (1516) – одно из лучших примеров портретной живописи великих художников Возрождения.
На полотне – Форнарина, возлюбленная Рафаэля. Восхитительное изображение слегка повернутой головы, тонких пальцев, складок одежды и покрывала головы. Несомненно, это вариация темы изображения мадонны.
«Преображение» Рафаэль Санти
Пинакотека Ватикана – одно из самых богатых собраний знаменитых картин эпохи Возрождения. «Преображение» Рафаэля (1520) – одно из изображений, наиболее почитаемых в христианском мире (Зал VIII).
Иисус на горе преобразился перед своими ближайшими учениками, Иаковом, Иоанном и Петром. Народ внизу не понимает происходящего. Иисуса посетили ветхозаветние пророки – Моисей и Илия.
«Весна» Сандро Боттичелли
Все картины эпохи Возрождения отличаются особой манерой письма. Шедевры многих художников трудно спутать, благодаря особой технике живописи. Некоторые мастера долго развивали свой дар, совершенствуя мастерство, чтобы достичь такого уровня.
Ранние работы многих художников не вошли в мировую сокровищницу.
Зато изображения зрелого периода безупречны, как эта «Весна» (1482, дворец Медичи во Флоренции), с ее мастерски прорисованными фигурами в полупрозрачных платьях.
«Рождение Венеры» Боттичелли
В галерее Уффици, во Флоренции, выставлена одна из самых знаменитых картин эпохи Возрождения – «Рождение Венеры» (1486). Сандро Боттичелли относится к плеяде самых ярких представителей Тосканской школы живописи, с их узнаваемой манерой и пристрастием к мифическим сюжетам.
Это образец женской красоты, согласно идеалам того времени. Живописцу позировала Симонетта Веспуччи из Лигурии.
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
«Сотворение Адама» Микеланджело
В числе самых знаменитых картин и фресок эпохи Возрождения обычно вспоминают «Сотворение Адама» Микеланджело (1511). О, эти руки! Над ними художник работал дольше всего. Заметно активное начало Бога-Отца и пассивное – Адама (вялый жест с загнутым пальцем).
Эта фреска находится в Сикстинской капелле Ватикана, куда ежедневно устремляются толпы туристов.
Символ человечества, падшего после грехопадения, и Бога, желающего достичь погибающих душ.
«Страшный суд» Микеланджело
Картины эпохи Возрождения, преимущественно, на религиозную тематику, как этот «Страшный суд» (1541, Ватикан).
Чаще всего к знаменитым мастерам обращались очень обеспеченные заказчики – богатые вельможи, епископы, приближенные к Папе Римскому. Вероятно, их беспокоило грядущее возмездие, но они уповали на откуп по индульгенциям.
«Преображение (обращение) Святого Павла» Караваджо
Караваджо, несомненно, один из реформаторов, писавший непревзойденные шедевры. «Преображение Святого Павла» кисти Караваджо (1610, вторая версия) – известная тема из «Книги Деяний Святых Апостолов» (Библия).
Савл, имевший право преследования обращенных иудеев в эллинов, ставших Христианами, был повержен с коня и временно ослеплен Иисусом. Божий Сын устыдил его за неумеренную фарисейскую ревность, призвал служить и дал новое имя – Апостол Павел.
«Святой Иероним в раздумьях» Караваджо
Одна из картин с философским подтекстом о смысле бытия – «Святой Иероним в раздумьях» кисти великого Караваджо (1608). Художник проработал над шедевром около 7 лет, но считал его незавершенным.
Бесспорно, летописец с черепом – одна из лучших картин великих художников эпохи Возрождения. Она хранится в Соборе Святого Иоанна на Мальте, Валетта.
«Призвание Апостола Матфея» Караваджо
Удивительный луч света, проникшего в цокольный этаж, никто не смог так изобразить, как сделал Микеланджело Меризи да Караваджо. Другие мастера живописи пытались повторить тот же эффект, но на картинах художников Позднего Возрождения это выглядело лишь как слабое подражание, а этот заказ – подлинное украшение базилики Сан-Луиджи-деи-Франчези в Риме.
Очередной Библейский сюжет, где мытарь Левий, Старик и охранники «стяжателя налогов» в пользу Римской империи встретили Свет Истины. Христос призывает сборщика податей следовать за Ним (его будут знать как Апостола Матфея).
Указующий жест копирует кисть руки Господа и Отца из «Сотворения Адама» Микеланджело.
«Взятие Христа под стражу» («Поцелуй Иуды») Караваджо
Развитие темы близкой дружбы и предательства можно увидеть на картинах эпохи Возрождения, но Караваджо превзошел мастеров прошлого.
Известный сюжет предательства Христа Иудой за 30 серебряных монет. Холст хранится в Национальной галерее Ирландии (Дублин).
«Успение Богородицы» Тициан
Любая картина Тициана эпохи Возрождения – подлинный шедевр. Это изображение – пик его творчества и первый крупный заказ в Венеции. Историки утверждают, что вельможа Карла V, видя недовольство францисканцев, оплатил работу, чтобы оставить яркие краски Тицина (состав неизвестен) в начальной версии.
Апостолы, замершие в разных позах, Ангелы, возносящие Мать Христа в красно-синей одежде, сверху наблюдает Господь Саваоф – краткое описание происходящего. Оно было написано для Санта-Мария-Глориоза-деи-Фрари, знаменитой церкви в Венеции (Италия).
Ты можешь выбрать картину любой тематики в галерее или заказать свою
«Тарквиний и Лукреция» Тициана и Рубенса – сравним
«Тарквиний и Лукреция» – популярный сюжет из истории Древнего Рима. Его можно встретить на картинах художников эпохи Возрождения. Сын римского царя намерен сдернуть покрывало с Лукреции, за ними наблюдают Амур и старая Фурия со змеей. У Тициана превосходно отражены эмоции и подобраны цвета, хотя полотно выглядит «недописанным» (музей Кембриджа, Великобритания).
Тот же сюжет с обнаженной натурой у Рубенса, который любил писать пышные бледные тела. В те времена полнота считалась признаком обеспеченной и вольготной жизни, отпечаток высокородного происхождения. Здесь меньше эмоций, но больше света (Эрмитаж).
«Венера Урбинская» Тициан
На картинах художников Возрождения редко можно видеть обнаженную натуру, расслабленно лежащую на ложе. Обычно художникам позволялось обнажать тела, если это оправдано сюжетом. Такое изображение считалось недопустимым, «скандальным» (1538, Галерея Уффици, Флоренция).
Это был заказ герцога Урбинского Гвидобальдо II делла Ровере. Его невеста-девственница Джулия Варано не имела права обнажаться до свадьбы. Позировала другая натурщица – одна из возлюбленных Тицина. Покои заказчика изображены со всей точностью, включая госпожу и служанку, подбирающую одежду в сундуках.
«Портрет молодой женщины перед зеркалом» Тициан
В музейной коллекции Лувра (Париж) представлено немало известных картин эпохи Возрождения, есть и полотна Тициана.
До сих пор не разгадан секретный состав его ярких красок, но именно они стали подтверждением авторства всех его оригиналов.
«Вознесение Девы Марии» Рубенс
Существует легенда, что не только Христос вознесся на Небо на виду у учеников, но и Мать Иисуса. Католики утверждают, что Мария была принята Ангелами на Небеса по факту телесной смерти.
Популярную в католицизме тему Рубенс обыграл по-своему. Хор Ангелов восхищает ее спиралевидным вихрем света. Двенадцать Апостолов находятся в благоговейном трепете.
Одна из женщин держит цветок, которыми должна украсить гроб, но смертное ложе было пустым.
«Союз Земли и Воды» Рубенс
Узнаваемая манера Рубенса – воспеты обнаженные тела, взращиваемые в остатке, сытости и неге. Находящееся в Эрмитаже полотно «Союз Земли и Воды» (1618) символизирует эти стихии.
Взаимное притяжение женского и мужского начала – аллегорическая композиция. Немного развернутая фигура – влияние схематических изображений Древнего Египта. На картинах художников Возрождения этот поворот туловища отражен более натурально и привлекательно. Олицетворение плодородия – рог изобилия.
«Поклонение пастухов» Рубенс
Восхитительный шедевр, написанный 2-3 красками, изображающими «дивный Свет в ночи», исходящий от Сына Божьего, положенного в пелены в яслях (1608, Эрмитаж, Санкт-Петербург).
Здесь нечего сказать даже противникам Рубенса, которые не принимают его полнотелых фигур. На картине с Рождественским сюжетом все по-другому. Фигуры пастухов, волхвов и Ангелов, поклоняющихся Младенцу Христу, изображены не так, как на большинстве картин эпохи Возрождения.
«Похищение дочерей Левкиппа» Рубенс
Драматический сюжет о Касторе и Поллуксе (сыны Зевса и Леды) в момент похищения Гилайры и Фебы, дочерей царя Левкиппа.
Рубенс долго работал над колористикой и композицией. В итоге – шедевр, где показано, как сильные юноши пересаживают девушек, растерявших свои покрывала, на своих коней. Великолепную картину времен Ренессанса можно увидеть в Пинакотеке Мюнхена (1618).
«Поцелуй Иуды» Джотто
Втрое название изображения, находящегося в Капелле Сокровеньи – «Лобзание Иуды в Гефсиманском саду». Этот сюжет неоднократно впечатлял до глубины души простых людей и гениальных художников прошлого.
Сцена, где люди с мечами, палками, копями и факелами пришли взять Христа под стражу. «Агнец Божий» добровольно сдался, хотя у Него была сила – стража первосвященника упала от Его слов: «Я ЕСМЬ!». Не зная Иисуса в лицо, фарисеи просили Иуду указать на Учителя приветственным поцелуем, а потом переспросили, тот ли это Человек? С тех пор любое предательство дружбы называют «поцелуй Иуды».
«Сад земных наслаждений» – Триптих Иеронима Босха
Удивительная аллегория в трех частях, как сегодня принято называть, «модульных картин». Искусствоведы и толкователи разных времен так и не пришли к единому толкованию каждого фрагмента изображения (1510). Но музей Прадо в Мадриде очень гордится уникальным творением Иеронима Босха.
Это одна из самых загадочных картин эпохи Возрождения с тематикой символизма, о которой можно рассуждать часами.
«Триумф Венеры» Козимо Тура
Козимо Тура отличался особой манерой живописи и выбором холодной гаммы для своих гениальных полотен. Сложно понять смысл загадочной картины эпохи Возрождения, с ее лебедями и зайцами, странными одеждами на многочисленных персонажах.
«Триумф Венеры» (ок. 1490), языческой Богини, не вписывался в рамки католической ментальности, зато принимался без разногласий в светском обществе. «Бесспорно, шедевр!»
«Христос передает ключи Петру» Перуджино
Мало тех, кто знает художника Пьетро Перуджино, зато многим известна еще одна библейская сцена – «Христос передает ключи Петру» (1482, Ватикан).
Судя по текстам Евангелия, Христос говорил о передаче духовной власти. Но многие картины великих художников эпохи Возрождения дают версию прочитанного более буквально.
«Брак в Кане Галилейской» Веронезе
Библейские сюжеты были наиболее востребованными, судя по картинам художников Возрождения. Эксперты утверждают, что у Веронезе получилась наиболее масштабная, многолюдная и правдоподобная версия сцены превращения Иисусом воды в вино (1563, Париж, Лувр).
Судя по Библии, это было первое чудо, которое сотворил Спаситель, придя с учениками на свадебный пир. В водоносы налили воду, а оттуда слуги разливали «лучшее вино».
«Пир в доме Левия» Веронезе
Очередной шедевр Паоло Веронезе – «Пир в доме Левия» (1573). Масштабный холст 555х1280 см продолжает тему посещения массовых собраний Иисусом. В нем есть отголоски «Тайной вечери», если внимательно рассмотреть центральные фигуры. Это вызвало определенный скандал, поэтому ее переделали и переименовали.
Галерея Академии художеств в Венеции очень ценит эту картину эпохи Возрождения с уникальным для того времени 3D изображением архитектурных форм.
Картины эпохи Возрождения заложили основание для европейской культуры XIV – ХХ в. Эти живописцы оказали мощное влияние на современное искусство, скульптуру, архитектуру и литературное творчество. Указанные шедевры украшают лучшие музейные собрания. Представленный ТОП-30 – далеко не полный перечень шедевров времен Ренессанса.
Что особенного в искусстве Возрождения и как отличить его от других похожих течений
Когда мы говорим об итальянском Возрождении, то перед глазами встают растиражированные образы: «Рождение Венеры», псевдоантичные статуи и легион однотипных Мадонн. Но если проанализировать очень разное творчество художников XV века, времени, называемого Возрождением, то очевидно, что работ, которые можно назвать произведениями нового, ренессансного искусства, — очень мало, и формируются они вокруг идеи рационального подхода в искусстве.
Творцы «научного» Возрождения пытались отразить в своих работах фейерверк новых открытий, доступ к античным знаниям и торжество гуманизма, им было важно показать разнообразие реального мира, а не просто красиво изобразить узоры и вензеля или вылить на картину полведра золотой краски.
Мы попробуем провести границу между картинами, похожими на возрождение, и тем Возрождением, в котором наука и искусство действительно стали единым целым.
***
Точкой отсчета Возрождения можно считать начало XV века, когда итальянские художники открыли для себя центр перспективы и впервые попытались изобразить пространство таким образом, чтобы у него была единая точка схождения на линии горизонта, а предметы уменьшались по мере удаления от переднего плана.
Сначала очень немногие мастера разглядели потенциал в работе с центром перспективы, но затем поняли его главное преимущество: он прямо сообщался с миром зрителя, который теперь мог воспринимать картину как часть реального мира.
Так произведения приобретали трехмерность, а задний фон переставал напоминать декорацию.
Но даже после этого открытия многие художники не стали применять его на практике, предпочитая старые методы. Частично в этом была виновата обычная консервативность, но главной причиной были заказчики.
Клиентам из знатных семей была ближе привычная и понятная готика с золотыми красками, помпезностью и таинственностью, они ценили сложный символизм и богатые рамы.Такая клиентура не давала художникам с новаторскими идеями развернуться в полную силу. Именно поэтому рациональные принципы не применялись повсеместно, а сосуществовали со старой доброй готикой, лишь вобрав в себя новый репертуар модных сюжетов.
Как отличить ВозрождениеПериод того, что принято считать Ренессансом, растянулся почти на два века, поэтому работы и стили художников были более чем разнообразными. Но мы попробуем составить небольшую шпаргалку в стиле «Моне — пятна, Мане — люди» и выделить основные признаки художников рационального искусства.
✅
Да, это ВозрождениеРеволюцию в живописи начал флорентиец Томмазо Мазаччо на заре XV века. Он одним из первых внимательно подошел к изучению перспективы и расположению фигур на картине.
Мазаччо стал активно использовать точку перспективы и таким образом радикально поменял восприятие картины зрителем. На его полотнах задний фон становится трехмерным, а свет идет из одного источника, что подчеркивает естественность происходящего.
«Чудо со статиром», около 1427–1428. ИсточникНесомненным авторитетом и экспериментатором периода Возрождения был Леонардо да Винчи. Его «Мадонну в скалах» можно считать вершиной применения научного метода в искусстве. Уникальная работа с источниками света выделяет руки и лица персонажей на фоне сумрачных скал. Центром перспективы здесь становится голова Мадонны.
«Мадонна в скалах», 1483–1486. ИсточникВ отличие от многочисленных предшественников художник старается сделать фон максимально интересным для изучения, взгляд зрителя не перестает блуждать между очертаниями отвесных скал и разнообразием флоры.
Благодаря особой технике сфумато, которая позволила изобразить воздух вокруг фигур, пейзаж кажется одновременно фантазийным и реалистичным.
В других своих работах Леонардо демонстрирует результаты бесконечных упражнений в области изучения законов движения, атмосферы, поведения дыма и гидравлики.
❌
Нет, это не ВозрождениеЕще одним мастером эпохи Возрождения по умолчанию считается Сандро Боттичелли.
Однако научные методы в своих картинах он использует весьма условно.В «Благовещении Честелло» художник работает с перспективой, но линии не сходятся в одну точку. Боттичелли не интересует игра света и тени, поэтому пейзаж за стеной не уходит в глубину картины, а смахивает на нарисованный гобелен.
«Благовещение Честелло», 1489. ИсточникТо же самое происходит на одной из самых известных его картин «Весна». Хотя фон на полотне вполне реалистичен, у него нет глубины и перспективы, а фигуры как бы приподняты над землей. Схожесть с гобеленом отсылает нас к готической традиции.
✅
Да, это ВозрождениеИногда рациональное искусство выдают пропорции персонажей картины и их положение в пространстве.
В отличие от царившей в то время готики фигуры на полотнах Мазаччо приобретали характер, выражения их лиц резко отличались друг от друга, а пропорции соответствовали человеческим.Кстати говоря, Мазаччо впервые придумал изображать персонажей твердо стоящими на земле; у его предшественников они обычно стояли на цыпочках или висели в пространстве.
«Святая Троица», около 1426. ИсточникРафаэль проанализировал накопленные знания предшественников и использовал их в своей работе «Мадонна в зелени», задействуя солнечный свет, природные цвета, правильные пропорции и ясность изображения. Его персонажи крепко стоят на ногах, а цвета картины яркие и насыщенные. Кроме того, в фигурах прослеживается тщательная работа с анатомией, которая позволяет персонажам картины выглядеть естественно.
❌
Нет, это не ВозрождениеЕсли снова говорить о Боттичелли, то персонажи на его полотнах выписаны скорее в средневековой традиции. В «Мистическом Рождестве», как и в средневековых картинах, пространство поделено на зоны, в каждой из которых разворачивается определенный сюжет. Верхняя часть канонично написана на золотом фоне.
Положение фигур в пространстве нечетко, некоторые из них как будто висят в воздухе, хотя по идее должны крепко стоять на земле (обратите внимание на лошадь). Пропорции фигур тоже пострадали: Мадонна кажется гораздо выше остальных героев картины.
«Мистическое Рождество», 1500–1501. ИсточникГлавная героиня «Аллегории силы» тоже далека от реализма. Ее тело удлинено, маленькая голова резко контрастирует с огромными ступнями, а сама она изображена перед троном, причем довольно трудно сказать, сидит она или стоит.
«Аллегория силы», 1470. ИсточникПодобно Боттичелли, многие художники того периода знали о рациональном течении в искусстве и достижениях своих коллег, но не проявляли к ним никакого интереса.
Они скорее обращались к прошлому, продолжая традиции Средневековья и ностальгируя по прежним техникам. Некоторые из них изобретали собственные методы, но основные элементы всё равно брались из готики.
Иногда художники проявляли необычайную изобретательность, которая, однако, шла вразрез с убеждениями основоположников рационального Возрождения. На картине «Св. Иоанн Креститель в пустыне» мы видим проработанный пейзаж, но он явно фантазийный, не имеющий связи с реальностью. Кроме того, он выписан неестественно вертикально, а фигура святого представлена дважды — так средневековые живописцы показывали движение персонажа.
Джованни ди Паоло, «Св. Иоанн Креститель в пустыне», 1454. ИсточникГеометрия✅
Да, это ВозрождениеОдним из важнейших принципов рационального Возрождения стал принцип геометрии, который был взят из архитектуры и применялся во всех видах искусства.
Заядлым любителем геометрии и светотени был Пьеро делла Франческа, знаменитый экспериментатор и новатор эпохи Возрождения (кстати, его работами можно вживую насладиться в Эрмитаже до 10 марта 2019 года).
Его интерес к геометрии не случаен — он увлекался математикой в целом и даже написал два трактата.В своей поздней работе «Алтарь Монтефельтро» он первым решился изобразить Мадонну в интерьере церкви, запечатлев современную ему архитектуру. Элементы интерьера выписаны с особой тщательностью, контраст света и тени выделяет изящность деталей и симметричность помещения.
Любопытно изображение мужчины в доспехах — это непосредственный заказчик картины, герцог де Монтефельтро. Хотя он и преклоняется перед Мадонной, его фигура искусственно не уменьшена, как это бывало в готике, и не менее материальна, чем фигуры святых.
Вся композиция заключена в полукруг, подчеркивая интимность и исключительность происходящего. Особенное восхищение вызывает яйцо под потолком, поскольку оно расположено аккурат над спящим младенцем.
Подобная точность потребовала немалых ухищрений и геометрических вычислений.
Другим знаменитым поклонником геометрии в живописи был Леонардо да Винчи. В своей незавершенной работе «Поклонение волхвов» он применяет принцип геометрической расстановки персонажей.
Ее незаконченность позволяет даже лучше понять замысел художника, поскольку Мадонна и три волхва выписаны ярче остальных фигур и позволяют нам увидеть четкий треугольник, который и становится явным центром картины. Персонажи вокруг Мадонны и волхвов образуют полукруг, что еще сильнее подчеркивает глубину пространства и трехмерность изображения.Даже в незавершенном виде у каждого персонажа есть своя эмоция и выражение лица, что резко контрастирует с привычными готическими правилами. Наконец, каждая фигура запечатлена в определенной позе — Леонардо кропотливо изучал анатомию, поэтому смог добиться редкой в то время точности позиций человеческого тела в пространстве.
❌
Нет, это не ВозрождениеДля контраста можно взглянуть на работы современника Леонардо — Нероччо де Ланди. К примеру, картина «Мадонна с младенцем и двумя святыми» разительно расходится с работами Да Винчи и Микеланджело, особенно в области геометричности.
Непропорционально длинные фигуры на этой картине не образуют завершенную композицию, они оторваны друг от друга. Младенец и Мадонна смотрят в разные стороны, словно не имеют отношения друг к другу.Художник даже не пытается создать видимость перспективы, поэтому пол на картине резко переходит в золотой фон. Хотя эта работа написана около 1490 года, по технике исполнения и замыслу она отстает от своих современников на целое столетие.
«Мадонна с младенцем и двумя святыми», ок. 1490. Источник***
Расцвет Возрождения пришелся на конец XV века, и именно в это время создавались самые известные произведения этого периода, хотя продлился он всего около сорока лет.
Признанными мастерами Ренессанса стали Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти и Микеланджело Буонарроти.
Период их творчества стал апогеем Возрождения, его высшей точкой, когда художники старались максимально отойти от предшествующей готики и связать искусство с наукой. Кроме того, искусства впервые начали взаимодействовать между собой: художники задействовали в своих картинах архитектурные и скульптурные приемы (идеи пространства, структуры и геометрических форм).
Как случился кризис РенессансаК 1509 году Леонардо, Рафаэль и Микеланджело покинули Флоренцию, оставив после себя целый пласт нового направления, которому рвались подражать художники двух школ.
Главой первой школы был Фра Бартоломео, талантливый живописец. Будучи монахом, он выбирал для своих картин религиозные сюжеты, но не забывал о принципах Леонардо и Рафаэля: геометрическом расположении фигур, естественных источниках света и оптических эффектах.
В 1510 году Фра Бартоломео пишет «Мадонну с младенцем и Святого Иоанна», где чувствуется его крепкая связь с принципами натурализма. Он смешивает техники Рафаэля и Леонардо, но основной особенностью становятся цвета, одновременно бледные и яркие, которые как бы подсвечивают не только фигуры, но и окружающий их пейзаж. Действующие лица образуют геометрическую композицию, они прописаны уверенно и четко. Граница неба очень естественно теряется на горизонте, движения главных героев плавны, а дерево на заднем плане представляет собой удачный композиционный элемент.
Эта работу можно считать гармоничным представителем позднего Ренессанса.
«Мадонна с младенцем и Святой Иоанн», 1510. ИсточникГлава другой мастерской, Андреа дель Сарто, живо интересовался техниками цветопередачи. В своей работе «Мадонна с гарпиями» он демонстрирует детальную работу с цветом и светом, благодаря которой фигуры как бы сливаются с интерьером и неразделимы визуально. Но эта картина уже напоминает бронзовый идеал, она уже не дышит и не способна вдохновлять других.
«Мадонна с гарпиями», 1517. ИсточникК 1517 году Высокое Возрождение исчерпало себя и довольно быстро угасло в тех же мастерских, где оно предположительно должно было найти своих последователей.
Высокое Возрождение идеализировали, вознесли на пьедестал и стали бездумно копировать, позабыв о первоначальных принципах. Картины превратились в образцы, и места для дальнейшего развития не предвиделось.Следующее поколение художников качнуло маятник в обратную сторону: их привлекал принцип преувеличения и дисгармонии.
Стоит только взглянуть на работу Россо Фьорентино «Святое семейство», которая была написана в 1520 году, чтобы понять, что время Ренессанса закончилось. Приверженность к золотым краскам, диспропорциональности персонажей и отсутствию внятного заднего фона явно напоминают о готическом каноне, но в то же время становятся элементами нового течения.
«Святое семейство», 1520. ИсточникМолодые художники перешли от изучения природных явлений к намеренной искусственности. Пейзажи свелись к минимуму, фигуры вновь начали удлиняться и терять пропорции, а центр перспективы и архитектурное понятие пространства были выброшены на свалку.
Мастера, которые продвигали новое течение — маньеризм, — предлагали свой вариант развития искусства. Полотна перестали перекликаться с реальностью; зрителю предлагали разгадывать символы, а не наслаждаться правильностью геометрии или проработанностью перспективы.Непропорциональные фигуры на картинах никак не соотносились друг с другом, свет вновь начал исходить из разных точек.
Рациональный Ренессанс — это не отдельный период, а скорее маленькая группа художников, предлагающая новый подход в искусстве, авангардисты XV века.
Новое движение требовало от художников не только таланта, но и рационального подхода и упорства, знания текущего интеллектуального дискурса и подготовки в математике и геометрии.Вместо того чтобы бесконечно подражать картинам с яркими рамами, золотыми красками, нимбами, символами и непропорциональными фигурами, мастера принялись изучать законы природы, анатомии и пропорций, а вместо тускло освещенных помещений художники обратились к естественному свету.
Результатом их трудов стало тесное взаимодействие искусства и навыков наблюдения, восприятия, измерения, описания и оптики и в конечном счете новое рациональное и научное искусство, которое в полном смысле можно назвать искусством Ренессанса.
что такое Ренессанс, история в живописи, периоды, вехи, примеры известный картин.
Историческая эпоха и великие имена Леонардо да Винчи, Джорджоне, Боттичелли, Рафаэль, Тициан, Микеладжело, МазаччоРенессанс (Rinascimento), или Возрождение — это уникальная по значению культурная эпоха, охватившая почти три века и ознаменовавшаяся расцветом искусств. Даже те, кто не особо интересуются живописью, знакомы с термином «Ренессанс» и слышали имена Леонардо да Винчи, Джорджоне, Боттичелли, Рафаэля, Тициана, Микеладжело… Но это лишь вершина айсберга: десятки их коллег — признанные величины в истории искусства, их творения включены в золотой фонд знаменитых музеев мира. И это не считая сотен художников, которых принято называть «рядовыми». Ведь практически каждый европейский правитель покровительствовал живописи в эпоху Возрождения! Старалась не отставать и аристократия.
Значение Ренессанса измеряется не только количеством замечательных произведений. В эпоху Возрождения произошли качественные изменения во всех областях культуры.
Каноны Средневековья уступили место новому искусству: гуманистическому, антропоцентрическому, светскому, реалистичному. Были заложены художественные основы творчества мастеров всего Нового времени. На какое бы направление вплоть до коренного идейного перелома в конце XIX — начале XX веков мы ни взглянули, — все они выросли из ренессансной колыбели.
Название этому периоду (от латинского renasci происходят итальянское слово Rinascimento и французское Renaissance) было дано самими современниками. Например, термин встречается у итальянца Джорджо Вазари (Giorgio Vasari) — художника, архитектора и писателя. Дело в том, что творцы этой эпохи, отказавшись от средневековых канонов, своим фундаментом провозгласили античное искусство. Речь шла о возрождении художественных принципов античности, которые представлялись ренессансным мастерам идеалом. Но они были новаторами, а не эпигонами. Их творчество не было слепым копированием: на древнем фундаменте построили величественный дворец, наполнив его новым содержанием.
Ну, а термин в современном значении, то есть для обозначения периода в истории культуры, ввёл в XIX веке французский историк Жюль Мишле (Jules Michelet).
Исторические вехи и периоды Возрождения
История Возрождения начинается в XV столетии. Ренессансно-гуманистическая доминанта звучит на протяжении почти трёхвекового периода: с начала 1420-х годов до последней четверти XVI столетия (завершающие аккорды были слышны и в начале XVII века). Ренессансные тенденции зародились в Италии, а затем распространились за пределы Альп, поэтому в других странах национальное Возрождение началось позже.
Разумеется, новый стиль возник не мгновенно. Новаторские идеи постепенно пробивали себе путь в течение дученто и треченто Проторенессанса, оттесняя готические и византийские мотивы.
Ренессанс делится на три периода:
- Ранний — с 1420-х годов по конец XV столетия;
- Высокий — с конца XV века до 1520-х годов;
- Поздний — до конца XVI столетия.
Раннее Возрождение — Филиппо Липпи, Гирландайо и Боттичелли
Началом ренессансной эры считают 20-е годы XV века, а очагом нового стиля – блистательную Флоренцию. Осторожное проторенессансное новаторство сменяется уверенным манифестом творцов-гуманистов. Искусство становится светским (это не означает исчезновения религиозных сюжетов, меняется сам характер творчества). Философской основой провозглашается антропоцентризм. Что же касается техники, то живописцы внимательно изучали античные идеалы, стремились к реалистичности форм и красок, работали с перспективой.
Идеализму готики противопоставил реализм Мазаччо (Masaccio) — реформатор из флорентийской школы. Большое внимание он уделял передаче индивидуальности: например, в «Чуде со статиром» у каждого из персонажей — свой характер.
Фра Филиппо Липпи (Fra Filippo Lippi) был монахом (фра — не часть имени, а наименование монахов в Италии, сокращение от слова frate — брат). Но, несмотря на монашеские обеты, он наполнял картины чувственностью и жизнерадостностью.
Впрочем, чего ожидать от человека, который выкрал из монастырских стен молодую монахиню? Фра Филиппо был очень интересным человеком!
На примере написанной им «Мадонны под вуалью» можно увидеть, как религиозные сюжеты переходят в плоскость светской живописи: образы поэтичны, но реалистичны. И неудивительно, поскольку позировала мастеру жена с его детьми (та, которую он похитил; брак, правда, так и не был признан законным).
Влияние античности демонстрирует «Портрет Джованны Торнабуони» Доменико Гирландайо (Domenico Ghirlandaio).
Усиление влияния реалистического подхода заметно в «Портрете старика с внуком»: прекрасный образец расцветающего портретного жанра.
Ну, а «Рождение Венеры» Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli) — пожалуй, известнейший шедевр кватроченто.
Такой же чувственно-радостной атмосферой и музыкальным колоритом фонтанирует «Весна».
Религиозные творения Боттичелли лирично-возвышенны и поэтично-музыкальны.
«Мадонна Магнификат» так потрясла современников, что её повторяли во множестве копий.
Линии Боттичелли называют певучими. Поразительная пластичность делает его манеру письма настолько выразительной, что он относится к числу самых узнаваемых художников в истории.
Высокое Возрождение — да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и Тициан
Пиком Ренессанса считается тридцатилетие, отсчитываемое от написания «Тайной вечери» Леонардо да Винчи, то есть с 1490-х годов. Центром притяжения творцов становится Рим. Здесь создаются грандиозные, амбициозно-масштабные вещи: например, росписи Микеланджело в Сикстинской капелле и Рафаэля в Ватиканском дворце. Другим центром была Венеция, которую прославили Тициан и Джорджоне.
Изобразительная техника достигает высот. Для фресок и полотен характерны сложные композиции, углубленность пространства, эмоциональная насыщенность.
Воспевая красоту человека, художники-гуманисты стремились отразить индивидуальность каждого персонажа.
Для этого они внимательно изучали анатомические особенности тела, старались передать тончайшие нюансы мимики. Знаменитая «Джоконда» до сих пор поражает мир тайной своей улыбки.
Эти тридцать лет поразительны по концентрации шедевров и великих имён.
ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ (Leonardo di ser Piero da Vinci). Главные работы:
Характерная черта у Леонардо — лёгкая размытость: дымка сфумато. Этот приём, позволяющий в буквальном смысле «нарисовать воздух», изобрёл именно он.
Интересная деталь: современные исследователи выяснили, что гений был способен наносить краску тончайшими слоями в два микрона!
РАФАЭЛЬ САНТИ (Raffaello Santi), чьё творчество отражает самые светлые и возвышенные идеалы. Восхищает сочетание красок, изящество линий, композиционная гармония. Ему невероятным образом удавалось соединить яркость палитры с безупречным вкусом. Картины наполнены воздухом и светом.
Шедевры Рафаэля:
- одна из самых узнаваемых картин планеты – величественная и лиричная «Сикстинская Мадонна»;
- Мадонны «Коннестабиле», «Альба» и «С щеглёнком»;
- «Святое семейство»;
- «Портрет Бальдассаре Кастильоне»;
- «Дама с единорогом»;
- величественное «Преображение».
И, конечно же, невозможно не упомянуть фрески «Парнас» и «Афинскую школу».
МИКЕЛАНДЖЕЛО БУОНАРРОТИ (Michelangelo di Lodovico di Leonardo di Buonarroti Simoni), добившийся исключительных высот в изображении человеческого тела.
Микеланджело известен прежде всего как гениальный скульптор, про которого говорили: своим «Давидом» он отнял славу у греческих и римских статуй. Но есть у него и живописные шедевры — фрески «Сотворение Адама» и «Страшный суд».
ТИЦИАН (Tiziano Vecellio), возглавляющий венецианскую школу. Его полотна потрясают великолепной колористкой.
Он мастерски работал с полутонами, создавал изумительную игру света и тени, заполнял пространство воздушными переливами. Талант колориста наиболее ярко проявился в его поздних работах.
Живопись Тициана наполняет сочный, красочный эротизм. Великолепны и чувственны «Любовь земная и Любовь небесная», «Венера перед зеркалом», «Венера и Адонис» и знаменитая «Венера Урбинская».
Это гимн красоте и радостям жизни.
Но есть у него и работы, насыщенные глубоким драматизмом. Таковы «Динарий кесаря» и «Кающаяся Мария Магдалина».
Прославился Тициан и как один из величайших портретистов. Заполучить портрет его кисти жаждали монархи и князья, римские папы и кардиналы. Говорят, что когда мастер писал Карла V и уронил кисть, монарх сам поднял её и произнёс, что даже для императора честь услужить Тициану.
ДЖОРДЖОНЕ (Giorgio Barbarelli da Castelfranco), ещё один великий венецианец. Колористические нюансы, тонкая градация освещения, выразительность и утончённость линий характерны для его техники. Сюжеты эмоциональны, образы одухотворённы и поэтичны. Такова одна из его известнейших героинь — «Юдифь».
Новаторство Джорджоне выразилось в насыщении картин образами природы. Они присутствуют в «Трёх философах», «Суде Соломона», «Поклонении пастухов», «Мадонне Кастельфранко»… Мастер одним из первых начал проявлять внимание к красоте природы, подготовив почву для выделения пейзажа как отдельного жанра.
Позднее Возрождение
Но ничто не вечно. Наступил кризис идей. Это было связано, с одной стороны, с исчерпанием новаторского потенциала, а с другой — с наступившими изменениями в общественной жизни. XVI век оказался тяжёлым для Европы: сначала Реформация расколола её на две части и спровоцировала длительную эпоху религиозных усобиц и гражданских войн, затем пришла Контрреформация.
В творческой среде оставалось всё меньше носителей возрожденческих идеалов. Тем не менее, ещё творили Микеланджело и Тициан, причём для них начало заката Ренессанса совпало с кульминацией личного творчества. Можно сказать, это была лебединая песня Возрождения…
Особым островком, где долго сохранялся ренессансный дух, была Венеция. Дело Тициана здесь продолжили Тинторетто (Tintoretto), Джакобо Бассано (Jacopo Bassano) и Паоло Веронезе (Paolo Veronese).
За Альпами продолжало шествовать так называемое Северное Возрождение, имевшее специфические особенности: в нём меньше звучали античные мотивы, зато довольно отчётливо сохранялись готические.
Кроме того, большое идейное воздействие оказала Реформация.
Ренессансная эпоха в ряде стран, начавшись позже, чем в Италии (во Франции, Испании), и завершилась позднее — в начале XVII века.
Но в целом, XVI век был переломным для европейской культуры. Европу лихорадило. Жгли ведьм, устраивали кровавые религиозные побоища, казнили еретиков. Возникали радикальные секты, назревали апокалипсические настроения… Идеалы ренессансного гуманизма уже казались неактуальными. Новые реалии куда лучше отражали изломанность маньеризма, контрасты красно-чёрного караваджизма и драматический хаотизм барокко.
Урок 4. Эпоха Возрождения: Ренессанс в искусстве
Этот урок, посвященный эпохе Возрождения или Ренессансу, будет для вас легким, понятным и изящным, если вы хорошо изучили урок №2, где мы разбирали искусство Древней Греции и Древнего Рима. Эпоха потому и получила такое название, что в этот период истории началось возрождение античных традиций в искусстве.
Разумеется, культура и искусство обогатились новыми стилями и веяниями, появились новые, характерные данному историческому периоду черты. И если античное искусство нашло отклик в вашей душе, с высокой степенью вероятности искусство Ренессанса точно так же затронет ваше сердце и разум.
Цель урока: изучить основные тренды искусства эпохи Возрождения.
Изучив материал урока, вы узнаете, как развивались архитектура, скульптура, живопись и литература данного периода, познакомитесь с наиболее знаковыми памятниками культуры, именами творцов и произведениями искусства.
Содержание:
Итак, какой же отрезок времени мы имеем в виду, когда говорим о Ренессансе?
Периодизация эпохи Возрождения
Из материала прошлого урока вы уже знаете, что эпоха раннего Возрождения примерно совпадает по времени с периодом позднего Средневековья, а хронологические границы Ренессанса условны и весьма усреднены, т.к. в разных странах культурно-исторические процессы имели свои черты и особенности и свой темп развития.
В целом же периодизация Ренессанса выглядит следующим образом:
- Раннее Возрождение – 15 век.
- Высокое Возрождение – начало 16 века.
- Позднее Возрождение – 20-е годы – конец 16 века.
Кроме того, историки часто в качестве самостоятельного периода выделяют Проторенессанс, включая туда вторую половину 13 века и 14 век полностью. Ввиду того, что этот период имел самостоятельное значение только в Италии, где и зародился Ренессанс, мы его не включаем в общую таблицу периодов, однако, безусловно, упомянем деятелей искусства того времени, когда будем изучать тренды в разных его сферах.
И еще одна ремарка: искусство Ренессанса имеет общие черты, свойственные каждому из периодов, а процесс развития отличается гармонией и высокой степенью преемственности на протяжении всей эпохи.
По этой причине будет удобнее рассматривать каждое направление в искусстве – архитектуру, скульптуру, живопись и т.
д. – единым блоком, чтобы можно было нагляднее оценить как преемственность традиций, их большую или меньшую выраженность, так и некоторые отличия периодов. Чтобы было понятнее, о чем речь, мы начнем с общей характеристики эпохи Ренессанса.
Общая характеристика Ренессанса
Ренессанс – это, прежде всего, возрождение интереса к человеку как к центральному субъекту искусства, его личности как высшей ценности. Такой подход получил название гуманизма. Идеями гуманизма пропитано все искусство Ренессанса, все стили и направления, зародившиеся в данный период. Тому было несколько предпосылок.
Во-первых, это рост и развитие городов-республик, где формировались принципиально новые, отличные от феодальных, социально-экономические отношения. Там не было землевладельцев и крестьян, зато были торговцы, ремесленники, банкиры и прочие группы населения, без которых городская жизнь и городская инфраструктура невозможны как таковые. Вполне логично, что у них были свои взгляды на жизнь, изрядно отличавшиеся от взглядов консервативного и набожного сельского населения.
Вторым важным фактором, повлиявшим на идеологию Ренессанса, стало падение Византийской империи. Оно сопровождалось массовым исходом населения из охваченных военными конфликтами земель. Бывшие подданные Византии оседали в Европе, знакомили местное население с достижениями своей культуры, усваивали нормы и правила городской жизни, в результате чего рождался уникальный симбиоз культур, ставший основой новой эпохи в искусстве.
Возможно, что и переселенцы, пережившие стресс, связанный с военными действиями у себя на родине и кардинальной сменой привычного образа жизни, тоже стали носителями запроса на новые веяния в культуре и искусстве. Так или иначе, Ренессанс – это принципиально новое явление в искусстве, с которым мы и познакомимся в данном уроке. Начнем, как обычно, с архитектуры.
Архитектура
В архитектуре Ренессанса с самого начала эпохи четко прослеживаются черты античного зодчества: симметричность, рациональность, практичность, более светский характер строений и их оформления, внимание к инженерным деталям.
В этом заключается принципиальное отличие как от тяжеловесных строений романского периода, так и от мрачноватой готики.
Исследователи архитектуры эпохи Возрождения часто пользуются такими терминами, как «ордерная архитектура» и «тектоника». Если в двух словах, ордерная архитектура означает использование элементов конструкций в определенном порядке и соблюдение пропорций, предписанных для того или иного стиля.
Под тектоникой понимается качество формы и ее соответствие внутреннему содержанию. Другими словами, строение должно «быть прочным» и «выглядеть прочным», оба компонента должны быть в гармонии, для чего должны быть выбраны адекватные художественные средства оформления.
Более подробно термины разъяснены в книге «Теория архитектурной композиции» [Г. Леденева, 2008]. Мы же дали краткое пояснение их сути с одной целью: показать, что стремление к гармонии стало превалирующим трендом эпохи и нашло свое отражение, в том числе, в новых архитектурных решениях. Кстати, в эпоху Возрождения наблюдается подъем в развитии теории архитектуры и формирование профессионального словаря терминов архитекторов.
Итак, как же развивалась архитектура Ренессанса?
Проторенессанс
Считается, что предтечей новой эпохи в архитектуре стали творения художника и архитектора Джотто ди Бондоне (1266-1337). В частности, спроектированная им церковь Санта-Кроче во Флоренции:
Конечно, там еще просматриваются элементы готики, однако в целом здание визуально легче, чем традиционные готические образцы архитектуры.
Архитектура раннего Ренессанса
Сразу скажем, что в качестве типичных образцов ренессансной архитектуры мы рассмотрим творения итальянских зодчих. Во всех остальных государствах Европы еще нестойкие традиции Ренессанса смешивались с местными особенностями национального зодчества. Поэтому неискушенному читателю будет сложно вычленить элементы ренессансной архитектуры и отделить их от национальных особенностей.
Одним из первых образцов архитектуры раннего Средневековья считается
Оспедале дельи Инноченти или Воспитательный дом во Флоренции, спроектированный архитектором Филиппо Брунеллески (1377-1446):
Поясним, что Воспитательный дом – это некое подобие приюта для бездомных детей, где им оказывают медицинскую помощь и пытаются адаптировать к нормальной жизни.
Данный проект Филиппо Брунеллески воплотил в жизнь в самом начале своей карьеры.
В числе прочих заслуг Филиппо Брунеллески стоит назвать открытие перспективы в архитектуре, что позволяло представить объект в трехмерном пространстве со всеми возможными искажениями зрительного восприятия еще до начала его строительства.
Он же первым возвратил к жизни элементы античной архитектуры, тщательно изучая и замеряя развалины строительных конструкций античного периода, коих в Риме предостаточно, и вписывая их в свои проекты.
Архитектура высокого Ренессанса
В эпоху высокого Ренессанса центром итальянской архитектуры становится Рим, и наличие наглядного материала в виде останков конструкций сыграло в этом немалую роль, став источником вдохновения многих мастеров эпохи. Заимствование идей идет полным ходом, светские и культовые здания становятся все больше похожи на образцы античной архитектуры, впрочем, изрядно осовремененные по меркам того времени.
В качестве примера приведем темпьетто (ротонду) во дворе римского монастыря Сан-Пьетро-ин-Монторио, которую построил в 1502 году итальянский архитектор Донато Браманте (1444-1514):
Архитектуру высокого Ренессанса часто называют «римским классицизмом» и считают апогеем традиций Возрождения.
За пределами Италии традиции Ренессанса ощущаются все больше, хотя местные архитектурные традиции по-прежнему сильны. В качестве наиболее яркого воплощения Ренессанса можно назвать фасад Лувра в Париже (Франция).
Архитектура позднего Ренессанса
По мере развития архитектура строений эпохи Возрождения все больше усложнялась. Появлялось множество разнородных деталей, фасады начали всячески украшать и расписывать, чего не наблюдалось в массовых масштабах в предыдущие отрезки времени, а сами строительные конструкции становились все более изощренными. В качестве образца вычурности и избыточности часто приводят Палаццо дель Те в Ломбардии, спроектированный Джулио Романо (1492-1546):
Дворец (палаццо) принадлежал одному из представителей местной знати, а страсть богатых людей к украшательству зашкаливала всегда. К слову, данный тренд полностью сохранился и в наше время. Как бы там ни было, но поздний Ренессанс дал жизнь сразу двум направлениям в архитектуре.
Это, во-первых, маньеризм (от итальянского maniera – манера, манерность), который как раз и символизировал избыточность форм и украшений.
Во-вторых, это стиль барокко, которые получил развитие уже в последующие периоды истории. К слову, из барокко со временем ответвился свой «маньеризм». Стиль, которому свойственна избыточность с налетом безвкусия при сохранении общих признаков барокко, получил название рококо. Более подробно об этом мы расскажем в наших следующих уроках.
Вот такой путь прошла архитектура Ренессанса. Узнать больше можно из книги «Архитектура эпохи Возрождения: Италия» [В. Лисовский, 2007]. А мы продолжаем наше путешествие в Ренессанс и поговорим теперь о скульптуре данного периода.
Скульптура
Как вы помните из предыдущего урока, скульптура в период Средневековья в силу разных причин претерпела упадок. Там, где скульптурные традиции сохранились, они были в большей степени дополнением к архитектурной практике, нежели самостоятельным направлением в искусстве.
Пионером в деле возрождения скульптурных традиций античности стала Италия.
Тут наблюдаются два тренда. С одной стороны, мастера стремятся воссоздать античные скульптурные традиции в плане соблюдения пропорций и придания статуям общего гармоничного вида. С другой, творцы эпохи Возрождения стремятся избавиться от избыточного монументализма скульптуры, который нередко наблюдался в более ранние периоды.
Скульптура раннего Ренессанса
В отличие от прочих жанров искусства, в скульптуре есть вполне однозначная дата, с которой начинается Ренессанс. Это 1401 год, когда прошел открытый конкурс на лучшее украшение для северных ворот баптистерия (здания, где совершали обряд крещения) во Флоренции. Конкурсным заданием было обыграть сюжет «Жертвоприношение Авраама» в рельефе, а победила работа молодого скульптора Лоренцо Гиберти (1378-1455):
В дальнейшем деление рельефа на пространства станет классикой жанра. В изготовлении статуй наблюдаются два тренда: подражание классике и стремление к реализму.
В качестве материала используется как мрамор, так и бронза. Интересна статуя Георгия Победоносца в исполнении скульптора Никколо Донателло (1386-1466):
Как видим, здесь наблюдается явное сходство со скульптурами периода античности. Однако и Донателло, и другие скульпторы практикуют изображение людей в одежде, а не только обнаженной натуры, как в античные времена.
Скульптура высокого Ренессанса
В период расцвета Ренессанса мы наблюдаем все те же тенденции, что зародились в ранний период Возрождения. Однако техника исполнения достигла величайших высот. Из образцов скульптуры высокого Ренессанса достаточно вспомнить статую Давида работы Микеланджело (1475-1564):
Здесь мы видим лучшее воплощение античных традиций в скульптуре. Кроме того, здесь ясно прослеживается контрапост. Это прием, усиливающий визуальное впечатление от композиции путем умышленного контрастного противопоставления правой и левой части композиции.
Скульптура позднего Ренессанса
В отличие от архитектуры, в скульптуре позднего Ренессанса не наблюдалось упадка. Непревзойденный Микеланджело продолжал творить, подрастало новое поколение скульпторов, предопределивших портрет эпохи. Среди них стоит отметить Бенвенуто Челлини (1500-1571), получившего известность как скульптора, художника, ювелира и музыканта. Он в совершенстве освоил технику бронзового литья и делал много скульптур на заказ. Среди них наиболее известна скульптура «Персея», держащего в руках голову поверженной им Медузы Горгоны:
Некоторые исследователи все же считают «Персея» образцом маньеризма, однако внятно назвать, какие детали у этой композиции являются лишними, не берется никто.
Живопись
Как и в прочих жанрах искусства, в живописи наблюдается заимствование художественных приемов Античности. Даже в библейские сюжеты постепенно проникает тема красоты человеческого тела и совершенства его форм. Впрочем, это произошло не одномоментно.
Проторенессанс
Что касается темы живописи, здесь самое время вновь вспомнить о Проторенессансе и величайшем художнике этого периода Джотто ди Бондоне. Дело в том, что его наработки послужили источником вдохновения и были позаимствованы главными фигурами эпохи Возрождения в живописи: Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэлем (1483-1520). Эти наработки вряд ли сможет обнаружить глаз человека, не имеющего художественного образования, поэтому в этот раз мы сначала расскажем, а потом покажем.
Особенности творчества Джотто ди Бондоне:
- Тщательная проработка деталей.
- Тесная взаимосвязь деталей между собой.
- Зависимость визуального восприятия деталей от освещения.
- Ощущение чувства пространства на изображении.
- Смещение оптической перспективы с возможностью перенаправить взгляд на зрителя.
- Активное использование светлых тонов для фресок.
- Достижение визуальных эффектов за счет градации оттенков цвета.
Оценить воочию эти нюансы можно, посмотрев живописные работы Джотто ди Бондоне. Возьмем для примера «Полиптих Барончелли» – одну из его росписей в построенной им церкви Санта-Кроче:
Живопись раннего Ренессанса
В искусство живописи раннего Ренессанса огромный вклад внес уже упоминавшийся нами художник и архитектор Филиппо Брунеллески. Напомним, он открыл перспективу в архитектуре и живописи, что стало новым словом в этой области. Это хорошо заметно в работах художников данного периода. Например, в работе Сандро Ботичелли (1445-1510) «Мадонна Евхаристии»:
Живопись высокого Ренессанса
Расцвет Ренессанса предопределен творчеством таких великих художников, как Леонардо да Винчи (1452-1519), Микеланджело (1475-1564) и Рафаэль Санти (1483-1520).
«Сикстинская мадонна» Рафаэля является одной из самых узнаваемых работ в истории живописи. Кроме того, он прославился как мастер портретной и алтарной живописи, мастер многофигурной композиции, гравировщик и стихотворец.
Рафаэль Санти часто сопровождал сонетами свои рисунки. Так, один из рисунков сопровождался прекрасными строками:
Амур, умерь слепящее сиянье
Двух дивных глаз, ниспосланных тобой…
О литературе Ренессанса мы поговорим позже, а сейчас предлагаем оценить пример многофигурной композиции в работе Рафаэля «Афинская школа»:
Наиболее известной картиной Леонардо да Винчи является, безусловно, «Мона Лиза», она же «Джоконда». Все, кто видел картину, заметили, что Джоконда как бы «следит» взглядом за зрителем. Это как раз пример смещения оптической перспективы с возможностью перенаправить взгляд на зрителя. В творчестве Леонардо да Винчи были тесно связаны наука и искусство. Так, он предметно изучал анатомию и делал множество рисунков, точно передающих анатомические особенности человеческого тела. Примером может служить работа Леонардо да Винчи «Витрувианский человек»:
Микеланджело прославился своей росписью Сикстинской капеллы.
Единственная законченная картина его авторства, дошедшая до нашего времени, это «Мадонна Дони»:
Живопись позднего Ренессанса
В живописи в эпоху позднего Ренессанса явно заметны черты маньеризма: изогнутость фигур, неестественность положений, нарушенные пропорции. Классикой жанра считается картина Пармиджанино «Мадонна с длинной шеей»:
Мы охватили лишь малую часть шедевров эпохи Возрождения. Тут, как говорится, лучше один раз увидеть, чем сто раз прочитать, поэтому рекомендуем вам книгу «Живопись эпохи Возрождения» [Н. Василенко, Е.Яйленко, 2014]. Кроме того, весьма интересно исследование «Вокруг Леонардо да Винчи: модернизм, террор, грезы и метаистория» [А. Рыков, 2015]. А мы переходим к литературному наследию Ренессанса.
Литература
Литература эпохи Возрождения насквозь пронизана идеями гуманизма, воспевает красоту и достоинство человека, утверждая человеческую личность как высшую ценность. В противовес церковным догматам, щедро популяризируемым литературными средствами в Средневековье, литература Ренессанса воспевает идею раскрепощения человека.
Именно человек в литературе Ренессанса выступает творцом своего счастья, а вовсе не какое-то предопределение свыше, и это принципиальное отличие светской литературы от религиозной. Это был весьма радикальный по тем временам подход к жизни и искусству. Считается, что предвестником появления новой литературы стали творения Данте Алигьери, написанные еще в начале 14 века.
Проторенессанс
В какой-то степени «переходной» можно считать литературу Проторенессанса. В частности, Франческо Петрарка (1304-1374) в своих произведениях старался балансировать между светской направленностью своего творчества и церковной доктриной. Это особенно заметно в его трактатах «О презрении к миру», «Об истинной мудрости» и других. А вот сонеты Петрарки, благодаря которым он и прославился, носят уже исключительно светский характер [Ф. Петрарка, 2018].
Литература раннего Ренессанса
В полной мере гуманистической можно считать литературу раннего Ренессанса. Деятели этой эпохи воплотили все идеи гуманизма в своих произведениях.
Так, «Декамерон» Джованни Бокаччо стилистически исполнен в соответствии с традициями античной литературы, а роль творца мира в этом произведении отводится человеку, а не Богу.
Литература высокого и позднего Ренессанса
Расцвет Ренессанса в литературе предопределен творчеством целой плеяды талантливых авторов из самых разных стран. Это английский поэт и драматург Уильям Шекспир (1564-1616), создавший такие поистине бессмертные произведения, как «Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Король Лир» и другие.
Это романтичный Мигель Сервантес (1547-1616), испанский писатель, известный нам по своему задушевному роману «Дон Кихот» и новеллам «Театр чудес», «Лабиринт любви» и прочим. Это французский писатель, мастер утонченной сатиры Франсуа Рабле (1494-1553), известный по произведению «Гаргантюа и Пантагрюэль».
А еще это английский писатель Томас Мор (1478-1535) и его «Утопия», итальянский писатель и политический деятель Никколо Макиавелли (1469-1527) и его «Государь».
Это талантливейший нидерландский сатирик Эразм Роттердамский (1456-1536) и его величайшая «Похвала глупости». И это далеко не весь список литераторов эпохи Возрождения.
В связи с вышесказанным у многих может возникнуть вопрос: а был ли упадок, свойственный эпохе позднего Ренессанса, в литературе? Ответим кратко: маньеризм не пощадил никого.
Маньеризм в литературе
Справедливости ради стоит сказать, что образцы маньеризма в литературе просто померкли на фоне блестящих успехов по-настоящему талантливых литераторов той эпохи. С другой стороны, любое творчество имеет право на жизнь, и маньеризм вовсе не всегда синоним слова «плохо».
Лучше, если вы сами познакомитесь с образцами литературы, которые относят к маньеризму, и составите собственное впечатление. Так, к примерам маньеризма традиционно относят роман «Эвфуэс» английского писателя Джона Лили (1553-1606), поэму «Освобожденный Иерусалим» итальянского поэта Тассо Торквато (1544-1595), сонеты португальского поэта Луиша де Камоэнса (1524-1580).
Обратите внимание, что применительно к литературе отнесение к тому или иному периоду происходит не столько на основе формальной периодизации истории искусств, сколько на основе литературоведческого анализа произведений и выделения признаков, свойственных тому или иному стилю и направлению.
Музыка и зрелищные искусства
Эпоха Возрождения в музыке характеризуется расширением технических возможностей передачи музыкальных идей, появлением новых музыкальных инструментов. Помимо известных с древнейших времен ударных, духовых и струнных инструментов, традиционно изготавливаемых из доступных в регионе материалов, появляются струнные смычковые инструменты. Например, виола:
В эпоху возрождения появились клавишные инструменты, такие как клавесин, чембало, клавикорд, верджинел. Таким образом, возможностей для передачи богатства мелодических звуков стало заметно больше.
Содержание музыкальных произведений стало более светским, что, впрочем, не означает отказа от дальнейшего развития церковной музыки.
Так, именно в эпоху Возрождения появилась Римская школа в музыке. Под Римской школой принято понимать творчество композиторов второй половины 16 – первой половины 17 веков, работавших в Сикстинской капелле и писавших церковную многоголосую музыку, ориентируясь на каноны, принятые на Тридентском католическом соборе (собрании).
В светской музыке появляются новые жанры. Например, в Италии появился мадригал – произведение любовного лирического характера. Наиболее известными авторами мадригалов считаются Лука Маренцио (1553-1599) и один из основателей жанра Якоб Аркадельт (1507-1568).
Эпохе Возрождения мы обязаны и возникновением баллады, прочно занявшей свое место в музыкальной культуре, и удерживающей свою нишу в искусстве по сей день. Кроме того, возникло бесчисленное множество жанров, имевших локальное или региональное значение, однако сохранявших свое влияние на протяжении многих десятилетий той эпохи. Например, вильянсико в Испании, фроттола в Италии и многие другие.
В наследие от Ренессанса нам достались сборники музыкальных произведений для различных музыкальных инструментов.
Так, лютнист и композитор Эммануэль Адрианссен (1554-1604) составил сборник произведений для лютни Pratum Musicum:
В эпоху Ренессанса продолжает развиваться танцевальное искусство. В этот период явно заметно разделение танцев на народные и придворные. Технические танцевальные приемы эпохи Ренессансы систематизированы в трудах Доменико из Пьяченцы (1390-1470), Антонио Корнацано (1430-1484), кстати, тоже родившегося в Пьяченце, и Гульельмо Эбрео (1420-1484). Их работы имели большое значение как для историков, пытавшихся воссоздать культурный облик эпохи, так и собственно для развития хореографии.
Как и прочие жанры искусства, в музыке имело место влияние маньеризма. К таковым относят поздние мадригалы Карло Джезуальдо (1560-1613) из-за их избыточной эмоциональности. При этом его вклад в развитие музыки был высоко оценен следующими поколениями композиторов, в частности, Стравинским в его «Диалогах» [И. Стравинский, 1971].
Вот такой путь прошло искусство Ренессанса.
Заинтересовавшимся рекомендуем дополнительную литературу, книгу «Искусство итальянского Ренессанса. Архитектура. Скульптура. Живопись. Рисунок» [Р. Томан и др., 2005]. А сейчас самое время пройти проверочный тест и перейти к следующему уроку.
Проверьте свои знания
Если вы хотите проверить свои знания по теме данного урока, можете пройти небольшой тест, состоящий из нескольких вопросов. В каждом вопросе правильным может быть только один вариант. После выбора вами одного из вариантов система автоматически переходит к следующему вопросу. На получаемые вами баллы влияет правильность ваших ответов и затраченное на прохождение время. Обратите внимание, что вопросы каждый раз разные, а варианты перемешиваются.
Как и следует полагать, за периодом Возрождения наступает эпоха Нового времени.
Ольга ОбломоваКартины эпохи Возрождения и их авторы: самые известные полотна
«Весна» Сандро Боттичелли: FlickrЭпоха Ренессанса подарила миру много громких имен.
Да Винчи, Микеланджело, Рафаэль и другие художники оставили потомкам истинные шедевры изобразительного искусства, которыми люди восхищаются до сих пор. Расскажем о десяти самых выдающихся.
Какие картины эпохи Возрождения самые известные? Символами Ренессанса считаются полотна Леонардо да Винчи «Мона Лиза», «Тайная вечеря», «Рождение Венеры» Боттичелли, «Сикстинская мадонна» Рафаэля, «Сотворение Адама» Микеланджело, «Вознесение Марии» Тициана, «Сад земных наслаждений» Босха, «Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса, «Поцелуй Иуды» Джотто и Караваджо и многие другие.
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи
Загадочная «Мона Лиза» — самая знаменитая картина эпохи Ренессанса. Считается, что моделью для Леонардо была Лиза Герардини — супруга флорентийского торговца шелком Франческо дель Джокондо, который восхищался работами художников своего времени и мечтал о портрете возлюбленной. Отсюда и другое название полотна — «Джоконда».
«Мона Лиза» Леонардо да Винчи: Wikipedia/LouvreВ чем уникальность картины «Мона Лиза» да Винчи? Искусствовед и историк Алексей Дживелегов писал, что для автора этот труд был особенным.
Он годами работал над портретом и отзывался о нем с особой страстью. Из-за этого существует предположение, что да Винчи был тайно влюблен в эту женщину.
Впрочем, художник мог очень гордиться данной работой. Искусствовед Михаил Алпатов отмечал, что картина наделена превосходной композицией и игрой светотени. Сегодня «Мона Лиза», созданная в начале XVI века, хранится в парижском Лувре под стеклянным колпаком.
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи
«Тайная вечеря» Леонардо да Винчи: Wikipedia/Santa Maria delle GrazieМонументальная роспись да Винчи, получившая название «Тайная вечеря», украсила торцевую стену трапезной доминиканского монастыря Санта-Мария-делле-Грацие (Милан, Италия) еще в конце XV столетия. На ней изображена последняя трапеза Иисуса Христа с апостолами.
Чем интересна «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи? Согласно сюжету полотна, Иисус делится с учениками пророческими словами о том, что один из них предаст его. Да Винчи проявил себя тонким психологом и показал реакцию каждого апостола, исходя из документальных сведений о его характере.
Тем временем сам Иисус тянется к вину и хлебу, которые впоследствии стали главными символами христианского таинства евхаристии.
«Рождение Венеры» Сандро Боттичелли
«Рождение Венеры» Боттичелли: Wikipedia/UffiziВ чем особенность картины «Рождение Венеры»? Полотно итальянского живописца Боттичелли иллюстрирует миф о рождении богини Венеры, согласно которому она появилась из морской пены. В левой части картины — боги весны, подгоняющие раковину Венеры к берегу, где ее встречает одна из граций (богинь радости).
При создании картины автор вдохновлялся античными скульптурами. Сегодня работа хранится в галерее Уффици (Флоренция).
«Сикстинская мадонна» Рафаэля Санти
«Сикстинская мадонна» Рафаэля: Wikipedia/Gemäldegalerie Alter MeisterЭта работа итальянского художника принята за образец живописной школы Ренессанса. С 1754 года труд хранится в Галерее старых мастеров в Дрездене, где часто останавливалась русская интеллигенция. Поэтому, отмечает историк искусств Кира Долинина, упоминание картины можно встретить в произведениях Жуковского, Фета, Достоевского.
Чем интересна «Сикстинская мадонна» Рафаэля? Работа выполнена на холсте, а не на доске, как это было принято в начале XVI века. Скорее всего, это обусловлено немалым размером картины — 265х196. На ней изображена Мадонна с младенцем в окружении папы Сикста II и святой Варвары. «Божественность» картины контрастирует с нарочито обыкновенным карнизом. Эта тщательно прописанная деталь и скрытая в ней загадка обсуждаются по сей день.
«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти
«Сотворение Адама» Микеланджело Буонарроти: Wikipedia/Sistine ChapelДанная фреска — четвертая из девяти композиций, украшающих потолок Сикстинской капеллы. Каждая из них посвящена одному из девяти сюжетов книги Бытия. Чем особенна работа «Сотворение Адама» Микеланджело? В картине автор обыгрывает слова Библии: «И сотворил Бог человека по образу своему». Внимание сконцентрировано на жесте: Бог в белых одеждах протягивает руку Адаму, лежащему на скале, будто вдыхая в него жизнь.
«Сад земных наслаждений» Иеронима Босха
«Сад земных наслаждений» Иероним Босх: Wikipedia/Museo del PradoТриптих «Сад земных наслаждений» — самая известная работа нидерландского художника.
Автор посвятил ее греху сладострастия.
Чем удивительна картина Иеронима Босха «Сад земных наслаждений»? Работа состоит из трех частей:
- Левая изображает безмятежный рай, Бога и Адама с Евой.
- Центральная часть — олицетворение жизни человека. В ней через множество деталей передан человеческий опыт от рождения до загробной жизни.
- Справа видим подобие ада с его жуткими пыточными машинами и мрачным пейзажем.
«Вознесение Марии» Тициана Вечеллио
«Вознесение Марии» Тициан: Wikipedia/Santa Maria Gloriosa dei FrariЧем знаменита картина «Вознесение Марии» Тициана Вечеллио? «Ассунта» (оригинальное название работы) украсила главный алтарь венецианского собора Санта-Мария Глориоза деи Фрари.
Масштабы картины (6,9 м на 3,6 м) поражают воображение. Она состоит из трех уровней:
- Внизу — апостолы, с надеждой взирающие в небеса.
- В центре композиции — Дева Мария.
- Сверху — Бог-Отец с приготовленной для Марии короной.
Любопытно, что Тициан не хотел браться за эту работу.
Ему практически насильно вручили аванс за нее. Однако именно «Ассунта» принесла ему мгновенную славу.
«Поцелуй Иуды» («Взятие Христа под стражу») Джотто ди Бондоне
«Поцелуй Иуды» Джотто ди Бондоне: Wikipedia/Scrovegni ChapelВ отличие от названных выше работ, эта фреска была создана на несколько столетий раньше — в 1306 году. Чем особенна работа «Поцелуй Иуды» Джотто ди Бондоне? От других картин начала XIV века ее отличает невероятный драматизм. Автор изобразил момент предательства Иуды, наделив персонажей картины узнаваемыми чертами и характерами:
- спокойный и прекрасный Иисус;
- неприятный и подлый Иуда;
- суровые стражники, готовые схватить того, кого поцелует апостол-предатель.
Этот подход в изображении библейских сюжетов стал новаторским и обеспечил автору признание.
«Поцелуй Иуды» («Взятие Христа под стражу») Микеланджело Караваджо
«Поцелуй Иуды» Караваджо: Wikipedia/National Gallery of IrelandСвой взгляд на знаменитый библейский мотив спустя почти 300 лет после Джотто предложил другой итальянский художник.
Чем интересна работа «Поцелуй Иуды» Микеланджело Караваджо? Автор отошел от классической ренессансной манеры в живописи:
- его герои не статичны;
- выражения лиц не передают внутренних переживаний;
- палитра более мрачная.
Оригинал картины находится в Дублине (Ирландия), а ее точная копия — в Одессе (Украина). Любопытно, что именно «одесская версия» долгое время считалась оригиналом. В 2008-м она была похищена, разразился скандал, но спустя два года картину нашли и вернули.
«Похищение дочерей Левкиппа» Питера Рубенса
«Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса: Wikipedia/Alte PinakothekПитера Пауля Рубенса называют певцом человеческого тела, и данная картина объясняет почему. В чем особенность работы «Похищение дочерей Левкиппа» Рубенса? За основу автор взял сюжет древнегреческого мифа. Согласно ему, братья Диоскуры похищают беззащитных женщин, тщетно просящих помощи у богов. Такой драматичный мотив в работе художника обрел легкую и эстетичную трактовку, которая определяет его уникальный стиль.
Эпоха Возрождения подарила миру шедевры, которые можно до бесконечности изучать и находить скрытые смыслы. Те, что сохранились до наших времен, тщательно оберегаются для следующих поколений.
Оригинал статьи: https://www.nur.kz/family/school/1784058-kartiny-epohi-vozrozdenia-i-ih-avtory/
искусство, архитектура, философия, основные культурные достижения
«Рождаться опять или возрождаться» (renasci) − так переводится с латыни название эпохи мирового значения в развитии культуры. Итальянское Возрождение или Ренессанс (итал. Rinascimento) проложило мост между античностью, средневековьем и Новым временем.
Причина процветания искусства кроется в готовности лучших умов страны к прогрессивным переменам. Из пережитых человечеством переворотов на то время, только Возрождение принесло такое количество гениев. Хронологические рамки периода до сих пор вызывают споры среди историков.
Возрождение античного наследия
После распада Восточной Римской империи («империи греков») под ударами крестоносцев в 1204 году и окончательной гибели в середине XV века, эмигранты из Византии прибыли в центр Средиземноморья. Они познакомили итальянцев с античными трактами личных библиотек и произведениями искусства.
Средневековая Европа не была знакома с культурой греко-римского мира, вызвавшей невиданный интерес. На поиски древних рукописей отправляются в дальние монастыри Франческо Петрарка (Francesco Petrarca), Джованни Боккачо (Giovanni Boccaccio), Поджо Браччолини (Poggio Bracciolini) и другие гуманисты.
В 1404 году Донателло (Donato di Niccolo di Betto Bardi) едет из Флоренции (Firenze) в Рим (Roma) для зарисовки и обмера скульптур древнего зодчества. Юный Микеланджело Буонарроти (Michelangelo Buonarroti) копирует греческие статуи (1488). Рафаэль Санти (Raffaello Santi) по приказу папы Льва X он изучает древние постройки на территории Рима (1513 − 1516).
Формируется система взглядов на средневековье: период варварства и невежества − причина уничтожения цивилизации классической древности. Мыслители признают высшим мерилом всего сущего не Создателя, а человека. Интерес к забытой античной культуре назвали Возрождением.
Почему всё началось в Италии
Социальные предпосылки Возрождения обусловлены политическим феноменом страны. На смену империи и церкви пришли самостоятельные города-государства, большинство из которых были республиками. Независимая политика, демократические порядки отличались от европейских монархий. Раннее Возрождение не знало централизованной власти. Даже в маленьких городах изгнанники находили поддержку и понимание гуманистов.
Итальянцы осознают себя единым, оптимистически настроенным, жизнеутверждающим народом. В центре Средиземноморья сформировалось народное правление, осуществились коренные перемены, произошло становление Возрождения.
Тоскана
Родина Ренессанса − республиканская Тоскана (Toscana) − первой изменила устройство общества.
Художники получили привилегии, вошли в структуру власти, стали дипломатами. Ремесло живописцев и скульпторов приравнивали к наукам.
В Тоскане творили Данте Алигьери (Dante Alighieri), Филиппо Брунеллески (Filippo Brunelleschi), Леонардо да Винчи (Leonardo da Vinci), Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli), Микеланджело Буонарроти (Michelangelo di Buonarroti). Появилось новое явление − меценатство.
Видный государственный деятель Козимо ди Джованни де Медичи (Cosimo di Giovanni de’ Medici) открывает линию покровителей зодчих и художников. На два столетия Тоскана становится центром художественной жизни и определяет курс развития культуры Италии. В список Всемирного наследия ЮНЕСКО внесены 7 объектов региона:
- Исторический центр Флоренции
- Исторический центр Сиены (Siena)
- «Идеальный город» Пьенца (Pienza)
- Город фамильных башен Сан-Джиминьяно (San Gimignano)
- Пьяцца-деи-Мираколи (Piazza dei Miracoli) или Площадь Чудес в Пизе (Pisa)
- Виллы и сады Медичи
- Культурный ландшафт долины Валь д’Орча (Val d’Orcia)
Падуя
В начале XV века свободолюбивая Падуя (Padova) стала главным образовательным центром Италии.
Здесь родились и работали основоположник современной науки Галилео Галилей (Galileo Galilei) и прародитель флорентийского Возрождения Донателло. Десятилетний период творчества в Падуе считается вершиной достижений скульптора. Мастер создаёт непревзойдённые творения: медную конную статую падуанского правителя Гаттамелаты, бронзовые барельефы для церкви Святого Антония (Basilica Pontificia di Sant’Antonio di Padova), скульптуру Иоанна Крестителя.
У входа в Собор Святого Антония размещён монументальный трёхметровый памятник Гаттамелата, выполненный Донателло на пьедестале восьмиметровой высоты.
В Падуе (Padova) творил Тициан Вечеллио (Tiziano Vecellio), украсивший фресками ораторий церкви дель Кармине (Basilica e Scoletta di S.Maria del Carmine).
Феррара
Расцвет «феррарского» Ренессанса связан с династией правителя города − герцога д’Эсте (1393 − 1441). Меценат старался украсить свои дворцы уникальными картинами и фресками, недоступными для всеобщего обозрения.
Увлечение эзотерикой и астрологией повлияло на выбор сюжетов, наполненных аллегорией и иронией. Художники жили во дворце, выдерживали заданный стиль и настроение в произведениях. Группа новаторов сформировала школу живописи, которая отличалась от творчества других представителей Возрождения.
Искусствоведы называют художников Феррары (Ferrara) «провидцами от искусства». Сюжеты картин, выразительные образы, выстроенная композиция, сочные цвета, как будто взяты из современности и перенесены в далёкое прошлое. Стиль художников был соединением искусства смелых провокаций и Ренессанса. Работы Козимо Тура (Cosimo Tura), Никколо Пизано (Nicola Pisano), Доссо Досси (Dosso Dossi), Лоренцо Коста (Lorenzo Costa) и других мастеров хранятся в пинакотеках и музеях.
Картины художников-новаторов оцениваются в 20−35 млн. долларов.
Главные достопримечательности Феррары:
- Улица Корсо Эрколе (Korso Erkole I d’Este), сохранившая в первозданном виде все дворцы, построенные в эпоху Возрождения;
- Замок герцогов д’Эсте (Castello Estense) – строительство началось в 1385 году;
- Палаццо деи-Диаманти (Palazzo dei Diamanti) − единственный в Ферраре памятник эпохи Ренессанса, облицованный мрамором. «Дворец алмазов» построен архитектором Бьяджо Россетти (Biagio Rossetti) в 1493 − 1503 годах, украшен 8500 подобным алмазам камнями с искусно выполненной огранкой;
- Университет Феррары (Universita di Ferrara) – один из древнейших вузов Европы образован в 1391 году по инициативе правящего семейства д’Эсте.
«Дворец алмазов» построен архитектором Бьяджо Россетти (Biagio Rossetti) в 1493 − 1503 годах, украшен 8500 подобным алмазам камнями с искусно выполненной огранкой;Венеция
Во второй половине XVI века республиканская Венеция принимает эстафету центра Возрождения.
Формируется венецианская школа живописи. До нашего времени сохранились работы Джорджоне (1478 − 1510) и другие шедевры Высокого Ренессанса. Тициан Вечеллио (1477 − 1576) получает признание современников. Знаменитые произведения размещены в Галерее Академии (Gallerie dell’Accademia). Здесь же представлены работы Джованни Беллини (Giovanni Bellini), Витторе Карпаччо (Vittore Carpaccio), Паоло Веронезе (Paolo Veronese), редкие полотна Антоне́лло да Месси́на (Antonello da Messina).
Искусствоведы советуют посетить церковь Сан-Джорджо Маджоре (San Giorgio Maggiore), в которой хранится смелая работа Тинторетто (Tintoretto).
Написанная специально для храма гигантская «Тайная вечеря» поражает переплетением божественного начала и земного бытия. Помещение, в котором расположена картина, имеет двойное освещение: обычное от подвешенных светильников и Вселенское, необъяснимым образом распространяемое вокруг голов Христа и его апостолов.
Периоды эпохи
Установить точные даты нескольких веков Ренессанса невозможно. Различия в общественной и политической жизни повлияли на развитие искусства в регионах. Доктор искусствоведения, профессор Виктор Никитич Лазарев утверждал: наука об итальянском Возрождении настолько сильно продвинулась вперед, что ряд акцентов приходится уточнять («Начало раннего Возрождения в итальянском искусстве»). Однако общие закономерности позволили определить 4 этапа итальянского Возрождения.
Проторенессанс
Культура Италии переживает небывалый подъём, который начинается в конце XIII века и захватывает XIV век.
Подобного перехода от средневековья к новому времени не было в истории других европейских стран. Расцветает литература на родном языке. Появляются поэты нового стиля («сладостного»), на смену которым приходит Данте. Обезличенное ремесло цеховых живописцев вытесняют мастера, работающие индивидуально. В скульптуре закладываются основы для развития искусства Ренессанса.
В XIII веке в Пизе работает Никколо Пизано (Nikola Pisano). Мастер становится у истоков школы скульптуры, которая оказывает влияние на Италию до середины XIV века. Архитектура отстаёт в развитии, оставаясь в рамках средневековых традиций. Первые ростки появляются в пространственных решениях и нарядной декоративности зданий. Итальянскую культуру этого времени назвали эпохой Данте Алигьери (Dante Alighieri) и Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone).
Раннее Возрождение
Раннее Возрождение в Италии − это первая половина и середина XV века. В искусстве происходит резкий перелом. Очаг Ренессанса из Флоренции неравномерно распространяется по Италии.
На севере страны ещё живы традиции готики. На юге работает Филиппо Брунеллески (Filippo Brunelleschi), заявивший о себе постройками alfantica.
С середины третьего десятилетия реформатор флорентийской школы Мазаччо (Masaccio) осуществляет прорыв в живописи. Донателло закладывает основы индивидуального скульптурного портрета. В творчестве ваятеля «флорентийской школы» Нанни ди Банко (Nanni di Banco) появляются монументальные формы (фигуры четырёх святых в нише Орсанмикеле).
В этот период искусство обращается к научным знаниям. Художники и архитекторы заняты разработкой теории пропорций и линейной перспективы. Изучение анатомического строения тела человека используется для создания реалистических произведений.
Высокое
На рубеже XV и XVI столетий Возрождение вступает в 30-летний период исключительного развития художественного творчества в Италии, особенно в Риме. Главным меценатом становится Папа Юлий II (Iulius PP. II). Богатая история древнего города возвращает мастеров к античности.
Тема прославления героических подвигов и долга становится модной.
Взлёт искусства связан с именами Леонардо да Винчи, Джорджоне, Рафаэля, Тициана, Микеланджело. С 1503 года начинается «золотая эпоха» зодчества. Донато Браманте (Donato (Donnino) di Pascuccio di Antonio detto il Bramante) закладывает основы архитектуры нового периода. Собор Святого Петра в Ватикане (Basilica di San Pietro) становится классическим примером достижений архитектуры Высокого Возрождения.
Позднее
Сложный период позднего Возрождения начался с середины XVI века. Папа Павел III (Paulus PP III) главной задачей видит борьбу с инакомыслящими. Созванный Тридентский собор (13 декабря 1545 — 4 декабря 1563) начинает наступление на культуру Ренессанса. Церковь запрещает книги Петрарки, Данте, Боккаччо и других гуманистов. Папа осуществляет контроль над искусством. От художников требуют ортодоксальности и каноничности. Итальянские художники по-разному восприняли перемены. Крупные художники старшего поколения (Тициан, Микеланджело) сохраняют художественные традиции Возрождения.
Молодые художники (Веронезе, Бассано, Тинторетто) используют ренессансный опыт для создания нового течения «маньеризма». В конце XVI столетия начинает творческую деятельность основатель реализма в живописи, реформатор Микеланджело Караваджо (Michelangelo Merisi da Caravaggio).
Вам пригодится: где посмотреть картины Караваджо в Риме
Северное
Современные культурологи и искусствоведы выделяют пятый период гуманистического движения, вышедший за пределы Италии XV века. Северное Возрождение образовалось под мощным воздействием итальянского Ренессанса, но имеет свои особенности:
- Происходит в период угасания Возрождения;
- В культуре германоязычных стран отсутствует видимый интерес к античности.
Философия и литература
В противовес религиозным убеждениям Западной Европы философы Возрождения создают идейное движение − гуманизм. Петрарка, Данте, Боккаччо, другие мыслители ставят Человека с его земными и неземными потребностями в центр мироздания.
Никколо Макиавелли
Государственный деятель, мыслитель, дипломат Никколо Макиавелли (Niccolo di Bernardo dei Machiavelli) был значимой персоной в Тоскане. Его пьесы пользовались успехом у публики, а философские трактаты вызывали разногласия и критику. Известные работы − «Государь», «Рассуждения…», «Десятилетия». Взгляды Макиавелли (1469-1527) мешали новым властям проводить свою политику. Писателя дважды отправляли в отставку, арестовывали и даже пытали на дыбе.
После освобождения из тюрьмы он стал писать книги, которые вошли в историю философии периода Ренессанса. В 1559 году свободолюбивый философ попал в «чёрный» список иезуитов, а все сочинения отнесли в разряд запрещённых книг.
Данте Алигьери
Яркий представитель итальянского Проторенессанса − богослов, философ, поэт Данте Алигьери (1265 − 1321). Переплетение старых традиций и новых веяний периода сказалось на философских взглядах автора «Божественной комедии». Последний поэт средневековья первым заложил в произведениях основы гуманизма, создал итальянский литературный язык.
Роман «Новая жизнь» впервые описывает чувства обычного человека. В трактате «Пир» появляются предпосылки ренессансной теории стиля. Данте верит в безграничные возможности творческой личности и утверждает: счастье каждого человека заключается в земном существовании. Учение о земной и божественной природе человека отходит от средневековых взглядов и становится основой гуманизма.
Франческо Петрарка
Апофеозом жизни главы старшего поколения гуманистов Проторенессанса Италии стала коронация лавровым венком от Римской курии. Человек нового типа, Франческо Петрарка (1304−1374), начал эпоху Ренессанса в Италии и распространил идеи по всей Европе. С лучшим стихотворцем Рима в то время никто не мог соперничать. Всемирное признание, круг общения, знание философии приводят к научному осмыслению Ренессанса.
Достижения Петрарки:
- Первым объяснил исторический принцип в понимании эпохи. Нашёл преемственную связь и отличия между античностью, средневековьем и Возрождением.
- Проанализировал рукописи древних авторов, содержание которых не знали 10 веков.
- Описал миропонимание гуманистов.
- Написал «Сонеты», «Книгу песен», «Триумфы», «Африка». Автор трактатов, полемических сочинений, литературных произведений разработал основы для научного понимания Ренессанса.
Джованни Боккаччо
Итальянский гуманист был выдающимся учёным. Он знал астрономию, изучал греческую литературу, собирал и переписывал рукописи, основал кафедру греческого языка во Флоренции. Боккаччо (1313 − 1375) возглавил компанию по защите научных трудов в монастырских библиотеках и побуждал современников к изучению древней литературы.
Автор исторических произведений составил генеалогию языческих богов, описал 106 биографий знаменитых женщин, был поэтом и прозаиком.
В историю Возрождения вошёл как гуманист, отвергающий аскетизм. Главное произведение − собрание ста повестей «Декамерон», посвящённых ироничному рассказу о жизни и нравах итальянского общества.
Дворцы и архитектура
Благодаря дворцам, построенным по заказу глав прославленных семейств итальянского Ренессанса, Тоскана приобрела строгий «флорентийский стиль». Появление двух палаццо – Палаццо Медичи (Palazzo Medici Riccardi) и Строцци (Palazzo Strozzi) – связано с многолетней борьбой между богатейшими кланами банкиров .
Меценат демократического склада Козимо Старый Медичи (Cosimo il vecchio) был покровителем художников, зодчих. В искусстве любил строгую простоту, не принимал роскошь. В 1444 году Медичи поручил архитектору Микелоццо ди Бартоломео (Michelozzo di Bartolomeo) построить для семьи дворец, не вызывающий зависти соотечественников.
По приказу заказчика первое здание стиля Раннего Ренессанса выложили плитняком, который применялся для отделки общественных сооружений.
Дворец строили 20 лет. Здесь работали Донателло, Боттичелли, Микеланджело.
После возвращения во Флоренцию из вынужденного бегства, Филиппо Строцци решает построить палаццо, не уступающий по величию дворцу соперника. Давление заказчика на архитектора и инженера привело к тому, что сооружения оказались почти «близнецами». Дворец создаёт впечатление величия в сочетании с подчёркнутой простотой фасада.
Собор святого Петра
В 4 веке на месте захоронения апостола Петра был возведён маленький храм. Папа Юлий II предложил перестроить базилику в 1506 году. В строительстве, которое продолжалось более 100 лет, приняло участие 20 выдающихся архитекторов. Среди них − Бернардо, Микеланджело, Рафаэль Санти, Джакомо и другие.
Донато Браманте (1444 − 1514) первым приступил к осуществлению задумки возвести собор в виде креста, увенчанного огромным куполом. После смерти архитектора строительство остановилось. Спустя 33 года работы продолжил Микеланджело. Автор чертежей нашёл неожиданное решение, создающее иллюзию пружинящего купола.
Мастер не успел осуществить задуманное. Продолжил работу Джакомо делла Порта (Giacomo della Porta). Поднятый на высоту 136 метров, купол стал самым высоким в мире. Внутренней отделкой занимался итальянский скульптор Джованни Лоренцо Бернини (Giovanni Lorenzo Bernini), который проработал в соборе 20 лет.
Купол Флорентийского кафедрального собора
После возведения грандиозного купола Флорентийского собора Санта-Мария-дель-Фьоре (La Cattedrale di Santa Maria del Fiore) архитектор Брунеллески стал самым знаменитым зодчим Италии.
Первый крупный памятник Ренессанса воплотил новаторскую инженерную мысль, основанную на использовании специально изобретённых механизмов.
Средневековые мастера сомневались в возможности строительства сооружения весом 9 тысяч тонн, диаметром 42метра, на высоте 91 метр.
Загадку решил Брунеллески. Он предложил совету города модель собора и доказал, что построит купол с помощью инновационных способов инженерии.
Строительство купола начали в 1420 году и закончили в 1436 году. Через три года ученик Андреа дель Верроккьо (Andrea del Verrocchio) Леонардо да Винчи достроил мраморный фонарь, увенчанный золотым шаром. Сооружение отделило строительные традиции средневековья от архитектуры эпохи Возрождения. Уникальный памятник стал символом Флоренции.
Скульптура
Новое мировоззрение вызвало революцию в скульптуре. Средневековье не считало произведения ваятелей отдельным видом творчества и воспринимало единым целым с архитектурой. Скульпторы отходят от принятых канонов и становятся самостоятельными авторами.
Донателло
В ряду гениев особое место занимает Донато ди Никколо ди Бетто Барди, более известный, как Донателло. Впервые мастер из Флоренции создаёт обнажённую скульптуру. Он обращается к библейским персонажам, придавая им черты греческих богов.
По заказу Медичи Донателло работает над образом Давида. Голая фигура свободного, расслабленного героя смущает Козимо.
Выполненная в стиле реализма смелая скульптура устанавливается на заднем дворе палаццо, подальше от современников. Для соблюдения баланса Донателло делает копии античных скульптур, которые меценат размещает во внутреннем портике дворца.
Работая над статуей христианской святой Марии Магдалины, скульптор идёт на смелый шаг. Он представляет мироносицу измождённой покаяниями старухой, прикрытой длинными волосами и дырявым рубищем.
Скульптор совмещает в творчестве классический и реалистический стили. По заказу городского совета он изготавливает статуи пророков с невыразительными лицами и фигурами, закрытыми плотными одеждами. Но в соборе Орсанмикеле (Orsanmichele, Or San Michele) устанавливает скульптуру святого Георгия.
Отступив от традиционного изображения с драконом и копьём, Донателло представляет совсем другой образ. Прекрасный и спокойный герой наслаждается собственной победой.
Изобразительное искусство
Предвестниками итальянского Ренессанса были Джотто ди Бондоне (Giotto di Bondone), Пьетро Каваллини (Pietro Cavallini), Симоне Мартини (Simone Martini).
В основе творчества лежали традиции средневековья, совмещающие новые художественные приёмы. Самостоятельным жанром становится портрет. Мазаччо (Masaccio), Никколо Пиццоло (Niccolo Pìzzolo), Сандро Боттичелли (Sandro Botticelli) наделяют персонажи индивидуальными чертами.
Поступки героев имеют человеческую мотивацию. В эпоху Высокого Возрождения искусство достигает вершины расцвета.
Леонардо Да Винчи
Пять веков исследователи творчества да Винчи (1452 − 1519) пытаются найти ответ на вопрос: кто он, гениальная личность во всём? Сверхъестественные способности Мастера привели к неожиданной гипотезе.
Леонардо да Винчи − посланник высших цивилизаций, прародитель будущего человечества.
Новатор в живописи применил масляные краски, вписал фигуры в пейзаж, сделал «живыми» портреты. «Мадонна в скалах» − первая картина в истории живописи, где персонажи изображены внутри пейзажа. «Дама с горностаем» стоит в три четверти, а не в профиль, и слушает невидимого собеседника.
На фреске «Тайная вечеря» апостолы отличаются друг от друга жестами и эмоциями. До Леонардо никогда индивидуальность персонажей не была так ярко прописана.
Изобретатель метода сфумато (sfumato) растушевал линии, осуществил переход света к тени и оживил полотна. До сих пор посетители Лувра теряют сознание при виде «Моны Лизы», облик которой выходит за границы рамки картины. Да Винчи теоретически обосновал необходимость художнической практики и оставил потомкам Витрувианского человека как эталон канонических пропорций.
Леонардо не учился в университетах, но совершил открытия в 50-ти видах знаний. Через 500 лет часть из них подтвердит официальная наука.
Микеланджело Буонарроти
Творчество второго из титанов итальянского искусства считается Кульминацией Высокого Ренессанса. За долгую жизнь Микеланджело Буонарроти (1475 − 1564) воплотил в творчестве все идеалы эпохи. В ранних работах проявились характерные черты стиля мастера: монументальные образы, пластика, возвеличивание красоты человека (рельеф «Битва кентавров»).
Скульптуры Микеланджело украсили Ватикан, Флоренцию, Рим. Работа «Пьета», считается вершиной мировой скульптуры.
Появление «Давида» вызвало восторг современников. Работа воплотила идеи гражданской доблести и красоты человека.
Цикл фресок Сикстинской Капеллы считаются самой монументальной работой автора. Сложнейшую задачу живописец выполнил самостоятельно в рекордные сроки.
Во втором десятилетии XVI века Микеланджело работает над гробницей Юлия II. Выполненная скульптура «Умирающий раб» изображает всё, что пришлось пережить пленнику: нестерпимую боль и освобождение от мук с приходом смерти. Реализм образа вызвал слухи в обществе. Считали, что натурщика замучили, чтобы передать страдания несчастного. Поздний период творчества отражает трагическое отношение к крушению идеалов Возрождения. Тема героизма сменяется образом погибающего человека.
Рафаэль Санти
Рафаэль Санти – выдающийся, архитектор, график считается третьей хрестоматийной личностью, начавшей революцию в искусстве Ренессанса.
Он прожил 37 лет, но оставил человечеству бесценное наследие культурных достижений Ренессанса.
В 19 лет Рафаэль Санти (1483 − 1520) пишет полную гармонии и душевной красоты «Мадонну Конестабиле».
После переезда во Флоренцию Рафаэль создаёт около 20 Мадонн, индивидуальные образы которых наделены необыкновенной теплотой любящей матери.
В 1508 году Санти становится официальным живописцем Ватикана. Росписи дворца − «Станцы Рафаэля» (Stanze di Raffaello) − приносят славу и выдвигают художника в тройку самых крупных мастеров монументального искусства.
Одновременно с картинами религиозной тематики Санти рисует портреты. Многогранный талант живописца повлиял на развитие архитектуры. Главный архитектор кафедрального собора святого Петра составляет новый план строительства и продолжает задуманное Браманте.
Зодчий воздвигает церкви и капеллы в Риме, строит палаццо. Отличительная особенность стиля архитектора заключается в стремлении связать назначение здания с размерами и фасадами соседних построек.
Каждый дворец имел индивидуальный нарядный облик.
Тициан Вечеллио
Жизнеутверждающее искусство крупнейшего представителя венецианской школы Тициана Вечеллио относится к Возрождению высокого и позднего периодов.
Титулованный при жизни первый художник Венеции имел собственный стиль и видение нового искусства. С 1510 года в течение 20 лет живописец создаёт пафосные монументальные полотна (росписи церкви в Венеции, «Вознесение Марии»), картины религиозной и мифологической направленности («Венера Урбинская», «Вознесение Богоматери»).
Славу художнику принесли портреты современников, в которых показаны противоречивые характеры персонажей. Виртуозные работы создавались с помощью нового приёма, присущего только Тициану. Живописец использовал тонкие тональные оттенки красок, выбирал характерную позу или жест изображаемого героя («Портрет Федерико Гонзага», «Красавица», «Ипполито Медичи»). Последние полотна на религиозную тематику считаются вершиной живописи («Оплакивание Христа», «Кающаяся Магдалина»).
Развитие мирового искусства во многом определило творчество живописца эпохи Ренессанса.
Музыка
В XIV веке в Италии наступает эпоха перемен в музыке. Путь развития искусства от средневековья до Позднего Ренессанса был периодом развития строгого стиля − полифонии. Вершиной развития одухотворённой музыки считается творчество композитора Джованни Пьерлуиджи да Палестри́на Giovanni Pierluigi da Palestrina).
Концертная жизнь Ренессанса обогащается новыми жанрами: оперой, сольной песней, лиричными музыкальными пьесами на 3-4 голоса (фротолла). Толчком для возникновения итальянской оперы стала идея Винченцо Галилея объединить античную драму с музыкой. Первая опера − «Эвридика» (автор музыки Якопо Пери).
Композиторы Возрождения начинают ориентироваться на современную танцевальную культуру, появляются новые жанры в инструментальной музыке. Популярными становятся школы исполнения на лютне и вёрджинеле. Орган в начале эпохи был основным инструментом музыкантов. Постепенно концертные выступления обогащаются семейством струнных.
Мастера по изготовлению смычковых инструментов разделяются на две противоборствующие группы. Приверженцы аристократического стиля пропагандируют виолу.
Любители народной музыки отдают предпочтение скрипке. В XV веке появляются разновидности клавишных инструментов − клавесин, чембало, клавикорд.
Театр
Италия − родина театра эпохи Возрождения. Увлечение античностью и произведениями греческих авторов повлияло на появление комедий и трагедий с приставкой ««учёная».
В это же время на улицах городов представления дают бродячие актёры с цирковыми трюками, комичными плясками, весёлыми песнями. В середине XVI века формируется театр масок. В основе дель Арте (commedia dell’arte) лежала импровизация на написанный короткий сюжет. Каждый персонаж пьесы − это заострённый шарж на конкретный тип социальной личности. Появление театра масок меняет дух спектаклей. Маска-образ показывает господ, слуг, купцов, банкиров.
Совмещение опыта народного театра с «учёной» драмой сформировало новый вид театрального искусства.
Комедия «Мандрагора» считается лучшей показательной пьесой того времени (автор − Никколо Макиавелли). Новый вид театрального искусства быстро стал любимым зрелищем народа.
Интересные факты
- Историк и художник Джорджо Вазари (Giorgio Vasari) в 1550 году термином rinascita назвал прорыв в искусстве, а не возвращение к истокам античности.
- Во время поисков реликвий античности Боккаччо посетил монастырь Монтекассино (Montecassino). В библиотеке он обнаружил древние рукописи Гомера и Платона с выдранными листами. Оказалось, что монахи соскабливали старинный текст с пергамента, изготавливали амулеты и продавали.
- Безупречную мелодию обнаружили в «Тайной вечере». Она появилась после того, как компьютерный техник нарисовали нотный стан вдоль монументальной росписи. Руки ангелов и хлеб на столе составляют гармоничную музыку.
- Реакционные тенденции в период Позднего Ренессанса коснулись творчества Микеланджело. Указом Папы Павла IV предписывалось «одеть» обнажённые фигуры «Страшного суда».
- Во время последней реставрации фресок Сикстинской капеллы установлено, что Микеланджело часто рисовал без помощи кисти, только пальцами.
- В 1994 году на аукционе Christie’s Билл Гейтс приобрёл манускрипт Леонардо да Винчи за 30,8 млн. долларов. Рукопись, написанная между 1504-1508 годами, содержит научные записи и рисунки, исследующие природные явления. Бизнесмен и филантроп временно передал «Лестерский кодекс» флорентийской Галерее Уффици (Galleria degli Uffizi) для выставки, посвящённой 500-летию годовщины смерти одного из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения.
Основные культурные достижения эпохи Возрождения
- Наследие итальянского Возрождения изменило мир, открыло новую эру в развитии искусства. Памятники культуры стали историческими ценностями.
- Возникло и получило развитие целенаправленное коллекционирование.
- В период Возрождения художественная культура выделилась в профессиональный вид деятельности.
- Идеи гуманизма воплотились в работах мастеров, создавших образ нового, гармонически развитого человека.
- Художники решили проблему восприятия иллюзий, открыли возможности изображения трёхмерного мира, изобрели новые формы творчества.
- Скульптура становится самостоятельным видом искусства.
- Воздвигаются памятники архитектуры, закладываются основы профессионального театра.
- Ренессанс открывает оперу, сольную песню, новые жанры в инструментальной музыке.
- Эпоха Возрождения рождает универсальное созвездие Титанов, обогативших историю культуры бесценными произведениями в живописи, архитектуре, скульптуре, музыке.
- Современные ценности и нравственные принципы невозможно представить без гуманистической этики Ренессанса.
аскет эпохи Возрождения – Православный журнал «Фома»
Приблизительное время чтения: 11 мин.
Кабальеро, положивший руку на грудь. Около 1580. Предположительно автопортрет Эль Греко
В этом году исполнилось 400 лет со дня кончины Эль Греко.
Про великого мастера эпохи Возрождения со странным именем, наверное, слышали все. Его портреты и работы на религиозные темы можно найти во всех учебниках по искусству Ренессанса. И сегодня, глядя на его гениальные холсты, трудно понять, почему мировая слава пришла к нему лишь спустя три столетия после его смерти. Что он был за человек? Почему носил такое прозвище? В чем видел смысл своего творчества?
О художнике рассказывает историк, богослов Тимофей Китнис.
У Эль Греко есть очень известная работа — «Портрет старика», 1604 года. Она считается автопортретом мастера, так что, рассмотрев ее, можно представить себе, каким он был. Но вместе с тем, если вглядеться в лица героев его работ последнего десятилетия — например, апостола Павла или евангелиста Луки, то станет очевидно, что они похожи на «Портрет старика», а значит, и на самого Эль Греко. Личности апостолов по какой-то внутренней причине были для него особенно значимы.
Мастер умер 7 апреля 1614 года в возрасте 73 лет.
Перед смертью он исповедался и причастился. А дальше произошла очень характерная история. Дело в том, что после смерти художника о нем… на триста лет забыли. Показательно, что до наших дней не сохранилась его могила, разрушен и дом в испанском Толедо, где он жил…Почему так произошло? Тому есть несколько причин. Во-первых, Эль Греко был слишком самобытен, не вписывался ни в одну из школ. В живописи он был, если можно так сказать, аристократом, далеко не всякий мог его понять и воспринять. Во-вторых, из-за своих независимых взглядов он так и не стал придворным художником короля Филиппа II, который, кстати, очень ценил некоторые его работы. Так или иначе, имя Эль Греко три столетия не вспоминали. В этом смысле его судьба схожа с участью Баха, которого после его смерти тоже предали забвению — до тех пор, пока его партитура «Страсти по Матфею» не попала в руки Мендельсону и он фактически заново не открыл этого гения. Точно так же в XIX уже веке два испанских исследователя пролили современникам свет на творчество Эль Греко.
Ученые увидели его работы из апостольского цикла, были поражены уровнем мысли и мастерства — и принялись за изучение. В результате холсты Эль Греко стали высоко цениться и дорого продаваться — конечно, вполне заслуженно.
Имя этого художника сегодня занимает одно из ключевых мест в истории живописи. Слава Богу, что так. Его работы можно увидеть в лучших музеях Европы. И, пожалуй, именно эти холсты могут теперь, по прошествии стольких лет, наиболее полно рассказать нам об этом фантастическом мастере, ни на кого не похожем. Который, кажется, знал, что такое божественный свет.
Апостолы Пётр и Павел. 1592
Эль Греко — не фамилия художника, а прозвище, отсылающее к его греческому происхождению. От рождения он носил другое имя — Доменико Теотоко́пули.
Родился будущий мастер на Крите, условной датой его рождения считается 1541 год. Условной — потому что в 1601 году он пригласил своих друзей на 60-летие.
От этого события и отсчитали время его появления на свет, но проверить данный факт уже вряд ли возможно.
Крит в то время принадлежал Венецианской республике. Там сосуществовали две христианские общины — католическая и православная. Родители Эль Греко были католиками, воспитали сына в своей традиции. Однако он с ранних лет, как только взял в руки кисть, находился под особым обаянием Критской иконописной школы, возникшей внутри греческой православной культуры. В то время — в XVI веке — она переживала свой расцвет. К его первым учителям относят иконописца Михаила Дамаскиноса, косвенное влияние оказал на него Феофан Критский. Некоторые исследователи творчества Эль Греко придерживаются мысли, что он до конца жизни сохранял верность тем основам, которые были в него заложены на Крите. Что, в общем-то, справедливо. К примеру, у него осталось то особое ощущение света и пространства, особый символизм, которые были в иконографическом искусстве того времени. Кроме того, Эль Греко присуща тонкость и точность ликов, что тоже перекликается с критской традицией.
Однако на Крите он провел только часть жизни. К 26 годам Эль Греко почувствовал необходимость внутренне и профессионально расти. Чтобы развиваться как живописец, он в 1567 году переехал в Венецию. В его работах очевидны следы пребывания там: он учился в мастерской Тициана и одно время находился под сильным впечатлением от его творчества. Некоторые искусствоведы даже полагают, что Эль Греко копировал Тициана. Однако вряд ли это справедливо. Талант Эль Греко настолько самобытен, что если он когда-то кого и копировал, то только самого себя. Со временем он внутренне разошелся с Тицианом. Эстетика великого венецианца все же была ему чужда, хотя он и считал его гениальным живописцем, мастером рисунка. Но сам Эль Греко склонялся к более глубоким исследованиям человеческой натуры. Творчество Тициана казалось ему слишком чувственным — скорее внешним, чем внутренним. Эль Греко же был в своих работах аскетичнее, его интересовал прежде всего духовный пласт. Кроме того, огромное влияние за время пребывания в Венеции на него оказал Тинторетто.
Многие приемы — игру света и тени, мазки, тему и стиль позднего маньеризма он взял у этого итальянского художника.
Вообще, Эль Греко очень много учился, практически всю жизнь. Он был чрезвычайно образованным человеком своего времени. Образование он начал получать на Крите, продолжил в Венеции, позднее переехал в Рим.
Он свободно владел четырьмя языками — греческим, латынью, итальянским, позднее и испанским. Постоянно собирал библиотеку, которая в свое время была одной из самых блестящих в Толедо, куда он со временем перебрался на постоянное место жительства. Она включала 131 том только наиболее ценных экземпляров на разных языках, не считая прочих книг.
Путь к апостоламВ связи с этим художником часто возникает вопрос, почему же он, грек по происхождению, более склонялся к живописи, чем к иконописи? Дело в том, что Эль Греко вырос в среде римо-католиков, иконопись и западная живопись были ему равно близки. При этом он был человеком Ренессанса.
И хотя, безусловно, он всю жизнь находился под впечатлением от Критской иконописной школы, она была не единственной, оказавшей на него влияние. В искусстве он пошел своим самобытным путем.
Здесь нужно отметить одну важную деталь: творчество Эль Греко во многом загадочно, в своей манере письма оно не имеет предшественников, хотя следы и Тициана, и Тинторетто там определенно есть. Не осталось у него и учеников. В некотором смысле Эль Греко можно сравнить с Ван Гогом — тот тоже был абсолютно самобытен и лишь условно связан с предшественниками и современниками. Как и в случае с Ван Гогом, Эль Греко многие не понимали. К примеру, когда он уже жил в Толедо, к нему явился один искусствовед, человек весьма передового мышления. Они, оба люди эпохи Возрождения, беседовали об искусстве, философии, богословии… И гость был поражен нестандартностью мыслей Эль Греко, который сначала полностью раскритиковал Аристотеля, а затем принялся за Микеланджело: дескать, он, конечно, был хорошим человеком, но дурным живописцем.
Такое заявление выглядело, мягко говоря, смело, не всякий смог бы его понять. Кстати, Эль Греко позже вступил в соревнование с Микеланджело — когда писал свою знаменитую работу «Снятие пятой печати». Тематически она перекликается со «Страшным судом» Микеланджело в Сикстинской капелле — речь в обоих случаях идет о конце времен.
У Эль Греко была возможность пожить в Риме: он перебрался туда в 1570 году, когда покинул Венецию. Город оказал на него огромное воздействие. Он ходил мимо благородных руин, описывал, срисовывал, как и положено, значимые античные объекты… Но там он долго не задержался. С 1575 года и до конца своих дней — до 1614 — он прожил в Толедо. Именно этот город стал для него в определенном смысле второй родиной.
Толедо и сейчас — один из самых блестящих городов Испании, а в то время… Когда страна была под владычеством мавров, Толедо по уровню учености своих жителей, по уровню мысли философов, которые там проживали, был настоящим конкурентом знаменитому Кордовскому халифату.
Эль Греко поселился в «мистическом» доме — в поместье, когда-то принадлежавшем маркизу де Вильене, которого считали едва ли не чернокнижником. Художник прожил в его доме до конца своих дней. Там, в мастерской внутри шикарного особняка, он принимал узкий круг близких по духу людей. К этому моменту творчество Эль Греко достигло своего апогея. Он стал зрелым художником и при этом был полон сил, энергии. В это время он создал один из самых известных своих холстов — «Апостолы Петр и Павел». Конечно, у него были и другие весьма значимые работы, и немало. Но тема учеников Христа проходит через всю его жизнь, в конце которой он создал целый апостольский цикл. Сейчас он находится в Толедо. Можно сказать, этот цикл подвел черту в художественной биографии Эль Греко. И, пожалуй, символично, что на этих холстах изображены люди, посвятившие себя проповеди Христа.
Записала Алла Митрофанова
«Благовещение»В картине «Благовещение» (около 1567-1568) прослеживается мысль о том, что в лице Богородицы человечество сделало Богу… приношение.
Ведь в деле спасения людей участвует не только Господь, но и мы сами — это соработничество. Потребовалось много тысяч лет, прежде чем человечество, ценой серьезных внутренних усилий и подвига отдельных людей, смогло произвести на свет такое чистое Дитя. И как только это произошло, стало возможно пришествие в мир Спасителя — Бог вышел навстречу человеку. Архангел Гавриил, каким мы видим его на холсте Эль Греко, понимает это и не может удержаться от движения к Божией Матери.
К евангельскому сюжету «Христос исцеляет слепого» Эль Греко обращался трижды, все эти холсты написаны им в Италии. Самый известный — тот, который сейчас находится в Парме (1570–1575). Вообще, Эль Греко на протяжении всей своей жизни обращался к образу Христа, Он был для мастера центральной фигурой. Это хорошо видно в «Исцелении слепого». На холсте справа от Спасителя стоят мудрецы, которые повсюду идут за Ним. Слева — человек, который куда-то показывает и призывает следовать за собой.
А Христос пребывает как будто отдельно от них. В этой композиции проявляется важная черта живописи Эль Греко — его глубокая внутренняя религиозность и понимание сути христианства. Мастер подчеркивает, что Спаситель, с одной стороны, остается в нашем мире, но с другой — миру не принадлежит. И Его Божественная природа не всегда бывает понятна людям, которые рядом с Ним. На глазах у них происходит чудо — человеку даруют зрение. Но каждый из них в этот момент находится внутри себя, они видят Христа — но в то же время не видят. Как Понтий Пилат, который спрашивал, что есть истина, в тот момент, когда Истина в лице Христа стояла перед ним.
В работе «Несение креста» ярко проявляется настрой Эль Греко последних лет жизни. На холсте мы видим Спасителя в благородном алом одеянии. В сочетании с окружающим мраком это выглядит — наверное, правильно будет сказать — мистически. Вообще, многие искусствоведы, кто занимался творчеством Эль Греко, отмечали, что в Испании к нему пришел именно мистический настрой.
И эта внутренняя настроенность явно отразилась в его работах. Чем ближе мастер к концу жизни, тем более иррациональным становится его творчество.
В «Несении креста» видно, что Господь, проходя через крестные страдания, взывает к Небесному Отцу и молится за всех людей, особенно за тех, кто Его распинает. (Это постоянное моление, которое изображает Эль Греко, — черта уже не Ренессанса, здесь сказывается наследие Критской византийской традиции.) И это всеобъемлющее милосердие способно победить любое зло мира. Но при этом Христос, опять же, и вместе с людьми — и как бы вне их. Видно, что Он Человек, Он страдает как человек: видны следы крови от тернового венца, глаза полны слез… Но Сам Он при этом светел. Как это возможно?.. Наверное, только в том случае, если Он Сам — источник этого света.
Работу «Поклонение имени Христа» (около 1577–1579) некоторые исследователи считают не вполне удачной. Критикуют за то, что там слишком много действующих лиц.
Действительно, мы видим на холсте поистине массовые сцены. В «Поклонении имени Христа» изображен Страшный суд. И все люди, умершие и живые, поклоняются начертанному на небе имени Спасителя. На довольно небольшом холсте собраны люди разных эпох (есть среди них и Карл V, отец Филиппа II) — время как будто сворачивается перед лицом вечности, отступает. В этой работе совмещены сцены рая и ада, небесного и земного. Люди, поклоняющиеся Христу, восходят на небеса, а тех, кто Его отверг, поглощает пасть ада.
Уже будучи в Толедо, Эль Греко взялся за сюжет «Снятие одежд с Христа», или «Эсполио» (1577–1579), что переводится как «ограбление». На холсте мы видим момент Страстей Христовых, когда Спасителя готовят к распятию. И вновь фигура Христа здесь — центральная. Пространство вокруг перенасыщено людьми, все они заняты своими мыслями и делами. Некоторые из них застыли в своих позах, что выглядит на первый взгляд вычурно, манерно.
Эль Греко за такие приемы часто называют маньеристом. Однако это не вполне справедливо — все же он абсолютно самобытный, стоящий вне какой бы то ни было школы художник. Это легко увидеть, если посмотреть, как он изобразил Спасителя. От Него исходит Божественная благодать, она изливается на всех людей, которые Его окружают. При этом видно, что Господь в молитве обращается к Богу-Отцу. Как и в сюжете с исцелением слепого, Он, находясь среди людей, пребывает в постоянном общении с Отцом Небесным. С богословской точки зрения это очень точная мысль.
Смотрите также:
Искусство и архитектура эпохи Возрождения | Оксфорд Арт
Введение
Фра Анджелико: Благовещение (ок. 1440–1445), фреска, северный коридор, монастырь Сан-Марко, Флоренция; фото: Эрих Лессинг/Art Resource, NY
Ренессанс относится к эпохе в Европе с 14 по 16 века, когда новый стиль в живописи, скульптуре и архитектуре развивался после готики.
Хотя религиозное мировоззрение продолжало играть важную роль в жизни европейцев, для эпохи Возрождения характерно растущее осознание мира природы, индивидуального и коллективного мирского существования человечества.Произведенное от французского слова «ренессанс» и итальянского слова rinascità, оба означающих «возрождение», Ренессанс был периодом, когда ученые и художники начали исследовать то, что они считали возрождением классического обучения, литературы и искусства. Например, последователи писателя XIV века Петрарки начали изучать тексты из Греции и Рима на предмет их нравственного содержания и литературного стиля. Уходя своими корнями в средневековый университет, это исследование под названием «Гуманизм» сосредоточилось на риторике, литературе, истории и моральной философии.
В эпоху Возрождения сохранились многие черты средневековья, в том числе наследие художественных приемов, используемых в книгах, рукописях, драгоценных предметах и масляной живописи. Картины Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена фиксируют изысканные детали мира природы, чтобы облегчить религиозный и духовный опыт зрителя.
К северу от Альп идеалы Возрождения достигли высшей точки в творчестве Альбрехта Дюрера в начале 16 века, и Германия стала доминирующим художественным центром.С Реформацией и отсутствием католической церкви в немецкоязычных землях 16 века гравюры в виде ксилографий и гравюр способствовали распространению протестантских идеалов. В результате такие художники, как Питер Брейгель I в Нидерландах и Ганс Гольбейн в Англии, специализировались на более светских предметах, таких как пейзаж и портретная живопись.
Наконец, вершина периода, называемого Высоким Возрождением, наиболее известна некоторыми из величайших мастеров западного искусства: Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэлем.Известные произведения, такие как «Мона Лиза» Леонардо, потолочные фрески Микеланджело в Сикстинской капелле и знаменитые «Мадонны» Рафаэля, продолжают удивлять зрителей своим натурализмом. После Высокого Возрождения маньеризм развился с ок. 1510–20–1600 гг. В произведениях этого стиля часто подчеркивалась искусность и ловкое мастерство художника.
Основные работы, такие как Палаццо дель Те Джулио Романо и Мадонна с длинной шеей Пармиджанино, отражают инновации маньеризма. Во Франции присутствие итальянских художников-маньеристов в Фонтенбло установило придворный вкус.Для многих художественные творения эпохи Возрождения до сих пор представляют собой высшее достижение в истории искусства.
Эссе
Биографии
- Альберти, Леон Баттиста
- Альтдорфер, Альбрехт
- Беллини, Джованни
- Боттичелли, Сандро
- Брейгель, Питер I [старший]
- Бронзино, Аньоло
- Брунеллески, Филиппо
- Кристус, Петрус
- Кранах, Лукас, старший и младший
- Донателло
- Дуччо
- Дюрер, Альбрехт
- Джотто
- Греко, Эл
- Леонардо да Винчи
- Липпи, Фра Филиппо
- Ломбардо, Туллио
- Манара, Бальдассаре
- Мемлинг, Ханс
- Микеланджело
- Пьеро делла Франческа
- Пьеро ди Козимо
- Рафаэль
- Сарто, Андреа дель
- Тинторетто, Якопо
- Тициан
- Эйк, Ян ван
- Вейден, Рогир ван дер
Назад ко всем предметным справочникам
Искусство эпохи Возрождения — Энциклопедия всемирной истории
Искусство эпохи Возрождения в Европе (1400–1600 гг.
н. э.) включает в себя одни из самых узнаваемых и любимых картин и скульптур в мире.Мастера часто были искусны как в живописи, так и в скульптуре, и, изучая античное искусство и добавляя свои теоретические знания математической перспективы и новых приемов живописи, они создавали поистине уникальные произведения искусства. Реализм, детализация, драматизм и тонкие пласты смысла стали чертами религиозного и светского искусства. Теперь художники, наконец, освободились от своего прежнего статуса ремесленников и заняли новое положение в качестве жизненно важных участников культуры и престижа обществ, в которых они жили.
К определяющим чертам искусства эпохи Возрождения относятся:
- интерес к захвату основных элементов классического искусства, особенно формы и пропорций человеческого тела.
- интерес к истории современного искусства и прокладывание непрерывного пути развития.
- представляет собой смесь языческой и религиозной иконографии, но в центре внимания находится человечество.
- склонность к монументальности и драматическим позам.
- заинтересованность в создании эмоционального отклика у зрителя.
- развитие точной математической точки зрения.
- интерес к гиперреалистичным и детализированным портретам, сценам и пейзажам.
- интерес к использованию ярких цветов, теней и передаче эффектов света.
- Развитие в использовании масляных красок и мелкой печати.
- использование тонких форм и предметов повседневного обихода для придания дополнительного значения.
- повышение престижа художников как мастеров-ремесленников, сочетавших интеллектуальную учебу с практическими навыками.
Средневековое происхождение
Раньше считалось, что искусство эпохи Возрождения возникло из ниоткуда в результате чудесного возрождения идей и талантов, но исследования современных историков показали, что многие элементы искусства эпохи Возрождения подвергались экспериментам в 14 веке нашей эры.
Такие художники, как Джотто (ум. 1337 г. н.э.), стремились сделать свои картины более реалистичными, поэтому они использовали ракурс, чтобы придать сцене ощущение глубины. Использование Джотто ракурсов, света и теней, эмоций и динамического выбора сцен лучше всего видно на его религиозных фресках в капелле Скровеньи в Падуе (ок.1315 г. н.э.). Эти техники и успех художника в оживлении персонажей оказали огромное влияние на более поздних художников. По этой причине Джотто часто называют «первым художником эпохи Возрождения», даже если он жил до эпохи Возрождения.
«Поцелуй Иуды» Джотто
Джотто (общественное достояние)
Состоятельные меценаты были движущей силой искусства эпохи Возрождения в период, когда подавляющее большинство художественных произведений создавалось на заказ.Церкви были обычными бенефициарами этой системы в первой половине эпохи Возрождения. Расписные панели для алтарей и фрески были наиболее распространенной формой художественного оформления, часто изображая sacra conversazione , то есть Богородицу с младенцем в окружении святых и доброжелателей.
Монументальные запрестольные образы высотой в несколько метров часто искусно обрамлялись, чтобы имитировать современные разработки в архитектуре. Самым известным алтарем из всех является Гентский алтарь 1432 года н.э. работы Яна ван Эйка (ок.1390-1441 гг.). Таким образом, сюжеты раннего Возрождения очень похожи на сюжеты, популярные в средние века.
Эволюция в искусстве была относительно медленной, но по мере того, как некоторые художники приобретали большую известность, они могли развивать новые идеи и отличать Искусство от того, что было раньше.
Частные покровители, такие как папы, императоры Священной Римской империи, короли и герцоги, видели выгоду в украшении своих городов и дворцов, но они также были очень заинтересованы в получении репутации благочестивых людей и знаний в области искусства и истории.Как только покровитель находил художника, который ему нравился, он часто нанимал его на длительный срок в качестве официального придворного художника, ставя перед ним всевозможные задачи, от портретов до дизайна ливрей.
Меценаты платили, поэтому они часто обращались с конкретными просьбами о деталях произведения искусства. Кроме того, хотя художник мог использовать свои навыки и воображение, он должен был оставаться в рамках условности, поскольку фигуры в их работах должны были быть признаны такими, какие они есть. Например, было бы бесполезно делать фреску с изображением жизни святого, если бы никто не узнавал, кто этот святой.По этой причине эволюция в искусстве была относительно медленной, но по мере того, как некоторые художники приобретали большую известность, они могли развивать новые идеи в искусстве и отличать его от того, что было раньше.
Классическое возрождение
Определяющей чертой эпохи Возрождения был новый интерес к древнему миру Греции и Рима. В рамках того, что мы сейчас называем гуманизмом эпохи Возрождения, с классической литературой, архитектурой и искусством консультировались, чтобы извлечь идеи, которые можно было преобразовать для современного мира.Лоренцо Медичи (1449-1492 гг.
н.э.), глава великой флорентийской семьи, был известным меценатом, и его коллекция древних произведений искусства была предметом изучения для многих художников. Молодые художники, обучаясь в мастерских признанных мастеров, также имели там доступ к древнему искусству или хотя бы к репродукциям рисунков.
Рождение Венеры Боттичелли
Сандро Боттичелли (CC BY-SA)
Художники напрямую имитировали классические произведения искусства или их части в своих собственных произведениях.В 1496 году н.э., например, Микеланджело (1475-1564 гг. н.э.) вылепил Спящего Купидона (теперь утерян), который он намеренно состарил, чтобы он выглядел как подлинная древняя работа. Еще одно воссоздание античности, на этот раз полностью воображаемое, — фреска Рафаэля (1483–1520 гг.). На этой фреске, завершенной в 1511 году н. э. и расположенной в Ватикане, изображены все основные мыслители древнего мира. Особой популярностью пользовались распространенные образы из классической мифологии.
Они были снова переосмыслены, и в некоторых случаях они даже обогнали древнее искусство в наших умах, когда мы думаем об определенных предметах. Рождение Венеры (ок. 1484 г. н.э., Галерея Уффици, Флоренция) Сандро Боттичелли (1445-1510 гг. н.э.) является показательным примером. Наконец, изображение древней архитектуры и руин было особым фаворитом многих художников эпохи Возрождения, чтобы придать фоновую атмосферу как их мифологическим, так и религиозным произведениям.
История любви?
Подпишитесь на нашу бесплатную еженедельную рассылку по электронной почте!
Повышение статуса художников
Еще одним нововведением стал интерес к реконструкции истории искусства и каталогизации того, кто именно был великим художником и почему.Самым известным ученым, составившим такую историю, был Джорджо Вазари (1511–1574 гг. Н. Э.) В его книге «Жизнеописания самых выдающихся итальянских архитекторов, художников и скульпторов » (1550 г. н. э., переработано в 1568 г.
н. э.). История представляет собой монументальную запись художников эпохи Возрождения, их работ и связанных с ними анекдотических историй, поэтому Вазари считается одним из пионеров истории искусства. Художники также выиграли от написания конкретных биографий об их жизни и творчестве, даже когда они были еще живы, например, 1553 г. н.э. Жизнь Микеланджело , написанная Асканио Кондиви (1525-1574 н.э.).Художники также писали тексты о техниках на благо других, самыми ранними из которых были комментариев Лоренцо Гиберти (1378–1455 гг. Н. Э.), Написанные около 1450 г. н. э. Поскольку комментариев включают подробности о собственной жизни и творчестве Гиберти, это также первая автобиография европейского художника.
Давид Микеланджело
Джо Хант (CC BY)
Этот интерес к художникам эпохи Возрождения, их личной жизни и тому, как они пришли к созданию шедевров, отражает высокий статус, которым они теперь пользовались.Художники по-прежнему считались ремесленниками, такими как сапожники и плотники, и они были вынуждены вступать в торговую гильдию.
Это начало меняться в эпоху Возрождения. Художники явно отличались от других ремесленников тем, что могли приобрести широкую известность своими произведениями и вызвать у своих сограждан чувство гражданской гордости. Однако именно интеллектуальные усилия таких художников, как Леонардо да Винчи (1452–1519 гг. н. э.) и Альбрехта Дюрера (1471–1528 гг. н. э.), в конце концов подняли художников до статуса «художников» — термин, ранее ограниченный теми, кто изучал традиционную живопись. гуманитарные науки, такие как латынь и риторика.Художники проявляли живой интерес к изучению истории искусства, того, что происходило в мире искусства в других местах, писали трактаты о своем ремесле и ставили эксперименты в математической перспективе. Все это возвысило искусство до уровня науки.
Еще одна отличительная черта художников эпохи Возрождения, особенно тех, кто принадлежал к Высокому Возрождению (1490–1527 гг. н. э.), — их исключительные способности в различных средствах массовой информации.
Такие деятели, как Микеланджело и Леонардо, были столь же опытными художниками, сколь и скульпторами, и оба, как и многие другие мастера, также обратились к архитектуре.У таких успешных мастеров были большие мастерские, и они были тренировочной площадкой для следующего поколения художников.
О большей уверенности в своих навыках, знаниях и вкладе в культуру в целом свидетельствует увеличение числа художников, написавших автопортреты. Другим признаком было частое подписание произведений, иногда на очень видных местах картины (даже если помощники в мастерской мастера часто доделывали работы).
Афинская школа Рафаэля
Рафаэль (общественное достояние)
Живопись и новые техники
Художники эпохи Возрождения были разносторонними и часто экспериментировали, но, как правило, в эпоху Возрождения они использовали технику фрески для стен, темперу для панелей и масло для панелей или холста.Фреска — живопись по мокрому гипсовому фону — и темпера — с использованием пигментов, смешанных с яичным желтком, — обе эти техники применялись задолго до эпохи Возрождения.
Однако были проведены эксперименты с использованием масляных красок (пигменты, смешанные с льняным маслом или маслом грецкого ореха), которые давали более насыщенные цвета, более широкий диапазон тонов и большую глубину, чем традиционные цвета. Масла позволили показать больше деталей на картине и позволили мазкам кисти стать визуальным эффектом. Таким образом, к концу 15 века н.э. большинство крупных художников использовали масло при работе за мольбертом, а не темперу.Недостатком масел было то, что они быстро портились, если их использовать на стенах вместо настоящей фрески.
В зависимости от местности существовали разные стили и техники рисования. Например, техника colore (или colorito ) была преобладающей в Венеции (где контрастные цвета использовались для создания и определения гармоничной композиции), в то время как disegno предпочитали во Флоренции (где преобладало рисование формы). Другие техники, усовершенствованные художниками эпохи Возрождения, включают chiaroscuro (контрастное использование света и тени) и sfumato (переход более светлых цветов в более темные).
Сюжет картины был еще одной возможностью для экспериментов. Рисование фигур в драматических позах стало модой эпохи Возрождения, что лучше всего видно на потолке Сикстинской капеллы Микеланджело в Риме (1512 г. н.э.). Потрясающее ощущение движения создается благодаря использованию художником контрапоста , то есть асимметрии между верхней и нижней частью тела фигур, техники, используемой Леонардо и многими другими. Другая идея заключалась в том, чтобы создавать фигуры в сцене, особенно треугольники. Целью этого было создать гармоничную композицию и придать дополнительную глубину, как это видно на фреске Леонардо «Тайная вечеря » в миланской церкви Санта-Мария-делле-Грацие (ок.1498 г. н.э.) или Галатея Рафаэля (ок. 1513 г. н.э., Вилла Фарнезина, Рим).
Бог, создающий солнце, луну и планеты, Сикстинская капелла
Микеланджело (общественное достояние)
Художники стремились к еще большему ощущению реальности в своих картинах, и это можно было сделать, воспроизводя перспективу, которую можно было бы увидеть в трехмерном изображении.
Андреа Мантенья (ок. 1431–1506 гг. Н. Э.) Использовал технику ракурса, как это делал Джотто. См. его Агония в саду (ок.1460 г. н.э., Национальная галерея, Лондон). Мантенья также любил рисовать свои сцены так, как если бы на них смотрели снизу, — еще один прием, который придавал его работам глубину. Иногда глубина достигалась на среднем плане картины, а фигуры господствовали на переднем плане, приближая их к зрителю. Это была техника, изобретенная Пьетро Перуджино (ок. 1450-1523 гг. н.э.), и лучше всего ее можно увидеть в Браке Богородицы (ок. 1504 г. н.э., Пинакотека Брера, Милан) Рафаэля, когда-то ученика Перуджино.
Между тем, такие художники, как Пьеро делла Франческа (ок. 1420–1492 гг. н. э.), пошли дальше и использовали точные математические принципы перспективы, как это можно увидеть в его «Бичевании Христа» (ок. 1455 г. н. э., Национальная галерея Марке, Урбино). ). Некоторые критики считали, что некоторые художники зашли слишком далеко в использовании перспективы, и поэтому первоначальный смысл их живописи был потерян; Паоло Уччелло (1397-1475 гг.
н.э.) стал особой жертвой этого утверждения. Картина Уччелло «Охота » (ок. 1460 г. н.э., Музей Эшмола, Оксфорд), безусловно, является смелой картиной с панорамным видом на симметричный лес, уходящий на все более темный фон, в то время как на переднем плане преобладают охотники и их собаки, все сходящиеся к отдаленной центральной точке.
«Экстаз святого Франциска» Джованни Беллини
Google Cultural Institute (общественное достояние)
Еще одним шагом на пути к большей реальности было обеспечение сцены единым источником света, который обеспечивает соответствие областей тени во всех элементах картины. См., например, экстаз святого Франциска 1480 г. н.э. (коллекция Фрика, Нью-Йорк) Джованни Беллини (ок. 1430-1516 гг. н.э.). Художники даже начали разыгрывать зрителя, например, зеркало на портрете Яна ван Эйка Свадьба Арнольфини (1434 г. н.э., Национальная галерея, Лондон), в котором отражены фигуры, которые должны стоять рядом со зрителем.
Все эти методы имели дополнительное преимущество, заключающееся в создании «вау-фактора» у зрителей, не привыкших видеть такие новшества.
художников эпохи Возрождения хотели придать своим работам еще один уровень смысла, а не просто визуальное первое впечатление. Мифологические сцены часто были наполнены символикой, предназначенной для того, чтобы отделить хорошо образованного зрителя от менее. Тициан (ок. 1487-1576 гг. н.э.) даже описывал свои мифологические картины как форму поэзии, которую он называл poesia , такова была плотность классических отсылок в них.См., например, его Вакх и Ариадна (ок. 1523 г. н.э., Национальная галерея, Лондон).
Мона Лиза
Центр исследований и реставрации музеев Франции (общественное достояние)
Портретная живопись была еще одной областью, в которой преуспели художники эпохи Возрождения. Самый известный пример — « Мона Лиза » Леонардо (ок. 1506 г. н.э., Лувр, Париж), на которой изображена неопознанная женщина.
Леонардо не только нарисовал портрет, но и уловил настроение натурщика.Контуры, перспектива и градации цвета объединяются, чтобы оживить изображение. Далее, небрежная поза и взгляд дамы в три четверти — еще один намек на движение. Эта картина впоследствии оказала огромное влияние на портреты. Еще одним событием стало использование предметов повседневного обихода на портретах, чтобы намекнуть на характер, убеждения и интересы натурщика. Нидерландские художники были особыми мастерами реалистических портретов, и их идеи распространились в Италию, где их можно увидеть, например, в работах Пьеро делла Франческа, особенно в его картине Федерико да Монтефельтро, герцога Урбино (ок.1470 г. н.э., Уффици, Флоренция).
Скульптура и разрушение классического стереотипа
В то время как многие религиозные сюжеты оставались популярными в скульптуре, такие как Пьета — Дева Мария, оплакивающая тело Иисуса Христа, — традиционная иконография вскоре уступила место более новаторским обработкам.
Донателло (ок. 1386-1466 гг. н.э.), например, экспериментировал с техникой жертвоприношения и отделкой, чтобы уловить эмоции фигуры, стратегия, которую лучше всего видно в его деревянном Марии Магдалине (ок.1446 г. н.э., Museo dell’Opera del Duomo, Флоренция).
Мария Магдалина Донателло
Саилко (CC BY-SA)
В эпоху возрождения классики скульпторы создавали собственные версии древних фигур из дерева, камня и бронзы. Самым известным из всех является Давид Микеланджело (1504 г. н.э., Галерея Академии, Флоренция). Представляя библейского царя, который в молодости лихо убил великана Голиафа, мраморная фигура намного больше, чем в натуральную величину, около 5.20 метров (17 футов) в высоту. Это напоминает колоссальные статуи Геркулеса античности, но напряжение фигуры и его тщательно выверенное лицо — выдумки эпохи Возрождения.
Донателло создал свою версию Давида в бронзе (1420-е или 1440-е годы н.э., Барджелло, Флоренция), и эта работа была еще одним резким отходом от античной скульптуры.
Поза создает чувственную фигуру, которую нельзя было создать в древности. Давид Микеланджело и Донателло напоминают о тесной связи между искусством и функцией в эпоху Возрождения.Давид появился на официальной печати Флоренции, и как убийца Голиафа это было своевременным напоминанием о борьбе флорентийцев против соперничающего города Милана.
Чудо мула Донателло
Саилко (общественное достояние)
Родственным искусством скульптуры была гравюра. Здесь снова участвовал Донателло, создавший превосходные бронзовые панели с низким рельефом для баптистерия Сиены и нескольких флорентийских церквей. Техника вырезания сцены с небольшой глубиной, но при этом с сохранением ощущения перспективы, была известна как «уплощенный рельеф» или rilievo schiacciat o.Совсем другая техника заключалась в создании металлических панелей с настолько рельефными фигурами, что они были почти круглыми. Самый известный пример этой техники — «Врата рая» Лоренцо Гиберти, двери баптистерия Сан-Джованни во Флоренции (завершен в 1452 году нашей эры).
На позолоченных панелях, прикрепленных к дверям, изображены библейские сцены и даже бюст самого Гиберти.
С 1420 г. н.э. гравюры на дереве были популярны, но именно развитие гравюры на медных пластинах в 1470-х годах н.э. действительно сделало гравюры настоящим видом искусства.Медные пластины давали гораздо большую точность и детализацию. Мантенья и Дюрер были двумя известными экспертами в этом, и их гравюры стали предметом коллекционирования. Самым успешным печатником был Маркантонио Раймонди (1480-1534 гг. н.э.), и его репродукции изобразительного искусства помогли распространить идеи в Северной Европе и наоборот.
Чудо святого Марка Тинторетто
Didier Descouens (CC BY-SA)
Наследие искусства эпохи Возрождения
Коллекционирование искусства стало хобби богатых, но по мере того, как средний класс становился богаче, он тоже мог приобретать искусство, хотя и не такое большое.Мастерские, подобные тем, которыми руководил Гиберти, начали не то чтобы массово производить искусство, но, по крайней мере, использовать стандартизированные элементы, взятые из существующего каталога.
Короче говоря, искусство больше не было доступно только богатым, и те, кто все еще не мог позволить себе оригиналы, всегда могли купить репродукции. Гравюры также широко распространили репутацию художников. Благодаря расширению рынка искусства мастера теперь могли свободно производить искусство так, как они думали, а не так, как думал меценат.
Искусство эпохи Возрождения постоянно развивалось.Например, маньеризм — это расплывчатый термин, который изначально относился к совершенно другому искусству, появившемуся после Высокого Возрождения. Затем маньеризм приобрел более положительное значение — стильность, двусмысленность сообщения, контраст и в целом игра с методами и стандартизациями, которые установили более ранние художники эпохи Возрождения. См., например, 1548 г. н.э. Чудо святого Марка, спасающего раба Тинторетто (ок. 1518-1594 н.э., Академия, Венеция). Из маньеризма возник следующий крупный стиль в европейском искусстве, высокодекоративное барокко, которое подняло богатые цвета, мелкие детали и энергичные позы искусства эпохи Возрождения к новой крайности подавляющей драмы и декоративности.
Перед публикацией эта статья прошла проверку на точность, надежность и соответствие академическим стандартам.
Введение в искусство Высокого Возрождения в 12 работах
Тициан, Вакх и Ариадна, 1520-23 | © National Gallery/WikiCommons
Высокое Возрождение заключалось в том, чтобы взять то, что делали художники раннего Возрождения, и расширить его, подняв на новую невероятную высоту. Этот период длился недолго, начиная примерно с 1480 года и продолжаясь около 40 лет; однако в этом списке есть работы немного моложе.Начиная с Леонардо да Винчи, который положил начало следующей фазе Возрождения в искусстве, мы представляем вам 12 работ, которые познакомят вас с этим невероятным периодом в истории искусства.
Говоря о Высоком Возрождении, мы должны начать с Леонардо да Винчи, который начал расширять то, что делали художники раннего Возрождения. Он начинает играть с пространством, используя более одной точки схода и по-новому используя свет и тень.
Леонардо также любил делать всевозможные рисунки, особенно человеческую форму, которые он делал с большой точностью, как никто раньше.Один из его известных рисунков — «Витрувианский человек», на котором изображено, как «человек с идеальными пропорциями» идеально вписался бы в круг внутри квадрата — то, что римский архитектор Витрувий описал в «Об архитектуре». Этот рисунок находится в коллекции Галереи Академии в Венеции.
Леонардо да Винчи, Витрувианский человек, ок. 1490 | © Luc Vatour/www.Lucnix.be/WikiCommons
Как уже говорилось выше, Леонардо стремился поднять искусство эпохи Возрождения, экспериментируя, а иногда и используя разные техники, которые не всегда срабатывали.Одним из таких примеров, который, к счастью, у нас есть и сегодня, является культовая «Тайная вечеря». Созданная между 1495 и 1498 годами для трапезной церкви Санта-Мария-делла-Грацие в Милане, эта фреска использовала экспериментальную технику масла и темперы на гипсе — она ужасно выцвела; тем не менее, это одно из лучших и самых любимых произведений всех времен.
Используя многоточечную перспективу, Леонардо также обладал невероятным талантом изображения отдельных личностей и персонажей, что проявляется в этой работе.Он был восстановлен; однако осталось только около 42 процентов работ Леонардо.
Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1495-98 | © Монастырь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан/WikiCommons
Давид Микеланджело сильно отличается от версии раннего Возрождения Донателло — молодой человек, который выглядит как молодой человек и тот, кто только что убил врага. Версия Микеланджело колоссальна, стоит на высоте 17 футов, с чрезвычайно большими руками: причина этого в том, что она предназначена для размещения высоко, чтобы зрители должны были смотреть вверх — правильный способ смотреть на нее, заставляя его казаться сверхчеловеком.Будучи еще молодым человеком — 16 лет — этот Давид имеет сильное тело, из-за чего он кажется немного старше своих 16 лет, и с пращой на плече он еще не ходил в бой. Давида можно увидеть в Галерее Академии изящных искусств во Флоренции.
Микеланджело, Давид, 1501-04 | © Jörg Bittner Unna/WikiCommons
Если вы когда-нибудь были в Лувре, то знаете, сколько людей стекается, чтобы увидеть эту картину вживую. Одно из самых узнаваемых произведений искусства, если не самое, в мире, Мона Лиза Леонардо была написана начиная с 1503 года.Считается, что натурщиком является Лиза Герардини, жена Франческо дель Джокондо, флорентийского торговца тканями; однако Леонардо никогда не отдавал портрет тому, кто его заказал, так как он все еще находился у него, когда он умер. Некоторыми из уникальных особенностей этой картины являются положение натурщика — полуростового и слегка повернутого, что было новым для Италии — на фоне пейзажа и использование освещения сфумато — туманного, мягкого контраста между светом и тенью.
Леонардо да Винчи, Мона Лиза, 1503-04 | © Louvre Museum/WikiCommons
С 1508 по 1512 год сам человек эпохи Возрождения, Микеланджело, создал великолепный потолок Сикстинской капеллы – эпическое произведение Высокого Возрождения, от которого, несомненно, захватывает дух.
По заказу Папы Юлия II на потолке изображены истории из Ветхого Завета, разделенные нарисованными архитектурными элементами. Фрески ярко окрашены и используют светотень, а фигуры очень скульптурны по форме. Некоторые из представленных историй включают «Сотворение Адама и Евы», «Изгнание из Эдемского сада» и «Ной и Великий потоп», а также повсюду разбросаны различные сивиллы, пророки и игнуди, или обнаженные юноши.
Микеланджело, Потолок Сикстинской капеллы, 1508-12 | © Jörg Bittner Unna/WikiCommons
«Буря» Джорджоне так же загадочна, как и сам художник.Жизнь художника Высокого Возрождения венецианской школы Джорджоне оборвалась в возрасте 30 лет, и ему приписывают всего от полудюжины до дюжины работ — эксперты не согласны, отсюда и диапазон. «Буря» вызывает у ученых не меньше споров, чем то, сколько работ на самом деле сделано его рукой. Красивый пейзаж, хотя и угрожающий, легко может стоять сам по себе — ему не нужны присутствующие фигуры. Кто фигурки? Никто не знает наверняка.
Обнаженную женщину, кормящую ребенка, иногда называют цыганкой, а напротив нее стоит солдат.Было предпринято много попыток определить предмет — литературный или библейский, — но он до сих пор остается загадкой. Найдите этот в Галерее Академии изящных искусств в Венеции.
Джорджоне, Буря, 1506-08 | © Венецианская академия/WikiCommons
Знакомство с искусством Высокого Возрождения было бы неполным без Рафаэля. Современник Леонардо и Микеланджело, Рафаэль был моложе и вдохновлялся ими и своим учителем Перуджино; поэтому вы часто найдете намеки на все из них в его работах.Хотя он дожил до 37 лет, Рафаэль оставил после себя много невероятных работ, в том числе Афинскую школу фресок, расположенную в том, что сейчас называется Stanze di Raffaella, или Комнаты Рафаэля, внутри Ватиканского дворца. На этой большой фреске изображена арка troupe l’oeil, написанная так хорошо и с такими невероятными деталями, что она кажется настоящей, со всеми великими философами, включая Платона и Аристотеля. Также считается, что с правой стороны находится автопортрет самого Рафаэля, а на переднем плане — портрет Микеланджело.
Рафаэль, Афинская школа, 1509-11 | © Vatican/WikiCommons
Еще одна работа Рафаэля, картина маслом «Сикстинская Мадонна» — первая Мадонна Рафаэля, написанная на холсте. По заказу Папы Юлия II для церкви Сан-Систо в Пьяченце картина сейчас висит в Gemäldegalerie Alte Meister в Дрездене, Германия. Этот шедевр красиво оформлен с Мадонной и Младенцем Христом в центре, со святыми Сикстом и Варварой по бокам, а также с зелеными драпировками.На заднем плане изображены десятки херувимов с туманным качеством, что делает их похожими на облака. Если вы не знакомы с этой картиной, вы почти наверняка видели двух маленьких ангелочков внизу картины; Эти двое, известные своим классическим скучающим видом, были изображены на канцелярских принадлежностях, фарфоре и всем, что между ними.
Рафаэль, Сикстинская Мадонна, 1512 | © Gemäldegalerie Alte Meister/WikiCommons
Скульптура Микеланджело «Моисей» была создана для гробницы папы Юлия II — в те времена правители обычно заказывали гробницу перед своей смертью.Гробница должна была быть мраморным трехэтажным зданием; однако Папа умер до того, как Микеланджело смог закончить, поэтому они заставили его работать с тем, что уже было сделано. Скульптура уникальна тем, что у Моисея есть рога, и все из-за неправильного толкования. Когда святой Иероним переводил Библию, он принял слово «лучи» — когда объяснялось, что Божий свет исходил от Моисея — за рога, так что теперь у этого Моисея всегда будут рога. Его туловище также довольно длинное, потому что скульптуру изначально предполагалось разместить высоко на втором уровне, а не на земле.Моисей находится в Сан-Пьетро-ин-Винколи в Риме.
Микеланджело, Моисей, 1513-15 | © Jörg Bittner Unna/WikiCommons
Один из величайших, если не лучший художник Венеции 16-го века, Тициан, урожденный Тициано Вечеллио, сделал долгую карьеру, создав множество невероятных произведений искусства. Одной из таких работ является «Вакх и Ариадна», которая находится в Национальной галерее в Лондоне. Картина маслом — Тициан был известен тем, что использовал слои масляных красок для достижения богатого качества, наблюдаемого в его работах — Вакх и Ариадна — это мифологический сюжет о Вакхе, боге вина, который влюбляется в Ариадну, которая осталась заброшен на Наксос, греческий остров.Картина является одной из серии, написанной для Альфонсо д’Эсте, который заказал их для Камерино д’Алабастро в Герцогском дворце.
Тициан, Вакх и Ариадна, 1520-23 | © National Gallery/WikiCommons
«Страшный суд» — еще один огромный шедевр Микеланджело, хранящийся в Сикстинской капелле. Эта великолепная работа, созданная по заказу Папы Павла III, включает более 300 фигур, большинство из которых мускулистые (некоторые чрезмерно) и обнаженные, с разноцветными кусочками ткани тут и там. Христос, конечно же, находится в центре фрески вместе со своей Матерью и окружен различными святыми, в том числе св.Варфоломей, с которого заживо содрали кожу; он действительно изображен держащим кожу с карикатурным изображением лица Микеланджело. В то время как большая часть работы изображает Небеса на небесно-голубом фоне, нижняя часть работы принимает ужасающий оборот, поскольку многие из этих людей не будут парить вверх, а скорее потянутся в ад.
Микеланджело, Страшный суд, 1535-41 | © Сикстинская капелла/WikiCommons
Венера Урбинская, вдохновившая Эдуара Мане на «Олимпию» 1863 года, — еще один шедевр Тициана.Во внутреннем пространстве зрители видят лежащую обнаженную женщину с собакой у ног – символом верности. Написанная для герцога Урбино Гвидобальдо II Делла Ровере в честь его женитьбы, эта работа источает эротизм и очень сильно бросается в глаза, поскольку женская фигура смотрит прямо на зрителя, прикрывая одной рукой свои гениталии и держась за цветы с другой. На заднем плане изображена женщина, наблюдающая за молодой девушкой в белом платье, которая что-то ищет в кассоне, сундуке, где часто хранилась одежда.Сегодня Венера Урбинская находится в галерее Уффици во Флоренции.
Тициан, Венера Урбинская, 1538 | © Галерея Уффици/WikiCommons
Учебные ресурсы итальянского Возрождения — Национальная художественная галерея
Тринадцатилетний период подготовки Ченнини художника был значительно длиннее, чем обычно. В уставах разных городских гильдий (см. Гильдии) часто указывалось меньшее количество лет. В Венеции ученик мог перейти в статус подмастерья всего через два года; в Падуе минимальный срок обучения составлял три года, в течение которых мастерам запрещалось пытаться переманивать чужих учеников.
Какова бы ни была продолжительность обучения, любой зрелый художник овладел бы навыками и материалами, перечисленными Ченнини. Художник мог специализироваться как живописец или скульптор, но он часто работал и тем, и другим, и его часто приглашали создавать работы и в других средствах массовой информации, включая такие однодневные работы, как парадные щиты, знамена и проекты временных портиков, построенных для церемониальных входов. важных гостей города. Тициан даже разработал стеклянную посуду.
Рисунки для маленьких изделий из бронзы Филиппино Липпи
Рисунки для малых бронз , 1490/95
Перо и коричневые чернила на бумаге верже, 16.6 x 25 см (6 9/16 x 9 13/16 дюймов)
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Вуднера
Изображение предоставлено Попечительским советом, Национальная художественная галерея
Это могут быть эскизы мелких декоративных предметов или, как предполагалось, эскизы триумфальной колесницы. Филиппинец создал колесницу для въезда французского короля Карла VIII во Флоренцию в 1495 году.
Обучение обычно начиналось в раннем возрасте. Некоторых мальчиков отдали к мастеру еще до того, как им исполнилось десять лет. Андреа дель Сарто , сыну портного, было всего семь лет, когда он поступил в ученики к ювелиру (его склонность к рисованию вскоре побудила его перейти в малярную мастерскую), но большинство мальчиков были на три или четыре года старше, когда они начал. Хотя некоторая учебная подготовка продолжалась, когда мальчики поступали в магазин — а большинство художников были грамотными — юный возраст, в котором они поступали в ученики, означал, что их формальное образование было ограниченным. Микеланджело был необычен тем, что продолжал ходить в школу до тринадцати лет, только тогда войдя в магазин Доменико Гирландайо .
Мальчики, обучавшиеся в мастерской под названием garzoni , обычно становились частью расширенного домашнего хозяйства своих хозяев, предоставляя жилье и делясь едой с семьей. Родители часто платили мастеру за содержание своих сыновей, но мастера, в свою очередь, были обязаны платить заработную плату своим ученикам, увеличивая заработную плату по мере роста навыков.
Ученики начали с черных работ, таких как подготовка панелей и растирание пигментов. Затем они научились рисовать, сначала копируя рисунки своих мастеров или других художников.Сборники рисунков служили не только учебными пособиями для студентов, но и ссылками на мотивы, которые можно было использовать в новых работах (см. Рисунок, Вазари и Disegno ). Эти коллекции были одним из самых ценных предметов мастерской, и многие художники специально оговаривали в своих завещаниях передачу их наследникам. Молодые художники также учились копировать знаменитые произведения, которые можно было увидеть в их городах — Микеланджело, например, копировал картины Джотто во флорентийской церкви Санта-Кроче, — и их поощряли путешествовать, если они могли, особенно в Рим, чтобы продолжить свое творчество. визуальное образование.Когда мастера получали важные поручения в отдаленных городах, помощники, сопровождавшие их, приобретали практический опыт и знакомились с новыми влияниями.
Следующим шагом начинающего художника было рисование со статуэток или слепков. Для этой цели особенно ценилась античная скульптура (см. «Восстановление Золотого века»), и ее изучение студентами способствовало развитию большего натурализма в ренессансных изображениях человеческого тела. Практика преобразования статического трехмерного объекта в двухмерное изображение была жизненно важным шагом перед тем, как ученик перешел к рисованию с живой модели.Во многих случаях моделью была одна из garzoni магазина, призванная принимать различные позы.
Гарзон
Школа Филиппино Липпи
Молодой человек (Юноша, сидящий на табурете) , c. 1500
Silverpoint, усиленный белым на бумаге с подготовкой цвета охры, 22,2 x 16,8 см (8 3/4 x 6 5/8 дюйма)
Музей изящных искусств, Бостон, Фонд Харриет Отис Крафт
Этот гарзон моделирует драматический жест. Продавцы позировали как мужским, так и женским фигурам; использование женщин-моделей было крайне редким и, вероятно, ограничивалось собственной женой или дочерьми мастера.Вазари, который учился в мастерской Андреа дель Сарто и не любил жену Андреа, Лукрецию, заметил, что каждая женщина, нарисованная Андреа, похожа на Лукрецию. Однако в данном случае Вазари приписывал сходство преданности Андреа, а не просто студийной практике.
Мадонна Альба
Рафаэль
Мадонна Альба , ок. 1510
Масляная панель, перенесенная на холст, диаметр 94,5 см (37 3/16 дюйма)
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, Эндрю В.Коллекция Меллона
Изображение предоставлено Попечительским советом, Национальная художественная галерея
Рафаэль | Рафаэль |
Два наброска на лицевой и оборотной сторонах одного листа показывают, как Рафаэль спланировал и усовершенствовал фигурную композицию Мадонны Альба. Чтобы запечатлеть сложную и укороченную позу Богородицы, он (или, по мнению некоторых, его ученик Джулио Романо) нарисовал помощника мастерской в позе классической Мадонны.
После того, как ученик закончил заниматься живописью, он обычно тратил время на выполнение менее важных частей композиции, таких как фрагменты пейзажного фона.Продукт ренессансной лавки был почти во всех случаях совместным усилием — значительный вклад многих людей был абсолютно необходим для завершения монументальной работы, такой как двусторонний алтарь Дуччо , известный как Maestà , например, или чтобы не отставать в оживленном магазине, таком как Neri di Bicci . Записи, которые Нери оставил о своей мастерской, показывают, что он производил в среднем более трех запрестольных образов каждый год. За двадцать два года, охваченных его отчетом, один ученый насчитал семьдесят три алтаря, восемьдесят одну домашнюю скинию и шестьдесят девять различных работ. 5
Дуччио
Маэста Дуччо
Предполагаемая реконструкция Maestà (Мадонна на троне). (спереди), 1311
Museo dell’Opera del Duomo, Siena
Цифровая реконструкция Лью Минтера
Дуччо
Предполагаемая реконструкция Maestà (Мадонна на троне). (сзади), 1311
Museo dell’Opera del Duomo, Siena
Цифровая реконструкция Лью Минтера
Комиссия для Дуччо Маэста указала, что она была написана его собственной рукой, и Дуччо подписал ее, но большинство ученых согласны с тем, что многие задние панели были выполнены, по крайней мере частично, помощниками.
Мастер мог рисовать только центральные фигуры или просто лица в произведении, а мог вообще ничего не рисовать. Студенты были обучены работать в стиле мастера и преуспели в такой степени, что сегодняшним искусствоведам иногда трудно отличить руку мастера от руки его самых талантливых учеников. Атрибуция некоторых картин из мастерской Верроккьо, например, передавалась туда и обратно между мастером и различными помощниками.Та же путаница относится к работам Перуджино (одного из учеников Верроккьо) и его молодого помощника Рафаэля, а также к работам учеников Джованни Беллини Джорджоне и Тициана. Хотя в контрактах иногда указывалось, что мастер сам выполняет определенные части композиции, правила гильдии позволяли ему подписывать любую работу, появившуюся в его мастерской, как свою собственную. « Подлинность » в современном понимании не обсуждалась. Подпись мастера была признаком того, что работа соответствует его стандартам качества, независимо от того, кто ее на самом деле нарисовал.
Мадонна с младенцем и гранатом Лоренцо ди Креди
Мадонна с младенцем и гранатом , 1475/80
Масло, панель, 16,5 x 13,4 см (6 1/2 x 5 1/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, Сэмюэл Коллекция Х. Кресса
Изображение предоставлено Попечительским советом Национальной художественной галереи
Андреа дель Верроккьо был главным образом скульптором по бронзе и мрамору, но также работал ювелиром и художником.Он управлял одной из самых успешных студий итальянского Возрождения, и некоторые из самых важных художников следующего поколения обучались у него, в том числе Перуджино , Лоренцо ди Креди и Леонардо да Винчи . Среди других помощников по рисованию были Гирландайо и Боттичелли .
Эта небольшая панель высотой чуть более шести дюймов продолжает вызывать споры. Он воспроизводит стиль Верроккьо, но писал ли он его? Или Леонардо? Или это Лоренцо ди Креди, который был фаворитом Верроккьо и завладел магазином после смерти мастера? Текущее мышление отдает должное Credi.Первая работа Креди, о которой упоминает Вазари, — это Мадонна, рисунок которой взят у Верроккьо; Далее Вазари отмечает «гораздо лучшую картину», возможно, эту, созданную Креди на основе композиции Леонардо. Это изображение также иногда приписывалось Леонардо, но собственные цвета Леонардо, как правило, были более приглушенными, чем те, которые использовались здесь; кроме того, маловероятно, что Леонардо нарисовал бы ребенка в этой неловкой и несколько загадочной позе.
После периода обучения в магазине ученик может получить статус подмастерья.После представления и принятия произведения, продемонстрировавшего его мастерство, — шедевра — художник мог открыть магазин и набрать собственных учеников. Некоторые художники так и не стали независимыми мастерами, но продолжали работать, иногда в качестве временной помощи для крупных заказов, в чужих магазинах. Несколько художников, в том числе Андреа дель Сарто и Franciabigio , создали совместные мастерские. Для них это имело деловой смысл, и, как заметил Вазари, они находили компанию друг друга приятной.
Расширение представлений об искусстве эпохи Возрождения – Smarthistory
«Расширение ренессанса»эссе доктора Лорен Килрой-Юбэнк, написанное весной 2019 года
Если вы погуглите слово «Ренессанс» на вкладке изображения, вы окажетесь исключительно в Италии. Smarthistory хотела бы что-то с этим сделать.
Результаты поиска картинок Google по запросу «Ренессанс»
Инициатива «Расширяющееся возрождение» (ERI) — это инициатива Эндрю У.Финансируемый Меллоном проект Smarthistory (начавшийся весной 2019 года) по расширению границ истории искусств в классе — в данном случае, особенно периода раннего Нового времени. Мой план состоял в том, чтобы работать над историями искусства, которые не представляют европейское искусство как превосходное и помогают ослабить бинарную западную/незападную парадигму. ERI согласуется с недавними исследованиями того, что было названо «глобальным ренессансом», и хотя я использую термин «глобальный», ERI стремится сделать больше, чем просто глобализировать, но выделить упущенные из виду предметы, материалы, художников, группы, и локали.
Нарушение повествования
Наиболее распространенное повествование о ренессансе в истории искусства сосредоточено в основном на трех периодах флорентийского искусства в Италии, представленных Джорджо Вазари, написавшим « жизнеописаний выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» (впервые опубликовано в 1550 г.). Вазари жил во Флоренции и поэтому естественно прославлял флорентийских художников как лучших художников того времени. Проблема в том, что многие из восхваляемых им художников — это те самые художники, которые и сегодня продолжают получать наибольшее внимание в истории искусства (например, Джотто, Мазаччо, Микеланджело, Рафаэль).Мы слишком часто пренебрегаем другими художниками, местами, историями и тенденциями, которые могут раскрыть более сложную и нюансированную эпоху.
Джорджио Вазари, Le vite de ‘piu eccellenti pittori scultori e architettori (Флоренция, 1568 г.) (Национальная художественная галерея)
В то время как одна из целей ERI состоит в том, чтобы децентрировать Италию как область с самыми важными художниками и искусством, мы не говорим, что нет важного и замечательного искусства с итальянского полуострова, которое говорит об отношениях с более широким миром.Суть здесь в том, чтобы просто отметить, что даже когда мы пытаемся сместить разговоры в классе о возрождении, чтобы объяснить больший культурный плюрализм и взаимодействие, кажется важным помнить и исследовать и другие области.
Канон искусства эпохи Возрождения меняется медленно. По состоянию на 2019 год не существует единого учебника, охватывающего все европейское искусство эпохи Возрождения. Любопытно, что Пиренейский полуостров (Испания и Португалия) и иберо-американский мир полностью отсутствуют в современных учебниках, посвященных эпохе Возрождения.Даже учебники, предназначенные для «Общего обзора», либо ничего не содержат, либо очень мало рассказывают об Пиренейском полуострове в главах, посвященных эпохе Возрождения — по иронии судьбы Эль Греко («грек» по-испански) представлял всю Испанию.
ERI выдвигает на передний план расширенный мир эпохи Возрождения, исследуя вопросы глобальной торговли, культурных запутанностей, колонизации, странствий, империи, а также гендерной и расовой динамики между примерно 1330 и 1650 годами, частично для признания визуальных культур и народов Африки, Азии и Америки как жизненно важные участники (как желающие, так и не желающие) возрождения искусства и культуры.
Женщины-художницы, художники из числа коренных народов, произведения искусства из недостаточно изученных материалов, таких как кошениль, резные драгоценные камни, керамика, расписной алебастр, текстиль, изделия из перьев, керамика и скульптуры из терракоты, дерева и кукурузной сердцевины — все это говорит о яркости и проблемах. этого более широкого возрождения. Вместо того, чтобы сосредотачиваться только на «высоком искусстве», новый контент будет по-прежнему выделять «ключевых игроков в этой новой, глобально связанной практике истории искусства». [1] Большинство таких произведений неканоничны, часто формы принадлежат к крупным, влиятельным жанрам и поэтому имеют решающее значение для нашего понимания глобального возрождения.Эти работы раскрывают увлекательные истории о мире эпохи Возрождения, которые в противном случае были бы потеряны для нас.
Мировой ренессанс?
С момента публикации в 2002 году книги Джерри Броттона « Базар Возрождения » возрос интерес к «Глобальному Возрождению», в научных кругах ведутся споры о полезности идеи глобального Возрождения и о наилучших способах приблизиться к нему. Ученые спорят о том, в какой степени происходили межкультурные контакты и в какой степени они трансформировали жизнь людей и художественное творчество.Однако, несмотря на рост интереса к глобальному ренессансу, публикации и выставки по большей части оставались италоцентричными, особенно отдавая предпочтение отношениям Венеции с «Востоком».
Недавно историк искусства Лия Марки обнаружила, что глобальное возрождение «не оказало существенного влияния [на редакцию] и не изменило [на редакцию] преподавание, концепцию канона или постоянную музейную экспозицию». [2] Тем не менее, многие ученые продолжают раздвигать границы эпохи Возрождения, чтобы «децентрировать обособленность Вазарианского Возрождения», как способ бросить вызов традиционным нарративам, задать новые вопросы и противостоять укоренившимся предубеждениям в отношении искусства эпохи Возрождения и области искусства. история искусства в более широком смысле.
Необходимо задать ряд вопросов: должна ли вся история искусства эпохи Возрождения трубить о достижениях таких знаменитых художников, как Мазаччо, Донателло, Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан; или северные художники ван Эйк, Дюрер, Гольбейн и т. д.? Могут ли ученые позволить себе сосредоточить внимание на других нарративах, раскрывающих важные аспекты этого периода, не всегда прославляя европейский мужской художественный гений? Каким образом глобализированная история искусства эпохи Возрождения может напрямую противостоять текущим проблемам предвзятости, дискриминации или расизма в области истории искусства? По словам Клэр Фараго, «географические, культурные, хронологические и концептуальные границы Ренессанса, как его обычно определяют, нуждаются в перерисовке» [3].И не только на курсах стипендии, музеев или ренессансного искусства, но и на общеобзорных занятиях и за пределами Академии.
Зрительные запутывания
В 1604 году поэт Бернардо де Бальбуэна писал о Мехико, что «В тебе встречаются Испания и Китай, Италия связана с Японией, и вот, наконец, мир, объединенный порядком и согласием». [4] Он писал, что Мехико, столица вице-королевства Новой Испании, стал космополитическим связующим звеном между Азией и Европой, процветая в результате глобальной торговой системы.Недавние музейные выставки («Сделано в Америке: Новый мир открывает Азию» (МИД, Бостон), «Оспариваемые видения в испанском колониальном мире» (LACMA) и «Нарисовано в Мексике, 1700–90: Пинксит Мексики» (LACMA, The Met)) были сосредоточены на на этом межкультурном обмене, предлагая визуально захватывающие объекты, свидетельствующие о влиянии культурного обмена.
Ширма с изображением осады Белграда (лицевая сторона) и сцены охоты (обратная сторона), c. 1697-1701, Мексика, дерево, масло, инкрустация перламутром, 229.9 х 275,8 см (Бруклинский музей)
Очевидно, что глобальная торговля превратила Мехико в космополитический центр, но какой ценой? Во многих публикациях и выставках слова «обмен» и «межкультурный обмен» используются в праздничном смысле, стремясь опровергнуть идею о том, что глобальные путешествия и общение принадлежат только 20-му и 21-му векам, но могут ли эти термины адекватно отразить влияние о многих народах и культурах, соприкасавшихся тогда? Обмены не обязательно были взаимовыгодными, многие были вынужденными и сопряженными с насилием.Как же тогда мы относимся к объектам, которые являются результатом насилия? Как мы их обсуждаем и классифицируем? Должны ли мы использовать стилистические категории, которые мы используем для европейского искусства, такого как ренессанс, даже если это маргинализирует работы, которые часто существуют между такими категориями? Как нам не просто вестернизировать мировую историю искусства? Я считаю, что ERI может ответить на некоторые из этих вопросов, зажечь разговоры и предложить модель того, как мы можем изменить проблемные, но глубоко укоренившиеся нарративы в классе.
Моя цель с ERI — переосмыслить ренессанс, чтобы помочь студентам обнаружить, что есть нечто большее, чем Давид Микеланджело и Леонардо Мона Лиза . Я надеюсь побудить к дальнейшему размышлению над предложением Санджая Субраманяна о том, что «хорошо мыслить глобально, чтобы переопределить возможные объекты исторического исследования». [5] Я также надеюсь ускорить рассмотрение того, что поставлено на карту в таком рефрейминге, и что означает деколонизация истории искусства эпохи Возрождения, решая вопрос не только о содержании, но и о том, кто будет стоять «за трибуной», чтобы расширить наши знания о том, что является искусством эпохи Возрождения, а что нет (этот вопрос был поднят доктором Анандой Коэн-Апонте (@drnandico) в Твиттере в обсуждении #pocarthistory).
Многие из объектов, на которых мы до сих пор сосредоточились, говорят о мобильности вещей, людей и идей в период раннего Нового времени, а также демонстрируют визуальные запутанности, возникающие в результате глобализации, колонизации и многого другого. Сети связанных с торговлей портов и рынков функционировали как узлы, в которых предметы собирались, хранились и распределялись. Большая часть этой глобализации была результатом европейской колонизации. Поэтому за армиями часто следовали христианские миссионеры, которые приносили с собой предметы, сыгравшие важную роль в развитии транскультурных форм искусства.
Были, конечно, и бесчисленные художники, которые работали в этих недавно колонизированных областях, хотя их имена часто остаются нам неизвестными. Эти художники опирались на свои собственные художественные традиции и культурные идеи, создавая искусство и архитектуру. Некоторые объекты имеют видимые художественные переплетения, а другие нет. Важно, чтобы мы обратили внимание на то, как колонизированные народы заимствовали, адаптировали и отвергали европейские формы, предметы и идеи (часто навязанные им), и что этот выбор может означать для нашего понимания искусства эпохи Возрождения.Черно-белые фрески в монастыре Сан-Агустин, Акольман, Мексика (ок. 1560–1590 гг.), Написанные в настоящее время неизвестными художниками из числа коренных народов, демонстрируют визуальное переплетение художественных традиций Центральной Мексики, Фландрии, Италии и Испании. Они говорят о гибкости и подвижности форм, когда они проникали в колонизированные регионы по всему миру. Фрески Акольмана усложняют узкое определение искусства эпохи Возрождения, за которое мы слишком долго цеплялись.
Дева Мария (фрагмент), Распятие , фрески Сан-Агустин-де-Акольман, ок.1560–1590 гг., большой монастырь бывшего монастыря Сан-Агустин-де-Акольман, Мексика (фото: доктор Стивен Цукер, CC BY-NC-SA 2.0)
Слова, которые мы используем
Межкультурные объекты, такие как фрески в Акольмане, побуждают нас критиковать общеупотребительную терминологию. Мы часто слышим такие фразы и термины, как «Старый Свет» и «Новый Свет» для описания Европы и Америки, или «Эпоха открытий» или «Эпоха исследований» для описания пятнадцатого и шестнадцатого веков. Но кому эти условия привилегии? Говоря «Новый Свет», мы отдаем предпочтение взглядам европейцев — в конце концов, Америка была для них всего лишь «новой».«Старый Свет» предполагает место более древнее, с большей историей, и игнорирует сложную, уникальную и разнообразную историю многих коренных народов Америки, как будто они действительно имеют значение только тогда, когда Европа прибывает, чтобы сделать их «новыми». Точно так же, возможно, это была эпоха открытий для европейцев, но часто это был период травм для многих народов по всему миру, которые были «открыты». Эссе или видеоролики, созданные для ERI, затрагивают эти вопросы и предлагают различные объекты для изучения, такие как изделия из перьев науа или филиппинские скульптуры из слоновой кости, а также различные взгляды на ренессанс в целом.
Месса св. Григория (фрагмент), 1539 г., перья на дереве с штрихами краски, 26 1/4 x 22 дюйма / 68 x 56 см (Музей якобинцев)
Что будет с ERI
Эта инициатива развивалась в течение нескольких лет (и будет продолжаться) и в настоящее время включает в себя очерки о кабинетах редкостей и методах коллекционирования семьи Медичи, ранние гравюры Теодора де Бри, изображающие Америку, портреты писательницы Кристины де Пизан, и отношения между испанскими и фламандскими художниками в пятнадцатом веке.
Я также хочу поощрять материалы, которые переосмысливают канонические произведения искусства, исследуя их с разных точек зрения. Например, теперь у нас есть эссе, в котором переосмысливается картина Ганса Гольбейна « Послы », особенно с учетом того, что картина говорит нам о глобализированном мире во время ее создания. В другом эссе рассматривается произведение Джентиле да Фабриано «Поклонение волхвов» через аналогичную призму, исследуя, что псевдоарабские расписные шелка и парча, лазурит, фигуры в тюрбанах и неевропейские животные говорят нам об этой эпохе.
На занятиях по истории искусств можно было бы выделить период между 1400 и 1650 годами, который «был интенсивно, часто насильственно, кросс-культурным». Алтарь Портинари и отклики на него флорентийских художников, гравюра на дереве «Носорог» Дюрера, сине-белый фарфор Медичи, программа мексиканских перьев и настенной росписи монастыря, 1200-страничное иллюстрированное письмо Фелипе Гуамана Пома де Аяла испанскому королю, медная табличка из Бенина оба, или солонка из слоновой кости Сапи, проданная португальцам.
Для некоторых из этих материалов учителя найдут материалы, которые помогут ввести эти материалы в существующую учебную программу. Я надеюсь, что ERI активизирует дискуссию о том, что такое искусство эпохи Возрождения, сделав его более актуальным для наших студентов двадцать первого века.
Примечания:
1. Клэр Фараго, «Понимание визуальности», в Seeing Across Cultures in the Early Modern World , под редакцией Даны Лейбсон и Жанетт Фавро Петерсон (Aldershot: Ashgate Press, 2012), с.249.
2. Лия Марки, «Глобальное искусство эпохи Возрождения: класс, академия, музей, канон», в «Глобализация искусства эпохи Возрождения: критический обзор », под редакцией Даниэля Савоя (Лейден: Koninklijke Brill), с. 260.
3. Клэр Фараго, «Концепция Ренессанса сегодня: что поставлено на карту?» в Теория Возрождения , под редакцией Джеймса Элкинса, Роберта Уильямса (Нью-Йорк: Рутледж, 2008), с. 71.
4. Бернардо де Бальбуэна: La grandeza mexicana y compendio apologético en alabanza de la poesía (Мехико: Порруа, 1975).
5. Санджай Субрахманян, «Историзирование глобального или стремление к изобретениям?» History Workshop Journal , выпуск 64 (2007), стр. 329-334.
6. Дана Лейбсон, «Введение: география взгляда», в Seeing Across Cultures in the Early Modern World, ed. Дана Лейбсон и Жанетт Фавро Петерсон (Лондон: Routledge, 2012), с. 2.
Дополнительные ресурсы:
Джерри Броттон, Базар эпохи Возрождения (Oxford University Press, 2002)
Жанетт Петерсон, «Возрождение: калейдоскопический взгляд из испанской Америки», в Теория Возрождения , изд.Джеймс Элкинс и Роберт Уильямс (Нью-Йорк и Лондон: Routledge, 2008)
Ананда Коэн-Апонте, «Деколонизация глобального Возрождения: взгляд из Анд», в Глобализация искусства эпохи Возрождения: критический обзор , изд. Даниэль Савой (Лейден: Брилл, 2017)
Дана Лейбсон, «Введение: география взгляда», в Seeing Across Cultures in the Early Modern World, ed. Дана Лейбсон и Жанетт Фавро Петерсон (Лондон: Routledge, 2012)
Основы искусства эпохи Возрождения: все, что вам нужно знать, чтобы красиво звучать на коктейльной вечеринке
Мы живем в высокотехнологичном и специализированном мире.В наши дни, когда мужчина поступает в колледж, он тратит свое время на изучение навыков, которые позволят ему найти оплачиваемую работу. Мало времени тратится на изучение искусства или литературы. Эти предметы часто считаются «бессмысленными», потому что они не имеют никакого практического применения, когда дело доходит до оплаты счетов. Вдобавок ко всему, многие мужчины считают оценку искусства слащавой и женственной и поэтому избегают ее.
Но это позор, что многие мужчины так относятся к искусству, потому что они упускают острое понимание того, что значит быть человеком и что значит быть мужчиной.Искусство может запечатлеть эмоции человеческого опыта, когда нам не хватает слов, дать нам представление о положительном безумии, расширить наш кругозор и помочь нам узнать больше о мире и о себе.
Если вы чувствуете, что пропустили базовое художественное образование или много узнали об истории искусства, но вам нужно освежить знания, эта серия, которую мы начинаем сегодня, специально для вас. В течение следующих нескольких месяцев мы рассмотрим некоторые из простых основ важных периодов западного искусства. В следующий раз, когда вы будете на свидании в музее, вам будет что добавить к разговору.Но что еще более важно, вы сможете получить больше от искусства сами и, надеюсь, вдохновитесь глубже погрузиться в плоды безграничного творчества человека. Потратив время на размышления и посредничество над некоторыми из величайших произведений искусства в истории, вы получите более глубокое понимание мужественного наследия искусства, испытаете подъем и назидание и окажетесь ближе к тому, чтобы стать настоящим Человеком эпохи Возрождения.
Говоря о Ренессансе, давайте начнем разговор об искусстве того периода.
Введение в основы искусства эпохи ВозрожденияПериод времени: 1400-1600-е годы
Предыстория: 14 -е век был временем великого кризиса; чума, Столетняя война и беспорядки в католической церкви — все это поколебало веру людей в правительство, религию и своих ближних.В этот темный период европейцы стремились к новому началу, культурному возрождению, ренессансу.
Ренессанс начался в Италии, где культура была окружена остатками некогда славной империи. Итальянцы заново открыли для себя письменность, философию, искусство и архитектуру древних греков и римлян и начали рассматривать древность как золотой век, в котором были ответы на вопросы о возрождении их общества. Гуманистическое образование, основанное на риторике, этике и гуманитарных науках, продвигалось как способ воспитания всесторонних граждан, способных активно участвовать в политическом процессе.Гуманисты прославляли ум, красоту, силу и огромный потенциал человека. Они считали, что люди могут непосредственно переживать Бога и должны иметь личное, эмоциональное отношение к своей вере. Бог сотворил мир, но люди смогли разделить его славу, сами став творцами.
Эти новые культурные движения вдохновили художников, а торговля Италии с Европой и Азией принесла богатство, создавшее большой рынок для искусства. До эпохи Возрождения искусство в основном заказывалось католической церковью, которая давала художникам строгие указания относительно того, как должен выглядеть готовый продукт.Средневековое искусство было декоративным, стилизованным, плоским и двухмерным и не очень реалистично изображало мир или людей. Но процветающая коммерческая экономика распределяла богатство не только среди знати, но и среди купцов и банкиров, которые стремились показать свой статус, покупая произведения искусства (церковь также оставалась крупным покровителем искусств). Художникам была предоставлена большая гибкость в том, что они должны были создавать, и они воспользовались этим, исследуя новые темы и техники.
Что искать в искусстве эпохи Возрождения:
- Перспектива. Чтобы добавить своим работам трехмерную глубину и пространство, художники эпохи Возрождения заново открыли и значительно расширили идеи линейной перспективы, линии горизонта и точки схода.
- Линейная перспектива: Визуализация картины с линейной перспективой похожа на просмотр в окно и рисование именно того, что вы видите на оконном стекле. Вместо того, чтобы все объекты на картинке были одинакового размера, объекты, которые были дальше, были бы меньше, а те, что ближе к вам, были бы больше.
- Линия горизонта: Линия горизонта — это точка на расстоянии, где объекты становятся настолько бесконечно маленькими, что уменьшаются до размера линии.
- Точка схода: Точка схода — это точка, в которой параллельные линии кажутся сходящимися далеко на расстоянии, часто на линии горизонта. Это эффект, который вы можете увидеть, стоя на железнодорожных путях и глядя на уходящие вдаль рельсы.
- Тени и свет. Художникам было интересно поиграть с тем, как свет падает на объекты и создает тени. Тени и свет можно было использовать, чтобы привлечь внимание зрителя к определенной точке картины.
- Эмоции. Художники эпохи Возрождения хотели, чтобы зритель что-то почувствовал, глядя на их работы, получил от них эмоциональные переживания. Это была форма визуальной риторики, когда зритель вдохновлялся своей верой или побуждался стать лучшим гражданином.
- Реализм и натурализм. Помимо перспективы, художники стремились сделать предметы, особенно людей, более реалистичными. Они изучали анатомию человека, измеряли пропорции и искали идеальную человеческую форму. Люди выглядели солидно и отображали настоящие эмоции, позволяя зрителю соединиться с тем, что думали и чувствовали изображенные лица.
Примеры:
Давайте начнем с рассмотрения двух разных картин с изображением Девы Марии, одной из византийского периода, а другой эпохи Возрождения, чтобы вы могли почувствовать глубокую трансформацию, которую искусство претерпело в эпоху Возрождения. Ренессанс:
Мадонна с младенцем на изогнутом троне , 1200-е гг.На этой деревянной панно византийского периода тела Марии и Иисуса бестелесны и скрыты драпировкой. Складки драпировки представлены исчерченностью сусальным золотом; даже там, где вы видите колени, вместо света и тени у вас скопление золота. Картине не хватает ощущения глубины и пространства. Кроме того, Иисус изображается как младенец, но выглядит как взрослый в миниатюре.
Мадонна дель Карделлино , Рафаэль, 1506 год. Теперь мы в эпоху Возрождения, и изменения в стиле очевидны.Мэри стала гораздо более реалистичной; у нее настоящая форма, настоящие конечности, настоящее выражение лица. Она не только выглядит естественно, но и помещена в естественную обстановку. Иисус и Иоанн Креститель выглядят как настоящие младенцы, а не миниатюрные взрослые. Рафаэль использовал перспективу, чтобы придать картине глубину. Он также уловил любовь эпохи Возрождения к сочетанию красоты и науки, вернув такие вещи, как геометрия, от древних греков: Мария, Христос и Иоанн Креститель образуют пирамиду.
Деньги дани , Мазаччо, 1425.Мазаччо был пионером в технике одноточечной перспективы; картина представляет собой изображение того, что увидел бы один человек, смотрящий на сцену. Обратите внимание, как Питер рядом с водой и горами бледнее и менее четкими, чем объекты на переднем плане. Линии на картине сходятся на вершине головы Иисуса. Кажется, что фигуры освещены светом из часовни, поскольку все их тени падают в одном направлении. Такое прикосновение кажется нам сегодня основным, но включение света от определенного источника и его использование для придания фигурам трехмерности было новаторским для того времени.
Тайная вечеря , Леонардо да Винчи, 1498 год. Пример того, как художники эпохи Возрождения хотели вовлечь зрителя в картину, изображая яркую сцену, наполненную реальной психологией и эмоциями. Все апостолы по-разному реагируют на Христа, открывая, что один из них предаст его. Как и в Tribute Money , голова Иисуса находится в точке схода для всех линий перспективы.
Сотворение Адама , Микеланджело, 1511.В этом самом известном разделе Сикстинской капеллы ярко изображена личностная природа веры, божественный потенциал человека и идея человека как сотворца Бога. Таков же интерес Ренессанса к анатомии; Бог покоится на контуре человеческого мозга. Микеланджело, как и Леонардо, производил многочисленные вскрытия человеческих трупов, чтобы получить глубокий и реалистичный взгляд на части и структуру человеческого тела.
Давид , Микеланджело, 1504.Художники эпохи Возрождения создали первые со времен античности отдельно стоящие обнаженные статуи. Микеланджело считал скульптуру высшей формой искусства, поскольку она отражает процесс божественного творения. Его Давид — прекрасный пример ренессансного прославления идеальной человеческой формы. Статуя передает богатый реализм в форме, движении и чувстве. Верхняя часть туловища и руки не совсем пропорциональны, возможно, из-за того, что произведение предполагалось поставить на пьедестал и рассматривать, глядя вверх.Микеланджело был мастером изображать предметы в моменты психологического перехода, как будто они только что о чем-то подумали, и часто считается, что эта статуя изображает момент, когда Давид решает убить Голиафа.
Афинская школа , Рафаэль, 1510 г. Эта картина, на которой изображены все великие философы Древней Греции и Рима, служит примером того, как художники эпохи Возрождения вдохновлялись и прислушивались к дням древности.Линии перспективы привлекают зрителя к центру картины и к точке схода, где стоят два величайших философа истории, Платон и Аристотель. В соответствии с их философией Платон указывает на небеса и царство форм, а Аристотель указывает на землю и царство вещей.
Серия «Основы искусства»
Ренессанс
Барокко
Романтизм
РЕНЕССАНС В СЕВЕРНОЙ ЕВРОПЕ
РЕНЕССАНС В СЕВЕРНОЙ ЕВРОПЕГЛАВА 22
ИСКУССТВО РЕНЕССАНСА В СЕВЕРНОЙ ЕВРОПЕ
Искусство Северного Возрождения ни в коем случае нельзя считается придатком к итальянское искусство.Как и в литературе, итальянское влияние было сильным, и некоторые на величайших северных художников глубоко повлияли их собственные поездки в Италия; Дрер и Брейгель — хорошие примеры. В то же время энергичный местные традиции северного искусства продолжали находить выражение, так что искусство северного Возрождения явилось отчетливым синтезом родного и Итальянские элементы. На самом деле в традициях Севера была своя обратная связь. влияние на итальянское искусство. В частности, техника живописи маслом, разработан во Фландрии, получил широкое распространение в Италии и других странах.
В целом северное искусство продолжало традицию позднесредневекового искусства. большое внимание к деталям. Итальянское влияние помогло изменить этот акцент. в сторону большей простоты и подчинения менее существенного особенности основной темы. Другими вкладами искусства Севера были склонность к реализму и натурализму, большое мастерство в портретной живописи и интерес к пейзажу.
Все это можно ясно увидеть в великом расцвете фламандского искусства в четырнадцатом и особенно пятнадцатом веках.Это было частью великолепие и жизненная сила цивилизации Нидерландов в этот период, под влиянием блестящего двора герцогов Бургундских. Скульптор Клаус Слютер (ум. 1405/6) порвал с деликатностью и искусственностью нынешних итальянские модели и придавали его фигурам массивность и монументальное величие, которые иногда сочетаются с необычайной податливостью и изяществом. Слютер также достигли большого натурализма и эмоциональной силы, как показано на иллюстрации к стр. 436 Мадонны на трюмо, портал Шартрез де Шамполь.
Одним из основоположников фламандской живописи XV века был так называемый Мастер Флемалле, которого часто отождествляют с Робером Кампеном. (ок. 1378 1444). Его реализм проявляется в тщательном внимании к деталям, как в Алтарь Мроде. Здесь центральное панно с изображением Благовещения. (Иллюстрация стр. 422) содержит много жанровых штрихов домашнего интерьера, и на одной из боковых панелей изображен святой Иосиф в образе плотника с инструментами своего ремесло, разбросанное по его рабочему столу.Его картины раскрывают особый талант к пейзаж, иногда показанный на заднем плане через открытое окно. Его озабоченность представлением пространственной глубины и перспективы — еще один грань его реализма. В некоторых из его изображений Страстей и событий окружая его, он передает сильные эмоции.
Искусство Кампена называют средним классом. Более вежливо и аристократической была работа Яна ван Эйка (ок. 1395–1441), другого основателя школа фламандского реализма.В некоторых своих работах Ван Эйк соратником своего брата Хьюберта, довольно темной фигурой, само существование которой иногда подвергался сомнению. С 1425 года и до конца жизни Ян ван Эйк был придворным художником герцога Бургундского Филиппа Доброго, который также нанял его в дипломатических миссиях.
Одним из великих шедевров Ван Эйков является «Поклонение агнцу». в Гентском соборе. (Иллюстрация на странице 437) Датированный 1432 годом, это самый сложный и искусная работа, со складными крыльями, окрашенными как внутри, так и снаружи. за пределами.Основная часть — это сцена, давшая ей название и показывающая огромное множество паломников среди великолепного пейзажа, поклоняющихся Агнцу. Работа делает большое впечатление великолепия, великолепия и религиозной преданности, все подчеркнутая любовной и тщательной проработкой цветов, драгоценностей и других элементы. Несут фигуры жертвователей, святых, Адама и Евы и др. с большим психологическим мастерством и разнообразием. Надпись на раме приписывает это как Хьюберту, так и Яну. Было высказано предположение, что Хьюберт, старший брат, разработал общий план и внес элемент поэзии и мистицизм, в то время как Ян привнес реализм, обнаруженный в деталях и психологические аспекты.
Благовещение, алтарь Мроде работы Мастера Флемалле (Роберт Кампен?) Буллоза
Подписанная Ван Эйком картина «Свадебный портрет Арнольфини» (1434 г.) сейчас находится в Национальной галерее в Лондоне. (Иллюстрация на стр. 438) Это показывает его мастерство портретной живописи, его любящий интерес к деталям и великолепие драгоценностей из его цветов. Это также показывает мастерство пространственной композиции. Некоторые из его отдельные портреты — шедевры, а его мастерство в пейзаже везде очевидно, как на заднем плане Мадонны с канцлером Николя Роленом в Лувр.
Ван Эйк был гораздо менее эмоционален, чем Кампен. Его работа была описана как классический и гуманистический. Его спокойное видение было гораздо ближе к Италии, чем к более эмоциональный и мистический темперамент северной Европы.
Рогир ван дер Вейден (ок. 1399–1464), возможно, обучался в Мастерская Кампена. Он был художником в Брюсселе, а также под покровительством бургундского двора. Его самая известная работа сейчас — запрестольный образ. в галерее Прадо в Мадриде и получил название «Депонирование Эскориала».(Иллюстрация стр. 439) Он разделяет многие характеристики работы Мастера Flmalle, включая реалистичное представление деталей и большой эмоциональный сила. Горе тех, кто присутствует при низложении Иисуса из Ярко показан крест. Эти эффекты усиливаются светящимися цветами и богатство фактур, которые так бросаются в глаза во фламандском искусстве и которые были созданы возможно за счет использования масла.
В Депонировании пространство огорожено и занято главным образом человеческим цифры.В другом месте работы можно увидеть другие фламандские штрихи в пейзаже, иногда показываемые в открытое окно, детали натуралистического жанра отечественные интерьеры. Но по своей человеческой и эмоциональной привлекательности Рожье отличается от Ян ван Эйк и оказал большое влияние на более поздних фламандских художников.
Он один из величайших портретистов. Его картины последних двух Бургундские герцоги Филипп Добрый и Карл Смелый приносят эти фигуры пятнадцатого века живо перед нами. (Иллюстрация на стр. 440) Его портреты освещаются его человеческими симпатиями, и многие позднейшие художники пытались зафиксировать это в своей работе, ни разу не сравнявшись с его достижением.
Ганс Мемлинг (ум. 1494) редко поднимается до высот Рожье, о котором он был последователем, но он был чрезвычайно популярен. В некоторых своих портретах он достигает величия, и он выдающийся художник-пейзажист. В противном случае его искусству не хватает величия и глубины Рожье. Его жизнерадостность и декоративность обаяние, однако, оказалось очень популярным, и он стал одним из самых богатых людей в Брюгге.
Эти художники представляют лишь очень немногих выдающихся нидерландских художников. мастера.Позже в этой главе мы вернемся к работе двух их величайшие преемники, Босх и Брейгель.
ФРАНЦИЯ
Хотя взаимные культурные влияния уже давно перетекали туда и обратно между Францией и Италией открылась новая фаза итальянского влияния во Франции. с французскими вторжениями на полуостров, начавшимися в 1494 г. Начиная с Карла VIII, французские короли привезли с собой домой итальянских художников и поставили им работать. Важнейшим из королевских покровителей был Франциск I. было упомянуто активное поощрение гуманистического обучения.Среди художников приехавшими во Францию по его приглашению были Леонардо да Винчи и Андреа дель Сарто. Фрэнсис также собирал картины великих итальянских мастеров, таких как Тициан, Рафаэль и Микеланджело.
Однако ни один из этих художников или произведений не оказал решающего влияния на французское искусство. через работу, которую они сделали во Франции. Более важными были Джованни Баттиста ди Якопо, известный как Россо Фиорентино (1495 1540), Франческо Приматиччо (1504 70), который надолго пережил Франциска, и Себастьяно Серлио (1475 1554).
Россо и Приматиччо, прибывшие в начале 1530-х гг., были первыми двумя Итальянские художники любого масштаба, проделавшие значительную работу во Франции. Наиболее важные свидетельства их работы находятся во Дворце Фонтенбло, где Франциск I с тех пор проводил реконструкцию. 1528. Здесь два итальянских художника разработали новую схему украшения, сочетание живописи с лепниной в полном рельефе. Повторяющиеся мотивы включают использование фруктов, цветов и женской обнаженной натуры.Эффект богатый и сложный. Вместо того чтобы подчиняться архитектурным рамкам, декор стремится затмить и затмить его. Работа «Школы Фонтенбло» имела большое влияние во всей Европе.
После смерти Россо в 1540 году Приматиччо продолжал работать во дворце. Фонтенбло. Здесь он развил стиль рисования фигур, который должен был стать стандарт во Франции и должен быть принят в других странах: стройные, удлиненные фигуры, часто обнаженные, в легких и элегантных позах.В более поздние годы Приматиччо сделал несколько архитектурные работы и, среди прочего, проект гробницы Генриха II.
Молодой итальянский художник Никколь дель Аббате (ок. 1512–1571) сотрудничал с Primaticcio в украшениях Фонтенбло, добавив особый навык в иллюзионизм, которому он научился в Италии. Он также имел большое значение в области пейзажной живописи. Панорамный пейзаж с его фантастическим характер, его далекие взгляды, его сказочное настроение, на которые повлияли как итальянские, так и Фламандские модели были завезены им во Францию.
В отличие от живописи, пришедшей в упадок во Франции к началу шестнадцатого века, архитектура продолжала процветать. Хотя было Интерес французов к итальянской архитектуре до вторжений вторжения, которые дали решающий толчок. Это произошло, в частности, благодаря Французская оккупация Милана. Миланская архитектура подчеркнута очень сложной убранство, в отличие от более строгого стиля Флоренции. Это весьма декоративный стиль понравился французам и был ими скопирован.Чертоза Павии, которая находилась на миланской территории недалеко от города Милана, было зданием, которым больше всего восхищались французы. Были и более прекрасные образцы Архитектура эпохи Возрождения, строящаяся в Милане, особенно произведения великих Браманте, но французы их проигнорировали.
Это отсутствие признательности указывает на слабость большей части проделанной работы. во Франции под итальянским влиянием: Художники не смогли оценить настоящую значение итальянского искусства и копировал только его внешние качества.В некоторых случаях, итальянские художники, работавшие во Франции, были низшими талантами, которые, тем не менее, имел большое влияние. Одним из них был Серлио, которого Франциск I привезен из Италии в 1540 или 1541 году. Великий покровитель архитектуры, Франциск построил множество великолепных замков, которые до сих пор видны. К тому времени Серлио прибыл, французы могли оценить настоящие достижения итальянского Ренессанс.
Смещение Жермен Пилон Алинари/Арт Ресурс
Таким образом, примерно с 1540 года началась великая эпоха французской архитектуры, когда итальянские элементы были ассимилированы, и возникла истинно французская архитектура. произведено.В этом развитии Серлио имел влияние, несоизмеримое с его способность, которая не была выдающейся ни по сравнению с лучшим итальянским или лучших французских архитекторов того времени.
Влияние Серлио во Франции пришло через здания, которые он планировал или построил он только два и особенно благодаря своему архитектурному трактату. Однако ему не хватало умения создавать стиль, а то, что доставалось другим архитекторам из его книги были отдельные элементы, а не единое целое.Тем не менее, он был важным источником итальянских идей во Франции.
В середине шестнадцатого века работали два французских архитектора. века, которые были гениальными людьми, Пьер Леско (ок. 1515 78) и Филибер де л’Орм (ум. 1570). Леско наиболее известен своей работой по восстановлению площади. двор (Cour Carre) Лувра, большой королевский дворец в Париже. Он начал это в конце правления Франциска I. Работа Леско здесь была классической, но не итальянской; в нем было больше украшений и больше разнообразия, чем в лучшем итальянском произведении время.Таким образом, он создал стиль, одновременно французский и классический.
Филибер де л’Орм, величайший французский архитектор того периода, учился в Риме с 1533 по 1536 год. Через несколько лет после своего возвращения во Францию он приехал в внимание дофина и Дианы де Пуатье, любовницы дофина. Когда дофин стал королем Генрихом II в 1547 году, де л’Орм получил пост управляющий зданиями. После смерти Генриха в 1559 году он потерял свое положение. и, по-видимому, подвергся жестокому обращению, сильно обидев его высокомерие во время его власти.Позже он был восстановлен в пользу Екатерины. де Медичи, который давал ему важные поручения. Он также написал две книги о архитектурные предметы.
Его отношение как к классическому, так и к итальянскому стилям было обусловлено его сильный французский патриотизм. Он был против тех, кто слепо следовал либо этих моделей; он верил, что следует руководствоваться разумом, практическим опытом, и чувство подходящего.
В то же время де л’Орм разбирался в классической архитектуре и умел адаптировать его к своему использованию, не жертвуя собственной индивидуальностью.Результат архитектура, которую можно назвать классической, не будучи простой копией, и которая все еще француз. Он также смог придать своим работам монументальный характер. ранее недостижимый во Франции в этот период.
Архитекторы часто работали в тесном сотрудничестве со скульпторами. в области скульптуры, итальянское влияние проявилось в лице Бенвенуто Челлини, работавший во Франции с 1540 по 1545 год. Среди художников, на которых он оказал влияние был великий французский скульптор Жан Гужон (16 век).Хотя он наверное изучал классическое искусство в Италии и использовал итальянские идеи в своем творчестве. своеобразный стиль, которому широко следовали во Франции. Изысканная грация его фигуры проиллюстрированы рельефами нимф на странице 441.
Величайшим скульптором последних лет века был Жермен Пилон. (ок. 1525 90). На него не повлиял Гужон, но в своих ранних работах он показывает влияние Primaticcio. Со временем он развил весьма индивидуальный стиль.На бронзовом рельефе «Отложение» (иллюстрация на стр. 425) показано плавность его более позднего стиля, а также использование натуралистических детали, даже резкие, для достижения эмоционального эффекта.
Чтобы кратко обратиться к области живописи, мы можем отметить двух мастеров портретная живопись, Клуэ, отец и сын. Жан Клуэ (умер в 1541 г.) не выходец из Франции. Возможно, он родился в Брюсселе, хотя это не так. уверен, и он никогда не стал гражданином Франции. Известно, что с 1516 г. работал на службе у французской короны.Хотя он не был исключительно художник-портретист, его портреты отличаются острым наблюдением за персонаж (иллюстрация, стр. 442), как на портрете Франциска I.
В 1541 году, после смерти отца, Франсуа Клуэ (ум. 1572) был назначен Франциск I стал преемником своего отца. Ему мы обязаны портретами многих члены французского двора, в том числе некоторые из королей.
Оба Клуэ демонстрируют итальянское влияние, но оно было ассимилировано и подчинен исконно французской традиции.Итак, итальянское влияние на французское искусство в общего, хотя сначала это не было понято и какое-то время производило некоторое неуклюжие подражания, в конце концов переваривались и помогали сформировать то, что было по существу новый, отчетливо французский стиль.
ГЕРМАНИЯ
Политическая и религиозная ситуация в Германии XVI в. влияние на искусство. Политическая раздробленность и слабость империи означали, что не было ни одного художественного центра с таким глубоким влиянием, как королевский двор во Франции, хотя императоры обычно интересовались искусством и активно покровители.Таким образом, было несколько мест, где велась важная работа. сделано, с местными вариациями в стиле и традициях.
Религиозные проблемы Реформации также препятствовали творческой деятельности. Художникам, как и другим людям, иногда приходилось менять место жительства на избежать преследования. Покровителей стало меньше, а те, кто еще ввод в эксплуатацию произведений искусства, превращенных в более мелкие произведения, а не в большие и монументальные произведения.
Несмотря на такие недостатки, было проделано много работы, и некоторые известные художники были произведены в Германии шестнадцатого века.Трое величайших могут быть здесь обсуждались: Кранах, «Грневальд» и Дрер, все они родились в несколько лет друг от друга.
Лукас Кранах Старший (1472–1553) был придворным художником в Виттенберге. 1505 г. до конца жизни. Ему мы обязаны, пожалуй, лучшими портретами Мартина. Лютера, один из которых воспроизведен здесь. (Иллюстрация на стр. 443) Его многочисленные портреты показывают проницательное понимание мыслей и эмоций субъектов. Он замечателен также своим чувством природы: острым и любовным наблюдением за природные детали, его глубокий эмоциональный отклик на величие и красоту неба и деревья.Некоторые из его портретов сделаны на открытом воздухе, и в них он соответствует естественная настройка настроения и темперамента натурщика.
Матис Готхарт-Нейтхарт, известный как «Грневальд» (ок. 1480–1528), работал на некоторое время на службе у Альбрехта Бранденбургского, архиепископа Майнца, который обсуждалось в связи с Лютером. Однако в конце концов художник принял лютеранские взгляды и, возможно, участвовал в Крестьянской войне с стороне крестьян. Помимо живописи, он работал во время своего карьера в различных проектах, требующих инженерных навыков; он что-то знал про медицину тоже.
Грневальд — один из величайших немецких художников; его гений находит выражение в изображении сильных эмоций, особенно болезненных эмоций. Этот показан в его самой известной работе, картинах на алтаре для часовня в монастыре в Изенхайме. Распятие (см. следующую страницу), которое он нарисованное здесь не щадит смотрящего. Грневальд неустанно выявляет все следы ужасных страданий и мучений, вызванных жестокостью и пытками из палачей. Верные фигуры у подножия креста выражают невыносимое горе.Мало найдется великих картин, которые бы так ярко передавали чувство ужаса и боли. Картина скорее готическая, чем ренессансная. состав и структура.
Распятие, Изенхаймский алтарь Матиас Грневальд Буллоз
Другие произведения Грневальда передают то же чувство страдания и горя, ибо Например, картина осмеяния Христа. Ему часто удается передать неземная, сверхъестественная атмосфера, соответствующая лихорадочному, переутомленному эмоциональную атмосферу, характерную для Германии начала шестнадцатого века.Хотя некоторые из его картин демонстрируют влияние произведений итальянского Возрождения, Грневальд оставался строго средневековым по мировоззрению и технике.
Чувство равновесия и меры, ренессансная концепция человеческого достоинства чего нет у Грневальда, можно найти у Альбрехта Дрера (1471 1528), величайший из немецких художников. Он связан прежде всего с город Нюрнберг, один из ведущих культурных и интеллектуальных центров Германия. Знаменитый нюрнбергский патриций, общественный деятель и гуманист, Виллибальд Пиркхаймер был близким другом Дрера.У художника осталось два портреты его, выполненные в разное время.
Италия сыграла очень важную роль в развитии Дрера и в истории Севера. Европейское искусство в целом. Перед первой итальянской поездкой Дрера, состоявшейся в В 1494–1495 годах искусство Ренессанса в Италии мало повлияло на Север. «Первую поездку Дрера в Италию, хотя она и была короткой, можно назвать началом возрождения в северных странах».16 Дрер вернулся из Италии полным желание немецких художников участвовать в «возрождении» искусства, было осуществлено итальянцами.Вот еще один очевидный тому факт что многие видные деятели того времени были проникнуты идеей, что возрождение, возрождение или обновление происходило в их собственный день.
Дрер снова ездил в Италию с 1505 до начала 1507 года, видел превосходное социальное положение и образованность итальянских художников по сравнению с немцами, и начал приобретать для себя новые гуманистические знания. Потому что он был как ученый, так и художник, с 1512 года ему покровительствовал император Максимилиан I.(Иллюстрация на странице 444) Он также был ученым с всеобъемлющий интерес к природе. Помимо художественной деятельности, он писал книги по геометрии, укреплениям и пропорциям человека.
Дрер смог уловить подлинный классический дух в своем искусстве, хотя он мало контактировал с оригинальными работами, но должен был подходить к ним через Итальянские гравюры и рисунки. В этих условиях Эрвин Панофски считает, что достижение «Почти чудо».17
Самосознательный индивидуализм Возрождения вместе с его представление о человеческом благородстве и достоинстве можно увидеть в автопортретах Дрера.Ни один предыдущий художник не использовал себя так часто в качестве объекта своих работ. Кроме того, портреты Дрера не находятся просто в группе. картины, как это часто бывало у других художников эпохи Возрождения, использовавших этот устройство в качестве своего рода подписи, но также были независимыми исследованиями. Эти автопортреты соответствуют в своей особой области интенсивному и продолжительный интерес к самопознанию.
Самый замечательный из этих автопортретов, который часто находили шокирует, была написана в 1500 году.(Иллюстрация на странице 445) Он представляет Дрера. себя таким образом, что это также кажется изображением Иисуса. Это имеет показались многим зрителям кощунственными, и все же не было непочтительности в Дрер. Напротив, его жизнь и работа показывают, что он был глубоко религиозный человек. Решение Панофски этой тайны вкратце сводится к тому, что такие отождествление было менее странным в то время, чем теперь, и что для Дрера работа демонстрирует смирение, а не тщеславие. Это указывает на то, что художник должен смиренно стремиться к божественному творческому дару.18
Многие другие портреты Дрера отличаются техническим мастерством и проницательное наблюдение. Он был также мастером пейзажа, и в соответствии с его научный характер, проницательный и любящий портрет животных. Дрер не был только живописец, но и гравер и дизайнер ксилографии. Его репутация на самом деле, его работа в этих областях была больше, чем его картины. Среди его лучшими работами в гравюре на дереве были несколько серий, которые он сделал, иллюстрируя Апокалипсис. и Страсть.
Среди многочисленных гравюр Дрера в 1513 и 1514 гг. три самых известных: Рыцарь, Смерть и Дьявол; Святой Иероним в Его исследование; и Melencolia I. (Иллюстрация на стр. 446) Эти трое представляют соответственно три образа жизни: нравственный, теологический и интеллектуальный. Все имеют очень большое значение, но в то короткое время, которое у нас есть, мы выберем Меленколия для обсуждения. Меланхолик представлен крупной крылатой самкой фигура, безутешно сидящая на земле, окруженная инструментами и символы искусства, как свободного, так и механического.Она как бы выражает тщетность и бесперспективность человеческого знания, особенно теоретического знания оторван от практики. Она также может символизировать собственное психическое состояние художника. стремление к совершенству знания, которого, как он знает, он никогда не сможет достичь.
Критической переменой в жизни Дрера, сильно повлиявшей на его творчество, стал его обращение в 1519 году в лютеранство. После этого он сосредоточился главным образом на религиозные сюжеты и принял более строгий стиль, передававший более глубокую эмоциональное выражение.
Другим важным немецким художником был Ганс Гольбейн Младший, но так его работа была сделана в Англии, что мы можем обсудить его в связи с этим страна.
АНГЛИЯ: ГОЛЬБЕЙН
Ряд иностранных художников, многие из них из Нидерландов, были действовал в Англии в шестнадцатом веке. Величайшим из них был Герман Ганс Гольбейн Младший (1497 1543). Гольбейн родился в Аугсбурге. происходил из семьи художников, в том числе его отец, старший Ганс, его дядя Сигизмунд и его брат Амвросий.Еще будучи подростком, он работал в Базеле, где познакомился с Эразмом. Из этих лет пришло его восхитительные иллюстрации к «Похвале глупости». В это раннее время он был уже писал портреты, область, в которой он должен был проявить себя как один из величайших гении. К 1523 году он написал три портрета Эразма; тот, что воспроизведен здесь (Иллюстрация на странице 447), возможно, лучше, чем любой другой, раскрывает характер и личность великого гуманиста и ученого. Он также работал в издательствах, изготовление гравюр на дереве для использования в своих книгах.Вполне вероятно, что он сделал Итальянское путешествие.
В 1526 году он отправился в Англию с рекомендательными письмами от Эразма к Уильяму Уорхэму, архиепископу Кентерберийскому, и сэру Томасу Мору. Этот плавание в Англию длилось восемнадцать месяцев, после чего он вернулся в Базель. То там религиозные беспорядки, кульминацией которых стало торжество Реформации в 1529 г. затруднил его работу. Поэтому он навсегда покинул Базель в 1532 г. остаток жизни провел в Англии. Он оставил брошенную жену и дети.
В Англии Гольбейн создал замечательную серию рисунков и картин. которые ярко представляют великие фигуры правления Генриха VIII перед нами. Генри VIII покровительствовал ему с 1536 года. Среди прочих заслуживают внимания портреты Гольбейна. вещи за их объективность и отстраненность; он не идентифицирует себя со своим подданных, и не скрывает их слабости.
Среди местных художников можно упомянуть Николаса Хиллиарда (1547 1619), который был ювелиром и художником-миниатюристом.Он был любимым художником королевы. Елизаветы и по королевскому патенту получил монополию на рисование портретов Королева.
Христос, несущий крест Иероним Босх Буллоз
Больше всего интересовала архитектура, а не живопись или скульптура. интересов англичан, особенно высших слоев общества. Многие из знатных и у богатых была страсть к строительству, и некоторые из их больших домов до сих пор стоять. В царствование Генриха VIII одним из различных факторов, приведших к Падение Генри Ховарда, графа Суррея, связано с его грандиозным строительством планы.Уильям Сесил, лорд Берли, построил не один великолепный дом. То грозная Бесс Хардвик, графиня Шрусбери, была глубоко заинтересована в здании. Хардвик-холл, спроектированный для нее Робертом Смитсоном в 1590-х годах, внушительная структура. Как и другие великие английские дома того периода, он до сих пор несколько средневековый вид. Хотя английские строители были знакомы с трудах континентальных теоретиков по архитектуре, английское строительство было далеко отстает от времени по сравнению с самой передовой работой на континенте.
НИЗКИЕ СТРАНЫ
Великая средневековая художественная традиция Нидерландов была продолжена в Ренессанс. Из многочисленных известных художников, работавших там, двое могут упомянуть здесь: это Иероним Босх и Питер Брейгель Старший, оба сохранили в своей работе сильные средневековые элементы.
Босх (ок. 1450 1516), голландец, является одним из самых очаровательных и недоумение живописцев, и невозможно расшифровать все смыслы в его работает.Некоторые из его картин довольно прямолинейны и, кажется, раскрывают отчетливо пессимистический взгляд на человеческую природу. Это относится ко многим его работам. связанные с аспектами Страстей, такими как Терновый венец, Осмеяние Христа, или Христос, несущий крест. (Иллюстрация на стр. 431) В этом работы, мы можем видеть, как кроткое, страдающее лицо Спасителя, хотя и помещенное в центре композиции, более или менее затмевается безобразным, гротескные лица его преследователей.
У Босха было буйное и зловещее воображение, которое в некоторых его работах выражается во всевозможных причудливых чудовищах и призраках. Дьяволы изобилуют, как и видения ада, с его жуткой зловещей атмосферой, освещенной пламя. Кажется, что у Босха есть сатирический и моралистический оттенок, хотя его точное значение иногда далеко не ясно. Его не трогают многие особенности итальянского кватроченто, такие как математическая перспектива и тщательное изучение и представление человеческого тела.В его произведениях человек фигуры плоские и схематично обрисованы, а перспектива игнорируется, хотя Босх важен как художник-пейзажист. Он отходит даже от родного Нидерландская традиция в том, что он не умеет рисовать портреты или, возможно, просто незаинтересованным в этом. С другой стороны, он часто очень озабочен точностью деталей. Таким образом, он, по сути, средневековый художник во многих отношениях, но есть не отрицая его силы и художественного величия. Одним из его поклонников был король Филипп II Испании, страстный коллекционер работ Босха.
Некоторые критики называли Питера Брейгеля Старшего (ок. 1525–1569 гг.) второй Босх, потому что многие из его работ действительно отражают влияние Босха, но это описание его было бы очень неполным. Столь же ошибочным является мнение это рассматривает его в основном как художника забавных сцен из крестьянской жизни. Он ныне считается одним из величайших художественных гениев своего времени и глубоко серьезный художник. Хотя его карьера, к сожалению, была короткой, он оставил значительное количество картин и рисунков.
Голландские пословицы Питер Брейгель Старший
Хотя существовало предание, что он был крестьянином по происхождению, место его рождения Неизвестный; возможно, это был город Бреда. Он был в Италии в 1552 г. 1553. Несколько лет он работал в Антверпене, художественной столице Низкой страны, а позже переехал в Брюссель. Он был в контакте с кругом Эразмийские гуманисты, на которых повлияли некоторые передовые религиозные думал о времени; мы должны помнить, что Нидерланды были родина некоторых радикальных мыслей по религиозным вопросам.Брейгель был глубоко озабочен человеческими пороками и глупостями, и выражал эту озабоченность в своих произведениях. Таким образом, он был не простым крестьянином, а очень утонченным и ученым человеком с группа друзей-единомышленников и обладала глубокой моральной заботой. Этим качествам ему добавилась большая художественная сила и великолепная техника.
Некоторые из его картин наполнены фигурами, как в Нидерландских пословицах, выше, в котором люди разыгрывают около сотни популярных пословиц. Здесь у Брейгеля есть прекрасная возможность прокомментировать человеческую порочность и глупость, как это делали Себастьян Брант и Эразм в своих сочинениях.В этом На картине женщина надевает на мужа голубой капюшон, а это значит, что она делает его рогоносцем. Мужчина наполняет колодец после того, как теленок был утонул, как мы сказали бы о запирании двери амбара после того, как лошадь украдена. Человек кусает столб, что показывает, что он лицемер, и так далее.
На протяжении всего его творчества была такая же острая наблюдательность и критика человеческая слабость. Две его картины о строительстве Вавилонской башни показывают глупость и тщетность гордыни.Свадебный танец и свадебный банкет, далеко не просто представление о веселье среди крестьян, показать эффекты похоти и чревоугодия соответственно. В его великой картине В притче о слепых мы видим всех людей потерянными, безнадежными и бесполезными. лидерство.
Неиссякаемый интерес к творчеству Брейгеля отчасти объясняется богатством и точность его деталей; всегда есть что посмотреть. Он также был мастер пейзажа и одна из великих фигур в развитии этой области живописи.Он не был портретистом, но это и не входило в его намерения. Люди в его картины часто имеют круглые, пустые, тяжелые лица, невыразительные, бессмысленные, иногда злонамеренный; они типы, а не личности, и их цель заключается в передаче сообщения.
ИСПАНИЯ
Покровительство художникам и коллекциям произведений искусства было характерно для Габсбурги и не более, чем Филипп II. Среди тяжелых усилий по управлению своими обширными владениями, он нашел время, чтобы построить важный библиотеку, наблюдать за строительством великого дворца Эскориал, собирать произведения искусства и покровительствовать художникам.Мы упоминали о его заинтересованности в покупке произведения Босха. Он продолжил покровительство Тициана, начатое его отцом, Карлом V. Иностранные влияния, так тщательно избегаемые страны в других областях, свободно вошел в мир искусства, особенно из Италия и Фландрия. Строго говоря, конечно, эти влияния не могли быть считался совершенно иностранным, поскольку в Италии в основном доминировала Испания. во времена Филиппа, и Нидерланды были частью его владений.Даже после восстание Нидерландов, Фландрия осталась под властью Испании.
И все же самым значительным испанским художником того времени был грек, родившийся остров Крит. Доменикос Теотокопулос, на самом деле, широко известен как Эль Греко (1541 1614). Несмотря на свое греческое происхождение и то, что он жил и работал в Венеции и Риме до тридцати шести лет, он кажется нам самый испанский из художников. Он получил пару заказов от Филиппа II, но король отверг одну из его картин, потому что она ему не понравилась.
Можно понять, почему. Для глаза, не привыкшего к его творчеству, искусство Эль Греко должно показались странными. Он намеренно искажает и удлиняет свои фигуры, задает их часто в зловещей, неземной атмосфере, использует взволнованный, мерцающий свет, игнорирует правила перспективы и усиливает эффект блестящими областями. цвет. Его картины обычно религиозны, и их эффект заключается в выражении в видения, которые, кажется, игнорируют барьер между естественным и сверхъестественным, мистическая интенсивность, которая является подходящим выражением Испании счетчика Реформация.(Иллюстрация «Похороны графа Оргаза», стр. 448). свои последние годы в нищете и оставившие после себя большие долги, ему было даровано посмертное признание, которое предоставляется великим художникам, которые осмелились уйти от общепринятых обычаев их века.
ЗАКЛЮЧЕНИЕ И ПРЕДОСТЕРЕЖЕНИЕ
В книге такого рода можно упомянуть лишь некоторых художников и произведения искусства того времени. Это неизбежное и досадное упрощение нельзя допустить, чтобы затемнить тот факт, что художественная продукция Северного Европа в шестнадцатом веке была обширной, богатой и сложной.Хотя изменения и потрясения эпохи могли создать условия, враждебные художественное развитие, они не могли его погасить.
Читатели также должны быть осторожны, чтобы не пытаться свести столь обширную тему к нескольким легкие обобщения. Искусство и художников удобно классифицировать по школы и направления, но это ведь не более чем удобства. Ан художник или группа художников, произведение искусства или группа работ могут быть названы средневековье, Раннее Возрождение, Высокое Возрождение, маньеризм и т. д.; но каждый художник, каждая картина, статуя или здание уникальны.Одна отличная работа для например, картина Брейгеля или офорт Дрера могут дать материал для почти бесконечного изучения и размышлений. Изучение или оценка работы одного из великих мастеров может занять всю жизнь. Мадонна, Портал Шартрус-де-Шамполь
Клаус Слютер и магазинМистическое поклонение Агнцу, Гентский алтарь
Хьюберт(?) и Ян ван ЭйкСвадебный портрет Арнольфини
Ян ван ЭйкЭскориал Отложение
Рогир ван дер ВейденКарл Смелый
Рогир ван дер ВейденНимфы, Fontaine des Innocents
Жан ГужонФранциск I
Жан КлуэМартин Лютер
Лукас Кранах СтаршийИмператор Максимилиан I
Альбрехт ДюрерАвтопортрет (1500)
Альбрехт ДюрерМеленколия I
Альбрехт ДюрерЭразмус 1523
Ганс Гольбейн МладшийПогребение графа Оргаза
Эль Греко.