Мир художественной культуры возрождения кратко: Мир художественной культуры .Возрождение.7класс .Краткое содержание

Содержание

Мир художественной культуры .Возрождение.7класс .Краткое содержание

Ответ:

Искусство эпохи Возрождения — живопись, скульптура, архитектура, музыка и литература — созданные в Европе в 14, 15 и 16 веках под влиянием растущего осознания природы и более индивидуалистического взгляда на человека. Ученые больше не верят, что эпоха Возрождения ознаменовалась резким разрывом со средневековыми ценностями, как предполагает французское слово ренессанс, буквально «возрождение». Скорее исторические источники обуславливают, что интерес к природе, гуманистическому обучению и индивидуализму уже присутствовал в конце Средневековый период стал доминирующим в Италии 15 и 16 веков одновременно с социальными и экономическими изменениями, такими как секуляризация повседневной жизни, рост рациональной денежно-кредитной экономики и значительный рост социальной мобильности.

Обычно эпоха Возрождения делится на 4 периода:

• Проторенессанс (дученто) — 2-я половина XIII в. -XIV в.

• Раннее Возрождение (треченто) — начало XV-конец XV в.

• Высокое Возрождение (кватроченто) — конец XV-первые 20 лет XVI в.

• Позднее Возрождение (чинквеченто) — середина XVI-90-е годы XVI в.

Объяснение:

Чем характеризуется эпоха Возрождения?  

Глубоким переломом в сознании человека, изменения во взглядах на мир.  

Художественная культура проторенессанса характеризуется тенденцией к чувственному, светскости, проявлению интереса к античному наследию. У истоков его развития стоял мастер Никколо. Активно используется классическая традиция, делается акцент на объеме и весомости фигуры.  Представителями этого периода являются Джотто, Пьетро Каваллини, Амброджо Лоренцетти, Чимабуэ и другие.

Художественная культура Раннего Возрождения характеризуется обновлением итальянской художественной культуры, где победил реализм.

Творчество Донателло и Мазаччо реалистично и гуманно, они возвеличивают человека, опираясь на античность. Для этого периода также характерна упорядоченность мира, обращение к этическим идеалам гуманизма, восприятие красоты и многообразия реального мира.   Представителями этого периода являются Мазаччо, Филиппо Липпи, А. дель Кастаньо, П. Уччеллo, Фра Анджелико, Д. Гирландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, Пьеро делла Франческа, А. Мантенья, П. Перуджино.

Художественная культура Высокого Возрождения характеризуется освобождением от многословия. Мастера этого периода стремятся к гармонии в своих работах и пытаются сочетать лучшие стороны реальности. Рафаэль, Леонардо да Винчи, Тициан, Джорджоне, Микеланджело, Якопо Сансовино

передавали мимику лица и детали тела человека, которые не влияют на смысл картины, но помогают передать пространство и построить композицию.  

Художественная культура Позднего Возрождения характеризуется изломанностью линий, деформированностью фигур, которые часто изображались обнаженными и напряженными в неестественных позах. Представителями этого периода являлись Пармиджанино, Понтормо, Бронзино.

Мир художественной культуры Возрождения: принципы и идеалы

Возрождение (или Ренессанс) — особенный важнейший этап в развитии мировой художественной культуры. Колыбелью Возрождения были Рим, Флоренция, Неаполь и Венеция. Это было загадочное и неоднозначное время, когда дикость, жестокость и невежество сочетались с почти героическими проявлениями гуманизма.

Особенности эпохи

Для этого времени прежде всего было характерно понимание необходимости обновления человека, его мыслей, образа жизни и сознания. Это обновление начиналось с новой пространственно-временной ориентации. Пространство становилось сферой самоутверждения человека в мире. Появилось осознание того, что выражением структуры пространства и времени является форма, с помощью которой человек стремился овладеть миром явлений.

Мир художественной культуры Возрождения (7 класс): таблица.

Перспектива

В эпоху Ренессанса математическое понятие «перспектива» получило развитие в искусстве. Теорией перспективы занимались многие выдающиеся художники Возрождения. Перспектива стала ощутимым шагом в сближении человека и мира.

В средние века термином «перспектива» обозначали математическую теорию зрения. Еще Евклид изобразил геометрическое восприятие окружающих предметов. Лучи, идущие от глаза к предмету, он представил в виде пирамиды, вершина которой находится в глазу, а основание на поверхности предмета. Позже Брунеллески поставил на пути лучей плоскость картины, получив перспективное изображение предмета. Это открытие дало художникам Возрождения осуществить так называемый прорыв плоскости и завоевать иллюзорное пространство, которое раздвинулось вглубь и ушло за пределы плоскости.

Художники Возрождения определили перспективу как видимые издали вещи, представленные в определенных и данных пределах пропорционально в зависимости от расстояний и размеров.

Леонардо да Винчи установил структуру перспективы:

  1. Первая перспектива содержит очертания предметов.
  2. Вторая говорит об уменьшении и ослаблении цвета на разном расстоянии.
  3. Третья показывает потерю отчетливости.

Таким образом, художники Ренессанса исчисляли глубину пространства и создавали эффект присутствия.

Природа и мир художественной культуры Возрождения

В итальянской культуре эпохи Ренессанса пейзаж из нейтрального фона превращался в активное пространство. Мастерами в передаче света и цветового богатства окружающего мира были:

  • Лоренцо Лотто;
  • Беноццо Гоццоли;
  • Сандро Боттичелли;
  • Франческо Косса;
  • Карпаччо;
  • Пьетро Перуджино;
  • Леонардо да Винчи;
  • Микеланджело;
  • Рафаэль;
  • Корреджо;
  • Тициан;
  • Джованни Беллини.

Музыка Ренессанса

Музыка — это мощнейшая ветвь культуры Возрождения: она ориентировала слушателей на вечное, презрев преходящее. Особенностями музыкальной школы эпохи являлись простота, ясность, легкость фактуры, гармоничное изящество.

Величайшими музыкантами эпохи Ренессанса были:

  • Джованни Палестрина;
  • Андриан Виллаэрт;
  • Жоскен Депре;
  • Андреа Габрили;
  • Джованни Габриэли.

Архитектура

Основной задачей, которую ставили перед собой светлые умы эпохи Возрождения, было создание прекрасного. Так как архитектура призвана организовывать пространство в утилитарно-эстетических целях, архитекторы Ренессанса много внимания уделяли законам пропорционирования, но, в отличие от античных мастеров, они создавали свои творения для людей и думали также об их удобстве.

Литература

Литература Возрождения, как и произведения искусства, была пропитана любовью. Одной из характерных черт ее было противоречие между индивидуализмом и самоотдачей, растворение любящего в любимом рассматривалось как полная утрата свободы. А свобода — то жизнь, поэтому любящий человек, утратив свободу, погибает. Литература Ренессанса пропитана страданиями, но также и утверждением того, что только любовь делает человека прекрасным и чистым.

Северное Возрождение

Особое место в мировой культуре эпохи занимает Северное Возрождение. Главные идеалы художественной культуры Северного Возрождения:

  • преобладание пантеистических взглядов на мир;
  • внимание к деталям;
  • демонстрация несовершенства мира и вездесущности вселенского зла;
  • акцент на страданиях;
  • поэтизация среднего человека;
  • единство трагического и комического;
  • почтительное отношение и одухотворение вещей;
  • протестантская позиция будней;
  • отказ от замкнутой композиции;
  • смысловая насыщенность;
  • сильная символика.

Яркими представителями Северного Возрождения были:

  • Френсис Бэкон;
  • Монтень;
  • Босх;
  • Франсуа Рабле;
  • Шекспир;
  • Мигель Сервантес.

В чем главный смысл?

Если представлять мир художественной культуры Возрождения кратко, можно сказать, что в эпоху Возрождения изменяются представления людей о пространстве и времени. Дифференцируется духовное и земное. Важнейшими нравственными ценностями считаются любовь и достоинство.

В период Высокого Возрождения художественное выражение получает идеальная модель мира и человека в творчестве Рафаэля, Микеланджело и Леонардо да Винчи:

  • Работы да Винчи были ориентированы на человека, живущего в природном континууме.
  • Микеланджело заботила история души, культуры, идей.
  • Рафаэль пытался достичь нравственного и эстетического идеала.

В итальянском Возрождении природа являлась не только средой обитания, но и одним из источников наслаждения.

Согласно концепции Возрождения, главенствующая роль человека требовала его активности: он стремился достичь гармонии в мире и в самом себе.

Наряду с итальянским, существовало Северное и Испанское Возрождение.

Мир художественной культуры Возрождения: таблица

Предлагаем самостоятельно выполнить задание. Тема: «Мир художественной культуры Возрождения (7 класс). Таблица на данную тему — ниже.

Заполнив таблицу, вы еще раз убедитесь, что изобретениями и достижениями великих мастеров эпохи Возрождения человечество пользуется и по сей день.

Презентация «Мир художественной культуры Возрождения»

Слайды и текст этой онлайн презентации

Слайд 1

Мир художественной культуры Возрождения

Слайд 2

План урока
«Какое чудо природы человек!» Эпоха титанов Северное Возрождение Альбрехт Дюрер Музыка эпохи Возрождения

Слайд 3

1. «Какое чудо природы человек!»
Уи́льям Шекспи́р (1564-1616) — английский драматург и поэт, один из самых знаменитых драматургов мира, автор по крайней мере 17 комедий, 10 хроник, 11 трагедий, 5 поэм и цикла из 154 сонетов. Среди самых прославленных произведений Шекспира «Король Лир», «Ромео и Джульетта», «Гамлет», «Отелло».

Некоторые искусствоведы утверждают, что это единственный прижизненный портрет Уильяма Шекспира
Ромео и Джульетта. Картина Ф. Дикси (1884)

Слайд 4

1. «Какое чудо природы человек!»
Миге́ль де Серва́нтес Сааве́дра (1547-1616) — всемирно известный испанский писатель и солдат. Прежде всего, известен как автор одного из величайших произведений мировой литературы — романа «Хитроумный идальго Дон Кихот Ламанчский»
Иллюстрация Гюстава Доре к роману «Дон Кихот»

Слайд 5

2. Эпоха титанов
Леонардо да Винчи (1452–1519 гг.) — великий итальянский живописец, скульптор, архитектор и ученый, естествоиспытатель. Один из крупнейших представителей искусства Высокого Возрождения, яркий пример «универсального человека» (лат. homo universalis) — идеала итальянского Ренессанса. Он опередил своё время на несколько веков.

Автопортрет Леонардо да Винчи

Слайд 6

Мадонна Литта
2. Эпоха титанов
Мона Лиза

Слайд 7

Тайная вечеря
2. Эпоха титанов

Слайд 8

Летательный аппарат
2. Эпоха титанов
Леонардо да Винчи оставил дневники, в которых есть чертежи многих приспособлений и механизмов.
Прожектор
Скорострельное оружие
Вертолет

Слайд 9

2. Эпоха титанов
Микела́нджело Буонарро́ти (1475-1564 гг.) — итальянский скульптор, живописец, архитектор, поэт, мыслитель. Гений Микеланджело наложил отпечаток не только на искусство Ренессанса, но и на всю дальнейшую мировую культуру.

Слайд 10

2. Эпоха титанов
Микела́нджело один из величайших скульпторов в истории.
Пьета
Моисей
Давид

Слайд 11

2. Эпоха титанов
Микела́нджело  по заказу папы римского расписывал Сикстинскую капеллу (церковь в Ватикане).
Сикстинская капелла

Слайд 12

2. Эпоха титанов
Рафаэ́ль Са́нти (1483-1520 гг.) — великий итальянский живописец, график, и архитектор. Автор известной фрески «Афинская школа» и бессмертного творения — «Сикстинская Мадонна».

Слайд 13

3. Северное Возрождение
Пи́тер Бре́йгель-старший известный также как «Мужицкий» (1525-1569) — фламандский живописец и график. художников. Мастер пейзажа и жанровых сцен. Художник реалистично изображал сцены деревенской жизни и простого крестьянского труда.
Автопортрет с заказчиком («Художник и знаток»)
Охотники на снегу. 1565

Слайд 14

4. Альбрехт Дюрер
А́льбрехт Дю́рер (1471-1528) — немецкий живописец и график, признан крупнейшим европейским мастером ксилографии и одним из величайших мастеров западноевропейского искусства Возрождения.
Автопортрет, 1498

Слайд 15

4. Альбрехт Дюрер
Мученичество 10 000 христиан. 1508
Носорог. 1515

Слайд 16

4. Альбрехт Дюрер
Четыре всадника апокалипсиса

Слайд 17

5. Музыка эпохи Возрождения
Лоренцо Медичи
На протяжении столетий музыка находилась под влиянием и контролем церкви. С конца 16 века музыка начинает приобретать светский характер. На народных гуляниях звучали веселые песни и танцевальная музыка. Одним из авторов музыки был Лоренцо Великолепный (правитель Флорентийской республики, поэт, покровитель искусств).

Слайд 18

5. Музыка эпохи Возрождения
Домашнее музицирование изображено на полотнах многих художников эпохи Возрождения. На картине художника Караваджо изображен юноша с лютней. Музыка вышла из узких рамок церковных правил и заняла свое место среди других светских искусств.
Караваджо. Музыканты. 1595
Эпоха Возрождения внесла огромный вклад в сокровищницу мировой художественной культуры. Произведения мастеров эпохи Возрождения стали образцом и источником вдохновения для последующих поколений мастеров.

Слайд 19

Широкий спектр презентаций по курсам Мировой художественной культуры, истории и обществознания Вы можете скачать на сайте http://presentation-history. ru/

Слайд 20

Домашнее задание
Изучить параграф 8-9 Ответить на вопросы стр.80-81 (устно)

Мир художественной культуры Возрождения. конспект

Тема: Мир художественной культуры Возрождения.

Цель урока: расширить кругозор учащихся, поддерживать интерес их к изучению культуры эпохи Возрождения.

Задачи:

Образовательная: познакомить учащихся с миром художественной культуры Возрождения; расширить знания учащихся о У. Шекспире, М. Сервантесе и эпохе «титанов»: Леонардо да Винчи, Мекеланджело, Буонарроти, Рафаэлем Санти и др.;

Воспитательная: формирование нравственного отношения к культурным ценностям. Пробуждение творческой активности, осознание связей различных видов искусств между собой и с жизнью;

Развивающая: продолжить формирование умений и навыков учащихся работать со справочным аппаратом учебника.

Тип урока: комбинированный.

Методы обучения: продуктивный, проблемный.

Формы работы: лекция, беседа, работа с учебником, презентацией.

Оборудование: проектор, ноутбук, рабочая тетрадь, учебник Всеобщая история. История нового времени 7 класс А.Я. Юдовская М.- 2012.

План урока:

  1. Самоопределение деятельности (1минуты)

  2. Актуализация опорных знаний (10минут)

  3. Постановка проблемы ( 3 минуты)

  4. Открытие новых знаний (20 минут)

  5. Первичное закрепление материала (7 минут)

  6. Рефлексия деятельности (4 минуты)

Ход урока:

1. Самоопределение деятельности

Приветствие.

2. Актуализация опорных знаний

Учитель: Какие идеалы античной культуры были близки великим гуманистам Европы?

Ученик: Сильные, прекрасные, деятельные, они умеют ценить время, их дни заполнены трудом, стремлением понять и изменить окружающий мир. В эпоху Возрождения стала высоко цениться образованность.

Учитель: Как вы считаете, какую цель преследовал Петр I , давший распоряжение о переводе и печатании «Похвалы глупости» Эразма Роттердамского?

Ученик: Книга была написана легким и изящным слоганом, Петр хотел, чтоб у русских людей повышалась культура речи.

Учитель: Чем могли заинтересовать современников книги Томаса Мора?

Ученик: Автор описал идеальное государство, продумав мельчайшие детали устройства жизни его граждан. Однако воплотить мечту в реальность он не знал и поэтому поместил этот земной рай на острове, назвав его Утопия, что в переводе означает «несуществующее место». С тех пор утопиями называли произведения, описывающее справедливое, но несбыточное общество будущего. Этим и привлекает современников книги Томаса Мора.

Учитель: Что нового нашел читатель в произведении Франсуа Рабле «Гаргантюа и Партагрюэль»?

Ученик: Роман возрождал старинные традиции народных представлений, во время которых шуты веселили народ и высмеивали тупость, уродство, ханжество власть имущих.

3. Постановка проблемы.

Вопрос урока: Кто был великими творцами Возрождения и почему их излюбленным жанром стал портрет? (слайд 2)

4. Открытие новых знаний

Учитель: Творцы итальянского искусства Высокого Возрождения создали образ прекрасного гармоничного человека, сочетавшего физическую красоту и духовное совершенство. Идеалы итальянских гуманистов нашли немало сторонников и последователей среди европейских мыслителей. Сегодня с некоторыми из них мы познакомимся.

Учитель: Объяснительное чтение страниц учебника «Какое чудо природы человек!» с. 70

Записи в тетрадь:

Уильям Шекспир (1564 — 1616) — слайд 3

Мигель Сервантес (1547 — 1616) — слайд 4

Учитель: Делимся на группы: 1 ряд читает про Леонардо да Винчи с. 71; 2 ряд — Микеланджело Буонарроти с. 73; 3 ряд — Рафаэль Санти с. 75, выписываем знаменитых людей эпохи возрождения, их произведения и годы жизни.

Записи в тетрадь:

Ученик:

1. Леонардо да Винчи (1452 — 1519) — слайд 5

«Мадонна с Младенцем» — слайд 6 ; «Джоконда» — слайд 7; Фреска «Тайная Вечеря» — слайд 8

Ученик:

2.Микеланджело Буонарроти (1475 — 1564) — слайд 9; «Давид» — слайд10

Учитель:

3. Рафаэль Санти (1483 — 1520) — слайд 11

«Сикстинская Мадонна» — слайд 12

Учитель: Работа с учебником с. 76 «Северное Возрождение. «Мужицкий Живописец»». К чему приводит в XVI в. экономический расцвет в Нидерландах?

Ученик: Экономический рацвет, который переживают в XVIв. Нидерланды, приводит к тому, что растут и становятся торговыми центрами мирового значения города, бурно развивается общественная жизнь.

Учитель: Кого изображали нидерландские живописцы на своих полотнах?

Ученик: Нидерландские живописцы изображали на своих полотнах вполне реальных персонажей: купцов, кораблестроителей, крестьян, членов городского магистрата, нищих. Они создавали картины, героями которых были торговцы в лавках, менялы в конторах, крестьяне, занятые повседневными делами.

Учитель Кто такой Питр Брейгель Старший?(слайд 13)

Запись в тетрадь:

Ученик: Питер Брейгель Старший( 1530 — 1569) — член гильдии живописцев, хорошо знал итальянское и французское искусство.

Учитель: что изображает автор на картине «Крестьянский танец»?

Ученик: Художник любуется грубоватым весельем крестьянского праздника, шумным гомоном многолюдной толпы. Пространство картины буквально переполнено народом. Автор соединяет фигуры так, чтобы дать возможность зрителю рассмотреть отдельные сценки.

Учитель: Что еще кроме сельских праздников изображал художник на своих полотнах?

Ученик: Художник изображал не только сельские праздники, но и полные тяжелого труда крестьянские будни.

Учитель: Что такое «Жатва»? (слайд 14)

Ученик: «Жатва» — одна из пяти сохранившихся картин серии «Времена года». На фоне бескрайнего пейзажа художник запечатлел уборку хлеба.

Ученик: Каким настроением проникнута картина «Возвращение охотников»? (Слайд 15)

Ученик: В картине «Возвращение охотников» царит холод, морозный воздух прозрачен и чист, много белого снега, на котором четко выделяются темные силуэты деревьев. Повсюду глубокие сугробы, по которым бредут усталые охотники.

Учитель: Самостоятельная работа с учебником, с. 78. «Леонардо да Винчи из Германии» с предварительным заданием: подготовить краткий пересказ прочитанного.

  1. Первичное закрепление материала.

Тесты

  1. Какие века захватывает период Возрождения? (15- 16век)

  2. Любимый сюжет живописи Ренессанса:

а) исторические события Италии 14 — 16вв

б) Мадонна с младенцем

в) изображение природы Италии

  1. Кто написал роман «Дон Кихот»?

а) Лопе де Вега

б) Кальдерон

в) Рабле

г) Сервантес

  1. Как переводится слово « Утопия»?

а) лучшее место

б) новое место

в) земля будущего

г) место, которого нет

  1. Кто ввел термин «Утопия»?

а) Мор

б) Рабле

в) Кампанелла

г)Макиавелли

6. Рефлексия деятельности.

Эпоха Возрождения внесла огромный вклад в сокровищницу мировой художественной культуры, оставив в наследство человечеству произведения, которые, в свою очередь, стали неиссякаемым истопником вдохновения для последующих поколений творцов искусства.

Домашнее задание:

Параграф 8-9, ответы на вопросы с. 80 — 81, записи в тетради

мир художественной культуры возрождения 7 класс доклад кратко — JSFiddle

Editor layout

Classic Columns Bottom results Right results Tabs (columns) Tabs (rows)

Console

Console in the editor (beta)

Clear console on run

General

Line numbers

Wrap lines

Indent with tabs

Code hinting (autocomplete) (beta)

Indent size:

2 spaces3 spaces4 spaces

Key map:

DefaultSublime TextEMACS

Font size:

DefaultBigBiggerJabba

Behavior

Auto-run code

Only auto-run code that validates

Auto-save code (bumps the version)

Auto-close HTML tags

Auto-close brackets

Live code validation

Highlight matching tags

Boilerplates

Show boilerplates bar less often

Художественная культура эпохи Возрождения — История

Искусство Возрождения в Италии (XIII—XVI вв. ). 

ПРИ СОСТАВЛЕНИИ страницы ИСПОЛЬЗОВАНЫ МАТЕРИАЛЫ РЕСУРСА http://artclassic.edu.ru 

Особенности искусства эпохи Возрождения в Италии.

Искусство Возрождения возникло на основе гуманизма (от латинского humanus — «человечный») — течения общественной мысли, которое зародилось в XIV в. в Италии, а затем на протяжении второй половины XV и в XVI вв. распространилось в других европейских странах. Гуманизм провозгласил высшей ценностью человека и его благо. Последователи этого течения считали, что каждый человек имеет право свободно развиваться как личность, реализуя свои способности. Идеи гуманизма наиболее полно и ярко воплотились в искусстве, главной темой которого стал прекрасный, гармонически развитый человек, обладающий неограниченными духовными и творческими возможностями. Гуманистов вдохновляла античность, служившая для них источником знаний и образцом художественного творчества. Великое прошлое Италии, постоянно напоминавшее о себе, воспринималось в то время как высшее совершенство, в то время как искусство Средних веков казалось неумелым и варварским. Термин «возрождение», возникший в XVI в., означал рождение нового искусства, возрождающего классическую античную культуру. Тем не менее, искусство Ренессанса многим обязано художественной традиции Средних веков. Старое и новое находились в нерасторжимой связи и противоборстве. При всем противоречивом многообразии своих истоков искусство Возрождения отмечено глубокой и принципиальной новизной. Оно заложило основы европейской культуры Нового времени. Все основные виды искусства — живопись и графика, скульптура, архитектура — чрезвычайно изменились.
         В архитектуре утвердились творчески переработанные принципы античной ордерной системы, сложились новые типы общественных зданий. Живопись обогатилась линейной и воздушной перспективой, знанием анатомии и пропорций человеческого тела. В традиционную религиозную тематику произведений искусства проникало земное содержание. Усилился интерес к античной мифологии, истории, бытовым сценам, пейзажу, портрету. Наряду с монументальными настенными росписями, украшавшими архитектурные сооружения, появилась картина; возникла живопись масляными красками.
         Искусство еще не перестало быть ремеслом, однако на первое место уже выступила творческая индивидуальность художника, деятельность которого в то время была весьма многообразной. Поразительна универсальная одаренность мастеров Ренессанса — они часто работали одновременно в области архитектуры, скульптуры и живописи, совмещали увлечение литературой, поэзией и философией с изучением точных наук. Понятие творчески богатой, или «ренессансной» личности стало впоследствии нарицательным.
         В искусстве Возрождения тесно переплелись пути научного и художественного постижения мира и человека. Его познавательный смысл был неразрывно связан с возвышенной поэтической красотой, в своем стремлении к естественности оно не опускалось до мелочной повседневности. Искусство стало всеобщей духовной потребностью.
         Формирование ренессансной культуры в Италии происходило в экономически независимых городах. В подъеме и расцвете искусства Возрождения большую роль сыграли Церковь и великолепные дворы некоронованных государей — правящих богатых семейств, которые были крупнейшими покровителями и заказчиками произведений живописи, скульптуры и архитектуры. Главными центрами культуры Возрождения сначала были города Флоренция, Сиена, Пиза, затем — Падуя, Феррара, Генуя, Милан и позже всех, во второй половине XV в., — богатая купеческая Венеция. В XVI в. столицей итальянского Возрождения стал Рим. Начиная с этого времени, все прочие центры культуры, кроме Венеции, утратили прежнее значение.
         В эпохе итальянского Возрождения принято выделять несколько периодов: 

Проторенессанс (вторая половина XIII—XIV вв.), 

Раннее Возрождение (XV в.), 

Высокое Возрождение (конец XV — первая треть XVI в.)

Позднее Возрождение (последние две трети XVI в.).

Проторенессанс

         В итальянской культуре XIII—XIV вв. на фоне еще сильных византийских и готических традиций стали появляться черты нового искусства, которое впоследствии станет именоваться искусством Возрождения. Поэтому этот период его истории и назвали Проторенессансом (от греч. «протос» — «первый», т.е. подготовивший наступление Ренессанса). Аналогичного переходного периода не было ни в одной из европейских стран. В самой же Италии проторенессансное искусство возникло и развивалось только в Тоскане и Риме.
         В итальянской культуре переплетались черты старого и нового. Последний поэт Средневековья и первый поэт новой эпохи Данте Алигьери (1265—1321) создал итальянский литературный язык. Начатое Данте продолжили другие великие флорентийцы XIV столетия — Франческо Петрарка (1304—1374), родоначальник европейской лирической поэзии, и Джованни Боккаччо (1313—1375), основоположник жанра новеллы (короткого рассказа) в мировой литературе. Гордостью эпохи являются архитекторы и скульпторы Никколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио и живописец Джотто ди Бондоне.
Архитектура
         Итальянская архитектура в течение длительного времени следовала средневековым традициям, что выражалось, главным образом, в использовании большого количества мотивов готики. Вместе с тем сама итальянская готика сильно отличалась от готической архитектуры северной Европы: она тяготела к спокойным крупным формам, ровному свету, горизонтальным членениям, широким поверхностям стен. В 1296 г. во Флоренции начали строить собор Санта-Мария дель Фьоре. Арнольфо ди Камбио хотел увенчать алтарную часть собора огромным куполом. Однако после смерти зодчего в 1310 г. строительство затянулось, его завершили уже в период Раннего Возрождения. В 1334 г. по проекту Джотто было начато строительство колокольни собора, так называемой кампанилы — стройной прямоугольной башни с поэтажными горизонтальными членениями и изящными готическими окнами, стрельчатая арочная форма которых еще долго сохранялась в итальянской архитектуре.
         Среди наиболее известных городских дворцов — палаццо Веккьо (палаццо делла Синьория) во Флоренции. Предполагают, что его построил Арнольфо ди Камбио. Это тяжелый куб с высокой башней, облицованный рустом из твердого камня. Трехэтажный фасад украшен парными окнами, вписанными в полукруглые арки, что придает всему зданию впечатление сдержанной строгости. Здание определяет облик старого городского центра, суровой громадой вторгаясь на площадь.
Скульптура
         Раньше, чем в архитектуре и живописи, художественные искания наметились в скульптуре, и прежде всего в пизанской школе, основателем которой был Никколо Пизано (около 1220 — между 1278 и 1284). Никколо Пизано родился в Апулии, на юге Италии. Полагают, что ваянию он обучался именно в южных школах, где процветал дух возрождения классических традиций античности. Вне всякого сомнения, Никколо изучал скульптурное оформление позднеримских и раннехристианских саркофагов. Самая ранняя из ныне известных работ скульптора — шестиугольная мраморная кафедра, выполненная им для баптистерия в Пизе (1260), — стала выдающимся произведением ренессансной скульптуры и оказала огромное влияние на ее дальнейшее развитие. Главное достижение ваятеля состоит в том, что он сумел придать формам объемность и выразительность, а каждое изображение обладает телесной мощью.
         Из мастерской Никколо Пизано вышли замечательные мастера скульптуры Проторенессанса — его сын Джованни Пизано и Арнольфо ди Камбио, известный также как архитектор. Арнольфо ди Камбио (около 1245 — после 1310) тяготел к монументальной скульптуре, в которой использовал свои жизненные наблюдения. Одна из лучших работ, выполненная им совместно с отцом и сыном Пизано, — фонтан на площади Перуджи (1278). Фонте Маджоре, украшенный многочисленными статуями и рельефами, стал гордостью города. Запрещалось поить из него животных, брать воду в бочонки из-под вина или в немытую посуду. В городском музее сохранились фрагменты полулежащих фигур, выполненных Арнольфо ди Камбио для фонтана. В этих фигурах скульптор сумел передать все богатство движений человеческого тела.
Живопись
         В искусстве итальянского Возрождения настенная живопись занимала господствующее место. Она выполнялась в технике фрески. Приготовленными на воде красками писали либо по сырой штукатурке (собственно фреска), либо по сухой — эта техника называется «а секко» (в переводе с итальянского — «по сухому»). Основное связующее вещество штукатурки — известь. Т.к. для высыхания извести требуется немного времени, фресковая роспись должна была выполняться быстро, нередко по частям, между которыми оставались соединительные швы. Со второй половины XV в. технику фрески стали дополнять живописью а секко; последняя позволяла работать более медленно и допускала отделку деталей. Работе над росписями предшествовало изготовление синопий — вспомогательных рисунков, нанесенных под фреску по первому слою штукатурки. Эти рисунки выполнялись красной охрой, которая добывалась из глины близ города Синоп, располагавшегося на берегу Черного моря. По названию города краску называли синопской, или синопией, впоследствии так же стали называться и сами рисунки. Синопии применялись в итальянской живописи с XIII до середины XV в. Однако не все живописцы прибегали к помощи синопий — например, Джотто ди Бондоне, виднейший представитель эпохи Проторенессанса, обходился без них. Постепенно от синопий отказались. С середины XV в. широкое распространение в живописи получили картоны — выполненные на бумаге или на ткани подготовительные рисунки в размере будущих произведений. Контуры рисунка переносили на влажную штукатурку с помощью угольной пыли. Ее продували через проколотые в контуре дырочки и вдавливали в штукатурку каким-либо острым инструментом. Иногда синопии из эскизного наброска превращались в законченный монументальный рисунок, а картоны приобретали значение самостоятельных произведений живописи.

Родоначальником нового итальянского стиля живописи считается Чимабуэ (собственно Ченни ди Пепо, ок. 1240 — ок. 1302). Чимабуэ был знаменит во Флоренции как мастер торжественной алтарной картины и иконы. Его образам свойственны отвлеченность и статичность. И хотя Чимабуэ в своем творчестве следовал византийским традициям, в своих работах он старался выразить земные чувства, смягчить жесткость византийского канона.
        Пьеро Каваллини (между 1240 и 1250 — около 1330) жил и работал в Риме. Он является автором мозаик церкви Санта-Мария ин Трастевере (1291), а также фресок церкви Санта-Чечилия ин Трастевере (около 1293). В своих произведениях Каваллини придавал формам объемность и осязаемость.
         Достижения Каваллини перенял и продолжил Джотто ди Бондоне (1266 или 1267 — 1337), величайший художник Проторенессанса. С именем Джотто связан поворот в развитии итальянской живописи, ее разрыв со средневековыми художественными канонами и традициями итало-византийского искусства XIII в. Наиболее известные произведения Джотто — росписи капеллы дель Арена в Падуе (1304—06). Фрески отличаются наглядностью, незамысловатой повествовательностью, наличием бытовых деталей, придающих жизненность и естественность изображаемым сценам. Отвергнув господствовавший в искусстве того времени церковный канон, Джотто изображает своих персонажей похожими на реальных людей: с пропорциональными, приземистыми телами, круглыми (а не удлиненными) лицами, правильным разрезом глаз и т.п. Его святые не парят над землей, а прочно стоят на ней обеими ногами. Они помышляют скорее о земном, чем о небесном, переживая вполне человеческие чувства и эмоции. Впервые в истории итальянской живописи душевное состояние героев живописного произведения передается мимикой лица, жестами, позой. Вместо традиционного золотистого фона на фресках Джотто изображен пейзаж, интерьер или скульптурные группы на фасадах базилик.
        Во второй половине XIV в. на первое место выходит живописная школа Сиены. Крупнейшим и наиболее изысканным мастером сиенской живописи XIV в. был Симоне Мартини (ок. 1284—1344). Кисти Симоне Мартини принадлежит первое в истории искусства изображение конкретного исторического события с портретом современника. Это изображение «Кондотьера Гвидориччо да Фольяно» в зале Маппамондо (Карты Мира) в палаццо Публико (Сиена), явившееся прототипом для многочисленных будущих конных портретов. Заслуженной известностью пользуется алтарный образ «Благовещение» кисти Симоне Мартини, ныне хранящийся в галерее Уффици во Флоренции 

Особенности эпохи Возрождения. Проторенессанс

Особенности эпохи Возрождения

       

Раннее Возрождение

В XV в. искусство Италии заняло господствующее положение в художественной жизни Европы. Основы гуманистической светской (т.е. не церковной) культуры были заложены во Флоренции, оттеснившей на второй план Сиену и Пизу. Политическая власть принадлежала здесь купцам и ремесленникам, сильнейшее влияние на городские дела оказывали несколько богатых семейств, постоянно соперничавших друг с другом. Эта борьба закончилась в конце XIV в. победой банкирского дома Медичи. Его глава, Козимо Медичи, стал негласным правителем Флоренции. Ко двору Козимо Медичи стекались писатели, поэты, ученые, архитекторы, художники. Своего расцвета ренессансная культура Флоренции достигла при Лоренцо Медичи, прозванном Великолепным. Лоренцо был великим покровителем искусств и наук, создателем Платоновской Академии, где собирались выдающиеся умы Италии, поэты и философы, где велись утонченные диспуты, возвышающие дух и разум.

Архитектура

При Козимо и Лоренцо Медичи в архитектуре Флоренции произошел подлинный переворот: здесь развернулось широкое строительство, значительно изменившее облик города. Родоначальником ренессансной архитектуры Италии стал Филиппо Брунеллески (1377—1446) — архитектор, скульптор и ученый, один из создателей научной теории перспективы. Величайшим инженерным достижением Брунеллески стало возведение купола собора Санта-Мария дель Фьоре во Флоренции. Благодаря своему математическому и техническому гению Брунеллески удалось решить сложнейшую для своего времени задачу. Главная трудность, которая встала перед мастером, была вызвана гигантским размером пролета средокрестья (42 м), что потребовало специальных усилий для облегчения распора. Брунеллески разрешил проблему путем применения остроумной конструкции: легкий пустотелый купол, состоящий из двух оболочек, каркасная система из восьми несущих ребер, связанных опоясывающими их кольцами, световой фонарь, замыкающий и нагружающий свод. Купол собора Санта-Мария дель Фьоре стал предшественником многочисленных купольных храмов в Италии и других странах Европы.

Брунеллески одним из первых в зодчестве Италии творчески осмыслил и оригинально истолковал античную ордерную систему (Оспедале дельи Инноченти (приют для подкидышей), 1421—44), положил начало созданию купольных храмов на основе античного ордера (Церковь Сан-Лоренцо). Подлинной жемчужиной Раннего Возрождения стала созданная Брунеллески по заказу богатого флорентийского семейства капелла Пацци (начата в 1429). Гуманизм и поэтичность творчества Брунеллески, гармоничная соразмерность, легкость и изящество его построек, сохраняющих связь с традициями готики, творческая свобода и научная обоснованность его замыслов определили большое влияние Брунеллески на последующее развитие архитектуры Возрождения.

Одним из главных достижений итальянской архитектуры XV в. стало создание нового типа городских дворцов-палаццо, послужившего образцом для общественных зданий более позднего времени. Особенностями палаццо XV в. являются четкое разделение замкнутого объема здания на три этажа, открытый внутренний двор с летними поэтажными аркадами, применение руста (камня с грубо околотой или выпуклой лицевой поверхностью) для облицовки фасада, а также сильно вынесенный декоративный карниз. Ярким образцом этого стиля является капитальная постройка ученика Брунеллески Микелоццо ди Бартоломмео (1396—1472), придворного архитектора семьи Медичи, — палаццо Медичи — Риккарди (1444—60), послужившее образцом при строительстве многих флорентийских дворцов. Творению Микелоццо близок палаццо Строцци (заложен в 1481), который связывают с именем архитектора и скульптора Бенедетто да Майано (1442—97).

Особое место в истории итальянского зодчества занимает Леон Баттиста Альберти (1404—72). Всесторонне одаренный и широко образованный человек, он был одним из самых блестящих гуманистов своего времени. Круг его интересов был необычайно разнообразен. Он охватывал мораль и право, математику, механику, экономику, философию, поэзию, музыку, живопись, скульптуру, архитектуру. Блестящий стилист, Альберти оставил многочисленные труды на латинском и итальянском языках. В Италии и за ее пределами Альберти снискал себе славу выдающегося теоретика искусства. Его перу принадлежат знаменитые трактаты «Десять книг о зодчестве» (1449—52), «О живописи», «О статуе» (1435—36). Но главным призванием Альберти была архитектура. В архитектурном творчестве Альберти тяготел к смелым, экспериментаторским решениям, новаторски используя античное художественное наследие. Альберти создал новый тип городского дворца (палаццо Ручеллаи). В культовом зодчестве, стремясь к величию и простоте, Альберти использовал в оформлении фасадов мотивы римских триумфальных арок и аркад (церковь Сант-Андреа в Мантуе, 1472—94). Имя Альберти по праву считается одним из первых среди великих творцов культуры итальянского Возрождения.

Скульптура

В XV в. итальянская скульптура, приобретшая самостоятельное, независимое от архитектуры значение, переживает расцвет. В практику художественной жизни начинают входить заказы на украшение общественных зданий; проводятся художественные конкурсы. Один из таких конкурсов — на изготовление из бронзы вторых северных дверей флорентийского баптистерия (1401) — считается знаменательным событием, открывшим новую страницу в истории итальянской ренессансной скульптуры. Победу одержал Лоренцо Гиберти (1381—1455).

Один из самых образованных людей своего времени, первый историк итальянского искусства, блестящий рисовальщик, Гиберти посвятил свою жизнь одному виду скульптуры — рельефу. Главным принципом своего искусства Гиберти считал равновесие и гармонию всех элементов изображения. Вершиной творчества Гиберти явились восточные двери флорентийского баптистерия (1425—52), обессмертившие имя мастера. Декорация дверей включает десять квадратных композиций из позолоченной бронзы («Сотворение Адама и Евы»), своей необыкновенной выразительностью напоминающих живописные картины. Художнику удалось передать глубину пространства, насыщенного картинами природы, фигурками людей, архитектурными сооружениями. С легкой руки Микеланджело восточные двери флорентийского баптистерия стали называть «Вратами рая».

Мастерская Гиберти стала школой для целого поколения художников, в частности, там работал знаменитый Донателло, великий реформатор итальянской скульптуры. Творчество Донателло (ок. 1386—1466), впитавшее демократические традиции культуры Флоренции XIV в., представляет собой одну из вершин развития искусства Раннего Возрождения. В нём воплотились свойственные искусству Ренессанса поиски новых, реалистических средств изображения действительности, пристальное внимание к человеку и его духовному миру. Влияние творчества Донателло на развитие итальянского искусства эпохи Возрождения было огромным.

Второе поколение флорентийских скульпторов тяготело к более лирическому, умиротворенному, светскому искусству. Ведущая роль в нем принадлежала семейству скульпторов делла Роббиа. Глава семьи, Лукка делла Роббиа (1399/1400 — 1482), прославился применением глазурной техники в круглой скульптуре и рельефе. Техника глазури (майолики), известная с глубокой древности народам Передней Азии, в Средние века была завезена на Пиренейский полуостров и остров Майорку (откуда и пошло ее название), а затем широко распространилась в Италии. Лукка делла Роббиа создавал медальоны с рельефами на густо-синем фоне для зданий и алтарей, гирлянды из цветов и плодов, майоликовые бюсты Мадонны, Христа и святых. Жизнерадостное, нарядное, доброе искусство этого мастера получило заслуженное признание современников. Большого совершенства в технике майолики достиг также его племянник Андреа делла Роббиа (1435—1525) (рельефы на фасаде Оспедале дельи Инноченти).

Живопись

Огромная роль, которую в архитектуре Раннего Возрождения сыграл Брунеллески, а в скульптуре — Донателло, в живописи принадлежала Мазаччо (1401—1428). Мазаччо умер молодым, не дожив до 27 лет, и тем не менее успел в живописи сделать очень многое. Известный историк искусства Виппер сказал: «Мазаччо — один из самых независимых и последовательных гениев в истории европейской живописи, основатель нового реализма…» Продолжая искания Джотто, Мазаччо смело порывает со средневековыми художественными традициями. Во фреске «Троица» (1426—27), созданной для церкви Санта-Мария Новелла во Флоренции, впервые в настенной живописи Мазаччо применяет полную перспективу. В росписях капеллы Бранкаччи церкви Санта-Мария дель Кармине во Флоренции (1425—28) — главном творении своей недолгой жизни — Мазаччо придает изображениям невиданную ранее жизненную убедительность, подчеркивает телесность и монументальность своих персонажей, мастерски передает эмоциональное состояние психологическую глубину образов. Во фреске «Изгнание из рая» художник решает сложнейшую для своего времени задачу изображения обнаженной человеческой фигуры. Суровое и мужественное искусство Мазаччо оказало огромное воздействие на художественную культуру Возрождения.

Развитие живописи Раннего Возрождения происходило неоднозначно: художники шли собственными, подчас разными путями. Светское начало, стремление к увлекательному повествованию, лирическое земное чувство нашли яркое выражение в произведениях Фра Филиппо Липпи (1406—69), монаха ордена кармелитов. Обаятельный мастер, автор многих алтарных композиций, среди которых лучшей считается картина «Поклонение Младенцу», созданная для капеллы в палаццо Медичи — Риккарди, Филиппо Липпи сумел передать в них человеческую теплоту и поэтическую любовь к природе.

В середине XV в. живопись Центральной Италии пережила бурный расцвет, ярким примером которого может служить творчество Пьеро делла Франческа (1420—92), крупнейшего художника и теоретика искусства эпохи Возрождения. Самое замечательное творение Пьеро делла Франческа — цикл фресок в церкви Сан-Франческо в Ареццо, в основу которых положена легенда о Животворящем древе креста. Расположенные в три яруса фрески прослеживают историю животворящего креста от самого начала, когда из семени райского дерева познания добра и зла на могиле Адама произрастает священное дерево («Смерть Адама») и до конца, когда византийский император Ираклий торжественно возвращает христианскую реликвию в Иерусалим («Битва между Ираклием и Хосроем»). Творчество Пьеро делла Франческа вышло за пределы местных живописных школ и определило развитие итальянского искусства в целом.

Во второй половине XV столетия в Северной Италии в городах Вероне, Ферраре, Венеции работали многие талантливые мастера. Среди живописцев этого времени наиболее знаменит Андреа Мантенья (1431—1506) — мастер станковой и монументальной живописи, рисовальщик и гравер, скульптор и архитектор. Живописная манера художника отличается чеканностью форм и рисунка, строгостью и правдивостью обобщенных образов. Благодаря пространственной глубине и скульптурности фигур Мантенья достигает впечатления застывшей на мгновенье реальной сцены — настолько объемно и естественно выглядят его персонажи. Большую часть жизни Мантенья прожил в Мантуе, где создал самое известное свое произведение — роспись «Камеры дельи Спози» в загородном замке маркиза Л. Гонзага. Одними лишь средствами живописи он создал здесь роскошный ренессансный интерьер, место для торжественных приемов и праздников. Пользовавшееся огромной известностью искусство Мантеньи оказало влияние на всю северо-итальянскую живопись.

Особое место в живописи Раннего Возрождения принадлежит Сандро Боттичелли (собственно Алессандро ди Мариано Филипепи), который родился в 1445 г. во Флоренции в семье зажиточного дубильщика кож. В 1459—64 гг. юноша обучается живописи у известного флорентийского мастера Филиппо Липпи. В 1470 г. он открыл свою собственную мастерскую во Флоренции, а в 1472 г. стал членом гильдии Св. Луки.

Первым творением Боттичелли была композиция «Сила», которую он выполнил для торгового суда Флоренции. Молодой художник быстро завоевал доверие заказчиков и получил известность, чем привлек внимание Лоренцо Великолепного, нового правителя Флоренции, стал его придворным мастером и фаворитом. Большую часть своих картин Боттичелли выполнил для домов герцога и других знатных флорентийских семейств, а также для церквей, монастырей и общественных зданий Флоренции..

Вторая половина 1470-х и 1480-е гг. стали для Боттичелли периодом творческого расцвета. Для главного фасада церкви Санта-Мария Новелла он пишет композицию «Поклонение волхвов» — своеобразный мифологизированный групповой портрет семейства Медичи. Несколькими годами позже художник создает свою знаменитую мифологическую аллегорию «Весна».

В 1481 г. Папа Сикст IV заказал группе живописцев, среди которых был Боттичелли, украсить фресками свою капеллу, которая впоследствии получила наименование «Сикстинской». В Сикстинской капелле Боттичелли выполнены фрески «Искушение Христа», «Сцены из жизни Моисея», «Наказание Корея, Дафана и Авирона». В последующие несколько лет Боттичелли выполнил серию из 4 фресок по мотивам новелл из «Декамерона» Боккаччо, создал свои наиболее известные мифологические работы («Рождение Венеры», «Паллада и Кентавр»), а также несколько алтарных композиций для флорентийских церквей («Коронация Девы Марии», «Алтарь Сан-Барнаба»). Много раз он обращался к образу мадонны («Мадонна дель Маньификат», «Мадонна с гранатом», «Мадонна с книгой»), работал также в жанре портрета («Портрет Джулиано Медичи», «Портрет молодой женщины», «Портрет юноши»).

В 1490-е гг., в период потрясших Флоренцию социальных движений и мистических проповедей монаха Савонаролы, в искусстве Боттичелли появляются морализаторские нотки и драматизм («Клевета», «Оплакивание Христа», «Мистическое рождество»). Под влиянием Савонаролы в порыве религиозной экзальтации художник даже уничтожил некоторые свои работы. В середине 1490-х гг., со смертью Лоренцо Великолепного и изгнанием из Флоренции его сына Пьетро, Боттичелли теряет славу великого художника. Забытый, он тихо доживает свой век в доме брата Симона. В 1510 году художник умер.

Изысканное искусство Боттичелли с элементами стилизации (т.е. обобщения изображений с помощью условных приемов — упрощения цвета, формы и объема) считается одной из вершин развития живописи. В основе искусства Боттичелли в отличие от большинства мастеров Раннего Возрождения лежало личное переживание. Исключительно чуткий и искренний, Боттичелли прошел сложный и трагический путь творческих исканий — от поэтического восприятия мира в юности до мистицизма и религиозной экзальтации в зрелом возрасте.

РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

РАННЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

 

Высокое Возрождение

         Высокое Возрождение, которое дало человечеству таких великих мастеров, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Браманте, охватывает сравнительно короткий период времени — конец XV и первую треть XVI вв. Только в Венеции расцвет искусства продолжался до середины столетия.

         Коренные сдвиги, связанные с решающими событиями мировой истории, успехами передовой научной мысли, бесконечно расширили представления людей о мире — не только о земле, но и о космосе. Восприятие мира и человеческой личности как будто укрупнилось; в художественном творчестве это отразилось не только в величественных масштабах архитектурных сооружений, монументов, торжественных фресковых циклов и картин, но и в их содержании, выразительности образов. Искусство Высокого Возрождения представляет собой живой и сложный художественный процесс с ослепительно яркими взлетами и последующим кризисом.

Донато Браманте.

         Центром архитектуры Высокого Возрождения стал Рим, где на базе предшествующих открытий и успехов сложился единый классический стиль. Мастера творчески использовали античную ордерную систему, создавая сооружения, величественная монументальность которых была созвучна эпохе. Крупнейшим представителем архитектуры Высокого Возрождения стал Донато Браманте (1444—1514). Постройки Браманте отличаются монументальностью и величием, гармоничным совершенством пропорций, цельностью и ясностью композиционных и пространственных решений, свободным, творческим использованием классических форм. Наивысшим творческим достижением Браманте является реконструкция Ватикана (зодчий фактически создал новое сооружение, органически включив в него разрозненные старые строения). Браманте принадлежит также авторство проекта собора Св. Петра в Риме. Своим творчеством Браманте определил пути развития архитектуры XVI в.

Леонардо да Винчи.

         В истории человечества нелегко найти другую столь же гениальную личность, как основатель искусства Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452—1519). Всеобъемлющий характер деятельности этого великого художника, скульптора, архитектора, ученого и инженера стал ясен только тогда, когда были исследованы разрозненные рукописи из его наследия, насчитывающие свыше семи тысяч листов, содержащих научные и архитектурные проекты, изобретения и зарисовки. Трудно назвать ту область знаний, которой бы не коснулся его гений. Универсализм Леонардо настолько непостижим, что знаменитый биограф деятелей Возрождения Джорджо Вазари не смог объяснить этот феномен иначе, как вмешательством небес: «К чему бы ни обратился этот человек, каждое его действие носит печать божественности».

В своем знаменитом «Трактате о живописи» (1498) и других записях Леонардо уделил большое внимание изучению человеческого тела, сведениям по анатомии, пропорциям, зависимости между движениями, мимикой и эмоциональным состоянием человека. Леонардо занимали также проблемы светотени, объемной моделировки, линейной и воздушной перспективы. Леонардо отдал дань не только теории искусства. Он создал целый ряд великолепных алтарных образов и портретов. Кисти Леонардо принадлежит одно из самых прославленных произведений мировой живописи — «Мона Лиза» («Джоконда»). Леонардо создавал монументальные скульптурные образы, проектировал и строил архитектурные сооружения. Леонардо по сей день остается одной из самых харизматических личностей эпохи Возрождения. Ему посвящено огромное количество книг, подробнейшим образом изучена его жизнь. И, тем не менее, многое в его творчестве остается загадкой и продолжает будоражить умы людей.

Рафаэль Санти.

         Искусство Рафаэля Санти (1483—1520) также принадлежит к вершинам итальянского Возрождения. С творчеством Рафаэля в истории мирового искусства связывается представление о возвышенной красоте и гармонии. Принято считать, что в созвездии гениальных мастеров Высокого Возрождения, именно Рафаэль был главным носителем гармонии. Неустанное стремление к светлому совершенному началу пронизывает все творчество Рафаэля, составляет его внутренний смысл. Его работы необыкновенно привлекательны в своем естественном изяществе («Сикстинская мадонна»). Может быть, поэтому мастер приобрел такую необычайную популярность у публики и имел множество последователей среди художников во все времена. Рафаэль был не только изумительным живописцем, портретистом, но также и монументалистом, работавшим в технике фрески, архитектором, мастером декора. Все эти дарования с особой силой проявились в его росписях апартаментов папы Юлия II в Ватикане («Афинская школа»). В искусстве гениального художника родился новый образ человека эпохи Возрождения — прекрасного, гармоничного, совершенного физически и духовно.

Микеланджело Буонаротти.

         Современником Леонардо да Винчи и Рафаэля был их вечный соперник — Микеланджело Буонарроти, величайший мастер Высокого Возрождения — ваятель, живописец, архитектор и поэт. Свой творческий путь этот титан Возрождения начал со скульптуры. Его колоссальные статуи стали символом нового человека — героя и борца («Давид»). Мастер возвел немало архитектурно-скульптурных сооружений, самое знаменитое из которых — капелла Медичи во Флоренции. Великолепие этих произведений строится на колоссальном напряжении чувств персонажей (Саркофаг Джулиано Медичи). Но особенно знамениты росписи Микеланджело в Ватикане, в Сикстинской капелле, в которых он проявил себя как гениальный живописец. Пожалуй, никто в мировом искусстве, ни до ни после Микеланджело, не создавал таких сильных телом и духом персонажей («Сотворение Адама»). Огромная, невероятно сложная по исполнению фреска на потолке была выполнена художником в одиночку, без помощников; она и по сей день остается непревзойденным монументальным произведением итальянской живописи. Но кроме росписей плафона Сикстинской капеллы, мастер, уже в старости, создал яростно-вдохновенный «Страшный суд» — символ крушения идеалов своей великой эпохи.

Микеланджело много и плодотворно работал в архитектуре, в частности, руководил строительством собора Св. Петра и ансамбля площади Капитолия в Риме. Творчество великого Микеланджело составило целую эпоху и далеко опередило свое время, оно сыграло колоссальную роль в мировом искусстве, в частности, оказало влияние на формирование принципов барокко.

Джорджоне и Тициан.

         В историю искусства Высокого Возрождения яркую страницу вписала Венеция, где наивысшего расцвета живопись. Джорджоне считается первым мастером Высокого Возрождения в Венеции. Его искусство совершенно особое. В нем царит дух ясной гармонии и какой-то особенной интимной созерцательности и мечтательности. Он часто писал восхитительных красавиц, настоящих богинь. Обычно это поэтический вымысел — воплощение несбыточной мечты, преклонение перед романтическим чувством и прекрасной женщиной. В его картинах таится намек на чувственную страсть, на сладостное наслаждение, на неземное счастье. С искусством Джорджоне венецианская живопись приобрела общеитальянское значение, утвердив свои художественные особенности.

         Тициан вошел в историю итальянского искусства как титан и глава венецианской школы, как символ ее расцвета. В творчестве этого художника с особой силой проявилось дыхание новой эпохи — бурной, трагической, чувственной. Творчество Тициана отличается исключительно широким и разносторонним охватом типов и жанров живописи. Тициан явился одним из основоположников монументальной алтарной картины, пейзажа как самостоятельного жанра, различных типов портрета, в том числе и торжественно-парадного. В его творчестве идеальные образы соседствуют с яркими характерами, трагические конфликты — со сценами ликующей радости, религиозные композиции — с мифологическими и историческими картинами.

Тициан выработал новую живописную технику, оказавшую исключительное влияние на дальнейшее, вплоть до XX в., развитие мирового изобразительного искусства. Тициан принадлежит к величайшим колористам мировой живописи. Его картины сияют золотом и сложной гаммой вибрирующих светоносных полутонов цвета. Тициан, проживший почти столетие, пережил крушение ренессансных идеалов, творчество мастера наполовину принадлежит эпохе Позднего Возрождения. Его герой, вступающий в борьбу с враждебными силами, погибает, но сохраняет свое величие. Влияние большой мастерской Тициана сказалось на всем венецианском искусстве.

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

Позднее Возрождение

         Во второй половине XVI в. в Италии нарастал упадок экономики и торговли, католицизм вступил в борьбу с гуманистической культурой, искусство переживало глубокий кризис. В нем укреплялись антиренессансные тенденции, воплотившиеся в маньеризме. Однако маньеризм почти не затронул Венецию, которая во второй половине XVI столетия стала главным очагом искусства Позднего Возрождения. В русле высокой гуманистической ренессансной традиции в новых исторических условиях в Венеции развивалось обогащенное новыми формами творчество великих мастеров Позднего Возрождения — Палладио, Веронезе, Тинторетто.

Андреа Палладио

         Творчество северо-итальянского архитектора Андреа Палладио (1508—80), основанное на глубоком изучении античной и ренессансной архитектуры, представляет собой одну из вершин в искусстве Позднего Возрождения. Палладио выработал принципы зодчества, которые были развиты в архитектуре европейского классицизма XVII—XVIII вв. и получили название палладианства. Свои идеи зодчий изложил в теоретическом труде «Четыре книги об архитектуре» (1570). Постройки Палладио (преимущественно городские дворцы и виллы) исполнены изящной красоты и естественности, гармоничной завершенности и строгой упорядоченности, отличаются ясностью и целесообразностью планировки и органической связью с окружающей средой (палаццо Кьерикати). Умение гармонически связать архитектуру с окружающим ландшафтом с особой силой проявилось в виллах Палладио, проникнутых элегически-просветленным чувством природы и отмеченных классической ясностью и простотой форм и композиции (вилла Капра (Ротонда)). Палладио создал первое монументальное театральное здание в Италии — театр Олимпико. Влияние Палладио на развитие архитектуры последующих веков было огромным.

Веронезе и Тинторетто..

         Праздничный, жизнеутверждающий характер венецианского Возрождения наиболее ярко проявился в творчестве Паоло Веронезе. Художник-монументалист, он создал великолепные декоративные ансамбли стенных и плафонных росписей с множеством персонажей и занимательных деталей. Веронезе создал собственный стиль: его зрелищные, эффектные картины полны эмоций, страсти и жизни, а герои, венецианская знать, располагаются обычно в патрицианских дворцах или на фоне роскошной природы. Они увлечены грандиозными пиршествами или феерическими празднествами («Брак в Кане»). Веронезе был мастером веселящейся Венеции, ее триумфов, поэтом ее золотого блеска. Веронезе обладал исключительным даром колориста. Его краски пронизаны светом, интенсивны и не просто наделяют предметы цветом, а сами претворяются в предмет, превращаясь в облака, ткань, тело человека. В силу этого реальная красота фигур и предметов множится на красоту цвета и фактуры, что производит на зрителя сильнейшее эмоциональное воздействие.

         Полной противоположностью Веронезе был его современник Тинторетто (1518—94) — последний крупный мастер итальянского Возрождения. Обилие внешних художественных воздействий растворилось в неповторимой творческой индивидуальности Тинторетто. В своем творчестве он был гигантской фигурой, творцом вулканического темперамента, бурных страстей и героического накала. Его творчество имело грандиозный успех и у современников, и у последующих поколений. Тинторетто отличался поистине нечеловеческой трудоспособностью, неутомимостью исканий. Он острее и глубже, чем большинство его современников, чувствовал трагизм своего времени. Мастер восстал против сложившихся традиций в изобразительном искусстве — соблюдения симметрии, строгого равновесия, статичности; расширил границы пространства, насытил его динамикой, драматичным действием, стал ярче выражать человеческие чувства.

         Творчество Тинторетто завершает развитие художественной культуры Возрождения в Италии.

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

ПОЗДНЕЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

 Искусство маньеризма.

         Маньеризмом называется течение в европейском искусстве XVI в. Оно происходит от итальянского слова maniera — «манера», «прием», «художественный почерк. Маньеризм в своем наиболее общем выражении обозначает антиренессансное течение, сложившееся в Италии около 1520 г. и развивавшееся вплоть до 1590 г. Искусство маньеризма отходит от ренессансных идеалов гармонического восприятия мира. Человек оказывается во власти сверхъестественных сил. Мир предстает неустойчивым, шатким, находящимся в состоянии распада. Образы маньеризма полны тревоги, беспокойства, напряженности. Художник удаляется от натуры, стремится ее превзойти, следуя в своем творчестве субъективной «внутренней идее», основой которой является не реальный мир, а творческое воображение; средством же исполнения служит «прекрасная манера» как сумма определенных приемов. Среди них — произвольная вытянутость фигур, сложный змеевидный ритм, нереальность фантастического пространства и света, подчас холодные пронзительные краски.

        Самым крупным и одаренным мастером маньеризма, живописцем сложной творческой судьбы был Якопо Понтормо (1494—1556). В его известной картине «Снятие со креста» композиция неустойчива, фигуры вычурно изломаны, светлые краски резки. Франческо Маццола, прозванный Пармиджанино (1503—40) любил поразить зрителя: например, написал свой «Автопортрет в выпуклом зеркале». Намеренная нарочитость отличает его знаменитую картину «Мадонна с длинной шеей».

Придворный художник Медичи Аньоло Бронзино (1503—72) известен своими парадными портретами. В них отозвалась эпоха кровавых злодеяний и нравственного падения, охватившего высшие круги итальянского общества. Знатные заказчики Бронзино как бы отделены от зрителя невидимым расстоянием; застылость их поз, бесстрастие лиц, богатство одежд, жесты прекрасных парадных рук — все это словно внешняя оболочка, скрывающая внутреннюю ущербную жизнь. В портрете Элеоноры Толедской с сыном (ок. 1545) недоступность холодного, отчужденного образа усилена тем, что внимание зрителя полностью поглощено плоским крупным узором великолепной парчовой одежды герцогини. Созданный маньеристами тип придворного портрета оказал влияние на портретное искусство XVI—XVII вв. во многих других странах Европы.

         Искусство маньеризма было переходным: уходила в прошлое эпоха Возрождения, наступало время нового всеевропейского художественного стиля — барокко.

Искусство Северного Возрождения.

            Страны Северной Европы не имели своего античного прошлого, но в их истории выделяется период Ренессанса: с рубежа  XV – XVI по вторую половину XVII века. Это время выделяется проникновением ренессансных идеалов в разные сферы культуры и постепенным изменением ее стиля. Как и на родине Ренессанса, в искусстве Северного Возрождения интерес к реальному миру изменил формы художественного творчества. Однако искусству северных стран был не свойственен пафос итальянской живописи, прославляющей могущество человека-титана. Бюргеры (так называли зажиточных горожан) более ценили добропорядочность, верность долгу и слову, святость супружеского обета и домашнего очага. В бюргерских кругах складывался свой идеал человека – ясного, трезвого, благочестивого и деловитого. Искусство бюргеров поэтизирует обычного среднего человека и его мир – мир будничной жизни и простых вещей.

Мастера Возрождения в Нидерландах.

            Новые черты ренессансного искусства проявились прежде всего в Нидерландах, которые были одной из самых богатых и промышленно развитых стран Европы. Из-за своих обширных международных связей Нидерланды воспринимали новые открытия гораздо быстрее, чем другие страны Северной Европы.

            Стиль Возрождения в Нидерландах открыл Ян Ван Эйк (1390-1441). Самое знаменитое его произведение – Гентский алтарь, над которым художник начал трудиться вместе с братом, а продолжал работать после его смерти самостоятельно еще 6 лет. Гентский алтарь, созданный для городского собора, представляет собой двухъярусный складень, на 12 досках которого – картины повседневной, будничной жизни (на наружных досках, которые были видны, когда складень закрыт) и жизни праздничной, ликующей, преображенной (на внутренних створках, которые представали в открытом виде во время церковных праздников). Это памятник искусства, прославляющий красоту земной жизни. Эмоциональное ощущение Ван Эйка – «мир как рай», каждая частица которого прекрасна, — выражено четко и ясно. Художник опирался на множество наблюдений с натуры. Все фигуры и предметы обладают трехмерной объемностью и весомостью. Братья Ван Эйки одними из первых раскрыли возможности масляной живописи; с этого времени начинается постепенное вытеснение ею темперы.

            Во второй половине ХV в., полного политических и религиозных раздоров, в искусстве Нидерландов выделяется сложное, своеобразное искусство Иеронима Босха (1450?-1516). Это очень любопытный художник с необыкновенной фантазией. Он жил в собственном и страшном мире. На картинах Босха – сгущение средневековых фольклорных представлений, гротескные монтажи живого и механического, ужасного и комического. В его композициях, не имевших центра, нет главного действующего лица. Пространство в несколько слоев заполняется многочисленными группами фигур и предметов: чудовищно преувеличенные пресмыкающиеся, жабы, пауки, страшные твари, в которых соединены части разных существ и предметов. Цель композиций Босха – моральное назидание. Босх не находит в природе гармонии и совершенства, его демонические образы напоминают о живучести и вездесущности мирового зла, о круговороте жизни и смерти.

            Человек в картинах Босха жалок и слаб. Так, в триптихе «Воз сена» художник раскрывает историю человечества. На левой створке рассказывается история грехопадения Адама и Евы, на правой изображен Ад и все ужасы, которые ждут здесь грешников. Центральная часть картины иллюстрирует народную пословицу «Мир – это стог сена, каждый берет из него то, что удается ему ухватить». Босх показывает, как люди дерутся за клок сена, гибнут под колесами повозки, пытаются влезть на нее. На верху воза, отрешившись от мира, поют и целуются влюбленные. С одной стороны от них ангел, а с другой дьявол: кто перетянет? Жуткие создания влекут воз в преисподнюю. За всеми действиями людей недоуменно взирает Бог. Еще более мрачным настроением проникнута картина «Несение креста»: Христос несет свой тяжкий крест в окружении отвратительных людей с выпученными глазами и разинутыми ртами. Ради них Господь жертвует собой, но его гибель на кресте оставит их равнодушными.

            Босх уже умер, когда родился еще один прославленный нидерландский художник – Питер Брейгель Старший (1525-1569), прозванный Мужицким за множество картин, изображавших жизнь крестьян. За основу многих сюжетов Брейгель брал народные пословицы, повседневные заботы простого люда. Полнота образов картин «Крестьянская свадьба» и «Крестьянский танец» несет в себе мощь народной стихии. Даже картины на библейские сюжеты у Брейгеля населены нидерландцами, и события далекой Иудеи происходят на фоне заснеженных улиц под неярким небом его родной страны («Проповедь Иоанна Крестителя»). Показывая, казалось бы, неважное, второстепенное, художник говорит о главном в жизни людей, воссоздает дух своего времени.

            Небольшое полотно «Охотники на снегу» (январь) из серии «Времена года» считается одним из непревзойденных шедевров мировой живописи. Усталые охотники с собаками возвращаются домой. Вместе с ними зритель входит на холм, с которого открывается панорама небольшого городка. Заснеженные берега речки, в ясном морозном воздухе застыли колючие деревья, птицы летают, сидят на ветках деревьев и крышах домов, люди заняты своими повседневными делами. Все эти, казалось бы, мелочи вместе с синевой неба, черными деревьями, белым снегом создают в картине панораму мира, который художник страстно любит.

            Самая трагическая картина Брейгеля «Притча о слепых» написана художником незадолго до смерти. Она иллюстрирует евангельский сюжет «если слепой ведет слепого, то оба они упадут в яму». Возможно, это образ человечества, ослепленного своими желаниями, двигающегося навстречу своей гибели. Впрочем, Брейгель не судит, а, постигая законы взаимоотношений людей друг с другом, с окружающей средой, проникая в суть человеческой природы, открывает людям самих себя, их место в мире.

Живопись Германии в эпоху Возрождения.

            Черты Возрождения в искусстве Германии появляются позднее, чем в Нидерландах. Расцвет немецкого гуманизма, светских наук и культуры падает на первые годы XVI в. Это был краткий период, в течение которого немецкая культура дала миру высочайшие художественные ценности. К ним в первую очередь следует отнести работы Альбрехта Дюрера (1471-1528) – самого крупного художника Немецкого Возрождения.

            Дюрер – типичный представитель эпохи Возрождения, он был и живописцем, и гравёром, и математиком, и инженером, писал трактаты по фортификации и теории искусства. На автопортретах он предстает интеллигентным, благородным, сосредоточенным, полным глубоких философских раздумий. В картинах Дюрер не довольствуется формальной красотой, а стремится дать символическое выражение отвлеченных мыслей.

Особое место в творческом наследии Дюрера принадлежит серии «Апокалипсис», которая включает 15 больших гравюр на дереве. Дюрер иллюстрирует предсказания из «Откровения Иоанна Богослова», так, например, лист «Четыре всадника» символизирует ужасные бедствия – войну, мор, голод, неправедный суд. Предчувствие перемен, тяжких испытаний и бедствий, выраженное в гравюрах, оказалось пророческим (вскоре началась Реформация и последовавшие за ней Крестьянская и религиозные войны).

            Другим замечательным художником того времени был Лукас Кранах Старший (1472-1553). В Эрмитаже хранятся его картины «Мадонна с младенцем под яблоней» и «Женский портрет». В них мы видим женское лицо, запечатленное на многих картинах мастера (его даже называют «кранаховским»): маленький подбородок, узкий разрез глаз, золотистые волосы. Художник тщательно выписывает украшения и одежду, его картины – праздник для глаз. Чистота и наивность образов еще раз заставляют вглядываться в эти картины. Кранах был замечательным портретистом, он создал образы многих знаменитых современников – Мартина Лютера (который был его другом), герцога Генриха Саксонского и многих других.

            Но самым знаменитым портретистом Северного Возрождения без сомнений можно признать другого немецкого живописца Ганса Гольбейна Младшего (1497-1543). Долгое время он был придворным художником английского короля Генриха VIII. В его портрете Гольбейн великолепно передает властную натуру короля, которому незнакомы сомнения. Маленькие умные глаза на мясистом лице выдают в нем тирана. Портрет Генриха VIII был настолько достоверен, что пугал людей, знавших короля. Гольбейн написал портреты многих знаменитых людей того времени, в частности государственного деятеля и писателя Томаса Мора, философа Эразма Роттердамского и многих других.

            Развитие культуры Ренессанса в Германии, Нидерландах, некоторых других странах Европы было прервано Реформацией и последовавшими за ней религиозными войнами. Вслед за этим пришло время формирования новых принципов в искусстве, которое вступало в следующий этап своего развития.

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

СЕВЕРНОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ

 

§ 8–9. Мир художественной культуры Возрождения., 7 кл. Юдовская

ГДЗ ◄ ГДЗ по истории ◄ ГДЗ по истории 7 класс  Юдовская◄
§ 8–9. Мир художественной культуры Возрождения

Вопрос в начале параграфа

Выскажите своё мнение: какие идеи гуманистов найдут отражение в творчестве их современников – писателей, поэтов, художников, скульпторов?

В творчестве деятелей искусства эпохи Возражения нашли отражения такие идеи гуманистов как идея величия человека, свободы воли и выбора, безграничности творческих способностей, идея совершенства человека.

Вопросы к параграфу

Вопрос 1. Сопоставьте смысл высказываний: «Я ставлю тебя в центре мира» и «Какое чудо природы человек!».

Высказывания выражают главную мысль гуманистов, что человек это центр мироздания, куда он был поставлен самой как ее высшее творение.

Вопрос 2. Как вы думаете, согласился бы гражданин античных Афин с мнением У. Шекспира о значении театрального искусства? Свой ответ обоснуйте.

Да, согласились бы, т.к. для граждан Афин театр был школой, где они учились быть гражданами, принимать правильные решения, отличать мораль и закон, отличать благородство человека и обличать человеческие пороки.

Вопрос 3. Назовите литературные произведения раннего Нового времени, в которых действуют сильные духом и мужественные литературные герои. Как вы думаете, почему авторы произведений показывают своих персонажей в сложных, трагических, необычных ситуациях?

«Гамлет», «Дон Кихот», «Фауст», «Прометей». Авторы этих произведений показывают своих персонажей в сложных и трагических ситуациях, т.к. только так могут проявится их сильный дух, мужество, стремление преодолеть и не подчиниться судьбе.

Вопрос 4. Расскажите, чем прославились У. Шекспир, М. Сервантес, Леонардо да Винчи, Микеланджело Буонарроти, Рафаэль, П. Брейгель Старший, А. Дюрер.

Уильям Шекспир – крупнейший драматург эпохи. Знаменит пьесами «Гамлет», «Отелло», «Ромео и Джульетта», в которых герои ищут свой ответ на вопрос, как поступать при столкновении со злом.

Мигель Сервантес – романист, написавший роман «всех времен и народов» – «Дон Кихот», в котором главный герой пытается бороться с несправедливостью в мире.

Леонардо да Винчи – был художником, поэтом, архитектором, скульптором, музыкантом, божественно пел, увлекался физикой, математикой, астрономией, историей, философией, разбирался в механике и военном деле. Самое знаменитая картина «Мона Лиза», известен изобретениям парашюта, танка. Во многом опередил свое время.

Микеланджело Буонарроти – самый известный скульптор, живописец, архитектор эпохи. Создал скульптуру «Давида», расписал потолок Сикстинской капеллы, создал проект купола в соборе Святого Петра в Риме.

Рафаэль Санти – великий живописец эпохи, также архитектор и график. Самое знаменитое произведение «Сикстинская Мадонна».

Питер Брейгель Старший – крупнейший живописец северного Возрождения. Знаменит картинами «Жатва», «Крестьянский танец», «Триумф смерти».

Альбрехт Дюрер – немецкий живописец и график, один из величайших мастеров западноевропейского Ренессанса. Признан крупнейшим европейским мастером ксилографии поднявшим её на уровень настоящего искусства. Самая известная гравюра «Четыре всадника Апокалипсиса».

Задания к параграфу

Вопрос 1. Шекспиру приписывают слова: «Весь мир – театр, а люди в нём актёры». Попробуйте прокомментировать их. Как вам кажется, есть ли нечто общее у театра и жизни?

Слова Шекспира означают, что у каждого человека в этом мире есть роль, предназначение, которые человек должен выполнить (сыграть). Человек, как и актер, всегда носит маску, которая ему позволяет играть роль и скрывать свои истинные чувства, поэтому не всегда можно узнать, о чем на самом деле думает человек. Поэтому Шекспир был прав, сравнив театр и жизнь.

Вопрос 2. Многие герои литературных произведений Возрождения путешествуют. Как вы считаете, почему и зачем авторы используют этот приём?

Авторы использую этот прием, чтобы показать процесс открытия этого мира, выйти за границы обыденного представления, т.к. в средневековье лишь незначительная часть людей выходила за пределы той местности, где они были рождены. Авторы хотят показать настоящий мир, который очень разный и непохожий с одной стороны, но в котором всегда можно найти общие положительные (стремление к счастью, добрые поступки, мужественных и смелых людей), и негативные (страх. Трусость, предательство, невежество) явления. Этот прием позволял представить мир единым целым.

Вопрос 3. Укажите общее в библейских образах, созданных художниками и скульпторами Возрождения. Чем это можно объяснить?

Общим в библейских образах было стремление передать идеал человека. Это можно объяснить тем, что художники именно в библейских образах черпали вдохновение для передачи иди величия человека, его возможностей.

Вопрос 4. Как вы думаете, почему именно портрет стал для художников эпохи Возрождения излюбленным жанром?

Портрет стал для художников эпохи Возрождения излюбленным жанром, потому что гуманисты прежде всего стремились изучить человека, поэтому художники стремились на портрете запечатлеть эмоции, чувства, характер человека.

Вопрос 5. Герои картин Брейгеля внешне мало похожи на персонажей произведений итальянских живописцев Возрождения. Как вы считаете, можно ли, несмотря на различия, говорить о нидерландском мастере как художнике-гуманисте?

Конечно можно, т.к. несмотря на внешние отличие при изображении своих персонажей, его произведения соответствуют идеям Возрождения.

Вопрос 6. Выберите и опишите живописное или скульптурное произведение одного из авторов, упомянутых в учебнике. Выскажите своё мнение: свидетельствует ли это произведение о гуманистическом мировоззрении автора?

«Давид» — мраморная скульптура Микеланджело. Эта мраморная статуя, высота которой – свыше пяти метров, является вершиной скульптуры Ренессанса. Статуя представляет собой фигуру обнаженного Давида. Он сосредоточен на схватке, которую ему предстоит совершить с Голиафом. Давид готовится к битве. Причем враг намного превосходит его по силе. Однако юноша спокоен; кажется, ничто не выдает его беспокойства.

Заметно только, как напряглись его мышцы, как сдвинулись его брови. В этом взгляде есть нечто устрашающее. Видно, как через плечо он перекинул пращу. Такая поза готовит решающий удар по грозному противнику.

Давид олицетворяет мощь и всесилие вольного человека. Давид символизирует уверенность человека в том, что он сможет победить любого врага. У героя скульптуры максимально напряжено внимание. Таким образом, перед зданием городского управления во Флоренции находилась статуя, призывающая к мужеству, защите.

§ 8–9. Мир художественной культуры Возрождения

◄§ 7. Великие гуманисты Европы

§ 10. Рождение новой европейской науки►

Неоклассицизм | Безграничная история искусства

Неоклассицизм

Неоклассицизм относится к направлениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Определение атрибутов неоклассицизма и некоторых его ключевых фигур

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.
  • С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров, что распространило неоклассический стиль по Европе и Америке.
  • Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру.
  • Вообще говоря, неоклассицизм стилистически определяется использованием прямых линий, минимальным использованием цвета, простотой формы и, конечно же, приверженностью классическим ценностям и методам.
  • Рококо с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю.
Ключевые термины
  • Grand Tour : Традиционное турне по Европе, проводимое в основном состоятельными европейскими молодыми людьми из высшего сословия. Этот обычай процветал примерно с 1660 года до появления крупного железнодорожного транспорта в 1840-х годах.
  • Просветление : Концепция духовности, философии и психологии, относящаяся к достижению ясности восприятия, разума и знания.
  • Рококо : Стиль барочной архитектуры и декоративного искусства из Франции 18-го века со сложным орнаментом.

Классическое возрождение, также известное как неоклассицизм, относится к движениям в искусстве, черпающим вдохновение в «классическом» искусстве и культуре Древней Греции и Рима. Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века. Доминирующими стилями в 18 веке были барокко и рококо.Последний, с его акцентом на асимметрию, яркие цвета и орнамент, обычно считается прямой противоположностью неоклассическому стилю, основанному на порядке, симметрии и простоте. С ростом популярности Гранд-тура стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров. Эта традиция коллекционирования заложила основу для многих великих коллекций произведений искусства и распространила классическое возрождение по всей Европе и Америке.

Неоклассицизм охватил все виды искусства, включая живопись, скульптуру, декоративное искусство, театр, литературу, музыку и архитектуру.Стиль обычно можно определить по использованию прямых линий, минимальному использованию цвета, простоте формы и, конечно же, его приверженности классическим ценностям и методам.

В музыке этот период ознаменовался подъемом классической музыки, а в живописи работы Жака-Луи Давида стали синонимом возрождения классики. Однако неоклассицизм наиболее сильно ощущался в архитектуре, скульптуре и декоративном искусстве, где классические модели в той же среде были довольно многочисленными и доступными.В частности, в скульптуре было огромное количество древних моделей, по которым можно было учиться, однако большинство из них были римскими копиями греческих оригиналов.

Rinaldo Rinaldi, Chirone Insegna Ad Achille a Suonare La Cetra : Выполненная в классическом стиле с использованием классических тем, эта скульптура является типичным образцом неоклассического стиля.

Неоклассическая архитектура была создана по образцу классического стиля и, как и в случае с другими видами искусства, во многом была реакцией на бурный стиль рококо.Архитектура итальянского архитектора Андреа Палладио стала очень популярной в середине 18 века. Кроме того, археологические руины, обнаруженные в Помпеях и Геркулануме, внесли свой вклад во многие стилистические ценности неоклассического дизайна интерьера, основанного на заново открытых древнеримских открытиях.

Вилла Годи Вальмарана, Лонедо ди Луго, Венето, Италия : Вилла Годи была одной из первых работ Палладио. Его строгий фасад, арочные дверные проемы и минимальная симметрия отражают его приверженность классическим стилистическим ценностям.

Картины в неоклассическом стиле

Неоклассическая живопись, созданная мужчинами и женщинами, черпала вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима.

Цели обучения

Обсудить всеобъемлющие темы, присутствующие в неоклассической живописи

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Неоклассическая тематика основана на истории и общей культуре Древней Греции и Древнего Рима. Его часто называют реакцией на беззаботный и «легкомысленный» сюжет рококо.
  • Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхности краски, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм.
  • Работы Жака-Луи Давида обычно называют воплощением неоклассической живописи.
  • Давид привлек в свою студию более 300 студентов, в том числе Жан-Огюст-Доминик Энгр, Мари-Гийемин Бенуа и Анжелик Монжес, последняя из которых пыталась продолжить неоклассическую традицию после смерти своего учителя.
Ключевые термины
  • Просвещение : философское движение в Европе 17 и 18 веков. Также известная как Эпоха разума, это была эпоха, в которой упор делался на рационализм.

Предпосылки и характеристики

Неоклассицизм — это термин, обозначающий движения в искусстве, которые черпают вдохновение в классическом искусстве и культуре Древней Греции и Рима. Расцвет неоклассицизма совпал с эпохой Просвещения 18 века и продолжался до начала 19 века.С появлением Гранд-тура — очень увлекательного путешествия по Европе, цель которого — познакомить молодых людей с расширенной культурой и людьми их мира — стало модным собирать предметы старины в качестве сувениров. Эта традиция заложила основы многих великих коллекций и обеспечила распространение неоклассического возрождения по Европе и Америке. Французский неоклассический стиль внесет большой вклад в монументализм Французской революции с акцентом как на добродетели, так и на патриотизме.

Неоклассическая живопись характеризуется использованием прямых линий, гладкой поверхностью краски, скрывающей работу кисти, изображением света, минимальным использованием цвета и четким четким определением форм. Его предмет обычно относится либо к греко-римской истории, либо к другим культурным атрибутам, таким как аллегория и добродетель. Мягкость нанесения краски и беззаботный и «легкомысленный» сюжет, характеризующие живопись рококо, признаны противоположностью неоклассического стиля.Работы Жака-Луи Давида считаются воплощением неоклассической живописи. До успеха Давида многие художники сочетали аспекты романтизма с неопределенно неоклассическим стилем, но эти работы не находили отклика у публики. Обычно предмет неоклассической живописи состоял из изображения событий из истории, мифологических сцен, архитектуры и руин Древнего Рима.

Школа Давида

Неоклассическая живопись получила новый импульс с большим успехом Давида «Клятва Горациев » на Парижском салоне 1785 года.Картина была заказана королевским правительством и была создана в стиле, идеально сочетающем идеализированную структуру и драматический эффект. Картина вызвала бурю негодования, и было заявлено, что Давид идеально определил неоклассический вкус в своем стиле живописи. Таким образом, он стал типичным художником этого движения. В Клятва Горациев перспектива перпендикулярна картинной плоскости. Его определяет темная аркада за несколькими классическими героическими фигурами.Есть элемент театра или постановки, который вызывает величие оперы. Вскоре Давид стал ведущим французским художником и пользовался большим покровительством правительства. За свою долгую карьеру он привлек в свою студию более 300 студентов.

Жак Луи Давид. Клятва Горациев (1784) : Холст, масло. Музей Лувра, Париж.

Жан-Огюст-Доминик Энгр, художник-историк и портретист в стиле неоклассицизма, был одним из учеников Давида.Глубоко преданный классическим техникам, Энгр, как известно, считал себя консерватором стиля древних мастеров, хотя позже он писал предметы в романтическом стиле. Примеры его неоклассических работ включают картины Вергилия Чтения до Августа (1812), а также Эдипа и Сфинкса (1864). И Давид, и Энгр использовали высокоорганизованные образы, прямые линии и четко определенные формы, которые были типичными для неоклассической живописи 18 века.

Вергилий за чтением Августа Жан-Огюст-Доминик Энгр (1812) : Холст, масло. Художественный музей Уолтерса.

В то время как традиции и правила, регулирующие Французскую академию, запрещали женщинам учиться с обнаженной натуры (необходимость для создания эффективной неоклассической живописи), Дэвид считал, что женщины способны создавать успешное искусство этого стиля, и приветствовал многих в качестве своих учеников. Среди наиболее успешных были Мари-Гийемин Бенуа, которая в конечном итоге получила заказы от семьи Бонапарт, и Анжелик Монжес, завоевавшая покровителей даже из России.

Автопортрет Мари-Гийемин Бенуа (1788) : На этом неисследованном холсте, масло Бенуа (тогда Леруль-де-ла-Виль) рисует отрывок из знаменитой неоклассической картины Давида, на которой ослепленный генерал Юстиниана Велизарий просит милостыню. Ее возвращение к взору зрителя и классическая одежда демонстрируют ее уверенность в себе как художника и соответствие художественным тенденциям.

Монгез наиболее известна тем, что была одной из немногих женщин, которые рисовали монументальные сюжеты, которые часто включали обнаженную мужскую натуру, за что на нее часто нападали враждебные критики.

Тесей и Пирифой, очищающие землю от разбойников, освобождают двух женщин из рук их похитителей Анжелик Монгес (1806) : Холст, масло. Эрмитаж, Санкт-Петербург, Россия.

Монжез и Антуан-Жан Гро, еще один ученик Давида, пытались продолжить неоклассическую традицию после смерти Давида в 1825 году, но безуспешно перед лицом растущей популярности романтизма.

Неоклассическая скульптура

Реакция на «легкомыслие» рококо. Неоклассическая скульптура изображает серьезные сюжеты, на которые оказало влияние древнегреческое и римское прошлое.

Цели обучения

Объясните, какие мотивы являются общими для неоклассической скульптуры

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Неоклассицизм возник во второй половине 18-го века после раскопок руин Помпеи, которые пробудили новый интерес к греко-римскому миру.
  • Неоклассическая скульптура отличается симметрией, от натурального до монументального, и серьезным сюжетом.
  • Сюжеты неоклассической скульптуры варьировались от мифологических фигур до героев прошлого и крупных современных персонажей.
  • Неоклассическая скульптура могла передать свой предмет как идеализированный, так и более реалистичный.
Ключевые термины
  • веризм : Древнеримская техника, в которой объект изображается с «бородавками и прочим» реализмом.

Как и живопись, неоклассицизм проник в скульптуру во второй половине 18 века. В дополнение к идеалам Просвещения, раскопки руин в Помпеях начали возрождать интерес к классической культуре.В то время как скульптура в стиле рококо состояла из небольших асимметричных объектов, сосредоточенных на темах любви и веселья, неоклассическая скульптура приобрела монументальный размер в натуральную величину и сосредоточилась на темах героизма, патриотизма и добродетели.

В его гробнице прославлен философ Просвещения Вольтер почитается в истинно неоклассической форме. В стиле, навеянном древнеримским веризмом, он выглядит пожилым человеком, чтобы почтить его мудрость. Он носит современную блузку простого человека, чтобы передать его скромность, а его одежда издалека напоминает древнеримскую тогу.Как и у его древних предшественников, его выражение лица и язык тела наводят на мысль о серьезности ученого.

Могила Вольтера. : Пантеон, Париж.

Скульпторы-неоклассики извлекли выгоду из обилия древних моделей, хотя в большинстве случаев это были римские копии греческих бронзовых изделий. Ведущие скульпторы неоклассицизма пользовались большим успехом при жизни. Одним из них был Жан-Антуан Удон, чьими работами были в основном портреты, очень часто бюсты, которые не приносили в жертву идеализму сильное впечатление о личности натурщика.Его стиль стал более классическим по мере продолжения его долгой карьеры и представляет собой довольно плавный переход от очарования рококо к классическому достоинству. В отличие от некоторых скульпторов неоклассицизма, он не настаивал на том, чтобы его натурщики носили римскую одежду или были раздеты. Он изобразил большинство великих деятелей Просвещения и отправился в Америку, чтобы изготовить статую Джорджа Вашингтона, а также бюсты Томаса Джефферсона, Бенджамина Франклина и других светил новой республики. Его портретный бюст Вашингтона изображает первого президента Соединенных Штатов как сурового, но компетентного лидера, с влиянием римского веризма, очевидным в его морщинистом лбу, залысинах и двойном подбородке.

Бюст Джорджа Вашингтона работы Жана-Антуана Удона (ок. 1786)

Национальная портретная галерея, Вашингтон, округ Колумбия.

Итальянский художник Антонио Канова и датский художник Бертель Торвальдсен оба жили в Риме, и наряду с портретами создали множество амбициозных фигур и групп в натуральную величину. Оба представляют собой сильно идеализирующую тенденцию в неоклассической скульптуре.

Hebe Антонио Канова (1800–05). : Государственный Эрмитаж, Санкт-Петербург.Петербург, Россия.

Канова отличается легкостью и грацией, а Торвальдсен — более суровым. Различие иллюстрируется в книге Кановы Hebe (1800–05), контрапост которой почти имитирует живые танцевальные шаги, когда она готовится перелить нектар и амброзию из маленькой амфоры в чашу, а также в монументе Торвальдсена Копернику (1822-30). , чей объект сидит вертикально с циркулем и армиллярной сферой.

Памятник Копернику работы Бертеля Торвальдсена (1822–1830 гг.).: Бронза. Варшава, Польша.

Неоклассическая архитектура

Неоклассическая архитектура обращается к классическому прошлому греко-римской эпохи, Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.

Цели обучения

Определите, что отличает неоклассическую архитектуру от других механизмов

Основные выводы

Ключевые моменты
  • Неоклассическая архитектура была создана неоклассическим движением в середине 18 века.Он проявился в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие классицизирующих черт позднего барокко.
  • Первая фаза неоклассицизма во Франции выражена в «стиле Людовика XVI» таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Пти-Трианон, 1762–68), а вторая фаза выражена в стиле Директории конца 18 века.
  • Неоклассическая архитектура подчеркивает ее плоские качества, а не скульптурные объемы.Выступы и углубления, а также их светотени более плоские, в то время как скульптурные барельефы более плоские и имеют тенденцию обрамляться фризами, табличками или панелями.
  • Такие сооружения, как Триумфальная арка, Пантеон в Париже и Чизвик-хаус в Лондоне, имеют элементы, передающие влияние древнегреческой и римской архитектуры, а также некоторые влияния периодов Возрождения и позднего барокко.

Неоклассическая архитектура, начавшаяся в середине 18 века, обращается к классическому прошлому греко-римской эпохи, Возрождения и классицизированного барокко, чтобы передать новую эпоху, основанную на принципах Просвещения.Это движение проявилось в деталях как реакция на стиль натуралистического орнамента рококо и в его архитектурных формулах как следствие некоторых классицизирующих черт позднего барокко. В чистом виде неоклассицизм — это стиль, в основе которого лежит архитектура классической Греции и Рима. По форме неоклассическая архитектура подчеркивает стену и сохраняет индивидуальность каждой из ее частей.

Первая фаза неоклассицизма во Франции выражается в стиле Людовика XVI таких архитекторов, как Анж-Жак Габриэль (Пти-Трианон, 1762–68).Анж-Жак Габриэль был главным архитектором в Версале, и его неоклассические проекты королевского дворца доминировали во французской архитектуре середины 18-го века.

Анж-Жак Габриэль. Замок Малый Трианон. : Малый Трианон в парке Версаля демонстрирует неоклассический архитектурный стиль времен Людовика XVI.

После Французской революции вторая фаза неоклассицизма получила свое выражение в стиле Директории конца 18 века. Стиль Директории отражал революционную веру в ценности республиканского Рима.Этот стиль был периодом декоративного искусства, моды и особенно дизайна мебели, совпадающим с постреволюционным Французским управлением (2 ноября 1795 г. — 10 ноября 1799 г.). Стиль использует неоклассические архитектурные формы, минимальную резьбу, плоские просторы из высокозернистого шпона и прикладную декоративную роспись. Стиль Директории в первую очередь был создан архитекторами и дизайнерами Шарлем Персье (1764–1838) и Пьером-Франсуа-Леонаром Фонтеном (1762–1853), которые работали над Триумфальной аркой в ​​Париже, которая считается символом французской неоклассической архитектуры.

Триумфальная арка : Триумфальная арка, хотя и была построена в начале 19 века, является символом французской неоклассической архитектуры, преобладавшей в период Директории.

Хотя неоклассическая архитектура использует тот же классический словарь, что и архитектура позднего барокко, она имеет тенденцию подчеркивать ее плоские качества, а не скульптурные объемы. Проекции, спады и их влияние на свет и тень более плоские. Скульптурные барельефы более плоские и, как правило, обрамлены фризами, таблицами или панелями.Его четко сформулированные индивидуальные черты изолированы, а не взаимопроникают, автономны и завершены сами по себе.

Даже сакральная архитектура была классифицирована в неоклассический период. Пантеон, расположенный в Латинском квартале Парижа, изначально был построен как церковь, посвященная святой Женевьеве и служившая помещением для реликвария, содержащего ее мощи. Однако во время Французской революции Пантеон был секуляризован и стал местом упокоения икон Просвещения, таких как Вольтер и Жан-Жак Руссо.Дизайнер Жак-Жермен Суффло намеревался объединить легкость и яркость готического собора с классическими принципами, но его роль в качестве мавзолея требовала блокирования больших готических окон. В 1780 году Суффло умер, и его заменил его ученик Жан-Батист Ронделет.

Жак-Жермен Суффло (оригинальный архитектор) и Жан-Батист Ронделе. Пантеон. : Начало 1758 г., завершение 1790 г.

Подобно римскому храму, в Пантеон можно попасть через портик, состоящий из трех рядов колонн (в данном случае коринфских), увенчанных классическим фронтоном.В стиле, более близком к древнегреческому, фронтон украшен рельефами по всему треугольному пространству. Под фронтоном надпись на антаблементе переводится как: «Великим людям, благодарная родина». С другой стороны, на купол больше повлияли предшественники эпохи Возрождения и барокко, такие как собор Святого Петра в Риме и собор Святого Павла в Лондоне.

В интеллектуальном плане неоклассицизм был симптомом желания вернуться к воспринимаемой «чистоте» искусства Рима.Движение также было вдохновлено более расплывчатым восприятием («идеалом») древнегреческого искусства и, в меньшей степени, классицизмом эпохи Возрождения 16 века, который также был источником академической архитектуры позднего барокко. Есть штамм анти-рококо, который можно обнаружить в некоторой европейской архитектуре начала 18 века. Этот штамм наиболее ярко представлен в палладианской архитектуре грузинской Британии и Ирландии.

Лорд Берлингтон. Chiswick House : на дизайн Chiswick House в Западном Лондоне оказала влияние внутренняя архитектура Палладио, в частности, Вилла Ротонда в Венеции.Ступенчатый купол и фасад храма явно находились под влиянием римского Пантеона.

Тенденция к классике также прослеживается в классицизирующем духе архитектуры позднего барокко в Париже. Это прочная архитектура самоограничения, академически отобранная теперь «лучшим» римским образцам. Эти модели становились все более доступными для внимательного изучения посредством архитектурных гравюр на обмерных рисунках сохранившейся римской архитектуры.

Французский неоклассицизм продолжал оставаться главной силой в академическом искусстве на протяжении 19 века и позже — постоянной противоположностью романтизму или возрождению готики.

Гарлемское Возрождение: что это было и почему это важно?

28 февраля 2014 года Humanities Texas провела однодневный семинар по повышению квалификации учителей в Остине, посвященный истории и литературе Гарлемского Возрождения. Профессор Кэри Д. Винц, заслуженный профессор истории Южного Техасского университета, открыл семинар следующей лекцией под названием «Гарлемский ренессанс: что это было и почему это важно?» В своих замечаниях Винц обращается к истокам и природе движения — задача, по его словам, гораздо более сложная, чем может показаться.

Винц — специалист в области Гарлемского Возрождения и афроамериканской политической мысли. Винц является автором или редактором множества книг, в том числе Гарлем говорит ; Черная культура и Гарлемское Возрождение ; Афроамериканская политическая мысль, 1890–1930 гг. ; афроамериканцев и президентство: дорога к Белому дому ; и Гарлемское Возрождение на Западе . Он работал редактором пятитомной энциклопедии по истории афроамериканцев Oxford University Press, с 1896 г. по настоящее время , и -й энциклопедии Гарлемского Возрождения (Routledge).Он также много писал об истории Техаса и является автором одного из стандартных текстов по истории Техаса, Texas: The Lone Star State . Он уроженец Хьюстона, выпускник Университета Райса и Университета штата Канзас.


Что такое Гарлемское Возрождение и когда оно началось?

Этот, казалось бы, простой вопрос раскрывает сложности движения, которое мы знаем по разным причинам как «Новое негритянское возрождение», «Новое негритянское движение», «негритянское возрождение», «Эпоха джаза» или «Гарлемское возрождение».Чтобы ответить на этот вопрос, необходимо поместить движение во времени и пространстве, а затем определить его природу. Эта задача намного сложнее, чем может показаться.

Традиционно Гарлемское Возрождение рассматривалось в первую очередь как литературное движение с центром в Гарлеме, выросшее из миграции чернокожих и превращения Гарлема в главный черный мегаполис США. Вкратце упоминались музыка и театр, скорее как фон и местный колорит, как источник вдохновения для поэзии и местный колорит для художественной литературы.Однако анализа развития в этих сферах не было. Точно так же искусство обсуждалось в основном с точки зрения Аарона Дугласа и его связи с Лэнгстоном Хьюзом и другими молодыми писателями, написавшими Fire !! в 1926 году, но работы афроамериканских художников практически не анализировались. И еще меньше обсуждений или анализа работы женщин в области искусства, музыки и театра.

К счастью, этот узкий взгляд изменился. Гарлемское Возрождение все чаще рассматривается через более широкую линзу, которая признает его как национальное движение, связанное с международными событиями в искусстве и культуре, которое уделяет все большее внимание нелитературным аспектам движения.

Время

Во-первых, чтобы узнать, когда началось Гарлемское Возрождение, мы должны определить его истоки. Понимание истоков зависит от того, как мы воспринимаем природу Возрождения. Для тех, кто рассматривает Возрождение как прежде всего литературное движение, ужин в Гражданском клубе 21 марта 1924 года стал сигналом о его возникновении. Это мероприятие не произошло в Гарлеме, но было проведено почти в ста кварталах к югу от Манхэттена в Civic Club на Двенадцатой улице рядом с Пятой авеню. Чарльз С. Джонсон, молодой редактор Opportunity , ежемесячного журнала Национальной городской лиги, задумал мероприятие в честь писательницы Джесси Фосет по случаю публикации ее романа There Is Confusion .Джонсон запланировал небольшой званый обед с примерно двадцатью гостями — смесью белых издателей, редакторов и литературных критиков, черных интеллектуалов и молодых черных писателей. Но когда он попросил Алена Локка возглавить мероприятие, Локк согласился только в том случае, если на ужине почитали афроамериканских писателей в целом, а не одного романиста.

Таким образом, простой праздничный ужин превратился в трансформирующее мероприятие с более чем сотней участников. Афроамериканцев представляли У. Б. Дюбуа, Джеймс Велдон Джонсон и другие представители черной интеллигенции, а также Фосе и представительная группа поэтов и авторов.Белыми гостями были преимущественно издатели и критики; Карл Ван Дорен, редактор журнала Century , выступил от имени этой группы, призвав молодых писателей в аудитории внести свой вклад в «новый литературный век», зарождающийся в Америке. 1

Обед в Civic Club значительно ускорил литературную фазу Гарлемского Возрождения. Фредерик Аллен, редактор журнала Harper’s , обратился к Каунти Каллену с просьбой предоставить свои стихи для журнала, как только поэт закончил их читать.Когда ужин закончился, Пол Келлог, редактор Survey Graphic , болтал с Калленом, Фосетом и несколькими другими молодыми писателями, а затем предложил Чарльзу С. Джонсону уникальную возможность: целый выпуск Survey Graphic , посвященный Гарлему литературное движение. Под редакцией Алена Локка «Гарлем: Мекка новых негров» номер Survey Graphic появился в газетных киосках 1 марта 1925 года. 2 Это была мгновенная сенсация. Позже в том же году Локк опубликовал полную версию «Гарлемского» издания, расширенную и переименованную в Новый негр: интерпретация . 3 В антологии Локк изложил свое видение эстетики и параметров зарождающегося Гарлемского Возрождения; он также включил сборник стихов, художественной литературы, графики и критических эссе по искусству, литературе и музыке.

Для тех, кто рассматривал Гарлемский ренессанс с точки зрения музыкального театра и развлечений, рождение произошло тремя годами ранее, когда в Музыкальном зале на 63-й улице открылся Shuffle Along . Shuffle Along — это музыкальная пьеса, написанная парой ветеранов водевиля — комиков Флурной Миллер и Обри Лайлс, а также композиторов / певцов Эуби Блейк и Нобл Сиссл.Большая часть его состава состояла из неизвестных, но некоторые, такие как Жозефина Бейкер и Пол Робсон, которые играли лишь второстепенные роли в постановке, были на пути к международной известности. Юби Блейк напомнил о значении постановки, когда он указал, что он, Сиссл, Лайлс и Миллер сделали то, что пытались, но потерпели неудачи другие великие афроамериканские исполнители — Боб Коул и Дж. Розамунд Джонсон, Берт Уильямс и Джордж Уокер. достигать. «Мы сделали это, вот и вся история», — воскликнул он, — « Мы, , вернули негров на Бродвей!» 4

Поэт Лэнгстон Хьюз также видел Shuffle Along как знаковое событие в зарождении Гарлемского Возрождения.Это познакомило его с творческим миром Нью-Йорка и помогло переопределить и оживить музыку и ночную жизнь в Гарлеме. В процессе он познакомил белых жителей Нью-Йорка с черной музыкой, театром и развлечениями и помог вызвать увлечение белых Гарлемом и афроамериканским искусством, которое было неотъемлемой частью Гарлемского Возрождения. Молодой Хьюз, только что прибывший в город, не думал о дальнем ударе Shuffle Along . В 1921 году все было о шоу, и, как он написал в своей автобиографии, это было «медовое шоу»:

Быстрый, яркий, веселый, шумный и веселый, с дюжиной танцевальных и певучих мелодий. .Кроме того, посмотрите, кто был в нем: в составе оркестра были знаменитый хоровой дирижер Холл Джонсон и композитор Уильям Грант Стилл. Эуби Блейк и Ноубл Сиссл написали музыку, играли и играли в шоу. Миллер и Лайлз были комиксами. Флоренс Миллс стала знаменитой во втором акте. Трикси Смит спела «Он может быть твоим мужчиной, но иногда приходит ко мне». И Катерина Джарборо, теперь европейская примадонна, и всемирно известная Жозефина Бейкер были просто в хоре.В зале были все, включая меня. Люди приходили на это смотреть бесчисленное количество раз. Он всегда был упакован. 5

Shuffle Along также принес джаз на Бродвей. Он сочетал джазовую музыку с очень креативно поставленным джазовым танцем, чтобы превратить музыкальный театр в нечто новое, захватывающее и смелое. И шоу имело критический и финансовый успех. Он провел 474 спектакля на Бродвее и породил три гастрольных компании. Это было хит-шоу, написанное, исполненное и продюсированное чернокожими, и оно вызвало спрос на большее.В течение трех лет на Бродвее появилось еще девять афроамериканских шоу, и белые писатели и композиторы бросились создавать свои версии черных музыкальных комедий.

Музыка также была важной чертой афроамериканской культуры в период Гарлемского Возрождения. Термин «эпоха джаза» использовался многими, кто считал афроамериканскую музыку, особенно блюз и джаз, определяющими чертами эпохи Возрождения. Однако и джаз, и блюз были импортированы в Гарлем. Они возникли в результате афроамериканского опыта на рубеже веков в южных городах, таких как Новый Орлеан, Мемфис и Св.Луи. Отсюда эти музыкальные формы распространились по всей стране, на север до Чикаго, а затем прибыли в Нью-Йорк за несколько лет до Первой мировой войны.

Исполнители блюза и черного блюза, такие как музыкант У.С. Хэнди и вокалистка Ма Рейни, были популярны в кругах водевилей в конец девятнадцатого века. Публикация «Мемфисского блюза» У. К. Хэнди в 1912 году и первых записей, сделанных несколькими годами позже, сделали этот жанр мейнстримом американской поп-культуры. Сообщается, что джаз зародился среди музыкантов, которые играли в барах и публичных домах печально известного района Сторивилль в Новом Орлеане.Джелли Ролл Мортон утверждал, что изобрел там джаз в 1902 году, но сомнительно, чтобы кто-то удостоился этой чести.

По словам Джеймса Уэлдона Джонсона, джаз достиг Нью-Йорка в 1905 году в театре Проктора на Двадцать Третьей улице. Джонсон описал там группу как «оркестр, играющий-пение-танцевальный оркестр, в котором доминируют банджо, мандолины, гитары, саксофоны и барабаны в сочетании, и [это] называлось« Мемфисские студенты »- очень хорошее название, не обращая внимания на этот факт. что исполнители не были студентами и не из Мемфиса.Также была скрипка, пара духовых инструментов и контрабас ». Семь лет спустя композитор и лидер группы Джеймс Риз Европа, один из« Мемфисских студентов », взял свой оркестр Clef Club в Карнеги-холл. Во время Первой войны, когда он служил офицером пулеметной роты в знаменитой 369-й пехотной дивизии США, Джеймс Европа, его коллега Нобл Сиссель и полковой оркестр представили европейской публике звуки рэгтайма, джаза и блюза.

После войны черная музыка, особенно блюз и джаз, становилась все более популярной как у черной, так и у белой аудитории.Европа продолжал свою карьеру в качестве успешного лидера группы до своей безвременной смерти в 1919 году. Ма Рейни и другие джазовые исполнители и блюзовые певцы начали подписывать контракты на запись, сначала с афроамериканскими звукозаписывающими компаниями, такими как Black Swan Records, но очень быстро с Paramount, Columbia и другие популярные студии звукозаписи. В Гарлеме один клуб открывался за другим, в каждом выступали джазовые оркестры или блюзовые исполнители. Благородный Сиссл, конечно же, был одним из участников команды, стоящей за постановкой Shuffle Along , открывшей Бродвей до Шоколадных Денди и ряда других черных музыкальных комедий, демонстрирующих эти новые музыкальные стили.

Изобразительное искусство, особенно живопись, гравюра и скульптура, возникло в Гарлеме несколько позже, чем музыка, музыкальный театр и литература. Один из самых известных визуальных художников Гарлемского Возрождения, Аарон Дуглас, прибыл в Гарлем из Канзас-Сити в 1925 году. Позже в том же году его первые работы появились в Opportunity , а десять работ Дугласа появились как «Десять декоративных узоров», иллюстрирующих Локка. Новый негр . В начале следующего года В. Э. Б. Дюбуа опубликовал первые иллюстрации Дугласа в книге «Кризис ».Благодаря его личному сотрудничеству с Лэнгстоном Хьюзом, Уоллесом Турманом и другими афроамериканскими писателями, его сотрудничество с ними в публикации их литературного журнала Fire !! и его роль в дизайне книжных обложек и иллюстраций литературных произведений, Дуглас был самым известным художником, явно связанным с Гарлемским Возрождением в середине-конце 1920-х годов. И хотя эти связи с литературной частью эпохи Возрождения были заметны, они не были типичными для опыта других афроамериканских художников того периода.

Более значительными для начала художественной фазы Гарлемского Возрождения были выставки афроамериканского искусства в Гарлеме, а также финансирование и выставки, предоставленные Фондом Хармона. Первые шаги афроамериканского художественного движения в Гарлеме возникли после выставки 1919 года работ Генри Оссавы Таннера в галерее в центре Нью-Йорка и выставки афроамериканских художников два года спустя в Гарлемском отделении Нью-Йоркской публичной библиотеки. . Еще более важной для воспитания и продвижения афроамериканского искусства была деятельность Фонда Хармона.Начиная с 1926 года Фонд присуждает денежные премии за выдающиеся достижения афроамериканцев в восьми областях, включая изящное искусство. Кроме того, с 1928 по 1933 год Фонд Хармона организовывал ежегодную выставку афроамериканского искусства.

Место

Расположение Гарлемского Возрождения в космосе почти так же сложно, как определение его истоков и временного интервала. Безусловно, Гарлем занимает центральное место в эпоху Возрождения Гарлема, но он служит скорее якорем для движения, чем единственным его местом.На самом деле Гарлемское Возрождение черпало свое влияние и распространило свое влияние на Соединенные Штаты, Карибский бассейн и весь мир. Лишь горстка писателей, художников, музыкантов и других деятелей Гарлемского Возрождения были уроженцами Гарлема или Нью-Йорка, и лишь относительно небольшое их число проживало в Гарлеме на протяжении всего периода Возрождения. И все же Гарлем повлиял на искусство, музыку и письмо практически всех участников Гарлемского Возрождения.

Гарлем относится к той части острова Манхэттен к северу от Центрального парка и обычно к востоку от Восьмой авеню или Св.Николаевский проспект. Первоначально основанная в семнадцатом веке как голландская деревня, она со временем развивалась. После аннексии городом в 1873 году начался рост города. Возникший в результате бум недвижимости в Гарлеме длился около двадцати лет, в течение которых девелоперы возвели большинство физических структур, которые определяли Гарлем еще в середине двадцатого века. Они спроектировали этот новый городской Гарлем в первую очередь для богатых и представителей высшего среднего класса; он содержал широкие проспекты, железнодорожное сообщение с городом на Восьмой авеню и состоял из дорогих домов и роскошных многоквартирных домов, сопровождаемых коммерческими и торговыми сооружениями, а также величественными церквями и синагогами, клубами, общественными организациями и даже Гарлемским филармоническим оркестром.

К 1905 году бум Гарлема превратился в спад. Отчаявшиеся белые девелоперы начали продавать или сдавать в аренду афроамериканцам, часто по значительно сниженным ценам, в то время как черные риэлторские фирмы предоставляли клиентов. В то время в Нью-Йорке проживало около шестидесяти тысяч чернокожих, разбросанных по пяти районам, включая небольшую общину в Гарлеме. Самая большая концентрация пришлась на переполненные и перегруженные участки Тендерлойн и Сан-Хуан-Хилл на западной стороне Манхэттена. Когда в двадцатом веке чернокожее население Нью-Йорка увеличилось по мере того, как новоприбывшие с Юга переехали на север, а реконструкция разрушила существующие чернокожие кварталы, давление на дополнительное и, надеюсь, лучшее жилье подтолкнуло чернокожих на север, вверх по западной стороне Манхэттена, в Гарлем.

Переходный период Гарлема с самого начала происходил по довольно традиционным схемам. Как только черные начали перемещаться в квартал, значения свойств еще больше упали, поскольку белые начали уходить. Особенно ярко этот процесс проявился в начале 1920-х годов. И черные, и белые риэлторы воспользовались снижением стоимости недвижимости в Гарлеме — панической продажей, которая возникла, когда в нее въехали чернокожие. Удовлетворяя спрос на жилье, вызванный быстро растущим черным населением города, они приобрели, разделили и сдали в аренду собственность в Гарлеме черным арендаторам. .

Год за годом границы черного Гарлема расширялись, поскольку черные устремились в Гарлем так быстро, как только смогли найти доступное жилье. К 1910 году они стали группой большинства в западной части Гарлема к северу от 130-й улицы; к 1914 году население черного Гарлема оценивалось в пятьдесят тысяч человек. К 1930 году черный Гарлем расширился на десять кварталов на север до 155-й улицы и на юг до 115-й улицы; он простирался от реки Гарлем до Амстердам-авеню, и в нем проживало около 164 000 чернокожих.Ядро этого сообщества, ограниченное примерно 126-й улицей на юге, 159-й улицей на севере, рекой Гарлем и Парк-авеню на востоке и Восьмой авеню на западе, было более чем на 95 процентов черным.

К 1920 году Гарлем в силу огромной численности черного населения превратился в виртуальную столицу черной Америки; его название вызывало магию, которая заманивала на его улицы все классы черных со всех уголков страны. Обнищавшие южные фермеры и издольщики двинулись на север, где в Гарлеме к ним присоединились черные интеллектуалы, такие как У.Э. Б. Дюбуа и Джеймс Велдон Джонсон. Хотя старые черные социальные элиты Вашингтона, округ Колумбия, и Филадельфии презирали вульгарное великолепие Гарлема, и хотя в нем не было значительных черных университетов, как в Вашингтоне, Филадельфии, Атланте и Нашвилле, Гарлем все же стал культурным центром расы и Меккой для всех. его честолюбивый молодой. В нем размещались Национальная городская лига, Братство носильщиков спящих автомобилей А. Филипа Рэндольфа и чернокожее руководство NAACP. Маркус Гарви начал свое злополучное движение чернокожих националистов среди его масс, и Гарлем стал географическим центром афроамериканской литературы, искусства, музыки и театра.Его ночные клубы, мюзик-холлы и джазовые заведения стали центром ночной жизни Нью-Йорка в середине 1920-х годов. Короче говоря, Гарлем был местом действия в черной Америке в течение десятилетия после Первой мировой войны.

В Гарлеме и Нью-Йорке также была инфраструктура для поддержки искусства. В начале двадцатого века Нью-Йорк заменил Бостон в качестве центра книгоиздания. Кроме того, новые городские издательства, такие как Alfred A. Knopf, Harper Brothers и Harcourt Brace, были открыты для добавления большего разнообразия в свои списки книг, включая произведения афроамериканских писателей.К концу девятнадцатого века в Нью-Йорке располагалась Аллея Тин Пэн, центр музыкальной издательской индустрии. В 1920-е годы, когда появились записи и радиовещание, Нью-Йорк снова был в авангарде. Бродвей был эпицентром американского театра, а Нью-Йорк — центром американского искусства. Короче говоря, в начале двадцатого века ни в одном другом американском городе не было предприятий и учреждений, поддерживающих литературу и искусство, как в Нью-Йорке.

Несмотря на его физическое присутствие, размер и литературную и художественную инфраструктуру, природа Гарлема и его связь с эпохой Возрождения очень сложны.Слово «Гарлем» вызывало сильные и противоречивые образы среди афроамериканцев в первой половине двадцатого века. Был ли это негритянский мегаполис, черный Манхэттен, политический, культурный и духовный центр африканской Америки, страна изобилия, город-убежище или черное гетто и возникающие трущобы? Для некоторых образ Гарлема был более личным. Король Соломон Гиллис, главный герой в «Городе убежища» Рудольфа Фишера, был одним из них. Выйдя из метро на 135-й и Леннокс-авеню, Гиллис был ошеломлен:

Чистый воздух, голубое небо, яркий солнечный свет.Гиллис отложил свой картонный футляр и вытер свой блестящий черный лоб. Затем он медленно, широко улыбнулся тому, что увидел: негров на каждом шагу; вверх и вниз по Ленокс-авеню, вверх и вниз по Сто тридцать пятой улице; большие, долговязые негры, невысокие, приземистые негры; черные, коричневые, желтые; мужчины, простаивающие на обочине, женщины с узлами, неохотно тащатся домой, дети, гремящие ловушками на тротуарах; кое-где плывут белые лица, но преимущественно негры, в подавляющем большинстве повсюду.Несомненно, его местонахождение не подлежало сомнению. Это был негритянский Гарлем. 7

Затем Гиллис заметил суматоху на улице, когда грузовики и автомобили заполнили перекресток по команде дорожного полицейского — афроамериканского гаишника:

Глаза южного негра широко распахнулись; его рот открылся шире. . . . Ибо там стоял красивый гигант с медными пуговицами, руководивший самым оживленным движением, которое Гиллис когда-либо видел; остановка бесчисленных тонн легковых и грузовых автомобилей, а также тележек, тележек и трамваев; удерживая их в страхе одной рукой, в то время как другой категорически сметал такие же тонны; управляя широким переходом с высочайшей самоуверенностью; и он тоже был негром!

Тем не менее, большинство транспортных средств, которые прыгали или приседали по его приказу, были с белыми пассажирами.Один из этих переездов проехал несколько футов, и Гиллис услышал пронзительный свист офицера и грубый укор, увидел, как лицо водителя покраснело, а его машина отъехала назад, как щенок, которому угрожают. Это было невероятно — невозможно. Черный может быть белым, но не может быть таким белым!

«Умер и проснулся на небесах», — подумал царь Соломон, наблюдая, очарованный; и через некоторое время, как если бы это чудо было слишком велико, чтобы поверить в него, просто увидев «полицейских Каллуда!» он сказал, наполовину вслух; затем повторял снова и снова, со все большей и большей убежденностью: «Даже попавшие в тупик полицейские…» 8

Гиллис был одним из тех, кто искал убежища в Гарлеме.Он сбежал из Северной Каролины после того, как застрелил белого человека. Теперь в Гарлеме полицейский был черным. Не то чтобы это изменило его судьбу. В конце истории один из этих чернокожих полицейских в наручниках утащил Гиллиса. Реальность Гарлема часто противоречила мифу.

Для поэта Лэнгстона Хьюза Гарлем также был чем-то вроде убежища. После в основном несчастного детства, проживавшего то или иное время с матерью или отцом, бабушкой или соседями, Хьюз убедил своего сурового и зловещего отца профинансировать его образование в Колумбийском университете.Он вспомнил свое прибытие в 1921 году:

«Я поднялся по ступенькам и вышел на яркий сентябрьский солнечный свет. Гарлем! Я стоял там, бросил свои сумки, глубоко вздохнул и снова почувствовал себя счастливым. Я записался в Y. Когда колледж открылся, я не хотел переезжать в общежитие в Колумбии. Я действительно не хотел поступать в колледж вообще. Я не хотел ничего делать, кроме как жить в Гарлеме, найти работу и работать там ». 9

После менее чем счастливого года в Колумбии Хьюз сделал именно это.Он бросил школу и переехал в Гарлем. Однако Хьюз никогда не упускал из виду, что бедность, переполненное и ветхое жилье и расовые предрассудки были частью повседневной жизни большинства жителей Гарлема.

Для Хьюза желание просто «жить в Гарлеме» было не менее мифом, чем реальностью. После того, как он уехал из Колумбии и переехал в Гарлем, он практически не проводил там много времени. До конца 1930-х годов он был в Гарлеме скорее гостем или временным жителем, чем постоянным жителем. В то время как Хьюз проводил много выходных и отпусков в Гарлеме во время учебы в Линкольнском университете, в разгар эпохи Возрождения, между 1923 и 1938 годами, он был вдали от города больше, чем там, больше как гость, чем постоянный житель.

Джеймс Велдон Джонсон увидел все еще другой Гарлем. В своей книге 1930 года « Черный Манхэттен » он описал черный мегаполис в почти утопических терминах как великую надежду расы и ее грандиозный социальный эксперимент: «Итак, здесь у нас есть Гарлем — не просто колония, сообщество или поселение … но черный город, расположенный в самом сердце белого Манхэттена и содержащий больше негров на квадратную милю, чем любое другое место на земле, он поражает неосведомленного наблюдателя как феномен, чудо прямо с небес. 10 Когда Джонсон посмотрел на Гарлем, он увидел не возникающие трущобы или гетто, а черный квартал к северу от Центрального парка, который был «одним из самых красивых и здоровых» в городе. «Это не край, это не трущобы и не квартал, состоящий из полуразрушенных многоквартирных домов. Это квартал жилых домов нового закона и красивых жилых домов, с улицами, вымощенными, хорошо освещенными и ухоженными, как и в любой другой части города ». 11

Несомненно, Гарлем был быстрорастущим Историк из Гарлема Гилберт Ософски утверждал, что «самым глубоким изменением, которое пережил Гарлем в 1920-х годах, было превращение его в трущобы».В основном за одно десятилетие Гарлем превратился из потенциально идеального сообщества в район с множеством социальных и экономических проблем, названный «прискорбным», «невыразимым», «невероятным» ». 12 В результате большинство жителей Гарлема жили в плохих жилищах, либо в бедности, либо на грани бедности, в районе, где наблюдаются типичные последствия бедности и дискриминации: рост порока, преступности, преступности среди несовершеннолетних и наркомании.

Короче говоря, повседневная жизнь Реалии, с которыми столкнулось большинство гарлемитов, резко отличались от образа жизни в Гарлеме, представленного Джеймсом Велдоном Джонсоном.Гарлем был полон противоречий. Хотя это отражало самоуверенность, воинственность и гордость нового негра за его требование равенства, и оно отражало устремления и творческий гений талантливой молодежи эпохи Гарлемского Возрождения наряду с экономическими чаяниями черных мигрантов. В поисках лучшей жизни на севере Гарлем не смог решить свои проблемы и осуществить свои мечты.

Гарлемский бунт 1935 года положил конец противоречивым представлениям о Гарлеме.19 марта 1935 года молодой пуэрториканский мальчик был пойман на краже перочинного ножа за десять центов из прилавка пятидесятичного магазина на 135-й улице. После ареста поползли слухи, что полиция забила молодого человека до смерти. Собралась большая толпа, кричащая «жестокость полиции» и «расовая дискриминация». Окно было выбито, начались грабежи, бунт распространился на всю ночь. В результате насилия трое чернокожих погибли, двести магазинов были разрушены и сожжены, а имущество было уничтожено на сумму более двух миллионов долларов.Молодой пуэрториканец, арест которого спровоцировал беспорядки, был освобожден накануне вечером, когда торговец предпочел не выдвигать обвинения. Потрясенный восстанием, мэр Фиорелло Ла Гуардиа учредил межрасовый комитет во главе с профессором социологии Университета Говарда Э. Франклином Фрейзером для расследования беспорядков. Они пришли к очевидному выводу: бунт явился результатом общего недовольства расовой дискриминацией и бедностью.

Комитет не смог сообщить, что бунт раз и навсегда разрушил представление Джеймса Велдона Джонсона о Гарлеме как афроамериканской городской утопии.Несмотря на присутствие художников и писателей, ночные клубы, музыку и развлечения, Гарлем был трущобами, черным гетто, характеризующимся бедностью и дискриминацией. Сгоревшие витрины могут стать благодатной почвой для политических действий, но не для искусства, литературы и культуры. В ближайшие годы Гарлем увидит новых черных писателей. Музыканты, поэты и художники продолжали жить здесь, но он никогда больше не служил фокусом творческого движения Гарлемского Возрождения с национальным и международным влиянием.

Джонсон не был лично свидетелем бунта 1935 года. Он покинул город в 1931 году, через год после того, как он опубликовал Black Manhattan , чтобы занять кафедру Спенса по творческой литературе в Университете Фиск в Нэшвилле. Он прожил там до своей смерти в 1938 году.

Ренессанс

Итак, что было за Гарлемское Возрождение? Простой ответ состоит в том, что Гарлемское Возрождение (или Движение новых негров, или любое другое название) было самым важным событием в интеллектуальной и культурной жизни афроамериканцев двадцатого века.Хотя он наиболее известен своей литературой, он затронул все аспекты литературного и художественного творчества афроамериканцев с конца Первой мировой войны до Великой депрессии. Литература, критическое письмо, музыка, театр, музыкальный театр и изобразительное искусство были преобразованы этим движением; это также повлияло на политику, социальное развитие и почти все аспекты жизни афроамериканцев с середины 1920-х до середины 1930-х годов.

Но в Гарлемском Возрождении было что-то эфемерное, что-то расплывчатое и трудно поддающееся определению.Таким образом, Гарлемское Возрождение было афроамериканским литературным и художественным движением, которое базировалось в Гарлеме, но черпало из них, распространялось и влияло на афроамериканские общины по всей стране и за ее пределами. Как мы видели, у него также не было точного начала; не было и точного финала. Скорее, она возникла в результате социальных и интеллектуальных потрясений в афроамериканском сообществе, последовавших за Первой мировой войной, расцвела в 1920-х годах, а затем угасла в середине-конце 1930-х и начале 1940-х годов.

Точно так же Гарлемский ренессанс не имеет единого определенного идеологического или стилистического стандарта, который объединял бы его участников и определял движение. Вместо этого большинство участников движения сопротивлялись попыткам черных или белых определить или узко классифицировать свое искусство. Например, в 1926 году группа писателей, возглавляемая писателем Уоллесом Турманом, в том числе Лэнгстон Хьюз, Зора Нил Херстон и художник Аарон Дуглас, выпустила собственный литературный журнал Fire !! Одной из целей этого предприятия было провозглашение их намерения стать собственником литературного Возрождения.При этом они отвернулись от Алена Локка, У. Б. Дюбуа и других, которые стремились направить творчество чернокожих в то, что они считали правильным эстетическим и политическим направлением. Несмотря на усилия Турмана и его молодых коллег, Fire !! Модель вышла из строя только после одного выпуска, и движение осталось нечетким. Фактически, это была его самая отличительная черта. Не было бы общего литературного стиля или политической идеологии, связанных с Гарлемским Возрождением.Это была скорее идентичность, чем идеология, литературная или художественная школа. Что объединяло участников, так это их чувство участия в общих усилиях и их приверженность художественному выражению афроамериканского опыта.

Если и существовало утверждение, определяющее философию нового литературного движения, то это было эссе Лэнгстона Хьюза «Негритянский художник и расовая гора», опубликованное в журнале The Nation , 16 июня 1926 года:

Мы, молодые негры художники, которые сейчас создают, намереваются без страха и стыда выразить нашу индивидуальную темнокожую сущность.Если белые люди довольны, мы рады. Если нет, это не имеет значения. Мы знаем, что красивы. И уродливые тоже. Том-том плачет, и том-том смеется. Если цветные люди довольны, мы рады. Если они не их неудовольствие, тоже не имеет значения. Мы построим наши храмы для завтрашнего дня, настолько сильные, насколько мы умеем, и мы будем стоять на вершине горы, свободные внутри себя. 13

Как Fire !! , это эссе было провозглашением независимости движения как из стереотипов, которые белые придерживались в отношении афроамериканцев и ожиданий, которые они имели в отношении своих литературных произведений, так и из ожиданий, которые чернокожие лидеры и черные критики возлагали на чернокожих писателей, и ожидания которые они вложили в свою работу.

Неудивительно, что эта независимость встретила сопротивление, особенно среди тех, кто был обеспокоен политическими издержками, которые могут возникнуть при реалистичных проявлениях жизни чернокожих — подпитке белых предрассудков путем разоблачения менее пикантных элементов черного сообщества. Дюбуа ответил Хьюзу несколько недель спустя в чикагской речи, которая позже была опубликована в журнале The Crisis как «Критерии негритянского искусства» (октябрь 1926 г.): «Таким образом, все искусство является пропагандой и должно быть всегда, несмотря на причитания людей. пуристы.Я стою с полным бесстыдством и говорю, что любое искусство, которым я владею, всегда использовалось для пропаганды, чтобы получить право чернокожего народа любить и наслаждаться. Мне плевать на искусство, которое не используется для пропаганды. Но мне все равно, когда пропаганда ограничивается одной стороной, а другая — безмолвной и безмолвной ».

Решимость чернокожих писателей следовать собственному художественному видению привела к художественному разнообразию, которое было основной характеристикой Гарлемского Возрождения.Это разнообразие явно проявляется в поэзии того периода, когда тематика, стиль и тон варьировались от традиционных до более изобретательных. Лэнгстон Хьюз, например, запечатлел жизнь и язык рабочего класса, а также ритм и стиль блюза в ряде своих стихотворений, не более чем в «Утомленном блюзе». В отличие от присвоения Хьюзом формы черной музыки, особенно джаза и блюза, и его использования черного жаргона, Клод Маккей и Кунти Каллен использовали более традиционные и классические формы для своей поэзии.Маккей использовал сонеты для большей части своих стихов протеста, в то время как стихи Каллена опирались как на классические литературные аллюзии и символы, так и на стандартные поэтические формы.

Это разнообразие и экспериментирование характерно и для музыки. Об этом свидетельствует блюз Бесси Смит и диапазон джаза от ранних ритмов Джелли Ролл Мортон до инструментовки Луи Армстронга или сложной оркестровки Дюка Эллингтона. В живописи мягкие цвета и пастели, которые Аарон Дуглас использовал, чтобы создать завуалированный вид для африканских образов на своих картинах и фресках, резко контрастируют с использованием ярких цветов и четко определенных изображений Джейкобом Лоуренсом.

В рамках этого разнообразия возникло несколько тем, определяющих характер Гарлемского Возрождения. Ни один чернокожий писатель, музыкант или художник не выразил все эти темы, но каждый действительно обращался к одной или нескольким в своей работе. Первой из этих тем была попытка восстановить афроамериканское прошлое — его сельские южные корни, городской опыт и африканское наследие. Интерес к африканскому прошлому совпал с подъемом панафриканизма в афроамериканской политике, который был в центре идеологии Маркуса Гарви, а также проблемой У.Э. Б. Дюбуа в 1920-е гг.

Это также отразило общее увлечение древней африканской историей, которое последовало за открытием гробницы Тутанхамона в 1922 году. Поэты Каунти Каллен и Лэнгстон Хьюз обращались к своему африканскому наследию в своих произведениях, а художник Аарон Дуглас использовал африканские мотивы в своем искусстве. Ряд музыкантов, от классического композитора Уильяма Гранта Стилла до великого джазового Луи Армстронга, использовали в своих композициях африканские ритмы и темы.

Исследование чернокожего южного наследия нашло отражение в романах Джин Тумер и Зора Нил Херстон, а также в произведениях Джейкоба Лоуренса.Зора Нил Херстон использовала свой опыт фольклориста в качестве основы для своего обширного исследования сельской жизни чернокожих на юге в своем романе 1937 года « Их глаза смотрели на Бога» . Джейкоб Лоуренс обратился к афроамериканской истории для большей части своих работ, включая две из его серии картин, состоящих из нескольких холстов, серию Харриетт Табмен и серию о Черной миграции.

Писатели и художники эпохи Возрождения Гарлема также исследовали жизнь Гарлема и других городских центров. И Хьюз, и Маккей использовали образы Гарлема в своих стихах, а Маккей использовал гетто в качестве декорации для своего первого романа « Дом в Гарлеме ».Некоторых чернокожих писателей, в том числе Маккея и Хьюза, а также Рудольфа Фишера и Уоллеса Турмана обвинили в чрезмерном акцентировании внимания на преступности, сексуальности и других менее пикантных аспектах жизни в гетто, чтобы подражать вуайеристским желаниям белых читателей и издателей. скандального гарлемского романа белого романиста Карла Ван Вехтена, Nigger Heaven .

Третьей важной темой в литературе Гарлемского Возрождения была раса. Практически в каждом романе, пьесе и большей части поэзии исследуются расы в Америке, особенно влияние расы и расизма на афроамериканцев.В простейшей форме эти работы протестовали против расовой несправедливости. Сонет Клода Маккея «Если мы должны умереть» был одним из лучших в этом жанре. Лэнгстон Хьюз также писал статьи протеста, как и почти все чернокожие писатели в свое время.

Среди художников-художников историческая серия Лоуренса подчеркивала расовую борьбу, которая доминировала в истории афроамериканцев, в то время как ранние иллюстративные работы Ромара Бирдена часто фокусировались на расовой политике. Борьба с линчеванием в середине 1920-х годов стимулировала поэзию против линчевания, а также тщательно исследованное Уолтером Уайтом исследование этого предмета, Rope and Fagot .В начале 1930-х годов инцидент в Скоттсборо стимулировал публикацию значительных протестов, а также антологию 1934 года « Negro », которая рассматривала расу в международном контексте. Большинство литературных работ Гарлемского Возрождения избегали открытого протеста или пропаганды, вместо этого сосредотачиваясь на психологическом и социальном воздействии расы. Среди лучших из этих исследований были два романа Неллы Ларсен: Quicksand в 1928 году и год спустя — Passing . Оба исследовали персонажей смешанного расового наследия, которые изо всех сил пытались определить свою расовую идентичность в мире предрассудков и расизма.Лэнгстон Хьюз обратился к аналогичным темам в своем стихотворении «Крест» и в своей пьесе 1931 года « Mulatto », как и Джесси Фосет в своем романе 1929 года « Plum Bun ». В том же году Уоллес Турман сделал цветовую дискриминацию в чернокожих городах центром своего романа « Чернее ягоды ».

Наконец, Гарлемский ренессанс включил в свое творчество все аспекты афроамериканской культуры. Это варьировалось от использования черной музыки как источника вдохновения для поэзии или черного фольклора как источника вдохновения для романов и рассказов.Наиболее известен этим был Лэнгстон Хьюз, который использовал ритмы и стили джаза и блюза во многих своих ранних стихах. Джеймс Велдон Джонсон, опубликовавший два сборника черных спиричуэлов в 1927 и 1928 годах, и Стерлинг Браун, который использовал блюз и южные рабочие песни во многих стихотворениях в своем сборнике стихов 1932 года, Southern Road , продолжили практику Хьюза. инициировал. Другие писатели использовали религию чернокожих в качестве литературного источника. Джонсон сделал чернокожего проповедника и его проповеди основой для стихов в « Божьих тромбонах », в то время как Херстон и Ларсен использовали черную религию и черных проповедников в своих романах.В первом романе Херстона, Иона «Тыквенная лоза » (1934) описывались подвиги черного проповедника с юга, а в последней части романа Quicksand героиня Ларсена попала в ловушку религии и черного проповедника с юга.

Посредством всех этих тем писатели, музыканты и художники Гарлемского Возрождения были полны решимости выразить афроамериканский опыт во всем его разнообразии и сложности как можно более реалистично. Эта приверженность реализму варьировалась от реализма гетто, который вызывал такие противоречия, когда писатели раскрывали негативные аспекты жизни афроамериканцев, до прекрасно созданных и подробных портретов чернокожих в маленьких городках, таких как роман Хьюза Not Without Laughter или остроумный и резкое изображение чернокожих литераторов Гарлема в книге Уоллеса Турмана « младенцев весны ».

Гарлемский ренессанс привлекал и опирался на смешанную аудиторию — афроамериканский средний класс и белые потребители искусства. Афроамериканские журналы, такие как The Crisis (ежемесячный журнал NAACP) и Opportunity (ежемесячное издание Городской лиги), нанимали писателей Гарлемского Возрождения в свой редакционный состав, публиковали их стихи и рассказы и продвигали афроамериканскую литературу через статьи, обзоры и ежегодные литературные премии.Они также напечатали иллюстрации чернокожих художников и использовали чернокожих художников в дизайне макетов своих периодических изданий. Кроме того, чернокожие пытались создать свои собственные литературные и художественные заведения. Вдобавок к недолговечному Fire !! , Уоллес Турман возглавил другой литературный журнал Harlem в 1927 году, а поэт Каунти Каллен отредактировал выпуск авангардного поэтического журнала Palms в 1926 году «Negro Poets» и выпустил антологию африканских стран. Американская поэзия, Caroling Dusk , 1927 год.

Какими бы важными ни были эти литературные издания, их было недостаточно для поддержки литературного движения. Следовательно, Гарлемское Возрождение в своей творческой деятельности в значительной степени полагалось на предприятия, принадлежащие белым. Издательства, журналы, звукозаписывающие компании, театры и художественные галереи в основном принадлежали белым, а финансовая поддержка в виде грантов, призов и наград обычно включала белые деньги. Фактически, одним из главных достижений Возрождения было открытие дверей для основных периодических изданий, издательств и источников финансирования.Афроамериканская музыка также играла для смешанной аудитории. Кабаре Гарлема привлекали как жителей Гарлема, так и белых жителей Нью-Йорка, искавших ночные клубы Гарлема. Знаменитый клуб Cotton Club довел это до причудливой крайности, предоставив развлечения для чернокожих исключительно для белой аудитории. В конце концов, наиболее успешные чернокожие музыканты и артисты перенесли свои выступления в центр города.

Отношения Гарлемского Возрождения к площадкам для белых и белой публике вызвали разногласия. В то время как большинство афроамериканских критиков решительно поддерживали движение, другие, такие как Бенджамин Броули и даже У.Э. Б. Дюбуа был резко критичен и обвинял писателей эпохи Возрождения в укреплении негативных афроамериканских стереотипов. Утверждение Лэнгстона Хьюза о том, что чернокожие художники намеревались свободно выражать себя, независимо от того, что думает чернокожая или белая общественность, точно отражало позицию большинства писателей и художников.

Медленное выцветание до черного

Конец Гарлемского Возрождения так же трудно определить, как и его начало. Он несколько варьируется от одной области искусства к другой.В музыкальном театре к началу 1930-х годов популярность черных музыкальных рецензий угасла, хотя время от времени предпринимались попытки, в основном безуспешные, возродить этот жанр. Однако темнокожие исполнители и музыканты продолжали работать, хотя и не так часто во всех черных шоу. Черная музыка продолжалась и в эпоху Второй мировой войны, хотя популярность блюзовых исполнителей несколько снизилась, а джаз изменился по мере того, как стиль биг-бэнда стал популярным. Литература также изменилась, и появилось новое поколение черных писателей, таких как Ричард Райт и Ральф Эллисон, которые мало интересовались Гарлемским Ренессансом или не были связаны с ним.В искусстве ряд художников, появившихся в 1930-х годах, продолжали работать, но опять же, не имея никакого отношения к более широкому афроамериканскому движению. Кроме того, многие литературные деятели Гарлемского Возрождения замолчали, покинули Гарлем или умерли. Некоторые, в том числе Лэнгстон Хьюз и Зора Нил Херстон, продолжали писать и публиковать в 1940-х годах и позже, хотя больше не было ощущения их связи с литературным движением. А Гарлем потерял часть своего волшебства после расовых беспорядков 1935 года.В любом случае, мало кто говорил о Гарлемском Возрождении к 1940 году, если таковой вообще был.

Гарлемский Возрождение процветал в конце 1920-х — начале 1930-х годов, но его предшественники и наследие распространились на много лет до 1920 и после 1930 года. общепризнанное название, но было известно по-разному как «Новое негритянское движение», «Новое негритянское возрождение», «негритянское возрождение», а также как «Гарлемское возрождение». У нее не было четко определенного начала или конца, но она возникла в результате социальных и интеллектуальных потрясений в афроамериканском сообществе, последовавших за Первой мировой войной, расцвела в середине и конце 1920-х годов, а затем исчезла в середине 1930-х годов.

Чем был Гарлемский ренессанс и почему он был важен?

Хотя по своей сути это было преимущественно литературное движение, Гарлемское Возрождение коснулось всего афроамериканского искусства. Хотя его участники были полны решимости правдиво представить афроамериканский опыт и верили в расовую гордость и равенство, они не разделяли общей политической философии, социальных убеждений, художественного стиля или эстетических принципов. Это было движение людей, свободное от какого-либо главного манифеста.Занимая центральное место в художественной и интеллектуальной жизни афроамериканцев, он ни в коем случае не пользовался полной поддержкой черной или белой интеллигенции; он вызвал столько же враждебности и критики, сколько и поддержки и похвалы. С момента его рождения его легитимность обсуждалась. Тем не менее, по крайней мере, по одному показателю его успех был очевиден: эпоха Возрождения Гарлема была первым случаем, когда значительное число основных издателей и критиков серьезно отнеслись к афроамериканской литературе, и это был первый раз, когда афроамериканская литература и искусство привлекли значительное внимание. внимание всей нации.


1 Карл Ван Дорен, «Молодое поколение негритянских писателей», Opportunity 2 (1924): 144–45. Обращение Ван Дорена к ужину в Civic Club Dinner было перепечатано в Opportunity .

2 Survey Graphic, Гарлем: Мекка новых негров , 6 (март 1925 г.).

3 Ален Локк, изд., Новый негр: интерпретация (Нью-Йорк: Атенеум, 1969).

4 См. Терри Уолдо, «Эуби Блейк», в книге « Гарлем говорит: Живая история Гарлемского Возрождения» , изд.Кэри Д. Винц (Нэпервилл, Иллинойс: Справочники, 2007), 151–65.

5 Лэнгстон Хьюз, Большое море (Нью-Йорк: Хилл и Ван, 1963), 223–24.

6 Джеймс Велдон Джонсон, Черный Манхэттен (Нью-Йорк: Атенеум, 1968), 120–21.

7 Рудольф Фишер, «Город убежища», в The New Negro , 57–8. Город-убежище был впервые опубликован в журнале The Atlantic Monthly , февраль 1925 г.

8 Там же.58–9.

9 Hughes, Big Sea , 81–2.

10 Johnson, Black Manhattan , 3–4.

11 Там же, 146. Джонсон также выражает этот взгляд на Гарлем в «Создание Гарлема», Survey Graphic , 6 (март 1925 г.), 635–39.

12 Gilbert Osofsky, Harlem: The Making of a Ghetto: Negro New York, 1890–1930 , (New York: Harper & Row, 1963), 135.

13 Langston Hughes, The Negro Художник и расовая гора, Народ .16 июня 1926 г., 694.

Возрождение: «Возрождение» науки и культуры

Ренессанс обычно относится к периоду европейской истории примерно между 1400 и 1600 годами. Многие историки утверждают, что он начался раньше или закончился позже, в зависимости от страны. Он соединил периоды средневековья и современной истории и, в зависимости от страны, пересекается с периодами раннего Нового времени, елизаветинского периода и периода Реставрации. Возрождение наиболее тесно связано с Италией, где оно началось в 14 веках, хотя такие страны, как Германия, Англия и Франция, пережили многие из тех же культурных изменений и явлений.

Многие историки, в том числе британский историк и писатель Роберт Уайльд, предпочитают рассматривать Возрождение как прежде всего интеллектуальное и культурное движение, а не как исторический период. Уайльд сказал, что интерпретация Возрождения как периода времени, хотя и удобна для историков, «маскирует длинные корни Возрождения».

Принтер демонстрирует пресс Гутенберга. Пресса Гутенберга позволила большему количеству людей узнать больше о Библии, книгах и музыке. (Изображение предоставлено: upstudio / Shutterstock.com)

«Возрождение» происходит от французского слова «возрождение». По данным Городского университета Нью-Йорка в Бруклине, интенсивный интерес к классической античности и ее изучение возродились после Средневековья, когда классическая философия в значительной степени игнорировалась или забывалась. Мыслители эпохи Возрождения считали Средние века периодом упадка культуры. Они стремились возродить свою культуру, придавая особое значение классическим текстам и философии. Они расширили и интерпретировали их, создав свой собственный стиль в искусстве, философии и научном поиске.Некоторые важные события эпохи Возрождения включают астрономию, гуманистическую философию, печатный станок, разговорный язык в письме, живопись и технику скульптуры, исследование мира и, в конце Возрождения, произведения Шекспира.

Термин «ренессанс» обычно не использовался для обозначения периода до 19 -го века, когда швейцарский историк Якоб Буркхардт популяризировал его в своей классической книге «Цивилизация Италии эпохи Возрождения».

Историческое развитие

Вопреки распространенному мнению, классические тексты и знания никогда полностью не исчезали из Европы в средние века.Чарльз Гомер Хаскинс писал в «Возрождении двенадцатого века», что было три основных периода, которые видели возрождение в искусстве и философии античности: Каролингское Возрождение, которое произошло во время правления Карла Великого, первого императора Священной Римской империи. (восьмой и девятый века), Оттонский ренессанс, который развивался во времена правления императоров Оттона I, Оттона II и Оттона III (10, -е, века) и 12, -е, -го века, Возрождения.

Ренессанс 12 -го веков особенно повлиял на поздний Ренессанс, сказал Уайльд.Классические латинские тексты, греческая наука и философия начали возрождаться в более широком масштабе, и были созданы ранние версии университетов.

Крестовые походы сыграли роль в возведении Возрождения, писал Филип Ван Несс Майерс в своей книге «Средневековая и современная история». Во время крестовых походов европейцы столкнулись с развитыми ближневосточными цивилизациями, добившимися успехов во многих культурных областях. Исламские страны сохранили многие классические греческие и римские тексты, которые были утеряны в Европе, и они были повторно введены через вернувшихся крестоносцев.

Падение Византийской и Римской империй от рук османов также сыграло свою роль. «Когда османы разграбили Константинополь в 1453 году, многие ученые бежали в Европу, взяв с собой классические тексты», — сказала Сьюзен Абернети, историк и писатель из Колорадо. «Конфликт в Испании между маврами и христианами также заставил многих ученых бежать в другие районы, особенно в итальянские города-государства Флоренцию, Падуя и другие. Это создало атмосферу для возрождения обучения.»

Считается, что от чумы XIV века, известной как Черная смерть, погибло до 60 процентов населения в некоторых частях Европы. На этом изображении из фламандской иллюстрированной рукописи 1349 года показаны жертвы чумы, захороненные в городе Турне, сейчас в Бельгии (Изображение предоставлено Королевскими музеями изящных искусств, Брюссель)

«Черная смерть» помогла подготовить почву для Возрождения, — писал Роберт С. Готфрид в «Черной смерти». политические потрясения во Флоренции, где, как считается, началось Возрождение.Семья Медичи переехала во Флоренцию после чумы. Они, как и многие другие, воспользовались возможностями для большей социальной мобильности. Покровительство художников было популярным способом для таких недавно могущественных семей продемонстрировать свое богатство. Некоторые историки также утверждают, что Черная смерть заставила людей усомниться в том, что церковь делает упор на загробную жизнь, и больше сосредоточиться на настоящем моменте, который является элементом гуманистической философии Возрождения.

Многие историки считают Флоренцию местом рождения эпохи Возрождения, хотя другие распространяют это название на всю Италию.По словам Ван Несса Майерса, из Италии мысли, ценности и художественная техника эпохи Возрождения распространились по всей Европе. Военные вторжения в Италию способствовали распространению идей, а окончание Столетней войны между Францией и Англией позволило людям сосредоточиться не только на конфликте, но и на других вещах.

Характеристики эпохи Возрождения

Печатный станок

«Спрос на идеальное воспроизведение текстов и повышенное внимание к их изучению помогли запустить одно из самых больших открытий в истории человечества: печать подвижным шрифтом.Для меня это самый простой и величайший продукт эпохи Возрождения, который позволил развиться современной культуре », — сказал Уайлд Live Science. Печатный станок был разработан в Европе Иоганном Гутенбергом в 1440 году. Он позволял выпускать Библии, светские книги, печатную музыку и многое другое. [По теме: Как Гутенберг изменил мир]

Интеллектуальное движение

Уайльд сказал, что одним из самых значительных изменений, произошедших в эпоху Возрождения, была «эволюция гуманизма эпохи Возрождения как направления. метод мышления … Этот новый взгляд на вещи лежал в основе многих людей в мире тогда и сейчас.

Уайльд описал гуманизм эпохи Возрождения как «попытки человека овладеть природой, а не развивать религиозное благочестие». Гуманизм эпохи Возрождения обратился к классическим греческим и римским текстам, чтобы изменить современное мышление, создав новое мышление после Средневековья. классические тексты как сосредоточенные на человеческих решениях, действиях и творениях, а не на беспрекословном следовании правилам, установленным Католической церковью как «план Бога». Хотя многие гуманисты эпохи Возрождения оставались религиозными, они верили, что Бог дал людям возможности, и человечество обязано выполнять самое лучшее и самое нравственное.Гуманизм эпохи Возрождения был «этической теорией и практикой, в которой упор делался на разум, научные исследования и человеческую самореализацию в мире природы», — сказал Абернети.

Искусство

Искусство эпохи Возрождения находилось под сильным влиянием классического искусства, как написала Вирджиния Кокс в «Краткой истории итальянского Возрождения». Художники обратились к греческой и римской скульптуре, живописи и декоративному искусству за вдохновением, а также потому, что их методы пересекались с гуманистической философией эпохи Возрождения. И классическое искусство, и искусство эпохи Возрождения сосредоточены на красоте человека и природе.Людей, даже в религиозных произведениях, изображали живыми и проявляющими эмоции. Перспектива и техника света и тени улучшились, и картины стали более трехмерными и реалистичными.

Меценаты позволили успешным художникам эпохи Возрождения работать и разрабатывать новые техники. По словам Кокса, католическая церковь заказывала большую часть произведений искусства в средние века, и хотя она продолжала это делать в эпоху Возрождения, по словам Кокса, богатые люди также стали важными покровителями.Самыми известными покровителями были семья Медичи во Флоренции, которая поддерживала искусство на протяжении большей части 15 и 16 веков. Семья Медичи поддерживала таких художников, как Микеланджело, Боттичелли, Леонардо да Винчи и Рафаэль.

Флоренция была начальным эпицентром искусства эпохи Возрождения, но к концу -го века Рим обогнал ее. Папа Лев X (Медичи) амбициозно наполнил город религиозными зданиями и произведениями искусства. Этот период, с 1490-х по 1520-е годы, известен как Высокое Возрождение.

Музыка

Как и в случае с искусством, музыкальные инновации в эпоху Возрождения отчасти стали возможными благодаря распространению патронажа за пределы католической церкви. По данным Музея искусств Метрополитен, новые технологии привели к изобретению нескольких новых инструментов, в том числе семейства клавесина и скрипки. Печатный станок означал, что ноты могли получить более широкое распространение.

Музыка эпохи Возрождения отличалась гуманистическими чертами. Композиторы читали классические трактаты о музыке и стремились создать музыку, которая эмоционально трогала слушателя.По данным Музея искусств Метрополитен, они начали более драматично включать тексты песен в композиции и считали музыку и поэзию тесно связанными.

Литература

Литература эпохи Возрождения также характеризовалась гуманистическими темами и возвращением к классическим идеалам трагедии и комедии, согласно данным факультета английского языка Бруклинского колледжа. Произведения Шекспира, особенно «Гамлет», — хороший тому пример. Охватываются такие темы, как человеческая свобода действий, нерелигиозные смыслы жизни и истинная природа человека, и Гамлет — образованный человек эпохи Возрождения.

Общество и экономика

Самым распространенным общественным изменением в эпоху Возрождения было падение феодализма и подъем капиталистической рыночной экономики, сказал Абернети. Рост торговли и нехватка рабочей силы, вызванная Черной смертью, породили нечто вроде среднего класса. Рабочие могли требовать заработной платы и хороших жилищных условий, и крепостное право прекратилось.

«Правители начали понимать, что они могут сохранить свою власть без церкви. Больше не было рыцарей на службе у короля и крестьян на службе у лорда поместья», — сказал Абернети.Деньги стали важнее вашей привязанности.

Религия

Из-за ряда факторов, включая Черную смерть, рост торговли, развитие среднего класса и временный переезд папства из Рима в Авиньон (1309-1377), влияние католической церкви было на убыль, как начало 15 -го века. Возрождение классических текстов и рост гуманизма эпохи Возрождения изменили подход общества к религии и авторитету папства, сказал Абернети.«[Гуманизм] создал атмосферу, которая породила различные движения и секты… Мартин Лютер подчеркнул реформу католической церкви, желая устранить такие практики, как кумовство и продажа индульгенций», — сказал Абернети.

«Возможно, наиболее важным является то, что изобретение печатного станка позволило распространять Библию на языках, отличных от латыни», — продолжил Абернети. «Обычные люди теперь могли читать и усваивать уроки Священного Писания, что привело к евангелическому движению.«Эти первые евангелисты подчеркивали важность Священного Писания, а не институциональную силу церкви, и считали, что спасение — это личное обращение, а не индульгенции или дела.

География

Жажда узнать больше о мире и улучшить торговлю маршрутов, исследователи отправились на карту новых земель. Колумб «открыл» Новый Свет в 1492 году, а Фердинанд Магеллан стал первым человеком, который успешно совершил кругосветное плавание в начале 1500-х годов.

Наука

По мере того, как ученые изучали классические тексты, они «воскресили древнегреческую веру в то, что мироздание было построено на совершенных законах и рассуждениях», — сказал Абернети. «По мере того, как древние изучали их, наблюдался рост в изучении астрономии, анатомии и медицины, географии, алхимии, математики и архитектуры».

Гелиоцентрическая модель солнечной системы Николая Коперника изменила представление людей о Вселенной и вызвала конфликт между учеными и католической церковью.(Изображение предоставлено: общественное достояние)

Одно из главных научных открытий эпохи Возрождения было сделано польским математиком и астрономом Николаем Коперником. В 1530-х годах он опубликовал свою теорию гелиоцентрической солнечной системы. Это помещает Солнце в центр Солнечной системы, а не Землю. Это был крупный прорыв в истории науки, хотя книга Коперника была запрещена католической церковью.

Эмпиризм начал овладевать научной мыслью. «Ученые руководствовались опытом и экспериментами и начали исследовать мир природы посредством наблюдений», — сказал Абернети.«Это было первым признаком расхождения между наукой и религией.

Они были признаны двумя отдельными областями, создавая конфликт между учеными и церковью и заставляя ученых преследоваться», — продолжил Абернети. «Ученые обнаружили, что их работа подавлялась или их демонизировали как шарлатанов и обвиняли в причастности к колдовству, а иногда и заключали в тюрьму».

Галилео Галилей был крупным ученым эпохи Возрождения, преследуемым за свои научные эксперименты.Галилей улучшил телескоп, открыл новые небесные тела и нашел поддержку гелиоцентрической солнечной системы. Он проводил эксперименты с движением маятников и падающих объектов, которые открыли путь к открытиям Ньютона в области гравитации. Католическая церковь заставила его провести последние девять лет жизни под домашним арестом.

Как Ренессанс изменил мир

«Ренессанс был временем перехода от древнего мира к современному и заложил основу для рождения Эпохи Просвещения», — сказал Абернети.Развитие науки, искусства, философии и торговли, а также технологические достижения, такие как печатный станок, оставили неизгладимое впечатление в обществе и заложили основу для многих элементов нашей современной культуры.

Дополнительные ресурсы

Обзор движения Arts & Crafts

Краткое описание движения Arts & Crafts

Основатели движения Arts & Crafts были одними из первых основных критиков промышленной революции. Разочарованные безличным, механизированным управлением обществом в 19, -м, -м веке, они стремились вернуться к более простому и более полноценному образу жизни.Механизм восхищает использованием высококачественных материалов и акцентом на практичность в дизайне. Искусство и ремесла возникло в Соединенном Королевстве примерно в 1860 году, примерно в то же время, что и тесно связанное с ним эстетическое движение, но распространение искусств и ремесел через Атлантику в США в 1890-х годах позволило ему просуществовать дольше — на по крайней мере, в 1920-е годы. Хотя движение не приняло свое общее название до 1887 года, в этих двух странах искусство и ремесла существовало во многих вариациях и вдохновляло аналогичные современные группы художников и реформаторов в Европе и Северной Америке, в том числе в стиле модерн, Венские мастерские, прерии. Школа и многие другие.Вера в способность искусства изменить общество оказала мощное влияние на его многочисленные последовательные движения во всех отраслях искусства.

Ключевые идеи и достижения

  • Движение искусств и ремесел существовало под своим конкретным названием в Соединенном Королевстве и Соединенных Штатах, и эти два направления часто отличаются друг от друга своим отношением к индустриализации: в Великобритании, Arts & Crafts. Художники и дизайнеры, как правило, отрицательно или неоднозначно относились к роли машины в творческом процессе, в то время как американцы с большей готовностью принимали машину.
  • Практики движения твердо верили, что связь, созданная между художником и его работой посредством ручного труда, является ключом к созданию как человеческих достижений, так и красивых вещей, которые будут полезны в повседневной жизни; в результате художники Arts & Crafts в значительной степени связаны с широким спектром декоративно-прикладного искусства и архитектуры в отличие от «высокого» искусства живописи и скульптуры.
  • Эстетика Arts & Crafts сильно различалась в зависимости от используемых средств массовой информации и местоположения, но наибольшее влияние на нее оказали образы природы и формы средневекового искусства, особенно готический стиль, который возродился в Европе и Северной Америке. в течение середины 19 -го в.

Обзор движения «Искусство и ремесла»

«Не имейте в своем доме ничего, что вы не считаете полезным или не считаете красивым», — сказал Уильям Моррис. Пионер движения искусств и ремесел не упустил из виду ни одну деталь дизайна интерьера.

Художественная сцена Камбоджи: больше, чем культурное возрождение

Во время опустошительного правления красных кхмеров в 1970-х годах было убито более 2 миллионов камбоджийцев. Главной мишенью среди других групп были художники, музыканты, танцоры и режиссеры страны.По оценкам, 90 процентов художников были казнены, в то время как многие другие бежали в Таиланд, Австралию, Францию, Японию и другие страны, предоставившие убежище. Результатом стали не только трагические и огромные человеческие жертвы, но и глубокая зияющая рана в культурном наследии страны и ее художественном будущем.

Более 30 лет назад в стране началось возрождение кхмерского искусства и культуры — трудная задача, поскольку многие художники погибли в результате геноцида. Все началось медленно, с повторного открытия центра искусств Phare Ponleu Selpak, за которым последовало болезненное возвращение беженцев в свою страну и рождение нового поколения смелых и решительных художников.Сегодня камбоджийская арт-сцена процветает.

Приезжайте в Сием Рип на Ангкор-Ват, оставайтесь ради искусства.

В трех крупнейших городах Камбоджи находится множество галерей, каждая из которых представляет исключительно уникальных художников, жанров, экспонатов и перспектив. И каждый из них стоит исследовать, чтобы совершить яркое визуальное и тактильное путешествие по трудному прошлому и захватывающему будущему Камбоджи.

Баттамбанг

На протяжении сотен лет Баттамбанг был центром камбоджийского искусства и культуры, прежде чем он был разрушен красными кхмерами в 1970-х годах.И он снова оставляет свой след, давая выход новому поколению молодых художников. Решительно в стороне от проторенных дорог (но это второй по величине город Камбоджи), Баттамбанг — тихий город, который избежал туризма и массового развития. Он также находится на переднем крае новой арт-сцены Камбоджи, в каждой столице насчитывается больше художников, чем в любом другом городе Камбоджи. Баттамбанг, описываемый художниками как открытое, творческое и коллективное сообщество, является идеальным местом для экспериментов и раздвигания границ, и как таковой формирует художественное возрождение с новыми галереями, открывающимися, кажется, каждую неделю.

Расположенный на якоре центра изобразительных искусств Phare Ponleu Selpak, художественная сцена Баттамбанга извлекает выгоду из того факта, что выпускники школы склонны открывать в городе свои собственные галереи современного искусства. Одна из таких галерей — Romchiek 5 , совместная мастерская и студия, расположенная в закоулках Баттамбанга, основанная четырьмя молодыми художниками (с помощью французского спонсора), которые в детстве были вынуждены работать в Таиланде. Открытые и защищенные неправительственной организацией, которая привела их на путь изобразительного искусства, эти художники теперь передают борьбу и стойкость кхмеров через современное искусство.

Sangker Art Space and Gallery воспитывает и продвигает известных художников, обеспечивая поддержку и пространство для новичков, чтобы продемонстрировать свои работы, поскольку они постоянно демонстрируют новое поколение современных камбоджийских художников. Make Maek , управляемый местным художником Мао Советским, демонстрирует многие из потрясающих работ этого ведущего художника, смешанные с чередующимися выставками картин и фотографий других выдающихся талантов Баттамбанга.

Сием Рип

Хотя главной достопримечательностью Сием Рипа является и всегда будет Ангкор-Ват и соседние храмы, художественная сцена также яркая и разнообразная, и ее стоит исследовать отдельно.Художественный облик города представляет собой смесь старого и нового: многие мастера сосредоточены на сохранении традиционных методов, в то время как подающие надежды художники выделяются современным подходом.

Храм Байон в Сием Рипе.

Это разнообразие прекрасно демонстрируется в доме Theam’s House , доме / ателье камбоджийского художника и дизайнера Лим Муи Теама, который бежал из Камбоджи во Францию ​​в 1980 году. В доме хранится уникальная частная коллекция наряду с изделиями, созданными местными мастерами, а также Теам посвятил свою карьеру поиску и сохранению традиционных артефактов и навыков.Работы Теама включают лаки, живопись и скульптуру, которые поддерживают сильные кхмерские традиции и передают уникальный талант Теама. Он также поручает местным мастерам создавать произведения искусства, обучая их техникам своих предков, и предлагает молодым художникам и сельским жителям работу на месте, позволяя им реализовать свои таланты.

Повсюду в Сием Рипе преобладает эта тема помощи другим через искусство. Цвета Камбоджи предоставляет бесплатное художественное образование местным детям, школам и малоимущим общинам Сиемреапа.В его галерее представлены произведения учеников и учителей, а вырученные средства идут на помощь учащимся и школам, а также на продвинутую художественную подготовку тех, кто проявляет исключительный талант. Кхмерская детская художественная галерея также предоставляет бесплатное художественное образование камбоджийским детям в сотрудничестве с местными и международными неправительственными организациями. Angkor Artwork E&T Stocker нанимает местных жителей с ограниченными возможностями для производства красивых лакированных статуй и фигурок ручной работы, а Artisans d’Angkor занимается сохранением традиционных кхмерских навыков и содействием развитию местных жителей.

Для изменения темпа и перспективы, McDermott Gallery (расположенная в Raffles Grand Hotel D’Angkor и в Клубе иностранной корреспонденции (FCC)) демонстрирует захватывающие фотографии храмов Сиемреапа, сделанные Макдермоттом. Всемирно известные не просто так, изображения Макдермотта обязательно очаруют вас и, скорее всего, вдохновят вас сделать похожие снимки во время посещения собственного храма.

Пномпень

Нет сомнений в том, что столица Камбоджи восстанавливает свой художественный дух через группу экспериментальных, честных и дерзко современных молодых художников и галерей.

Галерея Sa Sa Basaac , например, является некоммерческой площадкой, управляемой художниками, которая предоставляет форум начинающим художникам, где они могут экспериментировать со своей практикой. Основанный коллективом художников Stiev Selapak — Art Rebels — Sa Sa представляет незабываемые выставки как новых, так и известных камбоджийских художников.

Java Arts также в основном ориентирован на молодых художников, стремясь развивать их таланты и помогать им стать выдающимися фигурами в мире искусства Камбоджи. META House делает шаг вперед. Трехэтажное современное мультимедийное выставочное пространство площадью 200 квадратных метров призвано вывести камбоджийское искусство на мировую арену, используя его многочисленные связи с художественными организациями и университетами по всему миру.

XEM Дизайн: La Galerie управляется известным камбоджийским художником и дизайнером Эм Римом, демонстрируя впечатляющий спектр работ, основанных на его непосредственном опыте разрушения, нанесенного режимом красных кхмеров. Французский институт , тем временем, первый арт-центр, вновь открывшийся в Камбодже после десятилетий культурного застоя, по-прежнему находится в авангарде развития искусства и культуры страны.

На протяжении этих лет возрождения кхмерское художественное сообщество проявляет готовность к сотрудничеству, поддержку и преданность своим членам. И хотя художники, как правило, использовали период красных кхмеров для создания сырых, душераздирающих работ, времена меняются. Молодые художники начинают сосредотачиваться на оптимизме и переменах — они смотрят в будущее, всегда помня прошлое и всех тех, кто был потерян.

Поскольку художественная сцена в Камбодже процветает, а местные произведения искусства привлекают внимание всего мира, можно сказать, что страна далеко вышла из стадии культурного возрождения. Скорее, она уверенно движется к тому, чтобы стать мировым лидером в современном искусстве.

Как добраться

G Adventures выполняет несколько рейсов в Камбоджу, охватывая широкий диапазон дат и мероприятий, чтобы удовлетворить различные вкусы. Мы очень рады возможности показать вам эту нашу большую голубую планету — ознакомьтесь с нашими поездками для небольших групп здесь.

5 Характеристики искусства эпохи Возрождения, изменившего мир

Слово «Возрождение» означает «возрождение». После Темных и Средних веков и связанных с ними потрясений и застоя, не говоря уже о Черной смерти, Европа пережила своего рода возрождение с повторным открытием математики, философии, астрологии, астрономии, науки и литературы, а искусство засвидетельствовало большое возрождение в 200 лет, т.е. с 1400 до 1600.

В то время как многие основные характеристики искусства эпохи Возрождения оказали влияние на современный мир, этот этап привел к духовному мышлению, в котором люди начали изучать философию гуманизма

С появлением печатного станка знания впервые за более чем 1000 лет стали доступны людям, не относящимся к духовенству, знати, аристократии и королевской семье.

Возрождение внесло несколько изменений. И это изменения, которые до сих пор влияют на современный мир. Но наиболее важным из его последствий было то, что в то время он ввел мир в фазу повышенного духовного мышления. Фаза, когда люди начали изучать философию гуманизма.

Особое внимание уделялось классическим эпохам в Греции и Риме, которые до Возрождения были вершиной достижений человечества.

Искусство Возрождения — период возрождения и творчества

Возобновление страсти к обучению и человеческим достижениям привело к тому, что все эти новые исследования повлияли на формирование большего искусства.

Ренессанс был периодом большего обучения и любопытства, который побудил многих учеников и художников развивать новые формы искусства и заниматься ими.

Возрождение внесло несколько изменений. И это изменения, которые до сих пор влияют на современный мир. Но наиболее важным из его последствий было то, что в то время он ввел мир в фазу повышенного духовного мышления. Фаза, когда люди начали изучать философию гуманизма.

Флоренция, Италия была колыбелью Возрождения, и именно поэтому многие дисциплины были сосредоточены в основном на Италии.

Сила гуманистов в период Возрождения была доминирующей, и поэтому церковь стремилась стать «покровителем» проектов художников.

Творческие начинания с участием церкви и художников резко выросли из-за высшего образования, спонсируемого церковью, и богатых торговцев, тратящих огромные деньги на картины.

Искусство эпохи Возрождения способствовало переменам, которые пережил мир. Ниже приведены пять характеристик искусства эпохи Возрождения, которые оказали большое влияние на мир.

Топ-5 характеристик искусства эпохи Возрождения, которые изменили мир

1. Позитивное желание учиться и исследовать

Появление технологий и новых открытий побудило художников и учащихся искать больше.

В то время как западный мир видел одновременные открытия и инновации, художники в Италии становились все более и более любопытными к исследованию мира и всех возможных аспектов природы.

Открытия в Европе включали новые морские пути, континенты и колонии, а также новые инновации в архитектуре, скульптуре и живописи.Они считали, что возрождение классической древности может сделать ставку на ту эпоху достойной и стандартизированной.

2. Вера в человеческое благородство — Гуманизм

До Возрождения был гуманизм Возрождения, внесший огромный вклад в подъем Возрождения.

Обратите внимание, что гуманизм эпохи Возрождения — это не то же самое, что гуманизм.

Гуманизм был важным ответвлением и характерным для периода Возрождения. В то время как гуманизм эпохи Возрождения был интеллектуальным движением, начавшимся в 13 веке.Главный идеал философии был связан с изучением классических текстов и изменением этих классических взглядов более современными. Как и в 15 веке, гуманизм эпохи Возрождения стал доминирующей формой образования. Он был настолько популярен, что был разделен на ряд дополнительных разработок. Франческо Петрарка (1304–1374) считается отцом итальянского гуманизма, его вклад в философию был довольно огромен.

Ренессанс Гуманизм сыграл важную роль в эпоху Возрождения.Это было популярно и преобладало в то время. Это было до такой степени, что церковь должна была поддерживать и даже «покровительствовать» ей.

Гуманисты разделяли веру в то, что Бог создал людей с таким множеством возможностей и способностей, и чтобы получить лучшее из них, человек должен возвышать себя и уважать себя. Поэтому они чувствовали, что обязаны действовать в соответствии с этой верой и максимально использовать ее.

Благодаря гуманизму Искусство особенно пользовалось поддержкой церкви.Церковь начала финансировать и спонсировать творческие предприятия и образование. А при высокой степени покровительства богатых членов королевской семьи всегда был готовый рынок для произведенных картин.

Фото Аджарна Дейла (Slideshare) Гуманизм-ренессанс-искусство

Интеллектуалы, ремесленники и простые люди пришли к выводу, что Церковь никогда не была ответственным источником их поведения и убеждений по отношению к Богу и ближним и что они сами несут ответственность за свои действия.

Афинская школа Рафаэля —

Параллельное видение между религией и гуманизмом было прояснено, и было задумано уважение, связанное с самомнением.Великолепное шествие волхвов, изображенное Гоццоли вместе с компаниями, стремится к более царственному лицу, а не к религиозному.

3. Открытие и овладение линейной перспективой

Возрождение математики и пропорций привело к инновациям в двух основных системах: использование линейной перспективы и введение точки схода — это считается одной из революционных характеристик искусства эпохи Возрождения.

Его создал известный архитектор того времени Филиппо Брунеллески.

Он использовал инновации в математике для создания линейной перспективы с использованием параллельных линий, линии горизонта и точки схода, чтобы реалистично изобразить пространство и глубину в искусстве.

Линейная перспектива Искусство Возрождения

Поскольку рисование — это двухмерная деятельность, появление линейной перспективы создало трехмерный взгляд на практику.

Для этого художники брали линию горизонта на уровне глаз и отмечали на ней точку схода. Была создана удаляющаяся шахматная доска из пересекающихся линий, которые сходились и встречались с точкой схода.Это создавало ощущение дистанции и глубины.

Благодаря постоянной практике художникам удалось создать в своих картинах трехмерный эффект.

Не только искусство с линейной перспективой показало высокое качество, но и способность убедительно изображать натуралистические фигуры в иллюзионистских пространствах также была достойна похвалы.

Вдохновителем разработок был автор трех математических трактатов и замечательный художник Пьеро Делла Франческа, чьи перспективные картины и впечатляющие фигуры демонстрировали технику и изящество.Одним из таких классических примеров его работы является «Бичевание Христа».

4. Возрождение натурализма.

Это еще одна характеристика искусства эпохи Возрождения, которая привела к изменению мировых моделей.

В то время наблюдается рост анатомических рисунков и картин. Пионером этого шага стал итальянский художник эпохи Возрождения Леонардо да Винчи. Он установил стандарт рисования и раскрашивания анатомически правильных тел. Он создал это из своего стремления досконально понять человеческое тело.Он сделал это, выполнив 20 вскрытий, нарисовав все, что он нашел в человеческом теле, такими, какими он их видел. Затем он включил то, что он узнал о костных структурах, мускулатуре и расположении органов (из тел, которые он нарисовал или нарисовал), в совокупность знаний.

Итальянские художники эпохи Возрождения объединили фигуры в сложные сцены, которые позволили получить более широкую перспективу и заглянуть в жизнь богатых или богатых.

И свет, и тень, и перспектива эффективно использовались для привлечения внимания к фигурам на картинах.

Леонардо да Винчи считался не только художником, но и ученым.

Дама с горностаем — Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи и Микеланджело наблюдали вскрытие трупов.

Это было для них, чтобы изучить, как человеческие мышцы лежат под кожей.

В средневековье человеческое тело считалось греховным, вонючим и отвратительным. И поэтому он должен был быть прикрыт всегда.

Но затем, в период Возрождения, это изменилось.Мыслители эпохи Возрождения считали человеческое тело прекрасной вещью. И, по сути, модель вселенной Бога.

На рисунке Да Винчи 1487 года; «Витрувианский человек», что означало «универсальный человек», он выразил, как человеческое тело с распростертым орлом вписывается в идеальный круг. И он сделал это, вытянув руки в форме идеального квадрата.

Обнаженная статуя Микеланджело «Давид» является ярким примером восхищения эпохи Возрождения человеческим телом. И его вера в то, что человеческое тело является вершиной творения Бога.

Микеланджело изобразил столько обнаженных персонажей в своем «Страшном суде». Он сделал это на стене Сикстинской капеллы. А через некоторое время Ватикану пришлось нанять другого художника, чтобы он нарисовал скромную одежду вокруг своих рисунков, чтобы покрыть многие изображения обнаженной натуры.

5. Секуляризм

секуляризм; последняя характеристика, на которой я остановлюсь, тоже была полезной силой. Это переход преобладающих убеждений и моделей мышления от религиозных тем к более широким темам.А также включение таких практик, как архитектура и скульптура. Художники эпохи Возрождения изображали нерелигиозные темы, в то время как средневековое искусство носило исключительно религиозный характер.

В средние века большинство людей верило, что конец света наступит в 1000 году нашей эры, поэтому они считали, что любой другой предмет искусства неуместен.

Искусство эпохи Возрождения сосредоточено на религиозных предметах и ​​библейских персонажах. Таким образом, тенденция постепенно сместилась в сторону рисования нерелигиозных сцен.

Одним из первых примеров нерелигиозной темы эпохи Возрождения был революционный роман ван Эйка «Брак Арнольфини». Ян ван Эйк применил искусство глубины и отражения, добавив зеркало на заднюю стену. Таким образом, люди, которые смотрели картину, получали свое отражение в картине.

Портрет Арнольфини, картина Яна ван Эйка

В этот период возродился интерес к классической римской культуре. Затем эпоха Возрождения выставила произведения искусства, которые часто изображали сцены из греческой и римской мифологии.

Одним из свидетельств возрождения греческой и римской культуры стало возрождение скульптурных работ.

В классические времена только важные города были заполнены статуями и скульптурами. Но в эпоху Возрождения возрос интерес к археологии, чтобы заново открыть для себя классическую культуру. Микеланджело присутствовал при Лаокооне; вырезанный в I веке, был обнаружен в Риме.

Микеланджело был не только талантливым художником и скульптором.Он также был архитектором купола базилики Святого Петра в Риме. И это церковное здание признано самым большим церковным зданием на земле.

Заключительные мысли

Безусловно, фаза искусства Возрождения оказала бесчисленное множество эффектов и оказала большое влияние на то, как теперь устроен мир.

Художники и скульпторы, появившиеся после этого периода великих инноваций и разработок, следили за новыми тенденциями и даже создавали лучшие дизайны и произведения искусства.Что ж, время шло, инновации продолжались, а знания совершенствовались с каждым поколением.

Учения, знания и инновации предыдущих поколений побуждали новые жаждать новых достижений. Прорывы, которые станут олицетворением их собственного поколения. Это держало каждого человека в тонусе и помогало им открывать для себя больше и вносить свой вклад в тело искусства.

Гении, такие как Леонардо да Винчи и Микеланджело, внесли большой вклад в свои открытия и инновации.

Не остались в стороне и другие области знаний, например, архитектура. Совершенно иной упадок произошел в архитектуре и искусстве.

Этот этап в архитектуре привел к появлению всех прекрасных дизайнов, характерных для прошлых веков. Рассматриваемые как религиозные объекты того времени, картины до сих пор украшают как великие произведения искусства. И это даже породило наши нынешние структуры; потрясающие, которыми мы сегодня гордимся.

Несомненно, принципы искусства эпохи Возрождения внесли огромный вклад в состояние современного мира.Он научил нас принципам и идеалам, которые остались верными и актуальными.

И превзошли поколения, но все еще сильно влияют на наш образ жизни и привычки в сегодняшнем мире.

7 самых известных картин эпохи Возрождения

Почему картина Моналисы так известна?

Искусство Италии эпохи Возрождения (1400–1600) | Учебные материалы по истории искусств

Автоматически найденные изображения:

  • Донателло, Давид, середина пятнадцатого века
  • Брунеллески, Купол Флорентийского собора, 1420–35
  • Брунеллески, Сан-Лоренцо, середина пятнадцатого века
  • Мазаччо, Троица, ок.1425
  • Мазаччо, Деньги дани, ок. 1427
  • Леонардо да Винчи, Мона Лиза, ок. 1505
  • Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, ок. 1495
  • Рафаэль, Афинская школа, ок. 1510
  • Рафаэль, Мадонна на Лугу, ок. 1505
  • Микеланджело, Потолок Сикстинской капеллы и Сотворение Адама, ок. 1510
  • Микеланджело, Давид, 1501–4
  • Тициан, Венера из Урбино, 1538
  • Пармиджанино, Мадонна с длинной шеей , 1534-1540
  • Микеланджело, Страшный суд Сикстинской капеллы , 1537-1541
  • Софонисба Ангиссола, Автопортрет у мольберта , 1556
  • Софонисба Ангиссола, Портрет сестер художника , 1555
  • Аннибале Карраччи, The Beaneater , 1584-1585
  • Аннибале Карраччи, Мистический брак св.Екатерина , 1585-1587

Секция эпохи Возрождения иногда вызывает трудности по нескольким причинам. Часто мы оказываемся немного (или сильно) отстающими к этому моменту в семестре, и нам трудно быстро пройти через раздел эпохи Возрождения, потому что он обычно подробно освещается в традиционных текстах опросов, иногда две-три главы посвящены Это! Кроме того, учащиеся могут узнать эти работы и захотят потратить на них много времени. Имея в виду эти проблемы, нижеследующее предлагает способ эффективно ориентироваться в некоторых из самых известных произведений этого периода.Этот лекционный материал объединяет итальянское искусство пятнадцатого и шестнадцатого веков в одну лекцию с предлагаемыми возможностями расширить материал, если у вас появится больше времени.

Глоссарий :

Ренессанс : означает «возрождение». Ренессанс означает искусство Европы, созданное в период с 1300 по 1600 год.

  • Прото-ренессанс : 1300-е гг.
  • Раннее Возрождение : 1400-е гг.
  • Высокое Возрождение : 1500-е гг.

Другое название:

  • Trecento : «300-е годы» по-итальянски, относится к 1300-м годам.
  • Quattrocento : «400» по-итальянски, относится к 1400-м годам.
  • Cinquecento : «500» на итальянском языке или 1500-е годы.

Affetti- человеческая страсть и чувства, переданные с помощью физических жестов и движений тела.

Непрерывное повествование — метод рассказа нескольких эпизодов истории в одном произведении искусства.

Контрреформация — ответ Римской церкви на протестантскую Реформацию, в которой верования были прояснены, подтверждены и оправданы.

ракурс — иллюзия, создаваемая на плоской поверхности, на которой фигуры и объекты кажутся отступающими или резко выступающими в пространство.

Одноточечная линейная перспектива — метод создания иллюзии трехмерного пространства на двумерной поверхности (создается путем очерчивания линии горизонта и нескольких ортогональных линий, которые удаляются, чтобы встретить точку схода).

Ортогонально — любая линия, возвращающаяся в представленное пространство изображения перпендикулярно плоскости воображаемого изображения.

Маньеризм — примерно 1515-1600, стиль, отмеченный отходом от классицизма Высокого Возрождения.

Протестантская Реформация — движение, которое началось с критики Папы и Церкви и привело к развитию новой ветви христианства.

Несколько основных тем, которые могут направить ваше обсуждение всех основных произведений итальянского Возрождения, включают: возрождение классических стилей и идей (особенно гуманизма), возвращение к натуралистическому стилю (трехмерные объекты и пространство) и повышение статуса личности. (и художник, и меценат).

Донателло Давид служит хорошим введением в эпоху Возрождения, потому что он сигнализирует о растущем интересе к средствам, стилю и предметам классического искусства, но адаптирует этот словарь к христианским темам, поскольку эта религия теперь была доминирующей в Европа. Он также показывает художников, которые развивают фирменные стили и, в случае Донателло, расширяют социальные границы.

Эта скульптура красиво контрастирует с романской и готической рельефной скульптурой, которая обычно украшала порталы больших соборов и среди которых есть ряд хороших примеров, таких как скульптуры косяка Шартрского собора или Страшный суд Гислеберта над дверью Святого Лазаря. Собор в Атуне, Франция.Важным контрастом здесь является тот факт, что раньше масштабная скульптура украшала архитектуру. Таким образом, была меньшая опасность того, что это приведет к поклонению идолам и нарушению третьей заповеди, запрещающей использование идолопоклонников. В раннехристианском или раннесредневековом искусстве редко можно встретить натуралистическую скульптуру в натуральную величину. Только в эпоху Возрождения, когда Европа была твердо христианской и комфортно дистанцировалась от языческих идолов, натуралистическая круглая скульптура вернулась с большим размахом.

Гомоэротический характер этой работы — наиболее очевидным образом демонстрируемый тем, как перо от шлема Голиафа проходит по всей ноге Давида до верхней части задней части бедра — всегда обязательно вызовет оживленную дискуссию в классе. Я считаю, что сейчас подходящий момент, чтобы подчеркнуть (или повторить) то, что общества строят разные представления о гендере, социальных ролях, идеалах красоты и т. Д., И что эти аспекты культуры находятся в постоянном изменении, и мы не можем применять наши современные представления. к нашему анализу других культур.

Донателло намеренно раздвигал социальные границы здесь своей провокационной позой и использованием наготы, то есть сочетанием отсутствия одежды и наличия ботинок и шляпы, чтобы бросить вызов своим зрителям. Тот факт, что он возродил технику бронзы по выплавляемым моделям, также был очень новаторским для того времени и усиливал чувственность его текстуры поверхности. Донателло был способен на эксперимент, потому что он пользовался поддержкой и защитой семьи Медичи, богатой и влиятельной банковской семьи, которая действовала как фактические правители Флоренции и считала себя великими покровителями искусства.

Легенда гласит (то есть легенда Джорджо Вазари), что Брунеллески и Донателло вместе отправились в Рим, и каждый вернулся, вдохновленный искусством классической античности. Очевидно, что Пантеон, о котором шла речь в предыдущей лекции о Древнем Риме, непосредственно вдохновил Брунеллески на создание купола Флорентийского собора ; однако, поскольку у итальянских художников эпохи Возрождения не было того же рецепта для бетона, Брунеллески необходимо было разработать несколько ключевых инновационных архитектурных методов, таких как: двойная оболочка для купола, уникальный способ укладки кирпича, чтобы они поддерживали следующий уровень кирпичи и система колец, скрепляющих купол.(Более подробные описания см. В указанном выше ресурсе National Geographic.)

Сравнивая купол Брунеллески Dome с Шартрским собором или другим готическим собором, студенты могут увидеть разницу между неземной, прозрачной и вертикальной природой готической архитектуры и архитектурой эпохи Возрождения, которая была вдохновлена ​​древнеримским примером и выражает идеи архитектура, которая прочно укоренилась в земном мире, реагируя на гравитацию и потребность в прочной опоре.Другие ссылки на классическую архитектуру включают использование колонн, минимального декора, симметрии и рационализированных пропорций. Эта работа также свидетельствует о растущем статусе художника, потому что Брунеллески должен был выиграть комиссию на конкурсе. Его идеи были его собственными — он держал их в секрете, пока не был награжден победой, — и его победа принесла с собой известность и известность.

  • Если у вас есть дополнительное время: Брунеллески San Lorenzo (или Санто Спирито) может показать более реализованную версию его архитектурного стиля.В отношении купола собора Брунеллески пришлось пойти на определенные уступки. Ему пришлось сделать его слегка заостренным — урок, который он извлек из готической архитектуры, — чтобы он успешно стоял на существовавшем ранее барабане церковного перехода. В Сан-Лоренцо и Санто-Спирито у Брунеллески было больше возможностей использовать закругленные арки и реализовать комплексный план, основанный на классических идеалах, таких как симметрия и гармоничные пропорции. Ясность его архитектурного стиля проявляется в его подходе к материалам.Когда элемент является структурным, Брунеллески имел обыкновение сигнализировать об этом, используя местный серый камень, pietra serena . Кроме того, показав внутренний вид одной из его церквей, вы можете хорошо подготовиться к сравнению архитектуры Брунеллески и вымышленной архитектуры Trinity Мазаччо, обсуждаемой ниже.

Говорят, что Брунеллески, пытаясь узнать секреты купола Пантеона, сделал много точных набросков древнего языческого храма.Считается, что эти попытки точно преобразовать трехмерное здание в двухмерную визуализацию вдохновили Брунеллески на новое открытие одноточечной линейной перспективы. Хотя две демонстрационные панели Брунеллески (подробнее о них см. Здесь) были первыми картинами, демонстрирующими эту технику, эти картины не сохранились, и, следовательно, Мазаччо Trinity заслуживает уважения. Вазари утверждал, что Брунеллески и Мазаччо были друзьями и что первый научил последнего технике перспективы.Свидетельства, свидетельствующие об этом сотрудничестве, можно найти при сравнении архитектуры Брунеллески с фреской Trinity . Живопись Мазаччо явно включает стиль Брунеллески, определяемый его цветовой кодировкой структурных компонентов и использованием классической лексики.

После описания ключевых элементов объекта (Бог, Христос, Святой Дух, Мария и Иоанн и портреты доноров) и инструментов, используемых для создания линейной перспективы (точка схода, ортогонали, линия горизонта), я считаю полезным спросить студенты должны взять лист бумаги и нарисовать базовую перспективную визуализацию класса, пока я моделирую это на доске.Такое упражнение демонстрирует, как можно создать трехмерное пространство, просто заставив ортогонали (линии, перпендикулярные плоскости изображения) сходиться в точке схода.

Чтобы контекстуализировать картину Мазаччо Trinity , спросите студентов, почему посетители захотят такую ​​картину. Это поможет им осознать, что Trinity фактически является настоящим алтарем, изображающим вымышленную часовню, которая позволила человеку занять священное место внутри церкви и подготовиться к своей загробной жизни через художественное покровительство.Если смотреть со стороны нефа церкви, церковь Мазаччо Trinity казалась настоящей часовней. Художник передал нарисованный мир, соответствующий реальному миру зрителя.

Как и в случае со спонсорством Медичи Донателло, покровительство здесь также было важным вопросом. Портреты доноров дают возможность рассказать о подъеме портретной живописи, ее памятном аспекте и о том факте, что доноры надеялись, что позже посетители будут молиться от их имени, чтобы помочь им в загробной жизни.Здесь я показываю нижнюю часть фрески с изображением скелета, который является напоминанием о смертности каждого человека. Через надпись, которую можно рассматривать как нечто похожее на речевой пузырь, скелет провозглашает, что то, чем вы сейчас являетесь (живым), когда-то был, и тем, чем я являюсь сейчас (мертвым), вы однажды станете. Мне нравится проверять понимание учениками линейной перспективы, спрашивая, могут ли они определить ортогонали в этой нижней части фрески. Иногда студенты борются с этим, потому что укороченные края саркофага и капители очень малы и сходятся вверх к одной и той же точке схода, то есть сходятся противоположным образом, чем в верхней части фрески.

  • Если у вас есть дополнительное время: Masaccio Tribute Money позволяет обсудить атмосферную перспективу и важные вопросы, связанные с повествовательным искусством. Многие христианские рассказы, встречающиеся в церквях, хотели «оживить» библейские истории для зрителя. Впоследствии можно наблюдать общую тенденцию обращаться к зрителю через натуралистические декорации и фигуры, разговорные детали и проявления психологического напряжения или драмы. Линейная перспектива предоставила художникам больше пространства и, как следствие, возможность передать более подробные истории.Еще одна художественная традиция, которая способствовала расширению повествовательных возможностей, — это непрерывное повествование, которое можно увидеть здесь. Мазаччо показал три события из одной истории в одном кадре, а не разделил сцены, как это делал Джотто. (Этот же анализ можно применить к первому набору дверей баптистерия Гиберти по сравнению с его вторым набором, если вы хотите вместо этого обсудить эту концепцию.) История была рассказана не по порядку, потому что художник хотел подчеркнуть роль Христа и, следовательно, его сцена показана посередине.Художник не обязательно рассказывал зрителю об этой истории. Скорее всего, зритель это уже знал, и Мазаччо мог воспользоваться художественной лицензией. Важность Христа также подчеркивается тем фактом, что точка схождения перспективной системы падает около его головы. В дополнение к линейной перспективе эта фреска использует атмосферную перспективу, чтобы показать глубину в естественной обстановке, делая объекты более мелкими, более голубоватыми и менее резкими. Художник также использовал освещение, чтобы привлечь зрителя к сюжету и сделать сцену более правдоподобной и интересной.Иллюзионное освещение внутри картины проникает справа и отбрасывает тени, падающие влево. Таким образом, освещение на картине соответствовало бы фактическому освещению в часовне, поскольку изначально на стене справа от картины была вдова.

Леонардо Мона Лиза хорошо сочетается с работами Мазаччо, потому что показывает его подход к атмосферной перспективе, достигнутый с помощью живописных техник сфумато и светотени , а также демонстрируя рост интереса к портретной живописи. покровители.Сравнивая портрет Леонардо с более ранними женскими портретами, легко увидеть, что многие важные аспекты женского портрета и живописи в целом менялись (масляная краска, фронтальный вид, больший интерес к психологии объекта) в сторону гуманизма, натурализма и индивидуализм.

Леонардо Тайная вечеря позволяет продолжить изучение линейной перспективы и натурализма. Здесь художник не только использовал ортогонали, чтобы создать ощущение глубины, но и снова освещение сцены (падающее слева и отбрасывающее тень справа) выровнялось с фактическими окнами в комнате.Это заставило бы зрителей почувствовать, что нарисованная реальность была их собственным продолжением, аспектом работы, который усиливается, если учесть, как люди на самом деле использовали эту комнату. Это пространство функционировало как столовая для монахов, но расположение стульев сильно отличалось от типичного современного кафетерия. За большими столами в центре комнаты не было места. Скорее всего, в монастырях было обычной практикой располагать сиденья в один ряд спиной к стене и столиком перед ними.Такое расположение препятствовало разговорам во время еды и способствовало более медитативному и молитвенному опыту монахов. Сидя таким образом, монахи могли созерцать сцену Тайной вечери перед ними, представляя, как бы они отреагировали, если бы были там. Композиция Леонардо, линейная перспектива и схема освещения помогли бы такой медитации, потому что стол апостолов появился бы как продолжение стола монахов, хотя и на более высоком уровне.

Здесь есть важные моменты, касающиеся техники и художника как новатора.Леонардо чувствовал себя ограниченным из-за быстросохнущей темперной краски, используемой в традиционной технике фрески. В этот момент он заинтересовался использованием качеств масляной краски и попытался включить это средство в свою фреску. Результаты были плачевными, и картина потребовала первой из многих реставраций при жизни Леонардо.

Это произведение также характерно для гуманизма эпохи Возрождения, поскольку исследует психологическое состояние изображенных. Каждый апостол по-разному реагирует на известие о том, что Христос будет предан, передан властям и распят.Леонардо пытался уловить реакцию и личность каждого человека через его внешние действия ( affetti ). Хаосу различных реакций противостоит спокойная, сосредоточенная позиция Христа. Он закрепляет композицию своей пирамидальной позой, и зритель тянется к нему, потому что точка схода направляет человека к нему.

Еще одна характерная черта этой работы для натурализма эпохи Возрождения заключается в том, что художник не изобразил святые фигуры с яркими золотыми дисками, символизирующими ореол.Вместо этого голова Христа обрамлена небом, видимым в пейзаже из окна. Такой подход к ореолу дает поучительное сравнение либо с ореолами Мазаччо в Tribute Money , которые он укорочил почти как шляпы, либо с ореолами Джотто в его Мадонна с младенцем , которые представлены в виде больших золотых дисков, окружающих лики святых. Хотя Джотто интересовался развитием натуралистических фигур и пространства, его изображение ореолов привело к тому, что он перекрыл некоторые лица, эффективно скрывая изображения соседних святых фигур.Леонардо разрешил это противоречие, отказавшись от символических элементов и выбрав более естественную сцену.

Рафаэля Афинская школа — фреска, похожая на фреску Леонардо Тайная вечеря в том, что в ней используется линейная перспектива для создания большого декорации для многофигурной сцены. В отличие от работ Леонардо, Рафаэль изображает ученых, философов, математиков и мыслителей прошлого, а не библейских персонажей. Его также сделали в Риме для Папы Юлия II.Эти аспекты работы характерны для Высокого Возрождения, потому что они сигнализируют о переходе к более гуманистической тематике и указывают на то, что художественный центр переместился в Рим, где Папа был самым востребованным покровителем искусств. Работа на Папу в Ватикане была самым престижным заказом, который мог получить художник в то время, и обеспечивала им международную сцену для своих работ.

Эта художественная программа охватывает четыре стены личной палаты Папы и демонстрирует тот факт, что христианская церковь теперь объединяет знания из многих различных источников (даже языческих и мусульманских мыслителей, таких как Аристотель, Платон и Аверроэс).Такое представление наглядно представлено в том факте, что архитектура пространства, в котором собираются мыслители, была подобна современному виду новой строящейся базилики Святого Петра.

Безусловно, возрождение возрождения возрождения, но не только для того, чтобы отдать дань уважения прошлому. Величайшие художники и мыслители Италии эпохи Возрождения стремились превзойти своих культурных предков. Этот аспект работы виден сквозь призму портретной живописи. Рафаэль основывал фигуру Аристотеля на Леонардо, фигуру Гераклита на Микеланджело (который работал над Сикстинским потолком в нескольких минутах ходьбы, пока Рафаэль писал это), а Рафаэль написал свой автопортрет, смотрящий на зрителя с крайнего правого угла. .

  • Если у вас есть больше времени: обсудите Рафаэля «Мадонна с младенцем» , а затем попросите студентов сравнить их с «Мадонной с младенцем » Джотто , чтобы продемонстрировать ключевые различия между прото-ренессансом и высоким ренессансом.

Сикстинский потолок Микеланджело с деталью Сотворение Адама было нарисовано в капелле Папы в нескольких шагах от Афинской школы Рафаэля примерно в то же время, что снова демонстрирует студентам важность папского патронажа для развитие Высокого Возрождения.Однако, поскольку Микеланджело считал себя в первую очередь скульптором, а во вторую — художником, он не был доволен этим заказом. Он не хотел красить потолок часовни и даже написал стихотворение о том, что эта работа неприятна (подробнее об этом см. Слайды в PowerPoint).

Несмотря на его сопротивление, эта комиссия демонстрирует растущий статус художника не через автопортрет, а через идею художественной свободы. Микеланджело изобразил сцены из библейского повествования о сотворении мира в центре потолка часовни.Изображая Сотворение Адама , Микеланджело значительно изменил библейский сюжет в соответствии со своей художественной и идеологической позицией. Дав Адаму тело, Бог готовится дать ему душу. В библейском повествовании говорится, что Бог вдохнул в ноздри Адама, но Микеланджело изменил это, чтобы отразить Бога, даровавшего душу через свои руки, как это мог бы сделать художник, создающий свои собственные шедевры руками.

Детали Адам и Бог иллюстрируют жесткие контурные линии и четкую лепку Микеланджело, стиль, который является очень скульптурным и также отсылает к его привилегированному взгляду на скульптуру над живописью.Чтобы прочувствовать Микеланджело как скульптора, обратимся к одной из его самых известных работ — «Давид ».

Микеланджело Давид изначально предназначался для верхней части собора Флоренции, поэтому размер рук и выступающая линия волос были преувеличены, чтобы их было видно с улицы. Другой аспект проекта, ограничивавший возможности Микеланджело, заключался в том, что ему был назначен блок мрамора, начатый другим художником.Микеланджело был очень разборчив со своими мраморными блоками, полагая, что дух скульптуры заключен в камне, и его художественная интуиция была необходима для выбора правильной части мрамора из карьера. То, что он все еще мог достичь своей идеальной формы, становится очевидным, если сравнить обнаженную мужскую обнаженную фигуру Адама с Сикстинского потолка и его скульптуру Давида . Эти формы ясно передают ощущение идеализированной героической обнаженной натуры Микеланджело, явно вдохновленной образцами классической античности.

Как и в случае с Сикстинским потолком, Микеланджело получил здесь художественную лицензию. Вместо того, чтобы следить за этой историей так же внимательно, как Донателло со своим David , Микеланджело не представлял Давида как юную и слабую фигуру. Микеланджело дал Давиду сильную, уверенную позу и телосложение, которое могло бросить вызов силе могущественного Голиафа. В то время как Донателло ясно дал понять, что Давид обязан своей победой божественному вмешательству, Микеланджело дал нам скульптуру сильного, героического и даже интеллектуального или стратегического человека (в том смысле, что его выражение предполагает, что он, возможно, планирует свою атаку).Такой взгляд на личность, безусловно, резонировал бы с гуманистическим взглядом художника и идеалом Высокого Возрождения в целом.

Если у вас есть больше времени: картина Тициана Венера из Урбино создает красивый контраст с мужскими фигурами Микеланджело и прекрасно иллюстрирует то, как венецианские художники эпохи Возрождения использовали масляную краску. Это также поднимает вопросы, связанные с полом и эволюцией женского обнаженного тела. Чтобы еще больше проиллюстрировать визуальные качества масляной краски и живописного стиля, вы можете сопоставить работу Тициана с более скульптурным вдохновением Боттичелли «Рождение Венеры».

В начале шестнадцатого века преобладали натурализм и идеализм так называемых старых мастеров (Микеланджело, Рафаэль, Леонардо), но в течение века художники экспериментировали с новыми стилями и предметами. Некоторые считают меняющиеся художественные стили отражением бурного социального ландшафта — периода, отмеченного интенсивными политическими и религиозными волнениями. Например, в 1517 году Мартин Лютер опубликовал свои 95 тезисов, положив начало протестантской Реформации, а затем, десятилетие спустя, войска императора Священной Римской империи Карла V напали на Рим и разграбили его.Однако, несмотря на изменения, вызванные этими событиями, некоторые константы остались. Например, статус художника продолжал подниматься до новых высот, порой даже до такой степени, что бросал вызов влиятельным покровителям, а также художественным нормам.

Пармиджанино « Мадонна с длинной шеей» 1534–1540 годов характерна для стиля маньеризм из-за его явного отклонения от художественных традиций Высокого Возрождения. Маньеризм определяется по-разному, но, возможно, будет полезно представить его, сравнив работы Пармиджанино и произведения Высокого Возрождения, такие как «Мадонна на лугу » Рафаэля.Студенты могут вести дискуссию здесь, указывая на странные аспекты работы: удлиненную шею, пальцы и ноги Богородицы; разная цветовая палитра; необычное ощущение пространства, особенно с точки зрения отношения переднего плана к фону; а также неясное иконографическое значение, такое как большая незакрепленная колонна, маленькие неоднозначные фигуры на среднем плане и странный акцент на высокой одежде ангела и обнаженной ноге в крайнем левом углу изображения.

Маньеризм был определен как противоположность натурализму, своего рода «ненатурализм».Он охватывает искусственное, надуманное, чрезмерно стилизованное и искусство, основанное на других формах искусства, а не на природе. Некоторые искусствоведы интерпретировали этот странный новый стиль как намеренное отклонение от предыдущего поколения. Художникам поколения после Рафаэля нужно было найти новые способы выражения после того, как был достигнут апогей классицизма. Другие объяснения сосредоточены на приеме аудитории. К этому времени меценаты и коллекционеры искусства стали сообразительными ценителями и стремились собрать новые произведения искусства, демонстрирующие их эрудированный вкус, художественные знания и религиозное понимание.Другая теория контекстуализирует художественные изменения в рамках социальных потрясений этого периода, обнаруживая корреляцию между социальными и художественными потрясениями. Обсуждение различных подходов к этому вопросу — хорошая возможность представить различные методологии в области истории искусства.

Попросите учащихся сравнить Микеланджело Страшный суд из Сикстинской капеллы (1537–1541) с фигурами из работы Микеланджело о Сикстинском потолке, что указывает на маньеристские черты более поздних работ этого художника.Искаженные, неустойчивые тела и напряженные, иногда ненормальные, выражения лиц в «Страшном суде » сильно контрастируют с нетронутыми, спокойными, идеализированными позами на потолке. Особенно интересная деталь обнаруживается в фигуре святого Варфоломея, с которого заживо содрали кожу, и поэтому он держит орудия своих пыток: нож и содранную кожу. Говорят, что черты лица на содранной коже являются автопортретом художника, что делает потенциально интересный комментарий к психологии художника.Говорят, что художник также нарисовал на этой сцене других современников, наиболее заметной из которых является фигура Миноса прямо над дверью в правом нижнем углу. Говорят, что это напоминает папского чиновника (Бьяджо да Чезена), критиковавшего чрезмерную наготу на картине Микеланджело. В некотором смысле последнее слово было за Бьяджо. После смерти Микеланджело Папа Пий IV нанял другого художника (Даниэле да Вольтерра), чтобы он покрыл некоторые из наиболее противоречивых отрывков с помощью стратегически размещенных драпировок.

Сразу после того, как Микеланджело закончил свой скандальный Страшный суд, было проведено первое заседание Тридентского совета (1545-1547), чтобы формализовать ответ церкви на критику протестантской Реформации.На этом соборе церковь разъяснила их убеждения относительно различных доктрин и таинств, а также изложила правила приличного религиозного искусства. Из-за усилий церкви Контрреформации искусство, созданное во второй половине века, имело тенденцию быть менее двусмысленным и более простым как визуально, так и иконографически.

Однако нельзя сказать, что ему не хватало инноваций. Работа Софонисбы Ангиссолы Автопортрет у мольберта и Портрет сестер художника, играющих в шахматы , иллюстрирует некоторые из ключевых тенденций и событий, обнаруженных в искусстве конца шестнадцатого века.Обращает на себя внимание четкий акцент на автопортрете. В отличие от автопортрета Рафаэля в ««. «, , Афинская школа, «, Софонисба не включала себя в группу или в более крупный рассказ. Скорее, художник за работой является предметом произведения. Такая картина демонстрирует растущий статус художника как творческого гения, идея, поддержанная и опубликованная в книге Джорджо Вазари « жизней художников » (первое издание опубликовано в 1550 году, второе — в 1568 году). Вазари подчеркивает достижения Софонисбы, отмечая: «Софонисба Кремона, дочь мессера Амилкаро Ангищуолы, трудилась над трудностями дизайна с большим изучением и изяществом, чем любая другая женщина нашего времени, и она не только преуспела в рисовании, раскраске. и копирование с натуры, и изготовление превосходных копий произведений другими руками, но также исполнила в одиночку некоторые очень избранные и прекрасные произведения живописи.”

  • Если у вас будет больше времени: Софонисба Портрет сестер художника, играющих в шахматы показывает растущий интерес к жанровым сценам, категориям, которая станет особенно популярной и ценимой в период барокко. Живость сцены усиливается за счет натуралистических выражений, предполагающих оживленную беседу. Позы также указывают на то, что деятельность группы была прервана на короткое время.

Расширяющийся диапазон приемлемых сюжетов и интерес к моменту реальности также демонстрируется в Аннибале Карраччи The Beaneater более позднего века.В данном случае сцена гораздо более скромная, вероятно, вдохновленная картинами крестьянской жизни в северных традициях. Одним из самых инновационных аспектов этого изделия является его эскизное качество. Аннибале Карраччи нарисовал простую сцену свободной манерой, которая, кажется, передает подлинный, спонтанный момент и соответствует домашнему сюжету. Тот факт, что зритель находится почти за столом с натурщиком, помогает укрепить их связь с работой и стереть границы между нарисованным миром и реальным — еще один новый подход к созданию искусства в то время.Этот стиль является прямым результатом интереса Аннибале к возрождению натуралистического искусства и отказа от стиля маньеризма.