Какие новые темы появились в живописи эпохи возрождения: Какие новые темы появились в живописи эпохи Возрождения? Какие жанры?

Как техники живописи эпохи Ренессанса могут улучшить дизайн вашего интерфейса

Когда вы видите вдохновение, что именно вы ищете? Технику, цветовую палитру или конкретную форму?

Как дизайнер, я каждый день стараюсь выкроить время на поиск вдохновения. И когда я наблюдаю за тем, что меня вдохновляет, я пытаюсь уловить суть концепции или метода, лежащих в его основе, и думаю о том, как применить это в своем дизайне.

Я считаю, что лучший способ идти в будущее – это смотреть в прошлое, и именно так в эпохе раннего итальянского возрождения я обнаружил отличные приемы применимые к стилю моей иллюстрации и разработки пользовательского интерфейса. Это четыре известных техники живописи, которые характеризуют раннее современное итальянское искусство, так называемые «четыре канонические техники рисования эпохи Возрождения». Их называют сфумато (sfumato), унионе (unione), кьяроскуро (chiaroscuro) и кангьянте (cangiante).

Сфумато

Сфумато – это живописная техника, в которой цвета смешиваются вместе.

Это создает изображение, лишенное линий или краев вокруг фигур, создавая мягкий эффект размытия.

Слева: Рождение Венеры (1485) кисти Боттичелли; справа: Мона Лиза (1503) Леонардо да Винчи

Классический пример для понимания этого приема – сравнение двух великих картин Боттичелли и Леонардо да Винчи. Боттичелли не использует сфумато. На изображении присутствуют тонкие контуры, но мы можем ясно видеть черный контур, определяющий подбородок Венеры. Напротив, Леонардо использует сфумато, чтобы создать естественную градацию теней для своей Мона Лизы.

Леонардо был увлеченным наблюдателем природы и хотел воссоздать то, как мы воспринимаем мир. Мы не видим контуров вокруг предметов или людей. Поэтому Леонардо использует технику сфумато, чтобы представить мир так, как его видят наши глаза.

Если говорить о мире цифровых продуктов, то философия, которой мы придерживаемся в отделе дизайна фирмы Chama, заключается в том, что мы не вносим изменений в дизайн, мы улучшаем его. Это означает, что мы не начинаем с нуля, когда хотим создать что-то новое. Мы улучшаем то, что уже существует. Мы начинаем с того, что имеем, и добавляем исследования и знания, чтобы выбрать путь, по которому идти. Именно так я представил концепцию сфумато для улучшения наших иллюстраций и дизайна. Я начал использовать ее на персонаже, который хорошо известен нашим пользователям по имени Chamoso. Он является ключом к общению с потребителями в нашем интерфейсе, и, естественно, мы прежде всего, сосредоточили свое внимание на создании новой версии этого «парня».

Слева: старая версия Chamoso; Справа: новый Chamoso

Обратите внимание, что форма Chamoso одинакова в обеих версиях. Но, как и при сравнении Боттичелли и Да Винчи, я сначала отбросил контуры вокруг объекта. Несмотря на то, что я использовал плоский стиль, я применил оттенки, которые делают форму единой.

Это также относится к элементам интерфейса. Хороший пример – карточка. Очень часто можно увидеть карточку в обычном состоянии с ненужными контурами или тенями. Это не передает никаких сообщений и является дополнительной информацией в области, которая уже содержит много информации.

Используя контрастный фон в качестве элемента разделения карточек, мы опускаем визуальную информацию, чтобы привлечь внимание к актуальной информации.

Мы можем использовать тени и контуры для определения некоторых состояний пользовательского интерфейса.

Унионе

Второй прием называется унионе и очень похож на сфумато. Фактически, это ответ Рафаэля на сфумато Леонардо. Унионе также пытается создать медленную цветовую градацию, но в отличие от сфумато, использует яркие и более насыщенные цвета. Вы можете увидеть это ниже на картине Рафаэля. Как и Леонардо, Рафаэль не использует контуры, но в отличие от Леонардо, Рафаэль использует яркие цвета.

Слева: Мона Лиза (1503) кисти Леонардо да Винчи; справа: Святая Екатерина Александрийская (1508) кисти РафаэляПосмотрите на цвета каждой картины в отдельности и проверьте, насколько цветовая палитра Рафаэля насыщеннее, чем у да Винчи

Я использовал эту концепцию (правда не с такими яркими цветами, как в картинах Рафаэля), чтобы создать более унифицированный дизайн интерфейса, используя немного синей насыщенности в градации цветов.

Из-за этой насыщенности изображения становятся более последовательными, и я также воспользовался возможностью, чтобы использовать цвета бренда во всей композиции.

Чтобы сделать это, я взял оттенки серого, которые составляли мою иллюстрацию, и насыщал их синим.

Правая сторона с синей насыщенностью

Я также создал эффект тумана, используя твердые формы. Это очень сложная деталь, которая сразу дала потрясающий результат, но она проявится еще сильнее, когда вы примените эту концепцию ко всей композиции.

Чтобы объяснить наше композиционное мышление, мне сначала нужно объяснить трехслойную концепцию:

Мне действительно нравится использовать эту концепцию, в которой интерфейс представляет собой трехмерную среду. Она основана на концепции повышения Google Material Design. Кроме того, используя 2D-элементы и плоский стиль, вы должны рассматривать интерфейс, как трехмерную среду, таким образом, вы можете определить 3 слоя, один из которых имеет функцию, полезную для других.

Первый слой – фон, и его основной функцией является выделение следующих слоев, как правило, путем использования цветов и форм, которые контрастируют с элементами второго слоя.

Второй слой – проводник к третьему. Обычно именно контент определяет решение, которое будет принимать пользователь.

И последний, третий слой, определяет взаимодействие и изменение или завершение сценария. Обычно это слой действий или слой, который будет подсвечивать информацию для пользователя, чтобы определить действие, которое он предпримет.

3 слоя – это тема для отдельной статьи, но дело в том, что, если вы внимательно посмотрите на окружающие нас интерфейсы, вы сможете легко определить эту концепцию. Это свидетельствует о высоком качестве информационной архитектуры и иерархии элементов. Но этот простой способ идентифицировать их – это то, что беспокоит меня, потому что, даже если слои связаны, у композиции нет единства.

По этой причине я почти не использовал в композиции чистый черный и белый цвета. Поскольку композиция имеет вариацию синего цвета, абсолютный белый выглядит как ледяной цвет из-за дополнительной иллюзии. Поэтому я использую в своей композиции синий, как основной цвет и его оттенки. Белый, черный и оттенки серого смешиваются с небольшим количеством синего, так что слои в моей композиции соединяются и становятся частью целого.

Кьяроскуро

Это одна из моих любимых техник и та, которая удивила меня больше всего, когда я увидел перед собой картину. Кьяроскуро – это техника, в которой художник создает высокий контраст между светом и тьмой.

Ночной дозор (1642) Рембрандт

Картина с использованием техники кьяроскуро имеет глубокие темные тени и яркие блики рядом друг с другом. Кьяроскуро создает драматический эффект, который иногда выглядит так, как будто на фигуру проецируется прожектор, а также делает фигуру более объемной. Эта техника широко использовалась в эпоху Возрождения и Барокко.

Караваджо станет известен благодаря использованию еще более драматического подхода к кьяроскуро, называемого тенебросо. Это тип кьяроскуро, который создает более интенсивный контраст света и тьмы.

Христос у колонны (1607) Караваджо

Очень впечатляет то, что этот режим обладает способностью направлять наш взгляд на информацию. Темный фон – это элемент, привлекающий внимание и создающий контраст для контента, который поможет вам получить доступ к информации.

«На самом деле этот интенсивный контраст является рассказчиком истории, находящейся за пределами полотна».

Может быть, когда вы увидели первую версию персонажа Chamoso, когда я говорил о технике сфумато, вы подумали, что его тело было чистого цвета для чистоты, а не для заметности. Это потому, что я использовал технику кьяроскуро. Это очень важно, потому что я создал глубокий контраст, и он защищает слой (который я назвал информационным) для более четкой передачи информации.

Слой за слоем

Все еще используя концепцию трех слоев, первый слой является фоном. Он должен быть привлекательным, чтобы удерживать внимание пользователя.

Второй слой создает пространство для четкого отображения информации. В дизайне это называется негативным пространством или пробелом, и в этом случае тело персонажа является пробелом. Оно не только определяет границы объектов, но и создает необходимые связи между ними в соответствии с принципами гештальт психологии и создает эффективную визуальную производительность.

Что касается последнего слоя, я смогу объяснить это лучше, рассказав о последней канонической технике рисования.

Кангьянте

Техника кангьянте характеризуется изменением оттенка или цвета, чтобы изобразить тени и блики. Фрески Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы являются отличным примером этой техники.

Пророк Даниил — Сикстинская капелла (приблизательно1508–1512) кисти Микеланджело

Посмотрите на одежду пророка Даниила. Вы можете видеть, что заштрихованная часть одежды окрашена в зеленый цвет, но выделенная часть – желтая.

Я использовал оттенки синего во всех иллюстрациях в композиции первого слоя (фон) и второго слоя (контент). Но я использовал другой цвет в третьем слое, потому что это информационный слой. Я подготовил поле для работы над этим последним слоем. Это важно, потому что я могу использовать его во многих ситуациях, чтобы информировать и создавать связь с пользователями.

Вот так появились на свет эти ребята, пожалуйста, поприветствуйте отряд Chamoso:

Я также использовал эту концепцию в интерфейсе. В карточках, которые я показывал вам ранее, ETA (расчетное время прибытия) и статус доставки являются основной информацией, которую пользователь должен знать, чтобы принять решение.

Вот несколько примеров финальной иллюстрации и дизайна интерфейса:

Если вы хотите увидеть больше, проверьте наш Dribble

Как видите, канонические техники эпохи Ренессанса включают не процесс творения, а процесс эволюции. Сфумато – это принцип «больше значит меньше». Унионе касается последовательности и согласованности. Кьяроскуро – негативного пространства. А кангьянте касается эффективного использовании противоположных цветов. Настойчивый поиск этих приёмов в процессе проектирования – это то, что заставит ваш дизайн вызвать у ваших пользователей эмоции.

Так же, как Дитер Рамс был вдохновителем для Джони Айва, великие живописцы прошлого могут вдохновить ваш дизайн. Секрет в том, что, когда вы смотрите на источник вдохновения, придерживаетесь не просто техники, а чистой концепции, лежащей в его основе.

Спасибо за прочтение

Искусство и техника эпохи Возрождения

Содержание:

Введение

Десятилетиями ученые изучали интеллектуальную и материальную культуру Ренессанса, считавшегося лучшим периодом в истории человечества. Многие современные инженеры, архитекторы, биологи, физики, астрономы еще долгое время будут извлекать пользу из идей, которые были изобретены в этот безумный период Ренессанса. Сколько гениальных изобретений было сделано в области техники, сколько ренессансных фигур на сотни лет опередили свое время (Леонардо да Винчи делал эскизы парашютов и самолетов), что послужило толчком для развития нашей культуры.

Ренессанс (Renaissance) — период культурного и идеологического развития Западной и Центральной Европы (в Италии 14-16 вв., в других странах — конец 15 — начало 17 вв.), переход от средневековой культуры к культуре новой эпохи.

Ренессанс — это, прежде всего, революция в системе ценностей, в оценке всех вещей и в отношении к ним. Существует убеждение, что человек — это высшая ценность. Такой взгляд на человека определил важнейшую особенность культуры Ренессанса — развитие индивидуализма в сфере мировоззрения и всестороннее проявление индивидуальности в общественной жизни. Одной из характерных черт духовной атмосферы этого периода было заметное возрождение светского настроения. Светский характер присущ такому светящемуся феномену культуры Ренессанса, как гуманизм. В самом широком смысле, гуманизм — это такой образ мышления, который отстаивает благополучие человека как основную цель социального и культурного развития и ценность человека как личности. Вот как этот термин понимается сегодня.

Однако гуманизм возник в эпоху Возрождения как целостная система идей и как широкое общественное движение. Древнее культурное наследие сыграло большую роль в формировании менталитета Ренессанса. В результате возросшего интереса к классической культуре, люди стали обращаться к древним текстам, использовали языческие модели для воплощения христианских образов, собирали камеи, скульптуры и другие древности, возродили римскую традицию портретных бюстов. Возрождение древности, по сути, дало свое название целой эпохе (на самом деле Ренессанс и переводится как возрождение). Особое место в интеллектуальной культуре того времени занимает философия, и она имеет все те черты, которые были упомянуты выше.

Важнейшей особенностью философии Ренессанса является антишоластическая направленность взглядов и произведений мыслителей того времени. Человек — не только важнейший объект философского осмысления, но и центральное звено всей цепи космического бытия. Призыв к человеку и его земному существованию ознаменовал начало новой эпохи, которая зародилась в Италии и на рубеже XV-XVI веков стала общеевропейским феноменом.

Ренессанс — одна из величайших эпох, поворотный момент в развитии мирового искусства между средневековьем и современностью. Этот период в культурном развитии получил свое название — Ренессанс (или возрождение) — в связи с возрождением интереса к древнему искусству. Однако художники этого периода не только копировали старинные образцы, но и вкладывали в их качественно новое содержание. Ренессанс не следует рассматривать как один художественный стиль или направление, потому что в эту эпоху существовали различные художественные стили, направления, течения. Эстетический идеал

Ренессанс формировался на основе нового прогрессивного мировоззрения — гуманизма. Реальный мир и человек были объявлены высшей ценностью: человек является мерилом всего. Особенно возросла роль творческой личности.
Гуманистический пафос эпохи лучше всего воплощался в искусстве, которое, как и в предыдущие века, стремилось передать образ Вселенной. Новым была попытка соединить материальное и духовное в единое целое. Трудно было найти человека, который был бы равнодушен к искусству, но отдавал бы предпочтение изобразительному искусству и архитектуре.

Ренессанс в Италии состоял из нескольких этапов: Ранний Ренессанс, Высокий Ренессанс, Поздний Ренессанс. Флоренция была домом Ренессанса. Основы нового искусства разработали художник Масаччо, скульптор Донателло и архитектор Брунеллески.

Итальянская живопись в XV веке была в основном монументальной (фрески). Живопись занимает ведущее место среди видов изобразительного искусства. Это соответствует ренессансному принципу «подражания природе». Новая живописная система формируется на основе изучения природы. В развитие понимания тома, его передача света и тени внесла достойный вклад художник Мазаччо. Открытие и научное обоснование законов линейной и воздушной перспективы оказали существенное влияние на судьбу европейской живописи. Появился новый пластический язык скульптуры, его основателем стал Донателло. Он оживил отдельно стоящую круглую статую. Его лучшая работа — скульптура Давида (Флоренция).

В архитектуре возрождаются принципы древней системы порядка, возрастает значение пропорций, создаются новые типы зданий (городской дворец, загородная вилла и т.д.), разрабатывается архитектурная теория и концепция идеального города. Архитектор Брунеллески строил здания, в которых он сочетал древнее архитектурное понимание и традиции поздней готики, добиваясь новой духовности архитектуры, неизвестной древним. В эпоху Высокого Возрождения новое мировоззрение лучше всего воплотилось в творчестве художников, по праву называемых гениями: Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Джорджоне и Тициана. Последние две трети XVI века называются поздним Ренессансом. В это время кризис в искусстве. Она становится регламентированной, вежливой, теряет теплоту и естественность. Тем не менее, некоторые великие художники — Тициан, Тинторетто — продолжают создавать шедевры в этот период.

Итальянский Ренессанс оказал большое влияние на искусство во Франции, Испании, Германии, Англии и России.

Подъем в развитии искусства Нидерландов, Франции и Германии (XV-XVI вв.) называется Северным Возрождением. Творчество художников Яна ван Айка, П. Брейгеля Старшего является пиком этого периода развития искусства. В Германии величайшим художником немецкого Возрождения был А. Дюрер.

В эпоху Возрождения было сделано много открытий в области географии, астрономии (Коперником была разработана гелиоцентрическая система мира), анатомии. Идеи Ренессанса способствовали разрушению феодальных и религиозных идей и во многом объективно отвечали потребностям зарождающегося буржуазного общества.

Общие характеристики Ренессанса

Периодическая периодизация

Итальянский Ренессанс разделен на 5 этапов:

1. прото-ренессанс (2-я половина 13 века — начало 15 века).
2. ранний ренессанс (15 век)
3. высокий ренессанс (первые 20 лет 16 века).
4. поздний ренессанс (30-90-е гг. XVI в.).
5. северный ренессанс

Прото-Ренессанс тесно связан со средневековьем.

С романскими, готическими традициями этот период был подготовкой к Ренессансу. Этот период делится на 2 подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337). Самые важные открытия, самые яркие мастера жили и работали в 1-м периоде. Второй период связан с эпидемией чумы, поразившей Италию. Все открытия были сделаны на интуитивном уровне.

Ранний Ренессанс (1420-1500) (В эти восемьдесят лет искусство еще не полностью отказалось от традиций недавнего прошлого, но пытается добавить к ним элементы, заимствованные из классической античности).

Высокий Ренессанс (1500-1580 гг.) (Античность изучается более тщательно и воспроизводится с большей строгостью и последовательностью).

Поздний Ренессанс (ок. 1530-1590 гг.) (Этот термин обычно применяется к венецианскому Ренессансу. Повторно используя как готические, так и восточные традиции, Венеция выработала свой особый стиль, характеризующийся красочной, романтической живописью).
Северный Ренессанс (Нидерланды, Германия, Франция) (ок. 1500-1540/80 гг.) (Северный Ренессанс тесно связан с итальянским Ренессансом, но имеет некоторые поразительные различия). 

Существует мнение, хотя и не единодушное, что Ренессанс зародился во Флоренции в 14 веке. Было выдвинуто много теорий о его происхождении и характеристиках, основанных на ряде факторов, включая социальную и гражданскую жизнь во Флоренции того времени, а также принимая во внимание политическую организацию города и роль наиболее влиятельной семьи Медичи.

Характеристики страны

Италия. Расположен в центре Средиземноморского бассейна. Сухопутная граница с Францией, Швейцарией и Австрией.

Германия. — Центр Европы на пересечении трансъевропейских магистралей в широтном и меридиональном направлениях.

Франция. — Географическое положение Франции очень благоприятное. Он расположен в зоне умеренного климата. Это «перекресток» торговых путей в Европе.

Нидерланды. — Территории вдоль Нижнего Рейна, побережья Северного моря, а также вдоль рек Шельда и Мёз. Это районы современной Бельгии, Нидерландов, Люксембурга и небольшой части северо-восточной Франции.

Социально-экономическое положение

Италия. Форма правления — абсолютная монархия. Процветание городов-государств основано на торговых и финансовых операциях. Италия была оживленным перекрестком торговых путей на Ближний Восток. В результате итальянские купцы и финансисты стали пионерами в области банковского дела и бухгалтерского учета, города стали богатыми, а искусство и наука получили щедрую поддержку меценатов. Итальянские города сохранили свою независимость благодаря многовековой борьбе за власть между папами и императорами, которые вмешивались в расширяющиеся сферы влияния друг друга. Великие города распространили свою власть на соседние территории, что сопровождалось слиянием сухопутной аристократии с новым городским классом купцов и банкиров. К началу пятнадцатого века на территории Италии образовалось пять крупных государств.

Республиканская Флоренция, которая с 1434 года была наиболее динамично развивающейся из всех итальянских государств. Папа был не только духовным главой западного христианства, но и мирским правителем центральной Италии. Конфликты в городах-государствах были частыми, и даже такие титаны, как Медичи, иногда были свергнуты вершинами власти. Искусство дипломатии начало развиваться как баланс сил, формируя альянсы и коалиции, помогающие обуздать желания иностранных агрессоров. 

Германия. Германия в пятнадцатом веке была типичной средневековой страной, разделенной на множество карликовых княжеств (курфюрстов). Идеи Реформации мистически формировали развитие светских, жизнеутверждающих тенденций искусства Ренессанса в Германии. Хаотизм и разобщенность препятствуют экономическому развитию, хотя немецкие города продолжают играть значительную роль в международной торговле. Ситуация в Германии была такова, что все сословия: как крестьяне, так и бюргеры и даже рыцари — ненавидевшие деспотизм князей, «царские чиновники», были в оппозиции. Это тотальное противостояние проявилось в мятежных событиях начала XVI века, в Реформации и Крестьянской войне, где интересы различных сословий так сложно и драматично объединились, переплелись и сразу же обнаружили свою несовместимость.  

Франция. К концу XVII века Франция стала одним из самых могущественных государств Западной Европы с сильной королевской властью, развитой экономикой и быстро развивающейся культурой. Столетняя война с Англией (1337-1453) закончилась победой. Во Франции результаты XV и XVI веков противоположны результатам Германии: реформаторское движение здесь провалилось, Франция осталась католической, но централизация государства была достигнута раньше и более полно, чем в других странах. По сути, Франция в начале XVI века была абсолютной монархией. Королевская власть также была довольно сильной в пятнадцатом веке. 

Нидерланды. Формирование новой социально-экономической структуры, разрушение религиозной догмы средневековья и появление нового светского мировоззрения. Новая социальная структура, вытекающая из богатых, экономически развитых городов, все еще формировалась в рамках феодального Бургундского государства, что повлияло на общий характер голландской культуры. Голландские города, хотя и не были политически независимыми, долгое время были богатыми и укрепленными, вели обширную торговлю, а затем развивали свои мануфактуры по производству текстиля, ковров и стекла. Важным центром международной торговли был старый Брюгге, поэтический город каналов; к концу пятнадцатого века он отступил и уступил первенство энергичному Антверпену 

Прогресс в прото-науке

Модель мировоззрения — схоластическая.

Схоластика (от греческого — схоластика — ученого) — тип философии религии, характеризующийся сочетанием теологических и догматических предпосылок с рационалистической методологией и интересом к формально-логическим проблемам.

Ренессанс был веком великих открытий. Она была полна ярких надежд и горьких разочарований. С открытием Тихого океана стало ясно, что размеры Земли намного больше, чем ожидалось; как оказалось, даже Колумб грубо ошибся в размерах нашей планеты. Картина мира внезапно расширилась, география и космология вошли в общественное сознание того времени. Картография и география сильно развивались в 15 веке, исправляя ошибки Птолемея на основе средневековых и современных данных.

Италия особенно сильно пострадала от чумы, и считается, что близость смерти заставила мыслителей того времени больше думать о мирском, а не о духовном и загробном.

Развитие науки в эпоху Возрождения

Развитие науки в эпоху Возрождения оказало большое влияние на представления людей о мире и месте человека в нем. Развитие естественных наук постепенно привело к мысли о возможности научного, рационального познания мира вместо религиозного знания, за которым последовало средневековое христианство. Развитие этих идей впоследствии позволило Фрэнсису Бэкону и Рене Декарту сформировать основные принципы современной науки.

В 1490 М. Бехейм создает первый глобус. Колумб, который верил, что он достиг берегов Центральной Америки в Индии. В 1498 году португальский «Васко да Гама» достиг Индии, обогнув Африку. Идея достижения Индии и Китая западным маршрутом была реализована испанской экспедицией Магеллан — Эль-Кано (1519-1522 гг.), которая совершила кругосветное путешествие по Южной Америке и совершила первое кругосветное плавание (на практике была доказана сферическая форма Земли!). Витрувианский человек Леонардо да Винчи наглядно демонстрирует влияние древних писателей на мышление художников Ренессанса. Да Винчи пытался изобразить идеально пропорционального человека. Мюллер создал новые, более совершенные астрономические таблицы (заменив собой таблицы Альфонсо в 13 веке) — «Эфемериды» (опубликованы в 1492 году), которыми пользовались Колумб, Васко да Гама и другие мореплаватели во время своих путешествий. 16 век.

Итальянцы Н. Тарталья и Дж. Кардано открыли новые способы решения уравнений третьей и четвертой степени. Достижения в области астрономии, географии, картографии стали необходимыми предпосылками для великих географических открытий, которые привели к фундаментальным изменениям в мировой торговле, колониальной экспансии и революции цен в Европе. Достижения науки эпохи Возрождения стали предпосылкой появления классической науки в современную эпоху. 

Технология

В XIV и XVI веках развитие технологии достигло такого уровня, что даже достаточно сложные технические изобретения перестали быть любопытством.

Ручные прядильные машины, приводимые в движение рабочим колесом, уже использовались везде; различные виды водяных колес служили источником энергии для многочисленных мельниц: Мукомольные фабрики, тканевые фабрики, пильные фабрики, чугунные фабрики. Другие знаменитые молотки с водяным приводом, весом до тонны, и часы, часто являются гордостью и особенностью городских центров. В эпоху Возрождения количество машин увеличивается. Они строят краны, военные, горнодобывающие и различные технологические устройства, водоподъемные устройства и другие машины, которые поражают современников изобретательными механизмами и мощью.

Создатели машин сочетали свою деятельность с формами природы — растениями, животными и насекомыми. Известный архитектор и теоретик искусства Леон Баттиста Альберти (1404-1472) говорил, что машины должны имитировать движения человеческих мышц и сухожилий. 

Особенности материальной культуры эпохи Возрождения

Условия развития материальной культуры

Новым эталоном в истории мировой культуры стала художественная культура Ренессанса, в основе которой лежит принцип гуманизма — утверждение достоинства и красоты настоящего человека, ума и воли, творческих сил. Теперь этот термин относится к светской власти, образованию и науке, а не к теологии. В новых исторических условиях гуманизм продолжает традицию древнего гуманизма, но коренным образом отличается от него. Явную преемственность с древностью подчеркивали сами итальянские гуманисты — отсюда и термин «ренессанс» (французский ренессанс, итальянский ренессанс), означающий возрождение древней культуры.

Есть случаи, когда ограненные природные кристаллы использовались для улучшения зрения еще в древности (например, император Нерон использовал гигантский изумруд). Использование стеклянных линз в Европе известно наверняка с XIII века, видимо, впервые в Италии. Очки также подробно описаны Роджером Бэконом.

Доменная печь. В середине 14 века в Европе начали строить доменные печи — шахтные печи для плавки металлов. Увеличение высоты этих печей и интенсивная подача в них воздуха способствовали повышению температуры и значительному развитию процессов восстановления металла от руды и карбюрации металла. Вместо теплой массы чугуна в доменных печах средневековые металлурги производили богатое углеродом расплавленное железо с примесями кремния и марганца-железа.

Фабрикации. В городах северной Италии возникли производства, основанные на разделении труда и кустарных техниках. Условия для их появления были созданы растущим благосостоянием горожан и крестьян, что повысило спрос на ремесленные изделия. Спрос стимулировал специализацию ремесленников и рост их числа, появление мастерских с наемными работниками. Первоначально мануфактура существовала в рассредоточенном виде — предприниматель покупал и продавал продукцию независимых ремесленников, снабжая их сырьем и производственными инструментами.
Изобретение печати. В 1440-х годах Иоганнес Гутенберг выпустил в Страсбурге первые опытные образцы, из которых сохранились лишь фрагменты.

В 1420 г. внук легендарного завоевателя Тамерлана, известного в Европе как Тимур, великий средневековый ученый, узбекский астроном и математик Мухаммед Тарагай Улугбек (1394-1449 гг.), назначенный отцом правителем Самарканда в 1409 г. В 1420 г. недалеко от города была построена грандиозная астрономическая обсерватория, трехэтажное круглое здание высотой более 30 метров, оснащенное лучшими астрономическими инструментами того времени. Результатом наблюдений и измерений, проведенных им в этой обсерватории, стали координатные таблицы 1018 звезд, которые использовались астрономами во всех странах на протяжении двух с половиной веков. Конец жизни ученого был трагическим: он был изгнан из-под власти и убит. Его чудо-обсерватория была позже уничтожена фанатиками.

Очень интересен тот факт, что телескоп был создан человеком, который мало что знал о науке вообще. Самый первый телескоп был изобретен в Нидерландах в начале 17 века. И она была изобретена самостоятельно несколькими людьми. И все они были простыми рабочими в мастерских. Первым из них был изготовитель очков на заказ, мастер из Миддельбурга Джон Лепперджи, который в 1608 году продемонстрировал созданную им трубу генералу штатов. «Сначала я сделал металлическую трубку, — писал он, — к концам которой прикрепил две увеличительные линзы, обе плоские с одной стороны, а с другой стороны одна выпуклая сферическая, а другая вогнутая. Таким образом, глядя со стороны вогнутого стекла, я увидел объекты достаточно большие и близкие».

В начале 16 века появились первые нарезные ружья — с нарезкой в стволовом канале. Нарезка придала пуле крутящий момент, что обеспечило большую дальность и точность стрельбы. Однако сложность заряжания нарезного оружия привела к крайне низкой скорости стрельбы. Лишь в 19 веке, после производства затворов, винтовка получила широкое распространение в армии.

Первые пистолеты появились в Европе и Азии в начале XVI в. Это были укороченные дробовики со спичечными замками (при нажатии на спусковой крючок на порох в камере при нажатии на спусковой крючок на него падал медленно горящий предохранитель). Первые пистолеты использовались в основном в кавалерии. 

Леонардо да Винчи

Леонардо да Винчи был итальянским живописцем, скульптором, архитектором, ученым и инженером, чья многогранность и талант сделали его образцом «человека эпохи Возрождения».

Он вел дневник с множеством рисунков и эскизов машин и устройств, которые изобрел. Одно из самых известных изобретений Леонардо — деревянный «автомобиль», питающийся от накопленной энергии двух плоских пружин. Сегодня считается, что устройство было разработано для театральных постановок. Например, торжественно прогонять героя или символ природы на сцену — все без веревок и без помощи сценических рукавов. Это должно было произвести сильное впечатление на публику. При «расшифровке» изображений, которые не всегда были понятны снаружи, авторам реконструкции удалось найти удивительные детали. Например, был открыт тормоз, изобретенный Леонардо — специалисты в области автомобилестроения считают, что изобретение тормоза было почти более важным для автомобильного движения, чем изобретение двигателя внутреннего сгорания.

Для создания «самолетов» мастер начал изучать анатомию стрекозы и ее поведение в воздухе, затем изобрел машущее крыло — по сути, стенд для изучения «отталкивания» воздуха. Он был разработан для проверки мышечной способности человека поднимать в воздух пилотируемый мухоловик, общий вес которого должен был составить 90 кг, и контролировать его полет. В архиве Леонардо есть еще одна летающая машина — «воздушный винт», который ввинчивается в воздух и поднимает устройство.

Леонардо также изобрел «танк Леонардо». Это устройство в виде круглой палатки, изготовленной из прочного материала, может передвигаться по ровному грунту с помощью «танкеров» внутри. Леонардо расставил пушки по периметру подразделения и выстрелил во все стороны. Но эта машина не была реализована, как многие изобретения Леонардо. 

Способ производства предметов материальной культуры

Способ производства был мануфактурой. Производство многих объектов материальной культуры было связано с техническими открытиями в производстве стекла, керамики, где было внедрено глиняное остекление, и инновациями в текстильной промышленности. Объекты материальной культуры служили людям, для утверждения человеческого статуса. Предметы были богато украшены, они были произведением искусства. Доминировала концепция имитации искусства древности.

Стремительное развитие ремесел, возникновение и укрепление городов, укрепление гуманизма придали импульс развитию культуры Ренессанса. В эпоху Возрождения считалось, что пришло время пересмотреть все каноны прошлого, избавиться от оболочки и оставить только лучшее.
Признана роль и значение художника, чего не было до Ренессанса.

Экономически свободные люди нуждались в новом мировоззрении, чтобы оправдать и обосновать свою деятельность, в отличие от конструкций томистов и поздних номиналистов, оторванных от практики жизни, или аскетических трактатов католического духовенства, монахов и отцов ранних церквей. Нужна была другая, более активная и целеустремленная философия, которая вскоре появилась. 

Основные черты стиля Ренессанса, художественный облик объектов материальной культуры

Италия. Искусство еще не является полным отходом от традиций недавнего прошлого, но старается смешивать в себе элементы, заимствованные из классической старины. Лишь позже художники полностью отказываются от средневековых основ и смело используют модели древнего искусства, как в общей концепции своих работ, так и в деталях. После этого центр тяжести итальянского искусства переместился из Флоренции в Рим, благодаря восшествию на папский престол Юлия II. Античность стала более тщательно изучаться, передаваться с большей строгостью и последовательностью; на смену хладнокровию и достоинству пришла игривая красота, которая была предметом предыдущего периода; все воспоминания о средневековье полностью исчезли, и на все произведения искусства наклеена печать с глубоким классическим оттиском. В Венеции позднего Ренессанса, переработав как готические, так и восточные традиции, выработал свой особый стиль, характеризующийся красочной, романтической живописью. В эпоху Возрождения главный орнамент — гротеск. Декор насыщен, проявляется во всем — от архитектурных форм до предметов домашнего обихода. У венецианцев проблема цвета стоит на переднем плане, материальность изображения достигается за счет градации цвета. 

Германия. Искусство эпохи Возрождения в Германии было тесно связано с национальной поздней готической традицией и несет на себе печать классовой борьбы. На него сильно повлияли идеи Реформации и Крестьянской войны 1524-26 годов, которые придали ему в значительной степени социальную, а часто и классовую направленность. Особенность немецкого Ренессанса проявляется в живописи и гравюре А. Дюрера, М. Нитхардта, в острой публичности станковой и книжной графики, скульптуры Т. Рименшнайдера, Ф. Штосса, А. Крафта и др.

Франция. Возрождению во Франции способствовало знакомство с древним наследием (особенно на юге страны) и культурная коммуникация с Италией и Нидерландами. Изысканная поэзия и мягкий лиризм, стремление к иллюзорному изображению пространства, острота наблюдения за жизнью характерны для французского искусства 15 века. Со второй половины 15 века во французской архитектуре появился изысканный стиль Ренессанса, который находит свое выражение в королевских и аристократических замках, а также в городских дворцах. В 16 веке французское искусство эпохи Возрождения достигло своего апогея. Повышенный интерес к человеческой личности проявился в карандашных и живописных портретах. В скульптуре гуманистический идеал Ренессанса нашел свое выражение в классически совершенных картинах Ж. Гужона.

Нидерланды. В XVI веке классические формы Ренессанса проникли из Италии и Франции в архитектуру Нидерландов. Светские здания этого периода сочетали в себе традиционную готическую структуру со многими деталями эпохи Возрождения, что придавало зданиям элегантный живописный характер. Ведущие мастера живописи сочетали национальные традиции с некоторыми техниками итальянской живописи эпохи Возрождения и конкретными наблюдениями за жизнью. В то же время распространилась эклектическая тенденция романизма, которая поверхностно использовала ряд достижений итальянского искусства эпохи Возрождения, в том числе перспективу, передачу обнаженного человеческого тела и др. Скульптура сочетала в себе черты Ренессанса и маньеризма и использовала сложную полихромию.

Заключение

Причиной такого бурного развития ремесел, научно-технических открытий, архитектуры и живописи стало государственное ответвление церкви. И во многих странах Ренессанса Церковь была наблюдателем и принимала и даже наслаждалась новыми открытиями, экспериментами. Как церковь, так и простые люди могли заказать у художников фрески для украшения соборов.

Уже никого не смущало присутствие простых людей на храмовых фресках — это служило скорее своеобразным воспитанием и напоминанием о грехах, но изысканной формой. Единственное, что никогда не принималось, это медицинские исследования и борьба с ними всеми возможными способами.

Возможно, в медицине было бы больше открытий. С каждым изобретением открытие начинает играть значительную роль в эпоху Возрождения. Пример: В Италии процветание городов-государств основывалось на торговых и финансовых операциях. Италия была оживленным перекрестком торговых путей на Ближний Восток. В результате итальянские купцы и финансисты стали пионерами в области банковского дела и бухгалтерского учета, города стали богатыми, а искусство и наука получили щедрую поддержку меценатов. То есть высшие классы также начали заниматься искусством и наукой и не жалели средств. Большую роль в столь стремительном развитии науки и техники, в поисках идеальной человеческой красоты внутреннего и внешнего облика, конечно же, сыграло светское бытие, гуманистическое мировоззрение. Церковь не играла важной роли.

Возникла вера в безграничные возможности человека, его волю и разум, отвергнувшие католический схоластизм и аскетизм. Пафос утверждения идеала гармоничного, эмансипированного творческого человека, красоты и гармонии реальности, обращается к человеку как к высшему началу бытия.

Поставив религию на задний план, культура стала превращаться в эксперимент, в поиск идеала, особенно в искусстве живописи. Философия и наука вышли на первый план. Прогресс в естественных науках постепенно привел к мысли о возможности научного, рационального познания мира вместо религиозного знания, за которым последовало христианство средневековья.

Великий разрыв с религией служил великому и стремительному развитию технологий, науки, философии, медицины (эксперименты на теле были запрещены и долгое время преследовались Церковью). Если мы снова посмотрим на религию, то в храмах мы находим чаще фрески, чем иконы. Во фресках соприкасаются с божественным (картина Микеланджело о своде Сикстинской капеллы в Ватикане), кажется, что Бог близок к нам. Художники последовательно осваивали художественное отражение богатства реальности — передачу объема, пространства, света, образа человеческой фигуры и реального окружения — интерьера, пейзажа. Ведущая роль в архитектуре светских зданий — общественных зданий, дворцов, таунхаусов, архитекторы придавали их зданиям величественную ясность и пропорциональность человеку.

Производство многих объектов материальной культуры было связано с техническими открытиями в стеклоделении, керамике, где была внедрена глиняная глазурь, и инновациями в текстильной промышленности. Объекты материальной культуры служили людям для утверждения статуса человека.

Мода на Ренессанс тоже была не последней, многие орнаменты, особенно их внешний вид, мы переняли у итальянцев, в принципе, она популярна и в современном мире. Мы также используем астрономические знания эпохи Возрождения (телескоп). В этот период были также взяты названия и методы многих видов оружия. Мы можем дать только версии того, что бы произошло, если бы Церковь не повлияла на дальнейшее развитие не только искусства, но и технологии, медицина реализовала многие свои идеи, мы могли бы жить далеко за пределами нашего времени, и мы могли бы погубить себя. Сегодня мы можем только удивляться тому, как быстро люди опережали свое время с идеями, которые были реализованы только в эпохи, более близкие к нашим.

Список литературы

1. Ковешникова Н.А. «Дизайн: история и теория» / Н.А. Ковешникова. — М.: Омега-Л, 2002. — 206 с.
2. Макаревич, В.М. «Всемирная история: энциклопедический словарь» / В.М. Макаревич. — М.: Великая русская энциклопедия, 1998. — 479 с.
3. Фокина Л.В. История декоративного искусства : справочник / Л.В. Фокина. — Ростов-на-Дону: Феникс, 2008. — 239 с.

Эпоха титанов. Искусство высокого Возрождения.(история 7 класс)

Конспект урока по истории в 7 классе.

Тема: Эпоха титанов. Искусство высокого Возрождения.
Цель урока:

Задачи урока:

Образовательная: познакомить учащихся с представителями Позднего Возрождения. Выявить какие новые темы появились в живописи Эпохи Возрождения, какие жанры, почему портрет стал популярен.
Развивающая: развивать навыки сопоставления и анализа у учащихся на примере представителей Позднего Возрождения. Давать описание памятников культуры на основе текста и иллюстраций.
Воспитательная: введя учащихся в атмосферу эпохи Ренессанса воспитывать чувство прекрасного.

на примере творчества мастеров Возрождения показать неисчерпаемость человеческих возможностей.

Тип: комбинированный.

Оборудование: учебник, компьютер, мультимедийный проектор.

Ход урока.

Структура

Деятельность учителя

Деятельность учащихся

I. Организационный момент.

Приветствие. Проверка готовности к уроку.

Приветствие.

II. Повторение изученного материала.

Давайте вспомним, какую тему изучили на прошлом уроке?

Закройте учебники и ответьте на вопросы:

Что такое гуманизм?

Кого из представителей гуманизма вы можете назвать?

А теперь поиграем в игру «Крестики нолики». (Даны суждения, крестик-верно, нолик- не верно)

Вам известно, что Т.Мор озаглавил свое произведение «Золотая книжечка, сколь полезная, столь и приятная….об острове именуемом Утопией. Как вы думаете почему его книга названа золотой? В чем ее ценность?

Гуманизм за Альпами.

Гуманизм – идейное течение, возникшее на рубеже XIV-XV в., где человек является высшей ценностью.

Эразм Роттердамский, Франческо Петрарка, Данте Алигьери

Пояснения-2)Эразм утверждал, что суть веры заключается не в мелочном соблюдении обрядов, а в истинном следовании духу учения и моральным заповедям Христа.

3)Самым популярным произведением была «Похвала глупости»

4)В утопии описан мир гармонично развитых людей

Он описал прекрасный остров, где все было идеально, там не было частной собственности и угнетения. А остальное время отдавали наукам, искусству, спорту. Золото также ценно и идеально, как и книга.

III. Изучение нового материала.

(1)Любите живопись, поэты! 
Лишь ей, единственной, дано 
Души изменчивой приметы 
Переносить на полотно.  Н. Заболоцкий

Эпоха Возрождения, которую мы продолжаем изучать, в более широком понимании означает новый образ жизни и новое мировоззрение. В этот период начинается процесс отделения художественных ценностей от религиозно-этических, и устанавливается новое отношение к искусству. Рождается представление о человеке как «земном боге» являющимся истинным творцом собственной сущности и всего что создают его руки и интеллект. 

(2) Напишите в тетради план сегодняшней работы.

В тетради зарисуйте таблицу, во время урока вы должны ее заполнить.

Живопись в одно мгновение должна вложить в сознание зрителей всё своё содержание, так говорил 
Леонардо да Винчи.(3)

Выступление ученика(цы) с сообщением о Леонардо да Винчи.(3-11)

(11)Мудрец, сумевший глубже других исследовать тайны человеческой души, познать законы мира и выразить их возвышенным языком чувств

Следующий представитель этой эпохи- Буонарроти Микеланджело. (12)

(12-23)

Показ видеофильма о Рафаэля Сантини.

После просмотра ответить на вопросы:

В каком формате большинство произведений Рафаэля?

Излюбленный образ Сантини?

Просмотр видеофрагмента про Тициана и ответы на вопросы.

Просмотр видеофрагмента про Альбрехта Дюрера и ответы на вопросы.

1. Богоравный Леонардо.
2. Неистовый Микеланджело.
3. Совершенный Рафаэль.
4. Тициан. 

5. Искусство Северного Возрождения. Альбрехт Дюрер. 

Приложение 1.

Джоконда(глубоко обобщенный, идеально возвышенный образ человека эпохи, лицо, озаренное чувством собственного достоинства и внутренней духовной силы, богатством и сложностью интеллекта)

Круглые картины(тонго).

Мадонна.

IV. Релаксационная пауза.

Упражнения для глаз, соедините руки в замок-покрутите в стороны.

Жмуримся. Крепко-крепко зажмуриваем глазки на 4-5 секунд, затем открываем.

Изображаем крылья бабочки. Моргаем глазами, как бабочка машет крыльями. Движения должны быть без напряжения, быстро, легко и непринужденно.

Играем в светофор. Знаете, как мигает светофор на перекрестке? Давайте его изображать: закрываем поочередно то правый, то левый глазик.

Часики. Рисуем большой круг глазами по часовой стрелочке, а затем – против.

Далеко и близко. В течение 10 секунд смотрим на школьную доску или предмет, расположенный максимально далеко. Затем медленно переводим взор на парту или любой максимально близкий предмет и смотрим в течение 10 секунд.

Выполняют физминутку.

V. Закрепление изученного материала.

В качестве закрепления во время урока заполняется таблица

Приложение 2.

VI. Домашнее задание.

Записать Д.З на доске

VII. Итог урока.

Подведение итогов и выставление оценок

Приложение 1.  
Леонардо, прозванный да Винчи по месту своего рождения, горной деревне Винчи, близь Эмполи, в провинции Флоренции – гениальный живописец итальянского Возрождения, зодчий, инженер и ученый. Он родился в 1452, в семье нотариуса флорентийской сеньории Пьеро. Первоначальное художественное образование даровитый мальчик получил у флорентийского художника Андреа дель Веррокьо (1435–1488), на картине которого, изображающей крещение и находящейся во флорентийской академии, сохранилось первое произведение Леонардо да Винчи – исполненная им фигура ангела. Кроме живописи, Леонардо да Винчи изучал во Флоренции также пластику, архитектуру, математику, физику и механику и рано возбудил удивление окружающих редкой многосторонностью своей гениальной натуры. Выдающийся музыкальный талант и дар поэтической импровизации дополняли его широкое развитие и гармонировали с красотой, силою, ловкостью и блестящим остроумием.

При всех своих редких достоинствах эти картины Леонардо да Винчи затмеваются главным художественным произведением миланского периода – написанной до 1499 г. «Тайной вечерей». Это великое произведение кисти, занимающее главную стену ресектория доминиканского монастыря Santa Maria delle grazie, имеет 28 футов длины, содержит фигуры в полтора раза увеличенные. Оно исполнено масляными красками, с течением времени сильно пострадавшими от небрежности и грубой реставрации, так что первоначальная редакция картины более известна по копиям ученика Леонардо да Винчи, Марко д’Оджонно (из которых одна хранится в лондонской галерее) и по снимкам голов апостолов, написанным пастелью и принадлежавшим великой герцогине саксен-веймарской. В «Тайной вечере» поразительны необыкновенно богатое и отчетливое воспроизведение главнейших мотивов человеческой души и строгая красота линий, проникающая все формы. Все типичное, напоминающее портрет, отброшено, и создана идеальная группа, которая в такой же степени жизненна и правдива, как возвышенна и глубоко задумана. Кроме того, миланскому периоду принадлежит значительное количество разного рода рисунков и картонов, набросанных Леонардо для его учеников и в их исполнении иногда принимавшихся за его подлинные произведения. После низвержения герцогов Сфорца в 1499 Леонардо да Винчи покинул Милан и с 1503 поселился во Флоренции по приглашению гонфалоньера Пьетро Содерини, оказавшего прославленному художнику радушный прием и назначившего ему ежегодное содержание. Первым произведением этого второго флорентийского периодабыл неоконченный картон для престольного образа церкви сервитов, изображающий Мадонну с младенцем, малолетним Предтечею и святой Анной и хранящийся в лондонской галерее. К этому же времени относится портрет Моны Лизы, известной своею красотою супруги Франческа дель Джоконды (Лувр), и утраченный портрет Джиневры, жены Америго Бенчи.

Художественная гениальность Леонардо да Винчи спорила с его ученой славой и глубокомыслием. История знает немного примеров такого полного и богатого развития человеческой личности. Главная художественная заслуга Леонардо да Винчи перед европейской живописью заключается в том, что он поставил ее на твердые основания анатомии и первый обратил внимание на освещение телесных форм. Он стремился к возможному совершенству моделировки и к полусветлому тону, стараясь достигнуть этого нежными переходами контуров и тонов (sfumato). Своеобразная полуулыбка, свойственная его женским лицам, составляла одну из красот его кисти и впоследствии вдохновила Корреджо. Леонардо искусно изображал самые оригинальные сочетания человеческих форм с животными и пользовался этими причудливыми соединениями для политической сатиры.

Тициан (Тициано Вечеллио) (около 1489/90 – 1576гг.) итальянский живописец. Глава венецианской школы Высокого и Позднего Возрождения. Происходил из родовитой провинциальной семьи. В ≈ 1500г. — отдан на обучение к мастеру мозаики, затем учился живописи у Дж. Беллини. С 1517 по 155г. занимал должность официального живописца Венецианской республики. Его заказчиками были императоры, короли, папы римские. Художественные произведения: «Святое семейство», «Мадонна с младенцем, святой Екатериной и маленьким Иоанном Крестителем», «Кающаяся Мария Магдалина».  
5 ученик: Альбрехт Дюрер (1471-1528гг.) родился и умер в Нюрнберге, немецкий живописец и график. Основоположник немецкого Возрождения. Сын серебряных дел мастера, выходца из Венгрии. Учился сначала у отца, затем Нюрнбергского живописца и гравера 
М. Вольгемута. В годы странствий (1490-1494гг.) посетил Базель, Кальмар, Страсбург. Позже в 1494-1495 годах посетил Венецию и Падую, в 1520-1521 годах – Нидерланды. Работал на императора Максимилиана. 
Рисовал пейзажи, рисунки, портреты, успешно работал в области ксилографии (гравюра на дереве), серия «Апокалипсис». В последние годы издавал теоретические труды. Художественные произведения: «Барабанщик и флейтист», «Четыре всадника», «Портрет священника», «Портрет молодого человека». 

Приложение 2.

Деятель

Что создал

Виды деятельности и идеи

Леонардо да Винчи
(1452 – 1519 гг.)

Дама с горностаем, Джоконда, Тайная вечеря

Портреты, Евангельские сюжеты. Создатель изобретений –аэроплан,парашют и т.д.

Микеланджело Буонарроти
(1475-1564 гг.)

Пьета, Давид

Скульптор, художник, архитектор и поэт

Рафаэль Санти
(1483 – 1520 гг.)

Мадонна в зелени, Прекрасная мадонна. Роспись Ватиканского дворца.Сикстинская мадонна.

Излюбленный образ-мадонна. Круглые картины. Портреты.

Певец женской красоты

Монументальные фрески

Алтарные картины

Реалистические портреты

Тициан

Мадонна Пезаро, Любовь земная и Любовь небесная

Изображал исторические и мифологические сюжеты, тема героизма, красоты.

Альбрехт Дюрер

Агнесса, Автопортрет

Автопортрет, портрет, гравюра.

Тема 8. ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКАЯ ЛИТЕРАТУРА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ | 7 класс учебник «Русская литература»

Тема 8. ЗАПАДНОЕВРОПЕЙСКАЯ ЛИТЕРАТУРА ЭПОХИ ВОЗРОЖДЕНИЯ

---

Возрождение (Ренессанс) — переход от средневековой культуры _к культуре нового времени, от феодального общества к буржуазно­му. Наиболее рано из всех европейских стран Возрождение нача­лось в Италии — на рубеже XIII—XIV вв., когда появились кружки гуманистов, заинтересовавшихся античным наследием, которое в средние века было предано забвению. Вначале обратились к произ­ведениям литературы, а затем и к другим видам искусства — жи­вописи и скульптуре. Сам термин Возрождение появился в работе итальянского историка искусств Д. Вазари в XVI в., когда эпоха ренессанса заканчивалась.

Слово гуманисты связано со средневековым разделением наук на два цикла — науки о Боге (studia divina) и науки о человеке (studia humanitatis). Гуманизм Возрождения противостоял ду­ховной власти церкви и религии. В эпоху Ренессанса, опираясь на античность, гуманисты выдвинули идеал свободного, всесторонне развитого, гармоничного человека. Культура Возрождения откры­ла в человеке личность, имеющую право на свободное проявление своих качеств. Творческие возможности человека казались безгра­ничными.

В период Возрождения появились новые литературные жанры — новелла и роман. Литература соединила в себе интерес к античности с обращением к народной культуре.

Признанным мастером итальянской новеллы считают Д. Боккаччо, автора «Декамерона” (написан в 1353 г.). Это сборник из 100 новелл, которые рассказывают друг другу несколько моло­дых людей в то время, как их городохвачен чумой. В «Декамероне» прославляется жизнь во всех ее земных проявлениях.

Герои новелл предприимчивы и инициативны. Они ведут себя вопреки традиционным представлениям. Не случайно новелла в переводе с итальянского означает «новость”. Так, в одной из новелл еврей доказывает арабскому султану, что все три мировые религии равны. В другой новелле Прекрасная Дама выходит замуж за ры­царя, ставшего совсем нищим. Героине третьей новеллы, неверной жене, удается ловко одурачить мужа. В четвертой новелле монах использует в корыстных целях веру простаков в церковные чудеса и религию.

Новеллы обращены к быту. В отличие от персонажей средне­векового героического эпоса герои новеллы действует в одиночку, сам за себя. это 1 ар- гантюа и Пантагрюэль” французского писателя Ф. Рабле (XVI в.) и «Дон-Кихот” М. Сервантеса, жившего в Испании в конце XVI — на­чале XVII в. В новое время роман оказался одним из самых распро­страненных жанров литературы. Он стремится показать человека в его сложности и изменчивости, поэтому с самого начала роман как жанр вбирает в себя различные литературные традиции.

В основе романа Рабле лежит принцип гротеска, т. е. пре­увеличения материально-телесного начала. Человек предстает растущим, развивающимся гармонично ив физическом, и в ду­ховном плане.

Роман всегда обращен к современности, поэтому в нем пред­ставляет важность не развязка, а само развитие событий и пережи­ваний героев. В отличие от средневековых жанров роман основан не на исторических преданиях или легендах, а на личном опыте автора и художественном вымысле. Не случайно произведения и Рабле, и Сервантеса начинаются с пролога, в котором автор обра­щается к читателю, как бы устанавливая границу между обыден­ностью и «придуманным” в романе миром.

В «Дон-Кихоте” Сервантес пародировал жанр рыцарского ро­мана, не отличающего своего повествования от действительности. Попытка героя жить по книжным законам выглядит смешной. Но в то же время Дон-Кихот, оказавшись персонажем романа нового типа, стал фигурой трагикомичной, неоднозначной. Его устрем­ление к добрым делам закончилось крахом и выявило пропасть между мечтой и будничной реальностью.

Ту же идею, что для гуманистических идеалов нет места в дей­ствительности, выразил и английский драматург У. Шекспир, по­казавший сложный духовный мир людей эпохи Возрождения.

---

1. Каковы основные особенности культуры Возрождения?

2.    Что означает сам термин Возрождение?

3.    Что такое гуманизм Возрождения?

4.    Расскажите о жанре новеллы я назовите ее признаки.

5.    Какие романы эпохи Возрождения вы знаете? Что для них характерно?

6. Что такое гротеск? В каком романе он был впервые использован?

---

1.  Подготовьте сообщение об одном из художников эпохи Возрождения: Рафаэле, Леонардо да Винчи, Микеланджело.

2.     Напишите сценарий и проведите в школе иечер, посвященный роману Сервантеса «Дон-Кихот”.

3.     Что вам известно о влиянии западноевропейского Возрождения на ми­ровую и, в частности русскую, культуру?

4.     Попробуйте написать новеллу.

Ключевые понятия: Возрождение. Ренессанс, гуманисты, новелла. гротеск

эпоха Возрождения. Творчество итальянских художников эпохи Возрождения

Эпоха Возрождения (Ренессанс). Италия. 15-16 века. Ранний капитализм. Страной правят богатые банкиры. Они интересуются искусством и наукой.

Богатые и влиятельные собирают вокруг себя талантливых и мудрых. Поэты, философы, художники и скульпторы ведут ежедневные беседы со своими покровителями. На мгновение показалось, что людьми правят мудрецы, как того хотел Платон.

Они вспомнили о древних римлянах и греках. Которые тоже строили общество свободных граждан. Где главная ценность – человек (не считая рабов, конечно).

Возрождение – это не просто копирование искусства древних цивилизаций. Это смешение. Мифологии и Христианства. Реалистичности натуры и душевности образов. Красоты физической и красоты духовной.

Это была всего лишь вспышка. Период Высокого Возрождения – это примерно 30 лет! С 1490-х годов до 1527 гг. С начала расцвета творчества Леонардо. До разграбления Рима.

Мираж идеального мира быстро померк. Италия оказалась слишком хрупкой. Она вскоре была порабощена очередным диктатором.

Однако эти 30 лет определили главные черты европейской живописи на 500 лет вперёд! Вплоть до .

Реалистичность изображения. Антропоцентризм (когда человек – главный персонаж и герой). Линейная перспектива. Масляные краски. Портрет. Пейзаж…

Невероятно, но в эти 30 лет творили сразу несколько гениальных мастеров. Которые в другие времена рождаются один на 1000 лет.

Леонардо, Микеланджело, Рафаэль и Тициан – титаны эпохи Возрождения. Но нельзя не упомянуть и о двух их предшественниках. Джотто и Мазаччо. Без которых бы никакого Возрождения бы и не было.

1. Джотто (1267-1337 гг.)

Паоло Уччелло. Джотто да Бондоньи. Фрагмент картины “Пять мастеров флорентийского Возрождения”. Начало 16 века. .

14 век. Проторенессанс. Главный ее герой – Джотто. Это мастер, который в одиночку совершил революцию в искусстве. За 200 лет до Высокого Возрождения. Если бы не он, эпоха, которой так гордится человечество, вряд ли бы наступила.

До Джотто были иконы и фрески. Они создавались по византийским канонам. Лики вместо лиц. Плоские фигуры. Несоблюдение пропорций. Вместо пейзажа – золотой фон. Как, например, на этой иконе.

Гвидо да Сиена. Поклонение волхвов. 1275-1280 гг. Альтенбург, Музей Линденау, Германия.

И вдруг появляются фрески Джотто. На них объёмные фигуры. Лица благородных людей. Печальные. Скорбные. Удивленные. Старые и молодые. Разные.

Фрески Джотто в церкви Скровеньи в Падуе (1302-1305 гг. ). Слева: Оплакивание Христа. Посередине: Поцелуй Иуды (фрагмент). Справа: Благовещение святой Анны (матери Марии), фрагмент.

Главное творение Джотто – это цикл его фресок в Капелле Скровеньи в Падуе. Когда эта церковь открылась для прихожан, в неё хлынули толпы людей. Потому что такого они никогда не видели.

Ведь Джотто сделал небывалое. Он как бы перевёл библейские сюжеты на простой понятный язык. И они стали гораздо доступнее обычным людям.

Джотто. Поклонение волхвов. 1303-1305 гг. Фреска в Капелле Скровеньи в Падуе, Италия.

Именно это будет свойственно многим мастерам Эпохи Возрождения. Лаконичность образов. Живые эмоции персонажей. Реалистичность.

О фресках мастера читайте подробнее в статье.

Джотто восхищались. Но его новаторства развивать дальше не стали. В Италию пришла мода на интернациональную готику.

Только через 100 лет появится мастер, достойный продолжатель Джотто.

2. Мазаччо (1401-1428 гг.)

Мазаччо. Автопортрет (фрагмент фрески “Святой Петр на кафедре”). 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Начало 15 века. Так называемое Раннее Возрождение. На сцену выходит ещё один новатор.

Мазаччо был первым художником, который использовал линейную перспективу. Ее разработал его друг, архитектор Брунеллески. Теперь изображенный мир стал похож на реальный. Игрушечная архитектура – в прошлом.

Мазаччо. Святой Петр исцеляет своей тенью. 1425-1427 гг. Капелла Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, Италия.

Он перенял реализм Джотто. Однако, в отличие от предшественника, уже хорошо знал анатомию.

Вместо глыбообразных персонажей Джотто – прекрасно сложенные люди. Совсем как у древних греков.

Мазаччо. Крещение неофитов. 1426-1427 гг. Капелла Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине во Флоренции, Италия.
Мазаччо. Изгнание из Рая. 1426-1427 гг. Фреска в Капелле Бранкаччи, церковь Санта-Мария дель Кармине, Флоренция, Италия.

Мазаччо прожил недолгую жизнь. Он умер, как и его отец, неожиданно. В 27 лет.

Однако последователей у него было много. Мастера следующих поколений ходили в Капеллу Бранкаччи, чтобы учиться по его фрескам.

Так новаторства Мазаччо были подхвачены всеми великими титанами Высокого Возрождения.

3. Леонардо да Винчи (1452-1519 гг.)

Леонардо да Винчи. Автопортрет. 1512 г. Королевская библиотека в Турине, Италия.

Леонардо да Винчи – один из титанов Эпохи Возрождения. Который колоссальным образом повлиял на развитие живописи.

Именно он повысил статус самого художника. Благодаря ему представители этой профессии отныне не просто ремесленники. Это творцы и аристократы духа.

Леонардо сделал прорыв в первую очередь в портретной живописи.

Он считал, что ничто не должно отвлекать от главного образа. Взгляд не должен блуждать от одной детали к другой. Так появились его знаменитые портреты. Лаконичные. Гармоничные.

Леонардо да Винчи. Дама с горностаем. 1489-1490 гг. Музей Черторыйских, Краков.

Главное же новаторство Леонардо – это то, что он нашёл способ, как сделать образы … живыми.

До него персонажи на портретах были похожи на манекены. Линии были чёткими. Все детали тщательно прорисованы. Раскрашенный рисунок никак не мог быть живым.

Но тут Леонардо изобрел метод сфумато. Он растушевал линии. Сделал переход от света к тени очень мягким. Его герои словно покрыты еле уловимой дымкой. Персонажи ожили.

. 1503-1519 гг. Лувр, Париж.

С тех пор сфумато войдёт в активный словарь всех великих художников будущего.

Часто встречается мнение, что Леонардо, конечно, гений. Но не умел ничего довести до конца. И картины часто не дописывал. И многие его проекты так и остались на бумаге (между прочим, в 24 томах). И вообще его бросало то в медицину, то в музыку. И даже искусством сервировки одно время увлекался.

Однако, сами подумайте. 19 картин. И он – величайший художник всех времён и народов. А кто-то даже близко не стоит по величию. При этом написав 6000 полотен за жизнь. Очевидно же, у кого КПД выше.

О самой знаменитой картине мастера читайте в статье .

4. Микеланджело (1475-1564 гг.)

Даниеле да Вольтерра. Микеланджело (фрагмент). 1544 г. Музей Метрополитен, Нью-Йорк.

Микеланджело считал себя скульптором. Но он был универсальным мастером. Как и другие его коллеги Эпохи Возрождения. Поэтому его живописное наследие не менее грандиозно.

Он узнаваем прежде всего по физически развитым персонажам. Потому что он изображал совершенного человека. В котором физическая красота означает красоту духовную.

Поэтому все его герои такие мускулистые, выносливые. Даже женщины и старики.

Микеланджело. Фрагменты фрески “Страшный суд” в Сикстинской капелле, Ватикан.

Часто Микеланджело писал персонажа обнаженным. А потом уже сверху дописывал одежду. Чтобы тело было максимально рельефным.

Потолок Сикстинской капеллы он расписывал сам. Хотя это несколько сотен фигур! Он даже краски растирать никому не позволял. Да, он был одиночкой. Обладая крутым и неуживчивым характером. Но больше всех он был недоволен … собой.

Микеланджело. Фрагмент фрески “Сотворение Адама”. 1511 г. Сикстинская капелла, Ватикан.

Микеланджело прожил долгую жизнь. Пережив угасание Возрождения. Для него это было личной трагедией. Поздние его работы полны печали и скорби.

Вобще творческий путь Микеланджело уникален. Ранние его работы – это восхваление человека-героя. Свободного и мужественного. В лучших традициях древней Греции. Как его Давид.

В последние годы жизни – это трагические образы. Намеренно грубо отесанный камень. Как будто перед нами памятники жертвам фашизма 20 века. Посмотрите на его “Пьету”.

Скульптуры Микеланджело в Академии изящных искусств во Флоренции. Слева: Давид. 1504 г. Справа: Пьета Палестрины. 1555 г.

Как такое возможно? Один художник за одну свою жизнь прошёл все этапы искусства от эпохи Возрождения до 20 века. Что же делать последующим поколениям? Что ж, идти своим путём. Осознавая, что планка поднята очень высоко.

5. Рафаэль (1483-1520 гг.)

. 1506 г. Галерея Уффици, Флоренция, Италия.

Рафаэль никогда не был в забвении. Его гениальность признавали всегда. И при жизни. И после смерти.

Его герои наделены чувственной, лиричной красотой. Именно его по праву считаются самыми прекрасными женскими образами, когда-либо созданными. Их внешняя красота отражает и душевную красоту героинь. Их кроткость. Их жертвенность.

Рафаэль. . 1513 г. Галерея старых мастеров, Дрезден, Германия.

Знаменитые слова “Красота спасёт мир” Фёдор Достоевский сказал именно о . Это была его самая любимая картина.

Однако чувственные образы – не единственная сильная сторона Рафаэля. Он очень тщательно продумывал композиции своих картин. Он был непревзойдённым архитектором в живописи. Причём он всегда находил самое простое и гармоничное решение в организации пространства. Кажется, что по другому и быть не может.

Рафаэль. Афинская школа. 1509-1511 гг. Фреска в станцах Апостольского дворца, Ватикан.

Рафаэль прожил всего 37 лет. Он умер внезапно. От подхваченной простуды и врачебной ошибки. Но его наследие трудно переоценить. Многие художники боготворили этого мастера. Множа его чувственные образы в тысячах своих полотен..

Тициан был непревзойдённым колористом. Также он много экспериментировал с композицией. Вообще он был дерзким и ярким новатором.

За такую яркость таланта его все любили. Называя “Королём живописцев и живописцем королей”.

Говоря о Тициане, хочется после каждого предложения ставить восклицательный знак. Ведь именно он привнёс в живопись динамику. Пафос. Восторженность. Яркий колорит. Сияние красок.

Тициан. Вознесение Марии. 1515-1518 гг. Церковь Санта-Мария Глориози деи Фрари, Венеция.

К концу жизни он выработал необычную технику письма. Мазки быстрые. Густые. Пастозные. Краску наносил то кистью, то пальцами. От этого – образы ещё более живые, дышащие. А сюжеты – ещё более динамичные и драматичные.

Тициан. Тарквиний и Лукреция. 1571 г. Музей Фицуильяма, Кэмбридж, Англия.

Ничего это вам не напоминает? Конечно, это техника . И техника художников 19 века: барбизонцев и . Тициан, как и Микеланджело, пройдёт 500 лет живописи за одну свою жизнь. На то он и гений.

О знаменитом шедевре мастера читайте в статье.

Художники эпохи Возрождения – это художники больших знаний. Чтобы оставить такое наследие, нужно было очень много знать. В области истории, астрологии, физики и так далее.

Поэтому каждый их образ заставляет нас задумываться. Для чего это изображено? Какое здесь зашифровано послание?

Поэтому они почти никогда не ошибались. Потому что досконально продумывали своё будущее произведение. Используя весь багаж своих знаний.

Они были больше, чем художники. Они были философами. Объясняющими нам мир с помощью живописи.

Вот почему они будут нам всегда глубоко интересны.

Переход к новому восприятию мира и человека способствовал коренным преобразованиям в искусстве. По-новому ощущать мир значит по-новому его видеть. В течение нескольких десятилетий изменилась вся изобразительная система искусства, складывавшаяся веками.

С другой стороны, искусство сыграло огромную историческую роль в культурном перевороте, произошедшем в эпоху Возрождения. Подтверждением тому служит тот факт, что в течение трех столетий Возрождение понималось только как «возрождение изящных искусств». Да и у современного человека культура Возрождения ассоциируется прежде всего с искусством живописи, скульптуры, архитектуры.

Ренессансное искусство справедливо считается важнейшим проявлением эпохи. Именно искусство воплотило сущность ренессансного мироощущения: новое положение человека в мире.

Искусство Возрождения стало не только зеркалом новых представлений о ценности личности и красоте земного мира, но и инструментом познания.

Убежденные в том, что видимый мир подчиняется природным закономерностям, художники стали использовать в своей деятельности научные знания и технические инструменты. Была изобретена техника копирования предметов видимого мира, разрабатывались основы перспективных математических построений пространства. С опорой на эти знания был изобретен метод прямой перспективы в живописи.

Средневековая изобразительная система никогда и не ставила задач иллюзионистских построений, создающих подобие реального мира. Средневековое искусство создавало не подобия, а символы, оно стремилось воплотить не видимый, а сверхчувственный мир. Религиозно-эстетические переживания воплощались в формах условного канонического искусства. Художники изображали не вещи, а их знаки, условные образы. Средневековье выработало свой метод художественного истолкования мира. Предметы в нем рассматривались изолированно друг от друга, последовательно. Точка взгляда при переходе к другому предмету часто менялась.

В эпоху Возрождения изменилась ориентация искусства. Оно обратилось к человеку в реальном мире. «Открытие мира» в литературе и живописи отвечало его восприятию в начале XIV века.

Новое искусство живописи включало три основных представления:

события, изображаемые на картине, разделялись на два плана: передний и задний, с постепенным заполнением их в дальнейшем промежуточными планами;

размеры тел, яркость тона и отчетливость фигур и границ уменьшаются по мере удаления тел на расстояние;

зрительные лучи и живописное пространство сходятся в одну точку, которая в ренессансной живописи обычно совпадает с центром рамы и сюжета.

Эти основные требования к перспективе были сформулированы Леонардо да Винчи в его знаменитой «Книге о живописи».

Трехмерность мира и его сходимость в точку бесконечности, то, что нам кажется очевидным и естественным, стало восприниматься в живописи лишь в эпоху Возрождения. Потребовалось не одно десятилетие, пока глаз освоился с новым видением в прямой перспективе.

Помимо изобретения прямой перспективы Возрождение открывает новые темы в изобразительном искусстве, создает новые жанры. Не только религиозные, но и мифологические, и исторические сюжеты стали достойным предметом для искусства.

Живописцы писали образы Богоматери с простых женщин, иногда известных в городе, сохраняя черты портретного сходства. Они переносили сцену рождения Марии в интерьер богатого итальянского палаццо, изображали самих себя и своих сограждан за трапезой в Кане Галилейской, в шествии волхвов вместо евангельских паломников показывали роскошный кортеж флорентийских всадников в раззолоченных одеждах, в сопровождении герольдов, конюхов и собак.

Жизнелюбие и любознательность художников Возрождения оборачивались часто пристрастием к деталям, к изображению разных предметов, которыми художники заполняли свои композиции, иногда в ущерб цельности сюжета. С предельной тщательностью они выписывали каждую деталь орнамента, каждое перышко в ангельских крыльях, каждый локон на кудрявой головке. На картинах, изображающих сюжеты Священного Писания, мы рассматриваем вазы с цветами, птичек, сложные тканые узоры платьев, драгоценные камни, резные подлокотники кресел, музыкальные инструменты.

В это время происходят важные перемены в отношении общества к искусству. Церковь и государство остаются традиционными заказчиками произведений архитектуры, живописи и скульптуры, но значительно расширяется круг светских заказчиков из среды придворной аристократии, богатых горожан, расцветает меценатство. При дворах итальянских князей складывается особая культурная среда, в которой взаимодействуют художники и музыканты, поэты и архитекторы Ренессанса.

С конца XIV века художники начинают писать об искусстве, создавать трактаты, учебники, обсуждать вопросы теории и практики в литературных произведениях. Возникла теория изобразительного искусства как специальная область знания.

Искусство Ренессанса имело такое же всеобъемлющее значение, как для XVII века — философия, для XIX — наука, для XX — техника. Все слои общества были охвачены художественными увлечениями. Во всех сферах деятельности — в мысли, творчестве, политике, быту — чувствуется высокий художественный вкус.

Возрождение возникло в Италии - его первые признаки появились ещё в XIII-XIV вв. Но твёрдо оно установилось с 20-х годов XV в., а к концу XV в. достигло своего наивысшего расцвета.

В других странах Возрождение началось значительно позже. В XVI в. начинается кризис идей Возрождения, следствие этого кризиса - возникновение маньеризма и барокко.

Периоды эпохи Возрождения

Периоды истории итальянской культуры принято обозначать названиями столетий:

• Проторенессанс (дученто)  - 2-я половина XIII в.-XIV в.
• Раннее Возрождение (треченто) -  начало XV-конец XV в.
• Высокое Возрождение (кватроченто) -  конец XV-первые 20 лет XVI в.
• Позднее Возрождение (чинквеченто) -  середина XVI-90-е годы XVI в.

Для истории итальянского Возрождения решающее значение имел глубочайший перелом в сознании, взглядах на мир и человека, который относится к эпохе коммунальных революций 2-й половины XIII века.

Именно этот перелом открывает новый этап в истории западноевропейской культуры. Связанные с ним принципиально новые тенденции нашли свое наиболее радикальное выражение в итальянской культуре и искусстве так называемой «эпохи Данте и Джотто»  - последней трети XIII века и двух первых десятилетий XIV-го.

В становлении Возрождения свою роль сыграло падение Византийской империи. Перебравшиеся в Европу византийцы привезли с собой свои библиотеки и произведения искусства, не известные средневековой Европе. В Византии никогда не порывали и с античной культурой.

Рост городов-республик привёл к росту влияния сословий, не участвовавших в феодальных отношениях: мастеровых и ремесленников, торговцев, банкиров. Всем им была чужда иерархическая система ценностей, созданная средневековой, во многом церковной культурой, и её аскетичный, смиренный дух. Это привело к появлению гуманизма - общественно-философского движения, рассматривавшего человека, его личность, его свободу, его активную, созидающую деятельность как высшую ценность и критерий оценки общественных институтов.

В городах стали возникать светские центры науки и искусства, деятельность которых находилась вне контроля церкви. В середине XV в. было изобретено книгопечатание, которое сыграло важную роль в распространении новых взглядов по всей Европе.

Человек эпохи Возрождения

Человек эпохи Возрождения резко отличается от средневекового человека. Для него характерна вера в мощь и силу разума, преклонение перед необъяснимым даром творчества.

Гуманизм выставляет в центр внимания мудрость человека и ее достижения, как высшее благо для разумного существа. Собственно это и приводит к бурному расцвету науки.

Гуманисты считают своим долгом активно распространять литературу античных времен, ведь именно в познании они видят подлинное счастье.

Одним словом, человек эпохи Возрождения пытается развиваться и улучшать «качество» индивида посредством изучения античного наследия, как единственного основания.

А интеллект в этом преобразовании занимает ключевое место. Отсюда возникновение различных антиклерикальных идей, часто выступающих необоснованно враждебно к религии и церкви.

Проторенессанс

Проторенессанс является предтечей Возрождения. Он ещё тесно связан со средневековьем, с византийскими, романскими и готическими традициями.

Делится на два подпериода: до смерти Джотто ди Бондоне и после (1337 год). Важнейшие открытия, ярчайшие мастера живут и работают в первый период. Второй отрезок связан с эпидемией чумы, обрушившейся на Италию.

Для искусства проторенессанса характерно появление тенденций к чувственному, наглядному отражению реальности, светскость (в отличие от искусства Средневековья), появление интереса к античному наследию (свойственного искусству эпохи Возрождения).

У истоков итальянского Проторенессанса стоит работавший во второй половине XIII века в Пизе мастер Никколо. Он стал основателем школы скульптуры, просуществовавшей до середины XIV века и распространившей свое внимание по всей Италии.

Конечно, многое в скульптуре пизанской школы еще тяготеет к прошлому. В ней сохраняются старые аллегории и символы. В рельефах отсутствует пространство, фигуры тесно заполняют поверхность фона. И все же реформы Никколо значимы.

Использование классической традиции, акцентировка объема, материальности и весомости фигуры, предметов, стремление внести в изображение религиозной сцены элементы реального земного события создали основу для широкого обновления искусства.

В 1260–1270 годах мастерская Никколо Пизано выполняла многочисленные заказы в городах средней Италии.
Новые веяния проникают и в живопись Италии.

Подобно тому, как Никколо Пизано реформировал итальянскую скульптуру, Каваллини заложил основу нового направления в живописи. В своем творчестве опирался на позднеантичные и раннехристианские памятники, которыми в его время был еще богат Рим.

Заслуга Каваллини состоит в том, что он стремился преодолеть плоскостность форм и композиционного построения, которые были присущи господствовавшей в его время в итальянской живописи”византийской” или”греческой” манере.

Он вводил заимствованную у древних художников светотеневую моделировку, достигая округлости и пластичности форм.

Однако со второго десятилетия XIV века художественная жизнь в Риме замерла. Ведущая роль в итальянской живописи перешла к флорентийской школе.

Флоренция в течение двух столетий была чем-то вроде столицы художественной жизни Италии и определяла главное направление развития ее искусства.

Но самым радикальным реформатором живописи был Джотто ди Бондоне (1266/67–1337).

В своих работах Джотто подчас достигает такой силы в столкновении контрастов и передаче человеческих чувств, которая позволяет видеть в нем предшественника величайших мастеров Возрождения.

Трактуя евангельские эпизоды как события человеческой жизни, Джотто помещает его в реальную обстановку, отказываясь при этом от соединения в одной композиции разновременных моментов. Композиции Джотто всегда пространственны, хотя сцена, на которой разыгрывается действие, обычно не глубока. Архитектура и пейзаж в фресках Джотто всегда подчинены действию. Каждая деталь в его композициях направляет внимание зрителя к смысловому центру.

Еще одним важным центром искусства Италии конца XIII века - первой половины XIV века была Сиена.

Искусство Сиены отмечено чертами утонченной изысканности и декоративизма. В Сиене ценили французские иллюстрированные рукописи и произведения художественных ремесел.

В XIII-XIV столетиях здесь был воздвигнут один из изящнейших соборов итальянской готики, над фасадом которого работал в 1284–1297 годах Джованни Пизано.

Для архитектуры проторенессанса характерны уравновешенность и спокойствие.

Представитель: Арнольфо ди Камбио.

Для скульптуры этого периода характерны пластическая мощь и наличие влияния позднеантичного искусства.

Представитель: Никколо Пизано, Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио.

Для живописи характерно появление осязательности и материальной убедительности форм.

Представители: Джотто, Пьетро Каваллини, Пьетро Лоренцетти, Амброджо Лоренцетти, Чимабуэ.

Раннее Возрождение

В первых десятилетиях XV века в искусстве Италии происходит решительный перелом. Возникновение мощного очага Ренессанса во Флоренции повлекло за собой обновление всей итальянской художественной культуры.

Творчество Донателло, Мазаччо и их сподвижников знаменует победу ренессанского реализма, существенно отличавшегося от того”реализма деталей”, который был характерен для готизирующего искусства позднего треченто.

Произведения этих мастеров проникнуты идеалами гуманизма.Они героизируют и возвеличивают человека, поднимают его над уровнем обыденности.

В своей борьбе с традицией готики художники раннего Возрождения искали опору в античности и искусстве Проторенессанса.

То, что только интуитивно, на ощупь искали мастера Проторенессанса, теперь основывается на точных знаниях.

Итальянское искусство XV века отличается большой пестротой. Различие условий, в которых формируются местные школы, порождает разнообразие художественных течений.

Новое искусство, победившее в начале XV века в передовой Флоренции, далеко не сразу получило признание и распространение в других областях страны. В то время как во Флоренции работали Брунелесски, Мазаччо, Донателло, в северной Италии еще были живы традиции византийского и готического искусства, лишь постепенно вытесняемые Ренессансом.

Главным очагом раннего Возрождения была Флоренция. Флорентийская культура первой половины и середины XV века разнообразна и богата.

Для архитектуры раннего Возрождения характерна логика пропорций, форма и последовательность частей подчинены геометрии, а не интуиции, что было характерной чертой средневековых сооружений

Представитель: Палаццо Ручеллаи, Филиппо Брунеллески, Леон Баттиста Альберти.

Для скульптуры этого периода характерно развиватие свободно стоящей статуи, живописный рельеф, портретный бюст, конный монумент.

Представитель: Л. Гиберти, Донателло, Якопо делла Кверча, семья делла Роббиа, А. Росселлино, Дезидерио да Сеттиньяно, Б. да Майано, А. Верроккьо.

Для живописи характерно ощущение гармонической упорядоченности мира, обращение к этическим и гражданским идеалам гуманизма, радостное восприятие красоты и многообразия реального мира.

Представители: Мазаччо, Филиппо Липпи, А. дель Кастаньо, П. Уччеллo, Фра Анджелико, Д. Гирландайо, А. Поллайоло, Верроккьо, Пьеро делла Франческа, А. Мантенья, П. Перуджино.

Высокое Возрождение

Кульминация искусства (конец XV и первые десятилетия XVI века), преподнесшая миру таких великих мастеров как Рафаэль, Тициан, Джорджоне и Леонардо да Винчи именуется этапом Высокого Возрождения.

Сосредоточение художественной жизни Италии в начале XVI века перемещается в Рим.

Папы добивались под властью Рима объединить всю Италию, делая попытки обратить его в культурный и ведущий политический центр. Но, так и не став политической точкой отсчёта, Рим преображается на некторое время в цитадель духовной культуры и искусства Италии. Причиной этому послужила также и меценатская тактика пап, которые привлекали лучших художников в Рим.

Флорентийская школа и многие другие (старые локальные) теряли свою прежнюю значимость.

Единственным исключением стала богатая и независимая Венеция, демонстрирующая яркую оригинальность культуры на протяжении всего XVI.

За счёт постоянной связи с великими произведениями архаики, искусство освобождалось от многословия , зачастую столь характерному творчеству виртуозов кватроченто.

Художники Высокого Возрождения обрели способность опускать маленькие подробности, не влияющие на общий смысл и стремиться достичь в своих творениях гармонию и сочетание лучших сторон реальности.

Творчество характеризуется верой в неограниченность человеческих возможностей, в его индивидуальность и в рациональный мировой аппарат.

Главным мотивом искусства Высокого Возрождениявыступает образ гармонически развитого и сильного как телом, так и духом человека, который находится выше повседневной обыденности.

Так как скульптура и живопись избавляется от беспрекословного рабства зодчества, что и даёт жизнь к формированию новых жанров искусства таких как: пейзаж, историческая живопись, портрет.

В этом периоде архитектура Высокого Ренессанса набирает наибольшие обороты. Теперь все без исключения заказчики не желали видеть в своих домах и капли средневековья. Улицы Италии стали пестреть не просто роскошными особняками, а дворцами с обширными насаждениями. Надо отметить, что известные в истории сады эпохи Возрождения появились как раз в этот период.

Религиозные и общественные сооружения также перестали отдавать духом прошлого. Храмы новой застройки, как будто восстали из времен Римского язычества. Среди памятников архитектуры этого периода можно встретить монументальные здания с обязательным наличием купола.

Грандиозность данного искусства было почитаемо ещё и современниками, - так Вазари говорил о нём как о: «высшей ступени совершенства, которой ныне достигли наиболее ценимые и наиболее прославленные творения нового искусства».

Для архитектуры высокого Возраждения характерны монументальность, представительное величие, грандиозность замыслов (пришедшие из Древнего Рима), интенсивно проявившиеся в брамантовских проектах собора святого Петра и перестройки Ватикана.

Представитель: Донато Браманте, Антонио да Сангалло, Якопо Сансовино

Для скульптуры этого периода характерны героический пафос и, одновременно трагическое ощущение кризиса гуманизма. Ппрославляется сила и мощь человека, красота его тела, одновременно подчёркивая его одиночество в мире.

Представитель: Донателло, Лоренцо Гиберти, Брунеллески, Лука делла Роббиа, Микелоццо, Агостино ди Дуччо, Пизанелло.

Для живописи характерна передача мимики лица и тела человека, появляются новые способы передачи пространства, построения композиции. Вместе с тем работы создают гармоничный образ человека, отвечающий гуманистическим идеалам.

Представители: Леонардо да Винчи, Рафаэль Санти, Микеланджело Буонаротти, Тициан, Якопо Сансовино.

Позднее Возрождение

В это время происходит затмение и появление новой художественно культуры. Не вызывает потрясений и тот факт, что творчество данной поры крайне сложно и отличается преобладанием противоборства различных направлений. Хотя если не рассматривать самый конец XVI века - время вступления на манеж братьев Карраччи и Караваджо, то можно сузить всё разнообразие искусства к двум основным тенденциям.

Феодально-католическая реакция нанесла смертельный удар Высокому Возрождению, но не смогла убить мощную художественную традицию, которая формировалась на протяжении двух с половиной столетий в Италии.

Только богатая Венецианская республика, свободная и от власти Папы, и от господства интервентов, обеспечила развитие искусства в этом регионе. Возрождение в Венеции обладало своими особенностями.

Если говорить о творениях известных художников второй половины XVI века, то им ещё присущ ренессанский фундамент, но уже с некоторыми изменениями.

Судьба человека уже не рисовалась столь беззаветной, хотя отголоски темы героической личности, которая готова сражаться со злом и ощущение реальности всё же до сих пор присутствуют.

Основы искусства XVII столетия были заложены в творческих поисках этих мастеров, благодаря которым были созданы новые выразительные средства.

К данному течению относятся немногие художники, но зато именитые мастера старшего поколения, пойманные кризисом на кульминации их творчества, такие как Тициан и Микеланджело. В Венеции, которая занимала неповторимое положение в художественной культуре Италии XVI века, это направленность присуща и для художников младшего поколения - Тинторетто, Бассано, Веронезе.

Представителями второго направления являются совершенно разные мастера. Их объединяет лишь субъективность в восприятии мира.

Данное направление получает своё распространение во второй половине XVI века и, не ограничиваясь Италией, перетекает и в большинство европейских стран. В искусствоведческой литературе конца прошлого столетия именуясь «маньеризмом ».

Пристрастие к роскоши, декоративности и нелюбовь к ученым изысканиям задерживали проникновение в Венецию художественных идей и практики флорентийского Возрождения.

Эпоха Возрождения или Ренессанс подарила нам множество великих произведений искусства. Это был благоприятный период для развития творчества. С Ренессансом связаны имена многих великих художников. Ботичелли, Микеланджело, Рафаэль, Леонардо Да Винчи, Джотто, Тициан, Корреджо — это лишь малая часть имен творцов того времени.

С этим периодом связано возникновение новых стилей и живописи. Подход к изображению человеческого тела стал практически научным. Художники стремятся к реальности — они прорабатывают каждую деталь. Люди и события на картинах того времени выглядят крайне реалистично.

Историки выделяют несколько периодов в развитии живописи в эпоху Возрождения.

Готика — 1200-е годы . Популярный стиль при дворе. Отличался помпезностью, вычурностью, излишней красочностью. В качестве красок применялась . Картины представляли собой , тематика которых — алтарные сюжеты. Самые известные представители этого направления — итальянские художники Витторе Карпаччо, Сандро Ботичелли.

Сандро Ботичелли

Проторенессанс — 1300-е годы . В это время происходит перестройка нравов в живописи. Религиозная тематика отходит на задний план, а светская приобретает все большую популярность. Картина занимает место иконы. Людей изображают более реалистично, для художников становятся важными мимика, жесты. Появляется новый жанр изобразительного искусства — . Представителями этого времени являются Джотто, Пьетро Лоренцетти, Пьетро Каваллини.

Ранее Возрождение — 1400-е годы . Расцвет нерелигиозной живописи. Даже лики на иконах становятся более живыми — они обретают человеческие черты лица. Художники более ранних периодов пытались рисовать пейзажи, но они служили лишь дополнением, фоном к основному изображению. В период Раннего Возрождения становится самостоятельным жанров. Продолжает развиваться и портрет. Ученые открывают закон линейной перспективы, на этой основе строят свои картины и художники. На их полотнах можно видеть правильное трехмерное пространство. Яркие представители этого периода Мазаччо, Пьеро Делла Франческо, Джованни Беллини, Андреа Мантенья.

Высокое Возрождение — Золотой Век . Кругозор художников становится еще шире — их интересы простираются в пространство Космоса, они рассматривают человека, как центр мироздания.

В это время появляются «титаны» Возрождения — Леонардо Да Винчи, Микеланджело, Тициан, Рафаэль Санти и другие. Это люди, чьи интересы не ограничивались живописью. Их познания простирались гораздо дальше. Самым ярким представителем был Леонардо Да Винчи, который был не только великим живописцем, но и ученым, скульптором, драматургом. Он создал фантастические техники в живописи, например «смуффато» — иллюзию дымки, которая использовалась при создании знаменитой «Джоконды».

Леонардо Да Винчи

Позднее Возрождение — угасание эпохи Ренессанса (середина 1500-х конец 1600-х). Это время связано с переменами, религиозным кризисом. Расцвет заканчивается, линии на полотнах становятся более нервными, уходит индивидуализм. Образом картин все чаще становится толпа. Талантливые работы того времени принадлежат перу Паоло Веронезе, Якопо Тиноретто.

Паоло Веронезе

Италия подарила миру самых талантливых художников эпохи Возрождения, о них в истории живописи встречается больше всего упоминаний. Между тем в других странах в этот период живопись также развивалась, и оказала влияние на развитие этого искусства. Живопись других стран в этот период называют Северным Возрождением.

Глава «Введение». Всеобщая история искусств. Том III. Искусство эпохи Возрождения. Автор: Ю.Д. Колпинский; под общей редакцией Ю.Д. Колпинского и Е.И. Ротенберга (Москва, Государственное издательство «Искусство», 1962)

Возрождение полагает начало новому этапу в истории мировой культуры. Этап этот, как отмечал Ф. Энгельс, был величайшим прогрессивным переворотом из всех пережитых до того времени человечеством (см. К. Маркс и Ф. Энгельс, Соч., т. 20, стр.346). По значению, которое имело Возрождение для развития культуры и искусства, с ним может быть сопоставлена в прошлом только эпоха расцвета античной цивилизации. В эпоху Возрождения зародилась современная наука, в особенности естествознание. Достаточно напомнить о гениальных научных догадках Леонардо да Винчи, об основании Фрэнсисом Бэконом опытного метода исследования, об астрономических теориях Коперника, о первых успехах математики, о географических открытиях Колумба и Магеллана.

Особое значение имело Возрождение для развития искусства, утверждения принципов реализма и гуманизма в литературе, театре и изобразительном искусстве.

Художественная культура Возрождения представляет для человечества неповторимую и непреходящую ценность. На ее основе возникла и развилась передовая художественная культура нового времени. Более того, реалистическое искусство Возрождения открывает собой, по существу, первый этап в истории искусства нового времени. Основные принципы реализма, сама система реалистического языка изобразительного искусства нового времени сложилась в искусстве Возрождения, в особенности в его живописи. Огромное значение имело искусство Возрождения для всего дальнейшего развития зодчества и ваяния. То же относится и в значительной мере к театру и литературе.

Расцвет культуры и искусства Возрождения имел всемирно-историческое значение. Однако это вовсе не значит, что культура всех народов мира при переходе от феодализма к буржуазному обществу проходила через период Возрождения как через обязательный этап своего развития. Для того чтобы в недрах позднего феодального общества впервые возникла и победила последовательно антифеодальная, реалистическая и гуманистическая художественная культура ренессансного типа, сложилось передовое светское мировоззрение, возникло представление о свободе и достоинстве человеческой личности, необходимо было сочетание определенных исторических условий, которые оказались возможными в определенной части земного шара, а именно в Западной и отчасти Центральной Европе.

Экономика и культура средневековой Европы на первых этапах развития феодализма отставала от рано расцветших могучих культур Востока (Арабский Восток, Китай, Индия, Средняя Азия). В дальнейшем, однако, именно в Европе впервые созрели предпосылки к переходу от феодализма к капитализму, то есть к новой, более высокой общественно-исторической формации. Эти новые общественные отношения сложились еще в недрах европейского феодального общества в торгово-ремесленных городах — городских коммунах.

Именно тот факт, что в некоторых экономически наиболее развитых областях средневековой Европы города приобрели политическую самостоятельность, облегчил зарождение в них раннекапиталистических отношений. На этой основе и возникла открыто враждебная старой феодальной культуре новая культура, названная культурой Возрождения (Ринашименто — на итальянском, Ренессанс — на французском языке). Таким образом, первая антифеодальная в истории человечества культура возникла в ставших на путь капиталистического развития независимых городах-государствах, спорадически вкрапленных в массив Европейского континента, который находился в целом еще на стадии феодализма.

В дальнейшем переход к первоначальному накоплению, бурная и мучительная перестройка всей экономики и социального строя Западной Европы вызвали формирование буржуазных наций, образование первых национальных государств. В этих условиях культура Западной Европы перешла к следующему этапу своего развития, к периоду зрелого и позднего Возрождения. Этот период представляет собой в целом более высокую ступень развития раннего капитализма в рамках разлагающегося феодализма. Однако сложение культуры и этого периода основывалось на освоении и дальнейшем развитии тех идеологических, научных и художественных завоеваний, которые были достигнуты в городской культуре предшествующего этапа Возрождения. Сам термин «Возрождение» появился уже в 16 в., в частности у Вазари, автора знаменитых жизнеописаний итальянских художников. Вазари рассматривал свою эпоху как время возрождения искусства, наступившего после многовекового господства искусства средневековья, которое ренессансные теоретики считали временем полного упадка. В 18 столетии, в век Просвещения, термин Возрождение был подхвачен Вольтером, высоко оценившим вклад этой эпохи в борьбу против средневековой догматики. В 19 в. этот термин был распространен историками на всю итальянскую культуру 15-16 вв., а впоследствии на культуру других стран Европы, прошедших через данный этап историко-культурного развития.

В течение 19 — начала 20 в. исторической и искусствоведческой наукой, как Западноевропейской, так и русской, было много сделано по углубленному изучению литературы, искусства и культуры этой замечательной эпохи. Однако лишь марксистская историческая наука и искусствознание сумели последовательно раскрыть подлинные исторические закономерности, определившие характер культуры Возрождения и ее прогрессивное революционное значение в развитии принципов реализма и гуманизма.

В эпоху империализма, и особенно в последние десятилетия, в буржуазной науке получили распространение откровенно реакционные теории, пытающиеся отрицать принципиальную противоположность Возрождения эпохе средневековья, свести на нет светский антифеодальный характер его искусства и культуры. В иных случаях реалистическое искусство Возрождения трактуется буржуазной наукой как упадочное, натуралистическое, «материалистическое» и т. д.

Этому стремлению реакционных ученых очернить традиции реализма и гуманизма Возрождения современная передовая наука, и в первую очередь советское искусствознание, противопоставляет последовательную защиту и изучение замечательного вклада Возрождения в культуру человечества, всемерно подчеркивая его поистине огромную прогрессивную, революционную роль.

Большое значение в формировании культуры Возрождения имело обращение к великому реалистическому наследию античности, не полностью утраченному в средневековой Европе.

С особой полнотой и последовательностью культура и искусство Возрождения осуществились в Италии, чья земля была насыщена величавыми останками античной архитектуры и искусства. Однако решающее значение, определившее исключительную роль Италии в формировании культуры и искусства Возрождения, имело то обстоятельство, что именно в Италии наиболее последовательно развились экономика и культура средневековых городов-государств и уже в 12 -15 вв. совершился переход от средневековой торговли и ремесел к раннекапиталистическим отношениям.

Широкое и своеобразное развитие получили культура и искусство Возрождения и на северо-западе Европы, особенно в передовых для того времени нидерландских городах 15 в., а также в ряде районов Германии (прирейнские и южногерманские города). Позже, в период первоначального накопления и формирования национальных государств, большую роль сыграли культура и искусство Франции (конец 15 в. и особенно 16 в.) и Англии (конец 16 — начало 17 в.).

Если искусство Возрождения в своей последовательной форме развилось только в некоторых странах Европы, то тенденции развития в сторону гуманизма и реализма, по существу аналогичные принципам искусства Возрождения, получили очень широкое распространение в большинстве европейских стран. В Чехии в десятилетия, предшествующие гуситским войнам, и в эпоху гуситских войн складывался самобытный вариант переходной, ренессансной по своему типу культуры. В 16 в. в культуре Чехии получило развитие искусство позднего Возрождения. Своими особыми путями шла эволюция искусства Возрождения в Польше. Важным вкладом в культуру позднего Ренессанса явились искусство и литература Испании. В 15 в. ренессансная культура проникла и в Венгрию. Однако ее развитие было прервано после разгрома страны турками.

Замечательные культуры народов Азии в своей исторической эволюции не знали Возрождения. Застойность феодальных отношений, характерная для этих стран в эпоху позднего средневековья, чрезвычайно замедлила их экономическое, политическое и духовное развитие. Если в течение 5-14 вв. культура народов Индии, Средней Азии, Китая и отчасти Японии в ряде существенных отношений опережала культуру народов Европы, то начиная с эпохи Возрождения ведущая роль в развитии науки и искусства перешла на несколько веков к культуре народов Европы. Это было обусловлено тем, что вследствие неравномерности исторического развития в Европе раньше, чем где-либо, стали созревать предпосылки для перехода от феодализма к более высокой фазе общественного развития — к капитализму. Именно этот временный социально-исторический фактор, а не мифическое «превосходство» белой расы, как пытались утверждать буржуазные реакционные идеологи и апологеты колониальной экспансии, обусловил важный вклад Европы начиная с эпохи Возрождения в мировую художественную культуру. Пример замечательных древних и средневековых культур Востока, а в наше время бурный расцвет национальной культуры народов Азии и Африки, ставших на путь социализма или освободившихся от колониального ига, достаточно убедительно разоблачают всю лживость этих реакционных теорий.

Великие завоевания культуры Возрождения если не непосредственно, то косвенно способствовали развитию и победе передовой антифеодальной культуры всех народов мира. Все народы, преодолевающие феодальный этап своего развития в борьбе за создание новой национальной демократической культуры, новаторски развивающей самобытные реалистические и гуманистические завоевания, раньше или позже обращались в одних случаях непосредственно к наследию Возрождения, в других — к опыту современной им передовой светской, демократической идеологии и реалистической культуры нового времени, которые, в свою очередь, выросли на основе дальнейшего развития, углубления и творческой переработки достижений Возрождения.

Так, например, в ходе исторического развития Руси культура русского народа на рубеже 17-18 вв. стала перед задачей решительного преодоления уже изживших себя условных и религиозных форм древнерусского искусства и обратилась к сознательно реалистическому отображению новой действительности.

Этот процесс был в значительной мере облегчен и ускорен возможностью учета опыта западноевропейского реалистического искусства 17 в., опиравшегося, в свою очередь, на художественные завоевания эпохи Возрождения.

Каковы же исторические движущие силы эпохи Возрождения, в чем идейное и художественное своеобразие этой эпохи, каковы основные хронологические этапы ее развития?

В средневековых городах-государствах, в ремесленных цехах и купеческих гильдиях складывались не только первые зачатки новых производственных отношений, но и делались первые робкие шаги по формированию нового отношения к жизни. В трудовых низах средневекового города, в порабощенной массе крестьян жила стихийная ненависть к угнетателям, мечта о справедливой жизни для всех.

Эти силы, в конечном счете, и нанесли первый сокрушительный удар феодальным отношениям, расчистили дорогу буржуазному обществу.

Однако первое время, в 12-14 вв., антифеодальные тенденции в культуре развивались в форме чисто сословного самосознания средневекового бюргерства, утверждавшего свои интересы и свое сословное достоинство в рамках существующего средневекового общества и его культуры. Несмотря на нарастание моментов непосредственно реалистического изображения действительности, искусство средневековых городов в целом сохраняло религиозный и условно-символический характер. Правда, в средневековой литературе очень рано зародились такие полные наивного реализма жанры, как, например, «фаблио» — своеобразные сказки-новеллы, противостоящие господствующей культуре и литературе феодальной эпохи. Но они носили еще непосредственно фольклорный характер и не могли претендовать на ведущее положение в культуре и искусстве. Прогрессивные для того времени идеологические устремления выступали в форме религиозных ересей, в которых стремление к преодолению аскетизма и догматизма средневековой идеологии существовало в завуалированной и искаженной форме.

Религиозное по форме, а отчасти и по содержанию искусство европейского средневековья в свое время сыграло определенную прогрессивную роль в истории мировой культуры. Его завоевания нам уже известны. Однако по мере роста общественного самосознания основных общественных группировок в городах, ставших на путь буржуазно-капиталистического развития, вся система средневекового искусства, носившая в целом условный характер и неразрывно связанная с общим церковно-религиозным укладом духовной культуры, становилась тормозом в дальнейшем развитии реализма. Речь шла уже не о развитии отдельных реалистических ценностей в рамках условной системы средневекового искусства, а о создании программно осознанной, последовательно реалистической художественной системы, о разработке последовательно реалистического языка. Этот переход явился органической частью общего переворота мировоззрения, переворота во всей культуре этой эпохи. На смену средневековой культуре шла новая, светская, свободная от церковной догматики и схоластики гуманистическая культура. Назревала необходимость перестройки, более того, разрушения старой художественной системы. С того момента, когда светское начало вытесняет религиозное, сохраняя от него лишь внешние сюжетные мотивы, когда интерес к реальной жизни, к ее основным проявлениям одерживает победу над религиозными представлениями, когда сознательно личное творческое начало берет верх над безличными сословными традициями и предрассудками, тогда наступает эпоха Возрождения. Ее достижения — это достижения гуманистической культуры и реалистического искусства, которые утверждают красоту и достоинство человека, познающего красоту мира, осознавшего силу творческих возможностей своего разума и воли.

Как уже указывалось выше, обращение к наследию античности, особенно в Италии, значительно ускорило развитие искусства Возрождения и в известной мере определило ряд его особенностей, в том числе и значительное количество произведений, написанных на сюжеты античной мифологии и истории. Однако искусство на заре капиталистической эры отнюдь не представляло собой возрождения культуры античного рабовладельческого общества. Пафосом его явилось радостное и страстное стремление к познанию реального мира во всем его чувственном обаянии. Развернутое изображение той среды (природной или бытовой), на фоне и в тесной взаимосвязи с которой живет и действует человек, имело для творчества художников Возрождения несоизмеримо большее значение, чем для их античных предшественников. Образ человека с самого начала Возрождения отличался большей индивидуализацией и психологической конкретностью, чем в искусстве античной классики. Обращение к античному реализму и его творческое переосмысление были вызваны внутренними потребностями общественного развития своего времени и им подчинены. В Италии с ее обилием памятников древности Это обращение к античности было особенно облегчено и получило широкое развитие. Большое значение имела и тесная связь средневековой Италии с Византией. Культура Византии сохранила, пусть в искаженном виде, многие античные литературные и философские традиции. Процесс освоения и переработки античного наследия был ускорен переселением в Италию греческих ученых из захваченной турками в 1453 г. Византии. «В спасенных при падении Византии рукописях, в вырытых из развалин Рима античных статуях перед изумленным Западом предстал новый мир — греческая древность; перед ее светлыми образами исчезли призраки средневековья; в Италии наступил невиданный расцвет искусства, который явился как бы отблеском классической древности и которого никогда уже больше не удавалось достигнуть» (К. Маркс и Ф. Энгельс, Соч., т. 20, стр. 345-346.). При посредстве итальянских гуманистов, поэтов, художников эти знания стали достоянием всей европейской культуры эпохи Возрождения.

Хотя победа светского начала в культуре соответствовала интересам молодой, полной сил буржуазии ренессансных городов, было бы неверно сводить все значение искусства Возрождения только к выражению идеологии ренессансной буржуазии. Идейное и жизненное содержание творчества таких титанов Ренессанса, как Джотто, ван Эйк, Мазаччо, Донателло, Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело, Тициан, Дюрер, Гужон, было несравненно шире и глубже. Гуманистическая направленность искусства Возрождения, его героический оптимизм, гордая вера в человека, широкая народность его образов объективно выражали интересы не только одной буржуазии, но и отражали прогрессивные стороны развития всего общества в целом.

Искусство Возрождения возникло в условиях переходного времени от феодализма к капитализму. По мере дальнейшего утверждения капиталистических отношений в Европе культура Возрождения неизбежно должна была распасться. Ее расцвет был связан с тем периодом, когда устои феодального общественного уклада жизни и мироощущения были (по крайней мере в городах) основательно расшатаны, а буржуазно-капиталистические отношения еще не сложились во всей их торгашеской прозаичности, со всей их подлой «моралью» и бездушным лицемерием. В частности, еще не успели сколько-нибудь заметно проявиться пагубные для всестороннего развития личности последствия буржуазного разделения труда, односторонней буржуазной профессионализации. На первом этапе развития Возрождения личный труд ремесленника, особенно в области производства предметов домашнего обихода, еще не был полностью вытеснен, уничтожен мануфактурой, лишь делавшей свои первые шаги. В свою очередь, предприимчивый купец или банкир не превратился еще в безличный придаток к своему капиталу. Личная сметка, смелость, мужественная находчивость не утратили еще своего значения. Поэтому ценность человеческой личности определялась не только и не столько «ценой» его капитала, но и ее действительными качествами. Более того, активное участие в той или иной степени каждого горожанина в общественной жизни, а также распад старых феодальных устоев права и морали, неустойчивость, подвижность новых, еще лишь складывающихся отношений, напряженная борьба классов и сословий, столкновение личных интересов создавали особо благоприятные обстоятельства для расцвета личности деятельной, полной энергии, неразрывно связанной со всеми сторонами современной ей общественной жизни. Не случайно на смену критериям церковной морали, на смену двойственному и далекому от жизни идеалу человека средневековья — или аскету-монаху, или воину — рыцарю «без страха и упрека» с его кодексом феодальной рабской верности сюзерену — приходит новый идеал человеческой ценности. Это идеал яркой, сильной личности, стремящейся к счастью на земле, охваченной страстным стремлением развить и утвердить творческие способности своей активной натуры. Правда, исторические условия эпохи Возрождения способствовали утверждению в среде господствовавших классов известного морального индифферентизма или прямой аморальности, и эти моменты оказывали свое уродующее влияние. Однако эти же причины общего и культурного развития одновременно способствовали и осознанию передовыми идеологами эпохи меры красоты и богатства человеческих характеров. «Люди, основавшие современное господство буржуазии, были всем чем угодно, но только не людьми буржуазно-ограниченными. Наоборот, они были более или менее овеяны характерным для того времени духом смелых искателей приключений (К. Маркс и Ф. Энгельс, Соч., т. 20, стр. 346.). Всесторонняя яркость характеров людей Возрождения, нашедшая свое отражение и в искусстве, в значительной мере объясняется именно тем, что «герои того времени не стали еще рабами разделения труда, ограничивающее, создающее однобокость, влияние которого мы так часто наблюдаем у их преемников».

Передовые люди, особенно начального этапа развития Возрождения, не смогли в это переходное время уловить действительные пороки и социальные уродства грядущего капитализма и вообще в большинстве своем не стремились к конкретному анализу социальных противоречий. Но, несмотря на некоторую наивность и отчасти утопичность представлений о жизни и человеке, они гениально угадывали действительные возможности развития, заложенные в человеке, верили в его подлинное раскрепощение от рабской зависимости перед силами природы и стихийно-противоречиво развивающегося общества. Их эстетические идеалы с точки зрения всемирно-исторической не были заблуждением.

В эпоху Возрождения искусство играло исключительную роль в культуре и определяло в значительной мере лицо эпохи. Отдельные цехи и корпорации, соревнуясь друг с другом, украшали храмы и площади прекрасными художественными произведениями искусства. Представители богатых патрицианских родов как из личного честолюбия и политического расчета, так и из стремления к полноте наслаждения своими богатствами воздвигали великолепные дворцы, строили дорогие общественные сооружения, устраивали для сограждан пышные праздничные зрелища и шествия. Необычайно большую роль, особенно в 14-15 вв., играли заказы и самого города.

Живописцы, ваятели, зодчие, движимые духом благородного соревнования, стремились в своих произведениях достичь наибольшего совершенства. Особенно искусство 15 в. носило открыто общественный характер и было непосредственно обращено к широкой массе горожан. Фрески, картины, статуи и рельефы украшали соборы, городские ратуши, площади, дворцы.

Поэтому в ряде отношений культура Возрождения, особенно в Италии 15 в. в известной мере напоминала культуру классической Греции. Правда, скульптура и особенно зодчество опирались главным образом на опыт древнеримской, а не собственно греческой художественной традиции. Однако дух героического гуманизма, возвышенной гражданственности, тесной связи художественной культуры с духовными интересами граждан города, их гордый патриотизм, стремление украсить, возвысить в образах искусства свой родной город, сближал культуру независимой ренессансной городской коммуны с культурой свободного античного полиса. II все же ряд особенностей решительно отличал искусство Возрождения от искусства греческого» связанного с более ранним историческим этапом развития общества — с рабовладением.

Во-первых, греческому искусству классического периода, то есть связанному с расцветом полиса, не было свойственно острое чувство индивидуальности, личной неповторимости образа человека, столь характерное для искусства Возрождения. Искусство Возрождения впервые в истории реализма нашло путь к созданию образа, в котором сочеталось яркое раскрытие индивидуального своеобразия личности с выявлением наиболее социально типических и характерных качеств человека. Основы портрета нового времени были заложены именно в то время. Правда, античное искусство также создало ряд шедевров реалистического портрета. Но античный реалистический портрет расцвел в условиях кризиса и распада культуры классической поры. Реалистический портрет Возрождения неразрывно, связан с периодом его наивысшего расцвета (портреты ван Эйка, Леонардо да Винчи, Рафаэля, Дюрера, Тициана, скульптурный портрет итальянских мастеров. 15 в.). Портрет Возрождения пронизан пафосом утверждения личности, сознанием того, что разнообразие и яркость индивидуальностей есть необходимая черта нормально развивающегося общества. Утверждение свободы личности, разнообразия ее дарований в известной мере являлось неизбежным следствием борьбы с феодальной иерархией, неравенством и сословными перегородками средневековья, расчищало дорогу новым общественным отношениям.

В искусстве Возрождения, заложившем основу художественной культуры будущего капиталистического общества, иначе, чем в античной Греции, решался и вопрос об отражении быта, «труда и дней» граждан коммуны. В классическом рабовладельческом полисе сфера обычных повседневных интересов, условия быта и жизни считались недостойными большого искусства и в очень слабой степени, получали свое отражение лишь в вазописи и отчасти в мелкой пластике. Для людей свободного города-государства раннего Ренессанса борьба с аскетизмом и мистикой средневековой этики, утверждение красоты и достоинства посюсторонней — земной жизни предопределяли радостное отражение всего богатства и разнообразия жизни, быта своего времени. Поэтому, хотя главным героем изображения был прекрасный образ совершенного человека, фон композиций часто заполнялся изображением взятых из жизни эпизодов, развертывающихся в реалистически изображенных интерьерах или на улицах и площадях родного города.

Характерной чертой искусства Возрождения явился небывалый до этого расцвет реалистической живописи. В средние века были созданы связанные с храмовой архитектурой замечательные монументальные ансамбли, полные возвышенной одухотворенности и торжественного величия. Но именно в эпоху Возрождения, живопись впервые раскрывает заложенные в ней возможности широкого охвата жизни, изображения деятельности человека и окружающей его жизненной среды. Характерное для эпохи увлечение наукой способствовало овладению анатомией человека, разработке реалистической перспективы, первым успехам в деле передачи воздушной среды, мастерству построения ракурсов, то есть необходимой сумме профессиональных знаний, которые позволили живописцам реалистически правдиво изображать человека и окружающую его действительность. В период позднего Возрождения к этому прибавилась разработка системы приемов, придающих непосредственную эмоциональную выразительность мазку, самой фактурной поверхности картины, и овладение передачей эффектов освещения, постижение начал световоздушной перспективы. Связь с наукой в эту эпоху имела своеобразный и очень органический характер. Она не сводилась лишь к использованию возможностей математики, экспериментальной анатомии, естественных наук в целом для совершенствования мастерства живописцев, ваятелей, зодчих. Пафос разума, вера в его. безграничные силы, стремление к осознанию мира в его живой образной целостности равно пронизывали и художественное и научное творчество эпохи, определяли их тесное переплетение. Поэтому гениальный художник Леонардо да Винчи был и великим ученым, а работы лучших ученых и мыслителей эпохи были не только проникнуты духом своеобразной поэзии и образности, как, например, у Фрэнсиса Бэкона, но часто сокровеннейшая суть взглядов этих ученых на общество выражалась в формах художественной литературы («Утопия» Томаса Мора).

По существу, впервые в истории искусства реалистически развернуто показывается среда, та жизненная обстановка, в которой существуют, действуют, борются люди. При этом человек остается в центре внимания художника, и он решительно господствует над окружающими и как бы обрамляющими его условиями жизни.

Решая новые по своему характеру задачи, живопись соответственно развивала и совершенствовала свои технические средства. Широкое развитие в монументальной живописи получила (особенно в Италии) фреска (Джотто, Мазаччо, Рафаэль, Микеланджело). Почти полностью исчезла мозаика, дающая возможность достижения исключительно сильных и богатых цветовых и световых эффектов, но менее, чем фреска, приспособленная для реалистической передачи объемов и их размещения в пространственной среде, для изображения сложных ракурсов. Техника темперы, особенно в искусстве раннего Возрождения, достигает своего наивысшего совершенства. Большое значение начинает приобретать с 15 в. масляная живопись. В 16 в. она становится господствующей техникой. В ее развитии особую роль сыграли нидерландские мастера раннего Возрождения, начиная с Яна ван Эйка.

Дальнейшее развитие станковой живописи, стремление к максимально жизненной передаче связи фигуры с окружающей воздушной средой, интерес к пластически выразительной лепке формы, а также пробудившийся в 20-30-х гг. 16 в. интерес к эмоционально заостренному мазку вызвали дальнейшее обогащение техники масляной живописи. Величайшим мастером этой техники был Тициан, сыгравший исключительно важную роль в последующем развитии живописи.

Стремление к широкому художественному охвату действительности и известное расширение круга «потребителей» искусства привело, особенно в северных странах Европы, к расцвету гравюры. Совершенствуется гравюра на дереве, достигает особо высокого развития резцовая гравюра на металле, зарождается и достигает своих первых успехов офорт. В таких странах, как Германия и особенно Нидерланды, широкие народные движения, небывалый размах политической борьбы вызывают потребность в искусстве, быстро и гибко откликающемся на запросы времени, активно и непосредственно участвующем в идеологической и политической борьбе. Этой формой искусства становится в первую очередь гравюра, которая заняла значительное место в творчестве таких выдающихся художников, как Дюрер, Гольбейн и Брейгель.

Большое значение для расцвета гравюры имел переход от рукописной к печатной книге. Открытие и широкое распространение книгопечатания имели огромное прогрессивное значение в деле демократизации науки и культуры, расширения и повышения идеологической воспитательной роли литературы. Гравюра являлась в то время единственной техникой, обеспечивавшей возможность совершенного художественного оформления и иллюстрирования печатной книги. И действительно, именно в эпоху Возрождения складывается современное искусство иллюстрирования и оформления книги. Ряд издателей в Италии, Нидерландах, Германии создают неповторимые по своему высокому мастерству художественные издания, как эльзевиры, альдины (их названия происходят от имен известных типографов-издателей того времени).

В скульптуре, особенно в статуях, посвященных мифологическим, библейским, а также и реальным современным деятелям, утверждаются в героизированной и монументальной форме типичные черты и качества человека того времени, раскрываются страстная сила и энергия его характера. Развивается скульптурный портрет. Широкое распространение получает перспективный многофигурный рельеф. В нем художник сочетал пластическую наглядность скульптуры и свойственную живописи глубину перспективно построенного пространства, стремился изобразить сложные события с участием большого количества людей.

Однако в отношении круга сюжетов изобразительное искусство Возрождения, за исключением индивидуального и группового портрета (пейзаж и историческая картина хотя и зарождались в это время, но не получили широкого развития), в основном продолжает обращаться к традиционным мотивам, почерпнутым из христианских мифов и сказаний, широко дополняя их сюжетами из античной мифологии. Значительная часть произведений, написанных на религиозные темы, предназначалась для церквей и соборов, имела культовое назначение. Но по своему содержанию эти произведения носили подчеркнуто реалистический характер и по существу своему были посвящены утверждению земной красоты человека.

Вместе с тем складываются в качестве полноценных самостоятельных жанров и чисто светские роды живописи и ваяния, достигает, как уже упоминалось, высокого уровня индивидуальный и зарождается групповой портрет. В период позднего Возрождения начинают формироваться как самостоятельные жанры пейзаж и натюрморт.

Новый характер в эпоху Возрождения приобретает и прикладное искусство. Суть того нового, что принес Ренессанс в развитие прикладного искусства, состояла не только в широком применении античных мотивов декора и заимствованных у древности новых форм и пропорций самих предметов (сосуды, ювелирные изделия, отчасти мебель), хотя и это имело само по себе большое значение. По сравнению со средневековьем произошло и решительное обмирщение прикладного искусства. Резко повысился удельный вес произведений прикладного искусства и архитектурного декора, украшающих интерьеры дворцов патрицианской городской знати, ратуш, жилищ зажиточных горожан. Вместе с тем если в период развитого средневековья наиболее совершенные стилистические решения достигались при создании произведений, связанных с церковным культом, а найденные формы влияли на всю область прикладных искусств, то в эпоху Возрождения, особенно Высокого и отчасти позднего, эта зависимость носила скорее обратный характер. Возрождение было периодом необычайно высокого развития прикладного искусства, создающего вместе с архитектурой, живописью и скульптурой единый стиль эпохи.

Вместе с тем, в отличие от средневековья и начальных этапов Возрождения, где все виды искусства еще тесно связаны с художественным ремеслом, происходит постепенное выделение живописца и скульптора из среды ремесленников. К началу Высокого Возрождения мастер живописи или ваяния — это артист, яркая одаренная творческая личность, полностью отделившаяся от остальной массы ремесленников. В случае успеха он богач, занимающий видное место в общественной жизни своего времени. Кажущаяся личная свобода творчества имела свои определенные преимущества, но она таила в себе и опасность неустроенности личной судьбы, несла в себе элементы конкуренции и личного соперничества, подготовила тот отрыв художника от жизни народа, который стал столь типичным для эпохи развитого капитализма. Новое положение художника в обществе таило в себе и опасность разрыва между «высоким» и «ремесленным» искусством. Но эта опасность сказалась пагубно на прикладных искусствах лишь значительно позднее. В период же Возрождения эта взаимосвязь не была полностью нарушена, — стоит лишь вспомнить замечательные ювелирные изделия ваятеля позднего Возрождения Челлини, деятельность француза Паллиси, соединившего в своем лице крупного ученого-гуманиста и замечательного мастера майолики. Поэтому не случайно, что в эпоху Возрождения не только расцветали почти все известные и раньше виды прикладного искусства, но и поднялись на новую ступень своего технического и художественного мастерства такие его отрасли, как ювелирное дело, художественное стекло, роспись по фаянсу и т. д. Жизнерадостность и звучность красок, изящное благородство форм, точное чувство возможностей материала, совершенная техника, глубокое чувство единства стиля характерны для прикладных искусств Возрождения.

В архитектуре идеалы жизнеутверждающего гуманизма, стремление к гармонически ясной красоте форм сказались с не меньшей силой, чем в других видах искусства, и вызвали решительный переворот в развитии зодчества.

Во-первых, широкое развитие получили сооружения светского назначения. Гражданская архитектура — ратуши, лоджии, рыночные фонтаны, дома призрения и т. д.- обогащается новыми принципами. Этот род архитектуры зародился еще в недрах средневековой городской коммуны и служил общественным нуждам и потребностям города. В эпоху Возрождения, особенно в ранний его период, гражданская архитектура получает особо широкое распространение и приобретает подчеркнуто монументальный и светский характер. Вместе с тем наряду с архитектурой, обслуживающей общественные потребности города, складывается совершенно новый по сравнению со средними веками вид архитектуры, жилище богатого бюргера превращается в монументальный пронизанный духом праздничной жизнерадостности дворец — палаццо. Дворцы Возрождения, особенно в Италии, наряду с ратушами и храмами в значительной мере определяли архитектурный облик ренессансного города.

Если к северу от Альп (Нидерланды, Германия) новый тип архитектуры ренессансного города на первых этапах создавался в основном путем переработки готической архитектуры в духе большей гармоничности и повышенной праздничности форм, то в Италии разрыв со средневековой архитектурой носил более открытый и последовательный характер. Особое значение имело при этом обращение к античной ордерной системе, разумность, логичность построения архитектурного сооружения, выявление тектонической логики здания. Не меньшее значение имела и гуманистическая основа ордерной системы, соотносимость ее масштабов и пропорций с масштабами и пропорциями человеческого тела.

Отсюда и столь характерное для Возрождения широкое обращение к празднично-торжественным архитектурным сооружениям, на фоне которых выступает воплощенный в монументальных скульптурных и живописных произведениях образ человека, господствующего над миром или активно борющегося в нем за достижение своих целей. Отсюда и земной, светский характер, свойственный большинству церковных сооружений, создаваемых в Италии на протяжении 15-16 вв.

Как уже отмечалось, обращение к античным мотивам было характерно не только для архитекторы. Глубоко примечательно, что и тогда, когда художники Возрождения решали задачу создания героических образов путем переосмысления старых христианских мифов и сказаний, они часто ссылались, иногда несколько наивно, на авторитет древних. Так, великий художник немецкого Возрождения Альбрехт Дюрер, высказав предположение, что ряд древних трактатов об искусстве не дошел до его времени, потому что «эти благородные книги при появлении церкви были искажены и уничтожены из ненависти к языческим идолам», замечает далее, обращаясь к отцам церкви: «Не убивайте со зла благородного искусства, которое было найдено и накоплено с великим трудом и старанием. Ведь искусство велико, трудно и благородно, и мы можем обратить его во славу божью. Ибо, как они дали своему идолу Аполлону пропорции прекраснейшей человеческой фигуры, так мы хотим теми же мерами воспользоваться для господа нашего Христа, прекраснейшего во всем мире». Далее Дюрер утверждает свое право на воплощение образа Марии в облике прекраснейшей женщины Венеры и Самсона в облике Геракла (А. Дюрер, Книга о живописи. Дневники, письма, трактаты, т. Л.-М., 1957,стр. 20.).

По существу, это означало не что иное, как решительное изменение всего действительного содержания старых христианских сюжетов и мотивов в изобразительном искусстве. Красота естественных человеческих чувств, поэзия реальной жизни решительно вытесняли мистическую преображенность и торжественную отчужденность образов средневековья.

Формирование искусства Возрождения в борьбе с пережитками средневекового искусства, рост, расцвет художественной культуры Возрождения, а затем кризис в поздний период его существования протекали по-разному в отдельных странах в зависимости от конкретных исторических условий.

В Италии, где Ренессанс получил наиболее полное и последовательное развитие, его эволюция проходила через следующие этапы: так называемый Проторенессанс («предвозрождение»), то есть подготовительный период, когда обозначаются первые признаки, предвещающие наступление художественного переворота, а затем собственно Возрождение, в котором следует различать раннее, Высокое и позднее Возрождение.

Характерной чертой Проторенессанса (последняя треть 13 — начало 14 в.) является то, что в искусстве его крупнейших представителей — живописца Джотто, скульпторов Пикколо и Джованни Пизано, Арнольфо ди Камбио — прогрессивно реалистические и гуманистические тенденции выступают в значительной мере еще в религиозных формах.

На севере период, в известной мере аналогичный Проторенессансу, выявлен не так четко и развивается, в отличие от Италии, опираясь на прогрессивные направления поздней готики. В Нидерландах он наступает к концу 14 в. и завершается к 10-м годам 15 столетия в творчестве братьев Лимбургов и скульптора Клауса Слютера. В Германии и Франции эти переходные тенденции не привели к четко выделенному из прогрессивных течений искусства поздней готики новому художественному этапу. В Чехии, которая наряду с Италией и Нидерландами была тогда одной из самых экономически развитых областей Европы, во второй половине 14 в. возникло в недрах готического искусства реалистическое и гуманистическое художественное направление, подготовляющее появление искусства Возрождения (в частности, творчество Теодориха и Мастера Тржебоньского алтаря). Кризис, вызванный гуситской революцией и ее поражением, прервал эту самобытную линию в развитии чешского искусства.

Искусство Возрождения в основном развивалось в соответствии с двумя ступенями в зарождении, а затем и начальном периоде развития капитализма в Европе, на которые ссылался в «Капитале» Маркс: «. ..первые зачатки капиталистического производства спорадически встречаются в отдельных городах по Средиземному морю уже в XIV и XV столетиях, тем не менее начало капиталистической эры относится лишь к XVI столетию. Там, где она наступает, уже давно уничтожено крепостное право и поблекла блестящая страница средневековья — вольные города» (К. Маркс и Ф. Энгельс, Соч., т. 23, стр.728).

Культура раннего Возрождения в своей исторически неповторимой форме именно и могла возникнуть только в условиях полной или почти полной политической самостоятельности таких городов-государств. Наиболее последовательно и полно этот этап раскрылся в искусстве Италии и Нидерландов. В Италии он охватывает собой весь 15 век примерно до 80-90-х гг.; в Нидерландах — время первых десятилетий 15 в. и до начала 16 в.; в Германии — почти всю вторую половину 15 века.

Расцвет искусства раннего Возрождения в Италии и Германии завершается так называемым Высоким Возрождением (90-е гг. 15 в.- начало 16 в.). Искусство Высокого Возрождения, завершая искусство в 15 в. и доводя до высшего выражения его прогрессивные тенденции, однако, представляло собой особую, качественно своеобразную ступень развития Возрождения в целом, с его стремлением к гармонической ясности и монументальной героике образа человека. Высокое Возрождение дало миру таких титанов, как Леонардо да Винчи, Рафаэль, Браманте, Микеланджело, Джорджоне, Тициан, Дюрер, Гольбейн.

В других странах, например в Нидерландах и Франции, период Высокого Возрождения был выражен значительно менее четко. В некоторых из них он и вовсе отсутствует.

К 30-40-м гг. 16 в. культура Возрождения переходит к завершающему этапу своего развития. В обстановке сложения национальных государств и изживания политической самостоятельности городов она в большинстве стран приобретает характер общенациональной культуры.

Особенности искусства периода позднего Возрождения, захватывающего последние две трети 16 в., а в Англии и начало 17 в., обусловлены тем, что оно сложилось в период первоначального накопления капитала, развития мануфактур, глубокого кризиса и распада старых патриархальных феодальных форм хозяйства, захватившего отчасти и сельские районы каждой страны, бурной колониальной Экспансии и роста антифеодальных движений народных масс. Это движение в Нидерландах переросло в первую успешную буржуазную революцию. В этот период идеологическая борьба сил реакции и прогресса приобретает особо широкий и острый характер.

В области социальной и идейной борьбы это было, с одной стороны, время нарастания и расширения как антифеодального движения буржуазии городов и даже части дворянства, так и могучего революционного подъема народных масс. Выражающая эти процессы идеологическая борьба протекала часто в религиозной оболочке возникших еще в первые десятилетия 16 в. реформаторских антикатолических движений от умеренного лютеранства до воинствующего кальвинизма или плебейски уравнительного анабаптизма. С другой стороны, период позднего Возрождения падает на время консолидации и перестройки сил феодальной реакции, в первую очередь католической церкви — так называемой контрреформации, с которой тесно связано создание иезуитского ордена.

Искусство позднего Возрождения развивалось в разных странах Европы весьма неравномерно и в глубоко своеобразных формах. Италия оказалась в связи с Великими географическими открытиями в стороне от основных центров дальнейшего экономического и политического развития Европы. Передовым силам в Италии не удалось добиться создания единого национального государства, и страна стала объектом борьбы и грабежа между соперничавшими державами — Францией и Испанией. Отсюда трагический характер, который приобретает в это время позднее творчество Микеланджело, Тициана и искусство Тинторетто. Из больших мастеров-реалистов позднего итальянского Возрождения лишь Веронезе, за исключением последних лет жизни, остается внешне чуждым трагическим проблемам Эпохи. В целом художественный вклад прогрессивных итальянских мастеров позднего Возрождения в мировую культуру был очень значителен. Одновременно в Италии этого периода раньше, чем где бы то ни было, сложилось враждебное реализму художественное течение, выражающее идеологические интересы феодальной реакции,- так называемый маньеризм.

Германия после кратковременного расцвета искусства, подобного по своему характеру Высокому Возрождению в Италии, вступает в полосу длительного и тяжелого упадка, вызванного крушением ранней буржуазной революции и политической раздробленностью страны.

В Нидерландах, переживающих период революционного подъема, во Франции, вступившей в период консолидации национального государства, в Англии, где в рамках укрепляющегося абсолютизма происходил бурный подъем экономики и культуры, период позднего Возрождения при всей характерной для него остроте социальных, этических и эстетических контрастов был временем подъема культуры и искусства и дал человечеству Гужона и Брейгеля, Рабле и Шекспира.

Очень значительной в период позднего Возрождения была роль проникнутой острейшими противоречиями культуры Испании, ставшей в 16 в. на короткое время одной из самых могучих держав Европы.

Однако испанская монархия поставила, в отличие от абсолютизма во Франции и Англии, своей целью не укрепление национального государства, а создание космополитической мировой империи. Эта задача в условиях наступившего периода консолидации буржуазных наций носила реакционно-утопический характер. II клерикально-католическая империя, на краткий период объединившая под своим скипетром Испанию, Нидерланды, Германию, значительную часть Италии, распалась, истощив и обескровив к концу 16 века саму Испанию.

В эпоху позднего Возрождения впервые в истории искусства борьба реализма и враждебных ему течений, борьба прогресса и реакции выступает в достаточно открытой и последовательной форме. С одной стороны, в творчестве позднего Тициана, Мйкеланджело, Гужона, Рабле, Брейгеля, Шекспира, Сервантеса реализм поднимается еще на одну ступень в своем стремлении овладеть богатством жизни, правдиво, с гуманистических позиций выразить ее противоречия, овладеть новыми сторонами жизни мира — изображением людских масс, столкновений и конфликтов характеров, передачей ощущения сложной «многоголосой» динамики жизни. С другой стороны, творчество итальянских маньеристов, нидерландских романистов, наконец, страстное и полное трагических противоречий искусство испанского художника Эль Греко приобретают более или менее последовательно антигуманистический характер. Противоречия и конфликты жизни в их искусстве трактуются в мистически искаженном, субъективистски произвольном плане.

В целом позднее Возрождение представляет собой качественно новый и важный этап в развитии искусства Возрождения. Утеряв гармоническую жизнерадостность раннего и Высокого Возрождения, искусство позднего Возрождения глубже проникает в сложный внутренний мир человека, шире раскрывает его связи с окружающим миром. Искусство позднего Возрождения завершает собой всю великую эпоху Ренессанса, отличаясь неповторимым идейно-художественным своеобразием, и вместе с тем подготавливает переход к следующей эпохе в развитии художественной культуры человечества.

Страница не найдена | Я,Историк

Карабиха 21.02.2012

http://sch714-nekrasov.narod.ru/             В России много прекрасных исторических уголков, связанных с именами известных людей. Одним из таких мест является Карабихская усадьба, принадлежавшая Николаю Алексеевичу Некрасову. Именно об этой усадьбе, являющейся сегодня домом-музеем великого русского поэта и пойдет речь в разделе “Малая Россия”. В километрах д […]

Ramil

Почему решил вернуться…? 18.02.2012

Почему я решил вернуться, и вновь начать посты и статьи в этот казалось уже давно забытый блог. Ответить на этот вопрос непросто, в связи с тем, что я уже принял, было решение удалить этот блог и вообще выйти из блогсферы. Однако, подумав немного, проанализировав ситуацию, сложившуюся сегодня вокруг исторического и обществоведческого образования, переменил с […]

Ramil

Сочинения историков на уроке истории 15.06.2011

Молчат гробницы, мумии и кости, -Лишь слову жизнь дана:Из древней тьмы на мировом погосте,Звучат лишь Письмена.                                               Иван Бунин Важной частью современного школьного исторического образования является формирование целостного восприятия учащимися исторического прошлого, которое предполагает умение работать не только с и […]

Ramil

Системный подход на уроках истории 11.06.2011

Сегодня, каждый учитель вправе выбрать свою концепцию урока, построить его по своей методике, давать ученикам тот материал, который считает нужным. Планируя урок, учитель может взять за основу любую из предложенных на его выбор программ. Но при этом необходимо учитывать, что урок истории сам по себе незначительная величина, даже в том плане, если он дается н […]

Ramil

О пользователях Интернета 10.06.2011

http://www.livekuban.ru/content/news/v-rossii-rastet-chislo-internet-polzovatelej С каждым годом по всему миру растет число людей, пользующихся интернетом. Не отстает в этом плане и наша страна. По прогнозам специалистов “в нынешнем году число пользователей интернет в России вырастет на 34% и составит около 63 миллионов человек”. Давайте теперь попытаемся ра […]

Ramil

Люди эпохи Возрождения. Характерные черты эпохи Возрождения

Период наивысшего культурного и идейного развития стран Европы называют эпохой Возрождения (14-16 века, Ренессанс), а сам термин придумал Джорджо Вазари. Новое веяние сменило Средневековье. Это было время развития искусства, торговли, уже зарождалась современная наука, было совершено множество открытий, изобретений. Центром культуры стала Италия. Появилось книгопечатание, что ускорило процесс получения знаний. Основные черты эпохи Возрождения — это светский характер культуры и направленность на деятельность человека и его самого. Возрастает интерес к истории античности, происходит своего рода её возрождение (отсюда и название новой эпохи). В это время Западная Европа захватила лидерство как в науке, технике, так и культуре. Рассмотрим подробнее этот период перемен и творческого взлёта.

Характерные черты эпохи Возрождения

1. Превознесение человека, преимущественно гуманистическое мировоззрение.
2. Отрицание привилегий высшего сословия, антифеодализм.
3. Новое видение Античности, ориентация на это направление.
4. Подражание природе, предпочтение естественности во всем.
5. Люди эпохи Возрождения пренебрегали схоластикой и правом (как её разновидностью).
6. Интеллигенция начинает формироваться в качестве социальной прослойки.
7. Нравственный нигилизм, религиозный анархизм (дело в том, что люди эпохи Возрождения проповедовали аморальное поведение).

Перемены в обществе

Развивалась торговля, росли города, начали формироваться новые классы в обществе. Рыцари сменились наёмной армией. Из-за географических открытий началось широкое распространение рабовладения. В Америку и Европу вывезли порядка 12 миллионов негров из Африки. Изменились общественные идеалы и мировоззрение. Образ человека в эпоху Возрождения изменился, теперь он превратился из покорного раба Бога в центр поклонения. Господствовала вера в безграничные возможности людского разума, в красоту и силу духа. Удовлетворение всех естественных (природных или натуральных) потребностей — вот идеал человека в эпоху Возрождения.

Творчество

В это время искусство отделили от ремесла. Архитектура, живопись, скульптура — всё изменилось.

Архитектура

Какие же характерные черты эпохи Возрождения в этом виде искусства, что изменилось по сравнению со Средневековьем? Теперь начали активно строить и украшать не только церковные здания. Широко распространилась «ордерная система» Античности, несущие и несомые конструкции, будь то балки или стойки, изготавливались в виде скульптур либо украшались орнаментом. В архитектуре преобладала готика. Ярким примером может служить собор в Сиене Джованни Пизано.

Живопись и скульптура

Люди эпохи Возрождения привнесли в искусство живописи пространственную и линейную перспективу, знание пропорций и анатомии тела. Появились картины с изображением сюжетов из Античной мифологии, повседневные и бытовые иллюстрации, а также темы национальной истории. Масляные краски помогали художникам воплощать их замыслы.

Виды искусства переплетались между собой. Многие гении посвящали себя нескольким видам, а не останавливались на развитии только в чём-то одном.

Литература

Данте Алигьери (1265-1321) – самый известный поэт этой эпохи. Он родился в семье феодалов во Флоренции. Считается основоположником современного литературного итальянского языка. Сонеты Данте, воспевавшие любовь не к Богу, а к простой девушке Беатриче, были смелы, дерзки и по неземному прекрасны.

Свои страстные сонеты он написал на наречии простолюдинов, сделав этот язык словом высокой поэзии. Лучшим произведением в творчестве считается «Божественная комедия», которую называют энциклопедией человеческой души. Поэт был бунтарём, потому его два раза приговаривали к смертной казни, однако он избежал такой кончины, а умер в итоге от болезней и нищеты.

Наука

Знание стало превыше всего. Своего рода культ науки. В период Ренессанса активно велись раскопки, поиски древних книг, создавались музеи, экскурсии, библиотеки. Древнегреческий и иврит начинают преподавать в школах. Учёные открыли гелиоцентрическую систему, появилось первое обоснование бесконечности Вселенной, пополнились знания по геометрии и алгебре, очень много преобразований и открытий было в сфере медицины.

Знаменитые люди эпохи Возрождения

Это время подарило множество известных гениев. В статье хотелось упомянуть тех, без кого просто не было бы эпохи Возрождения.

Донателло

Великий человек (настоящее имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди) создал новый тип круглой статуи и скульптурной группы, который впоследствии стали классикой вида и формы архитектуры Ренессанса. У Донателло много заслуг. Этот человек придумал скульптурный портрет, решил проблему устойчивости постановки фигур, выдумал новый тип надгробий, отлил бронзовый памятник. Донателло первым показал человека обнажённым в камне, сделал это красиво и со вкусом. Лучшие работы: Давид-победитель, статуя Георгия, прекрасная Юдифь, конный памятник Гаттамелате, Мария Магдалина.

Мазаччо

Настоящее имя Томмазо ди Джованни ди Симоне Кассаи (1401-1428). Одержимый живописью художник был рассеян, беспечен и равнодушен ко всему, кроме искусства. В его работах можно проследить основные черты эпохи Возрождения.

Во фресках, написанных во Флоренции для церкви Санта-Мария-дель-Кармине, впервые использовалась система линейных перспектив. Новыми для того времени были: выразительность лиц, лаконичность и почти трехмерная реальность форм. Изображая чудо, художник лишал его мистики. Самые известные работы: «Изгнание из Рая», «Грехопадение».

Иоганн Гутенберг

Одним из величайших достижений этого человека стало изобретение книгопечатания. Благодаря этому открытию распространялись смелые идеи гуманистов, повысилась грамотность населения.

Леонардо да Винчи

Этим гением восхищались во все времена. Итальянец был настолько многогранен, что удивляет, сколько же талантов соединилось в одном человеке. Родился Леонардо 15 апреля 1452 г. вблизи Флоренции (местечко Винчи), он был сыном нотариуса Пьера да Винчи и простой крестьянки. В 14 лет мальчик поступил на учебу к скульптору и живописцу Верроккьо, занимался около 6 лет. Самые популярные произведения: «Мадонна с цветком», «Тайная вечеря», «Мадонна Литта», «Мона Лиза». Самой любимой наукой считал математику, говорил, что нет достоверности там, где нельзя её точно просчитать. Порой совершенство Леонардо во всём пугает, он обладал необычными способностями, совершил тысячи открытий, которые и сейчас с трудом поддаются пониманию. Это был великий человек. Леонардо изучал полёты птиц, которые вдохновляли его на новые открытия. Он придумал паровую машину, домкрат, будильник, пирамидальный парашют, спроектировал первый летательный аппарат, самолёт (сделали его только в 20 веке) и многое другое. Леонардо говорил, что даже самые смелые замыслы человека когда-нибудь будут воплощены в реальность, и он был прав. Вклад гения в развитие общества велик. Молодой человек был хорош собой, силён, остроумен. Говорят, что он был модником. Таким образом, Леонардо просто уникален, гениален и идеален во всем.

Идеи

Учение эпохи Возрождения сводилось к тому, что людское существование можно объяснить не только религиозными догмами.

Леонардо Бруни отстаивал республиканскую форму правления. Более не считалось, что политика связана с церковью, много времени начали уделять вопросам свободы человека.

Никколо Макиавелли первым отказался от идеи дарования власти Богом своему наместнику на земле. Эта идея раскрыта в его знаменитой работе «Государь». Студенты юридических университетов и сейчас в обязательном порядке знакомятся с этим трудом.

Жан Боден также отвергал идею о даровании Богом власти, но силу государства видел именно в монархии. Правитель должен заботиться о людях, а если народ против правления тирана, то он может его свергнуть или убить.

Период Возрождения подарил человечеству множество талантливых людей, полезных открытий, культурное развитие, потому эта тема всегда интересна и востребована.

тем в искусстве эпохи Возрождения: Давид и Голиаф, конные и государственные портреты — видео и стенограмма урока

Давид и Голиаф

История Давида и Голиафа всем нам хорошо известна. Молодой пастух Давид победил самого могущественного воина региона и тем самым спас еврейский народ. Мы говорим о сценарии Давида и Голиафа, в котором побеждает проигравший, и люди эпохи Возрождения использовали его очень похожим образом.

Эта статуя — Давид , отлитая Донателло между 1440 и 1460 годами.Давид здесь молодой мальчик, держащий меч и стоящий на голове Голиафа. Итак, он уже выиграл битву. Проигравший побеждает. Донателло работал на семью Медичи во Флоренции, независимой республике, которая столкнулась с более серьезными угрозами со стороны королей и лордов по всей Европе.

Флоренция неофициально приняла Давида как символ своего города, гордясь своей способностью выживать в мире великих держав и отстаивая себя как добродетельного лидера. Подобно Давиду, чистым и невинным, они сражались с великанами и чудовищами.Тема Давида и Голиафа была популярна в эпоху Возрождения, и во Флоренции были созданы и другие статуи Давида.

Этот был отлит для Флоренции Андреа дель Верроккьо около 1475 года. Этот Давид также изображает из себя гордого победителя, давая нам понять, что определенный стиль был связан с этой темой. Однако, пожалуй, самый известный из флорентийских Давидов нарушает эту традицию. Микеланджело завершил в 1504 году огромного мраморного Давида, который готовится к битве, еще не победив.

Тем не менее, тема Давида, тема неудачника остается. В данном случае это обещание, что Флоренция будет защищаться и победит, несмотря ни на что. Вместо символа прошлых побед Микеланджело сосредотачивается на проблемах, которые ждут впереди. Благодаря общему использованию этой темы художники Флоренции вели вековой разговор о судьбе своего города через свои статуи.

Конные статуи

Тема Давида и Голиафа восходит к христианскому наследию, которое было очень важной частью жизни эпохи Возрождения.Другая сторона итальянского наследия пришла из классических цивилизаций Древней Греции и Рима, и поэтому художники также начали разрабатывать темы, связанные с этими стилями.

Одной из очень примечательных тем была конная статуя , классический стиль генерала или императора верхом на лошади. Когда венецианский генерал Гаттамелата скончался, его семья и город решили почтить его конной статуей и наняли Донателло для ее создания. Конные статуи эпохи Возрождения стремились запечатлеть как победоносный героизм, так и личность полководца.

Гаттамелата, Донателло

Гаттамелата Донателло показывает уверенного в себе, умного, решительного и спокойного командира. Сравните это с конной статуей другого венецианца, Бартоломео Коллеони, работы Верроккьо. Этот генерал выглядит свирепым, непреклонным и готовым к действию. В обеих статуях лошадь так же важна, как и генерал, отражая один и тот же смысл действия.

Состоятельные меценаты и портретная живопись

В эпоху Возрождения важность портретов возросла, и существовало несколько способов, которыми кто-то мог заказать собственное изображение помимо генералов верхом на лошадях.Меценаты, заказывавшие церкви дорогие произведения искусства, часто просили включить их изображения.

В Северной Европе фламандские художники эпохи Возрождения действительно сосредоточились на использовании портретной живописи, чтобы запечатлеть личные эмоции и характеры своих персонажей. Эти художники также представили позу профиля 3/4, в отличие от предыдущего полного профиля. Новая поза была более личной и прямой, позволяя лучше изучить особенности объекта. Поскольку только богатые могли позволить себе портреты, часто возникали определенные темы.Субъекты, как правило, кажутся уверенными и сильными и почти всегда одеты в шелка или меха, лучшие одежды эпохи Возрождения.

Резюме урока

В период искусства с конца 14 по 16 века, называемый Ренессансом , несколько стилей искусства приобрели большое значение.

Тема Давида и Голиафа часто использовалась крупным художественным городом Флоренцией как символ их роли в мире как справедливой, праведной республики, сражающейся с более крупными королевствами.Флоренция наняла художников от Донателло до Верроккьо и Микеланджело для создания статуй Давида , представляющих их город.

Еще одной популярной темой эпохи Возрождения была конная статуя или полководца, сидящего верхом на лошади, которая была заимствована из римских традиций. Эти статуи представляли собой большие портреты, которые стремились запечатлеть не только внешний вид, но и личность субъекта.

Портретная живопись эпохи Возрождения развивалась как тема, чему способствовали нововведения североевропейских художников.Темы благочестия или богатства были очень распространены. Повторяющиеся темы в искусстве помогли каждому понять смысл искусства. Так же, как темы в вашей ванной, пусть все знают, как сильно вы действительно хотите, чтобы вы были во Флорида-Кис.

Результаты обучения

Достичь следующих целей по окончании этого урока:

• Распознать общие темы искусства эпохи Возрождения
• Обсудите символику статуй Давида, заказанных Флоренцией в эпоху Возрождения
• Характеристика конных статуй эпохи Возрождения
• Подчеркните стиль портретной живописи, развивавшийся в эпоху Возрождения

Ренессанс Paragone: живопись и скульптура

В искусствоведческом контексте итальянское слово paragone («сравнение», мн. paragoni ) может относиться к любому из ряда теоретических дискуссий, которые повлияли на развитие художественной теории в Италии 16-го века. К ним относятся сравнение различных эстетических качеств центрально-итальянской и венецианской школ живописи (так называемая disegno/colore paragone ) и то, была ли живопись или литература более убедительной и описательной средой. Но термин paragone чаще всего относится к спорам об относительных достоинствах живописи и скульптуры в эпоху Возрождения.Эти дебаты развернулись в основном в Италии, но также и в Нидерландах (Фландрия и Нидерланды) в трудах об искусстве и самих произведениях искусства и дают нам представление о некоторых из наиболее значительных художников и художников эпохи Возрождения.

 

Джамболонья: Похищение сабинянки , мрамор, 1582; фото Сына Граучо (Flickr), Wikimedia Commons

 

Дух соперничества

Разработка paragoni проистекает из фундаментальных тем конкуренции и соперничества, которые окрашивают историю искусства эпохи Возрождения, особенно в Италии.Поскольку эпоха Возрождения включала в себя «возрождение» культуры классической Греции и Рима, художники эпохи Возрождения не только восхищались древними художниками, такими как Апеллес и Пракситель, но и конкурировали с ними. При этом они могут попытаться улучшить древнее искусство — либо за счет использования того же предмета, либо за счет решения технической проблемы, представленной в старинном произведении. Примером последнего является картина Джамболоньи «Похищение сабинянки» (вверху), которая состоит из трех монументальных человеческих фигур, вырезанных из цельного куска мрамора, — удивительный подвиг, который древние писатели приписывали знаменитой группе Лаокоона.Художники эпохи Возрождения, естественно, также соревновались друг с другом, участвуя в гражданской и личной конкуренции, например, между городами-государствами Сиеной и Флоренцией, а также в конкурсах за комиссионные, такие как желанная работа по созданию набора бронзовых дверей для флорентийского баптистерия. присужден Лоренцо Гиберти после его победы над Филиппо Брунеллески и другими в 1401 году. Даже самый фундаментальный эстетический принцип Возрождения — натурализм, предполагавший создание идеализированных версий наблюдаемого физического мира — поставил искусство в соревнование с природой.

Картина как зеркало природы

Руководящий принцип натурализма и изучение древнего искусства определяют аргументы обеих сторон картины/скульптуры paragone . Хотя различные пункты каждого аргумента не были систематизированы до середины 16 века Бенедетто Варки, они уже давно репетировались на различных аренах, начиная с художественных трактатов середины 15 века. Леон Баттиста Альберти в своем трактате о живописи 1435 года ( De Pictura ) изложил множество аргументов в пользу живописи — что она была идеальной средой для имитации мира природы, потому что могла представить всю сцену так, как если бы она рассматривалась через окно; что это было трудное интеллектуальное упражнение, связанное с наукой о перспективе; и что он лучше всего подходил для изображения сложных повествований, которые Альберти считал самым благородным типом сюжета.Несколько десятилетий спустя Филарете заметил, что живопись обладает большим потенциалом для натуралистического изображения из-за ее способности передавать цвет и текстуру, чтобы создать иллюзию любого материала или объекта. Те же темы использования цвета для создания иллюзионистских эффектов и интеллектуальных аспектов композиции картины были повторены Леонардо да Винчи в его обширных примечаниях к трактату о живописи и Бальдассаре Кастильоне в его Книге придворного (начало 1508 г.). ). Эта живопись требовала больше умственных способностей, чем физических усилий, а технические навыки были важны в попытках художников поднять свое искусство до уровня ученой научной деятельности.

 

Аполлоний: Бельведерский торс , мрамор, 1 век до н.э.; фото Стивена Цукера (Flickr: profzucker)

 

Скульптура и искусство древности

Аргументы в пользу скульптуры реже появлялись в трудах эпохи Возрождения, но вместо этого разыгрывались в силе развития самой среды в этот период и ее неявных связях с античным искусством. Флорентийские скульпторы 15-го века в значительной степени инициировали стилистическое развитие эпохи Возрождения, настолько, что во введении к своему трактату о живописи Альберти признал выдающиеся достижения четырех скульпторов (Брунеллески, также знаменитого архитектора; Гиберти; Лука делла Роббиа; Донателло) и только один живописец (Мазаччо, которого уже несколько лет как нет в живых). Учитывая внимательное изучение художниками эпохи Возрождения произведений античного искусства, они прекрасно понимали, что основная часть того, что уцелело, состояла из мраморных и бронзовых статуй и рельефов. Мало того, что эта ситуация продемонстрировала преимущество долговечности скульптуры, это также означало, что художники зависели от древних скульптур, таких как торс Бельведера, в качестве моделей — часто для поз и идеализированных изображений человеческих фигур — чтобы придать своим работам классический оттенок. Более распространенная защита скульптуры была связана с ее трехмерностью: живопись никогда не могла достичь натурализма скульптуры, потому что она могла лишь приблизиться к глубине и объему, в то время как скульптура существовала в объемном пространстве, как и имитируемая вещь, и ее можно было рассматривать с разных сторон. углы.В своем вкладе в обсуждение Варки парагона Микеланджело утверждал, что живопись была хороша только в том случае, если она имитировала трехмерные качества скульптуры, точка зрения, которую его последователь Бенвенуто Челлини поддержал свидетельством того, что сам Микеланджело работал по этому принципу и был признан многими величайшим художником в истории.

 

Петрус Кристус: Рождество , панель, масло, ок. 1450; изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия

 

Визуализация

парагона

Споры о достоинствах живописи и скульптуры возникают и в произведениях искусства того периода.Эти примеры часто включают картины, имитирующие скульптуру, и скульптуры, имитирующие живопись, что является стратегией подрыва утверждений об уникальных преимуществах одного искусства над другим. Скульпторы — прежде всего Донателло за его Пир Ирода и мраморные скьяччато рельефы, а также Гиберти за его Врата Рая — использовали системы линейной и воздушной перспективы в повествовательных сценах, которые художники считали важными компонентами хорошая картина.Эти рельефы являются одними из самых почитаемых произведений раннего Возрождения и оказали большое влияние как на следующее поколение скульпторов, так и на художников. В таких работах, как «Рождество» (вверху), Петрус Кристус сопоставил богатую, красочную сцену, ставшую возможной благодаря недавнему принятию масляной живописи среди фламандских художников, и вымышленную каменную арку со статуями и рельефами в стиле гризайль. Кристус противопоставляет натуралистичные цвета и текстуры, которые могут быть представлены в живописи, монохромной скульптуре, показывая, что художник также может создавать эффекты скульптуры на плоской поверхности.Тициан использовал аналогичный прием в своем Женском портрете («Ла Скьявона») , , включая вымышленный каменный рельеф своего объекта в профиль рядом с красочным, ярко выполненным портретом. Чтобы показать, что художники также могут изображать фигуры с разных ракурсов, они включили в свои композиции отражающие поверхности (также виртуозная демонстрация иллюзионистского мастерства). Согласно источнику 15-го века, Ян ван Эйк написал великолепную картину (ныне утерянную), изображающую обнаженную женщину, выходящую из ванны, спина которой отражается в зеркале на стене. Картина Тициана «Венера с зеркалом» ( ниже), вероятно, была вдохновлена ​​письменным описанием и также отвечала аргументу в пользу скульптуры, что только круглая фигура может быть видна с разных точек зрения.

В других работах подчеркивалась связь с античностью. В своем использовании материалов — бронзы и мрамора — и возрождении типов, сохранившихся до современной эпохи — например, конных фигур и портретных бюстов — скульпторы эпохи Возрождения открыто ссылались на древнюю скульптуру, тем самым демонстрируя ее преимущества в создании прочных памятников.Такие художники, как Сандро Боттичелли и Андреа Мантенья, воссоздавали старинные картины и рисунки, используя древние писания, такие как описание Лукианом аллегории клеветы (клеветы) греческого художника Апеллеса. Такие работы не только должны были ослабить претензию на особую близость скульптуры эпохи Возрождения и античности, но и выставляли напоказ образование художников и знакомство с древними текстами.

 

Тициан: Венера с зеркалом , холст, масло, ок. 1555; изображение предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон, округ Колумбия

 

Растущий статус изобразительного искусства

Споры о первенстве живописи или скульптуры в значительной степени способствовали формированию взглядов на важность изобразительного искусства и социального статуса художников. Ученые ученые и меценаты участвовали в дебатах вместе с самими художниками, помогая переделать художников и скульпторов в интеллектуалов, а не в мастеров на уровне плотников и ткачей.Это развитие не только привело к повышению социального статуса художников, что особенно заметно в славе и восхищении, которыми были удостоены Микеланджело, Рафаэль, Тициан и Леонардо да Винчи, но также способствовало созданию академий искусств. Академии, сначала в Италии, а затем по всей Европе, институционализировали теоретические и эстетические принципы, возникшие из paragoni , оставив влияние на западные художественные традиции на века.

Интернет-ресурсы

Умная история. org, Ренессанс в Италии и на Севере [видео, короткие очерки, изображения на тематические темы, СМИ и художники]

Smarthistory.org, Высокое Возрождение [видео, короткие очерки, изображения на тематические темы, СМИ и художники]

Юниверсал Леонардо, Университет искусств, Лондон, Парагон : живопись или скульптура? [эссе, обобщающее работы Леонардо о paragoni ]

Heilbrunn Хронология истории искусств, Метрополитен-музей, Новое открытие классической античности [эссе с изображениями и ссылками на соответствующий контент]

Учебные ресурсы итальянского Возрождения, Становление художника [эссе, изображения и первоисточники]

Дальнейшее чтение

Мендельсон, Леатрис: Due lezzioni Бенедетто Варки и Теория искусства Чинквеченто (Анн-Арбор: University of Michigan Press, 1982).

Эймс-Льюис, Фрэнсис: «Изображение и текст: Paragone » в Интеллектуальная жизнь художника раннего Возрождения (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 2000).

Леонардо да Винчи: Леонардо о живописи , изд. Мартин Кемп (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 2001).

Гоффен, Рона: Соперники эпохи Возрождения: Микеланджело, Леонардо, Рафаэль, Тициан (Нью-Хейвен: издательство Йельского университета, 2002).

Искусство Высокого Возрождения. История и концепции

Начало Высокого Возрождения

Термин «Ренессанс»

Только в 1855 году французский историк Жюль Мишле впервые ввел слово «Возрождение» для обозначения новаторской живописи, архитектуры, и скульптура в Италии с 1400-1530 гг.Использование им этого термина было основано на упоминании историком эпохи Возрождения Джорджио Вазари «возрождения» для описания того же периода в его «Жизнеописания самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» (также известном как «Жизнеописания художников» ) ( 1568 г.).

Термин был введен археологом и историком искусства 18 ^— годов Иоганном Иоахимом Винкельманом в книге «История древнего искусства в древности » (также переводится как «История древнего искусства ») (1764 г. ), характеризующей классическое искусство греков. как «Высокий стиль.«Новаторская книга Винкельмана положила начало изучению истории искусства и стала основой европейской интеллектуальной жизни, а также достигла широкой аудитории. Он чувствовал, что целью искусства является красота, идеал, достигнутый греками и в искусстве Высокого Возрождения, как он писал, «только итальянцы умеют рисовать и изображать красоту». да Винчи Тайная вечеря (1490-е годы) и заканчивая разгромом Рима армией императора Карла V в 1527 году.За последние тридцать лет некоторые современные ученые критиковали этот термин за чрезмерное упрощение.

Переход от раннего Возрождения

Художники Высокого Возрождения находились под влиянием линейной перспективы, затенения и натуралистической фигуративной обработки, начатой ​​художниками Раннего Возрождения, такими как Мазаччо и Мантенья. Но они осваивали эти приемы для того, чтобы передать новый эстетический идеал, ценивший прежде всего красоту. Человеческая фигура рассматривалась как воплощение божественного, и новые техники, такие как масляная живопись, использовались для передачи человеческого движения и психологической глубины в градациях тона и цвета.Опираясь на классическую греческую и римскую пропорциональную точность в архитектуре и анатомическую правильность тела, такие мастера, как Леонардо, Микеланджело и Рафаэль, создавали мощные композиции, в которых части их предметов изображались гармоничными и связанными с целым.

Леонардо да Винчи

Высокое Возрождение началось с работ Леонардо да Винчи, таких как его картины, Дева в скалах (1483-1485) и, в первую очередь, Тайная вечеря (1490-е гг.), иллюстрированные психологическая сложность, использование перспективы для драматического фокуса, символизма и научно точных деталей.Однако обе работы были созданы в Милане, и только в 1500 году, когда Леонардо вернулся во Флоренцию, процветающий центр искусства и культуры, его работы оказали влияние на город. Его этюд для Богородица с младенцем и святой Анной (ок. 1499–1500) был выставлен в церкви Сантиссими Аннунциата, куда многие художники приходили изучать его.

Научное понимание и наблюдение Леонардо природных явлений и его чувство математической пропорции также оказали глубокое влияние.Его основополагающий рисунок тушью Витрувианский человек (1490 г.) показал идеальные человеческие пропорции, коррелирующие с идеальными архитектурными пропорциями, предложенными римским архитектором Витрувием в его Де архитектуре (30-15 гг. до н.э.). Рисунок занят почерком Леонардо, который иллюстрирует его глубокие научные исследования в области анатомии, например, «длина раскинутых рук равна росту человека».

Леонардо был не только известным художником, но и эрудитом, которого называют отцом архитектуры, технологии и палеонтологии, среди других областей.Он был известным изобретателем, картографом, инженером, и его открытия и наблюдения, записанные в его записных книжках, нашли свое отражение в различных коллекциях, называемых, среди прочего, Кодексом Арундела (1480-1518) и Кодексом Лестера (1510). . Для некоторых эти записные книжки стали такими же ценными, как и его работы.

Эпоха мастеров и соперничества

В эпоху Высокого Возрождения доминировали несколько прославленных мастеров, и между ними возникло соперничество, когда они соперничали не только за благородное покровительство, но и за высочайшее мастерство в своем искусстве.Во Флоренции, в то самое время, когда толпы собирались, чтобы посмотреть карикатуру Леонардо на Дева Мария и Святая Анна (ок. 1499-1500), Микеланджело стал восходящей звездой, создав Пьета (1496-1498) .

Микеланджело считал скульптуру выдающимся искусством и даже в живописи изваял человеческую форму. С созданием культовой статуи Давид (1501–1504) закрепилась его репутация скульптора, чьи работы олицетворяют собой Высокое Возрождение. Дэвид получил центральное место в городе Флоренция, поддерживая дух города-государства по защите своих гражданских свобод.

Соперничество между Микеланджело и Леонардо началось в 1504 году, когда их конкурирующие фрески были заказаны для противоположных стен в Зале пятисот. Как писал искусствовед Джонатан Джонс о Микеланджело: «Он был жестоко соперничающим, и ему нужно было превзойти Леонардо. Это стало соревнованием не в мастерстве, в котором они оба были вне конкуренции, а в воображении и оригинальности.Леонардо, старший художник, уже был известен не только как одаренный живописец, но и как поистине оригинальный ум… [Микеланджело] изложил свои претензии на подобное личное, уникальное видение». выбор батальной сцены, где нападают на обнаженных купальщиков, что позволяет динамично и, по существу, скульптурно трактовать обнаженное мужское тело. Cascina (1504-1506), к сожалению, не были завершены, так как оба мужчины были привлечены к другим поручениям.Тем не менее работы продолжали оказывать влияние на других художников, особенно на Рафаэля, которые продолжали копировать шедевры, стремясь развивать свои собственные художественные практики.

Папа Юлий II

Рим стал художественным центром Высокого Возрождения благодаря покровительству Папы Юлия II, правившего с 1503 по 1513 годы. Юлий II был известным коллекционером произведений искусства, владевшим Лаокооном (ок. 42–20 до н. Э.) И Аполлоном Бельведерским (ок. 120–140), а также другими известными классическими произведениями, которые стали основой искусства Ватикана. музеи.Он был выдающейся личностью, превратившей папство в экономическую и военную силу, господствовавшую над большей частью Италии. Его целью было сделать Рим культурным центром Европы вместо Флоренции. Чтобы добиться этого, он горячо преследовал великих художников того времени, убеждая Рафаэля переехать в Рим, чтобы расписывать фрески папских апартаментов Ватикана. После заказа Микеланджело создать папскую гробницу. он уговорил сопротивляющегося скульптора расписать потолок Сикстинской капеллы (1508–1512).Стремление Папы перестроить базилику Святого Петра и перепроектировать Ватикан привело к тому, что он нанял Браманте, Микеланджело и Рафаэля на роли архитекторов своих грандиозных планов. После смерти Юлия II папское покровительство искусству продолжалось при Папе Льве X, сыне Лоренцо Медичи, патриарха правящей (любившей искусство) семьи Флоренции.

Высокое Возрождение: концепции, стили и тенденции

Человек эпохи Возрождения

В годы раннего Возрождения широко пропагандировались концепции гуманизма.В то время как искусство предшествующего готического периода делало упор на обожествлении светского и религиозного, художники Флоренции 14 ^— веков были больше озабочены местом человека в мире. Художники Высокого Возрождения развили это исследование, исследуя концепцию «универсального человека», другими словами, гениального человека, вдохновленного Богом, который мог преуспеть во всех аспектах искусства и науки. Термин «человек эпохи Возрождения» до сих пор используется для описания разностороннего и разностороннего человека, который демонстрирует мастерство в широком спектре интеллектуальных и культурных занятий.

Этот идеал, разработанный Леоном Баттистой Альберти «Человек может делать все, если захочет», был воплощен Леонардо да Винчи, как писал Вазари в « Жизнеописаниях художников» (1568 г.): «При нормальном ходе Многие мужчины и женщины рождаются с замечательными талантами, но иногда, каким-то образом, превосходящим природу, один человек чудесным образом одаривается от Неба красотой, изяществом и талантом в таком изобилии, что он оставляет других людей далеко позади, все его действия кажутся вдохновенно, да и вообще все, что он делает, явно исходит от Бога, а не от человеческого умения.Все признавали, что это верно в отношении Леонардо да Винчи, художника выдающейся физической красоты, который проявлял бесконечную грацию во всем, что он делал, и который так блестяще развивал свой гений, что все проблемы, которые он изучал, он решал с легкостью». только преобладал период, но последующие размышления о художественных способностях, позиционируя художника как вдохновленного Богом гения, а не просто известного мастера. практика таких мастеров, как Рафаэль, Леонардо и Микеланджело, была основана на новшествах среды.Например, для росписи Сикстинской капеллы Микеланджело не только разработал систему строительных лесов, чтобы добраться до места, но и разработал новую формулу и способ нанесения фрески для решения проблемы плесени, а также технику мытья и использование различных кистей. , чтобы сначала применить цвет, а затем добавить мелкие детали, тени и линии. Для своего «Тайная вечеря » (1490-е годы) Леонардо экспериментировал, работая над сухой фреской, и использовал комбинацию масла и темперы для достижения эффекта масляной живописи.Рафаэль, Леонардо и Микеланджело использовали в своих фресках trompe l’oeil , технику, с помощью которой достигается иллюзия живописного пространства, интегрируемого в окружающую архитектурную среду.

В то же время многие шедевры Высокого Возрождения впервые были написаны маслом, как правило, на деревянных панелях, но иногда и на холсте. Поскольку масла давали больше возможностей для тонких тональных и цветовых градаций, полученные работы были более реалистичными.В результате появился новый корпус убедительных портретов обычных людей. Мона Лиза Леонардо , несомненно, самый известный пример. Другие художники Высокого Возрождения, такие как Андреа дель Сарто в его «Мадонне с гарпиями » (1517 г.) и Фра Бартоломео в его «Портрете Джироламо Савонаролы » г. (ок. 1497–1498), также создали мощные работы маслом.

Практика Леонардо в масляной живописи привела его к разработке новой техники под названием Sfumato , что означает «исчез постепенно, как дым».Это включало использование полупрозрачных глазурей, обработанных кистью, для создания постепенных переходов между тонами света и тени. В результате, как писал Леонардо, «без линий или границ, в виде дыма», создавалась яркая имитация реальности, лишенная всякой очевидности. мазков кисти художника.Другие художники Высокого Возрождения, такие как Рафаэль, Фра Бартоломео и Корреджо, также освоили стиль, который позже сильно повлиял на художников эпохи Возрождения венецианской школы, таких как Джорджоне, а затем и на художников-маньеристов.

Квадратура

Квадратура — это термин, используемый для расцветающего жанра потолочных росписей того времени, примечательного тем, как они объединяются с окружающей архитектурой, и известного использованием trompe l’oeil . Эти работы не только включали в себя плавную интеграцию между живописью и локацией, но также часто требовали создания фиктивных архитектурных особенностей для визуального изменения конфигурации сайта. Использование квадратуры часто использовалось в католических церквях для создания впечатляющего эффекта, что прямо противоречило движению к протестантизму, которое позже стало Реформацией.

Квадратура требовала зрительно-пространственных навыков и мастерского использования линейной перспективы, которая впервые была впервые применена Андреа Мантенья в его потолке Camera degli Sposi (1465-1474) в Герцогском дворце Мантуи. Его работы особенно повлияли на Антонио Аллегри да Корреджо, известного просто как Корреджо, лидер Высокого Возрождения в Парме.

Потолочные фрески Корреджо, Видение святого Иоанна Богослова на Патмосе (1520-1521) и Успение Богородицы (1524-30), дальнейшее развитие иллюзорных эффектов квадратуры за счет использования им новых революционных техник, таких как ракурс тел и предметов, чтобы они казались подлинными, если смотреть снизу.Этот метод, также известный как prospettiva melozziana , или «перспектива Мелоццо», был разработан Мелоццо да Форли, итальянским художником и архитектором.

Архитектура

Ведущим архитектором Высокого Возрождения был Донато Браманте, наиболее известный своим акцентом на классическую гармонию, использование центрального плана и вращательной симметрии, как видно из его Tempietto (1502). Вращательная симметрия включала использование восьмиугольников, кругов или квадратов, так что здание сохраняло одну и ту же форму с разных точек зрения.Он также создал первый эффект trompe l’oeil для архитектурных целей в церкви Санта-Мария-прессо-Сан-Сатиро в Милане. Из-за наличия дороги за стеной церкви для зоны хора оставалось всего три фута, поэтому архитектор использовал линейную перспективу и живопись, чтобы создать иллюзорное ощущение расширенного пространства.

Ученик Браманте Антонио да Сангалло Младший спроектировал Палаццо Фарнезе, который сэр баристер Флетчер назвал «самым внушительным итальянским дворцом 16 века».« Дизайн придерживался классических принципов, имел спартанскую простоту и использовал рустовку, в результате чего строительный камень оставался в текстурированном и незавершенном состоянии, что позволяло использовать естественные линии и цвет. Однако эпоха была отмечена конкурирующими проектами и личным соперничеством. Кардинал Фарнезе, ставший папой Павлом III в 1534 году, был недоволен дизайном карниза Палаццо и провел конкурс на новый проект, который был присужден Микеланджело.Популярная история повествует о том, как Сангалло Младший умер от стыда в следующем году, когда Микеланджело завершил последние штрихи здания.

Микеланджело был главным соперником Браманте, так как в более позднем возрасте он работал архитектором. Он спроектировал Лаврентьевскую библиотеку во Флоренции и создал купол базилики Святого Петра, хотя здание в целом отражало работы Браманте, Рафаэля и более поздних архитекторов, таких как Бернини. Эта работа, выполненная в период с 1523 по 1571 год, была особенно новаторской; создавая динамическое ощущение движения в элементах лестницы и стен, которое оказало влияние на более поздних архитекторов.

Скульптура

Несомненным мастером скульптуры эпохи Высокого Возрождения был Микеланджело, чья Пьета , (1498-1499), законченная, когда ему было всего двадцать четыре года, положила начало его карьере.Он решил изобразить необычно юную Деву Марию, держащую на коленях мертвого Христа. Хотя обработка этой сцены была популярна во Франции, она была совершенно новой для итальянского искусства. Пирамидальная композиция произведения и натуралистическая образная трактовка создали мощный классический эффект. Тем не менее, работа также показала инновационные варианты. Монументальный масштаб Богородицы по сравнению с Христом придавал произведению высокоэмоциональный материнский аспект и стал фирменным приемом художника в его творчестве, этой манипуляцией с высоким контрастом.В отличие от скульпторов раннего Возрождения, таких как Донателло, которые работали с бронзой, Микеланджело единолично возродил классическое использование мрамора и привнес элементы монументальности во все свои последующие скульптуры, как в размере фигур, так и в масштабе проектов.

Леонардо также занимался скульптурой, в частности, спроектировал самую большую в мире бронзовую конную статую. По заказу герцога Миланского в 1482 году в честь своего отца проект так и не был завершен, так как глиняная модель художника высотой 24 фута была уничтожена вторжением французской армии в Милан в 1499 году.Несколько версий лошади, основанных на рисунках художника, были созданы в наше время.

Более поздние разработки — После Высокого Возрождения

Идеалы и гуманизм, которые легли в основу Высокого Возрождения, продолжали вдохновлять мир за пределами Италии, хотя и с заметными стилистическими и художественными вариациями. Его влияние распространится на Североевропейское Возрождение, представленное Альбрехтом Дюрером, Питером Брейгелем и другими, а также на венецианское Возрождение и венецианскую школу живописи, возглавляемую Джорджоне, Тицианом и архитектором Палладио.Между тем, работы Корреджо quadratura повлияли на художников Карло Чиньяни, Гаурденцио Феррари, Иль Порденоне и оказали заметное влияние на обработку куполов и потолков в стиле барокко и рококо.

Смерть Леонардо в 1519 году, за которой последовала смерть Рафаэля, когда ему было всего 37 лет в следующем году, ознаменовали уменьшение яркости итальянского Высокого Возрождения. Разграбление Рима войсками императора Священной Римской империи Карла V в 1527 году положило конец эпохе. Жестокое и ужасающее событие сократило население Рима с 55 000 до 10 000 человек и оставило город в состоянии краха и финансового краха.Идеалы Высокого Возрождения многим казались уже несостоятельными. Фреска Микеланджело « Страшный суд » (1536–1541) в Сикстинской капелле выразила более мрачный эмоциональный тенор следующих десятилетий. В скульптуре он обратился к пьетам и изображениям пленных рабов, таким как его Атласский раб (1530-34).

Микеланджело более поздние подходы к выражению повлияли на маньеристов, включая Якопо да Понтормо, Россо Фиорентино, Джорджио Вазари и Франческо Сальвиати.Его фигуративное обращение, особенно с обнаженным мужчиной, повлияло на бесчисленное количество художников. Более поздние художники эпохи барокко, неоклассицисты и авангардисты 20 90–249–90–250 веков также испытали большое влияние произведений эпохи Возрождения. Например, Пабло Пикассо обратился к Рафаэлю в своем Гернике (1937), ссылаясь на Пожар в Борго (1514), на котором изображена женщина, передающая своего ребенка тем, кто внизу, когда она высунулась из горящего здания.

Произведения, созданные художниками итальянского Высокого Возрождения, остаются самыми узнаваемыми и популярными произведениями истории искусства. Мона Лиза , Тайная вечеря , Сотворение Адама и Сикстинская Мадонна были воспроизведены на бесчисленном количестве потребительских товаров, упоминаются в популярных песнях, телешоу, видео и часто используются в рекламе.

Кроме того, идеи Высокого Возрождения — художник как гений, фундаментальная природа классического искусства, личность как центр вселенной, ценность науки и исследований, акцент на гуманизме — все это глубоко повлияло на общественное и культурные ценности мира с тех пор.

Искусство и архитектура Высокого Возрождения

Тайная вечеря (1490-е гг.)

Художник: Леонардо да Винчи

Эта знаковая работа является одной из самых узнаваемых картин в мире. На нем изображен Христос, его форма образует треугольный узел в центре, от которого его ученики сидят рядом с ним на Тайной вечере накануне его самого известного предательства Иудой. Группа сидит за длинным прямоугольным столом, который образует границу между зрителем и участниками этого самого священного момента.Стены с обеих сторон образуют диагонали, которые сужаются к трем открытым окнам на заднем плане позади Христа, еще больше подчеркивая его центральную роль в сцене и мощные драматические результаты, полученные от использования линейной перспективы.

В этой работе Леонардо отошел от традиции изображать Иуду отдельно от группы и вместо этого передал свое предательство, показывая его жестко спрятанным в тени. Предыдущие художники изображали этот случай, когда Иуда был назван предателем, но Леонардо решил впервые изобразить момент непосредственно перед этим, когда Христос сказал: «Истинно говорю вам, что один из вас предаст Меня.

Этот художественный выбор высветил напряженный психологический момент, показав, как реагировали ученики, каждый по-своему, передавая свои самые глубокие чувства. Леонардо хотел изобразить апостолов в движении, так как каждый жест передал движение души. он писал: «Тот, кто пил, оставил свой стакан на месте и повернул голову к говорящему. Другой заламывает пальцы рук и хмуро поворачивается к своему спутнику. Другой с раскинутыми руками, чтобы показать ладони, пожимает плечами до ушей и ртов в изумлении.Другой говорит на ухо своему соседу, и слушатель поворачивается к нему всем телом и подставляет ему ухо, держа в одной руке нож, а в другой кусок хлеба, наполовину разрезанный ножом». предмет, изучение Леонардо оптики, тени и света наполняют работу, создавая ощущение движения, которое проходит через группу, как волна эмоций. В результате это становится тем, что историк искусства Джейкоб Буркхардт назвал «беспокойным шедевром».»

Радикальные эксперименты художника с медиа также можно увидеть. Чтобы добиться эффекта, подобного масляной живописи, Леонардо использовал масло и темперу для рисования по сухой стене, предварительно нанеся штукатурку, а затем добавив нижний слой белого пигмента, чтобы увеличить яркость цветов

Также интересно то, как Леонардо интегрировал элементы в сцену в зависимости от ее местоположения Герцог Людовико Сфорца заказал картину для трапезной монастыря Санта-Мария-делле-Грацие, и художник создал ее так, чтобы Христос а его ученики казались продолжением того места, где обедали монахи.Используя итальянские модели для учеников, изображая тосканский пейзаж и включая тарелку с дольками апельсина и жареным угрем, популярным блюдом того времени, он привнес обычные элементы, которые монахи узнают, в знаменитую религиозную сцену.

В течение первых нескольких десятилетий краска начала портиться, и другие события повредили работу. Тем не менее, эта работа оказала большое влияние, поскольку на нее ссылаются в работах Сальвадора Дали, шелкографии Энди Уорхола и работах художника и режиссера Питера Гринуэя.Одно из самых популярных и узнаваемых произведений искусства, оно было воспроизведено в бесчисленном количестве предметов потребления, от настенных календарей до бархатных гобеленов. Критик современного искусства Питер Конрад писал о фреске: «Интересно, не хотел ли Леонардо, чтобы она разрушилась? создать чудесно прекрасную картину, которая почти сразу же начинает возвращаться, как тела и умы всех, кто смотрит на нее, в бесформенный хаос?»

Советы по пониманию картин эпохи Возрождения

Когда я пишу об искусстве, моей целью всегда было сделать его более доступным для людей.Я хочу, чтобы у людей, которые путешествуют, был ресурс, где они могли бы узнать немного больше об искусстве, которое они увидят, и, возможно, лучше его оценить. Я надеюсь, что этот вклад в июньский круглый стол ArtSmart, посвященный теме картин, позволит вам оценить этот несколько пугающий мир искусства эпохи Возрождения. В следующий раз, когда вы посетите музей или увидите искусство эпохи Возрождения в Италии, вам могут пригодиться эти советы по пониманию картин эпохи Возрождения.

1) Ищите использование строки

Линейная перспектива была создана в эпоху раннего Возрождения в первой половине 15 века.Это был один из способов сделать картины более реалистичными — он позволял художникам изображать реалистичное трехмерное пространство. После этого такие художники, как Боттичелли, продемонстрировали свое владение перспективой, используя линии, сходящиеся на заднем плане.

Благовещение Боттичелли, 1489-1490

Другой способ, которым художники показывали перспективу, заключался в изображении архитектурных деталей, уходящих в пространство.

Благовещение Фра Филиппо Липпи в Сан-Лоренцо, ок. 1440

2) Реализм был впереди и в центре

Главной целью эпохи Возрождения было возродить уважение к человеку.Гуманизм принимал множество форм, одной из которых было прославление человеческого потенциала, включая человеческое тело. Реалистичные изображения человеческой формы становились все более важными, что легко увидеть в работах Микеланджело:

Человеческое тело прославляется в этой знаменитой сцене в Сикстинской капелле

. Для многих художников реализм также означал изображение знакомого: одежды, украшений и пейзажа, типичных для Флоренции 15-го века, а не более 1400 лет назад, когда эти религиозные сцены действительно имели место. .Это означает, что вы можете получить представление о том, как выглядела Флоренция эпохи Возрождения, через мелкие детали на картинах. Фреска ниже дает представление об убранстве, мебели и одежде, которые ценились богатыми во Флоренции в 15 веке, хотя картина изображает совершенно другой период времени, рождение Девы Марии.

Рождение Марии в цикле фресок Торнабуони в Санта-Мария-Новелла, Флоренция, Гирландайо

Другим способом привнести реализм и знакомое в картину было включение знакомых пейзажей.Действие этой библейской сцены происходит на фоне Доломитовых Альп в Северной Италии.

Леонардо да Винчи «Богоматерь с младенцем и святая Анна»

3) Кто изображен на картине?

Обратите внимание на лица, которые вы видите на картине. Все ли они выглядят одинаково или художник изобразил людей реалистично, с уникальными чертами лица? Многие картины включают автопортреты художника (обычно того, кто смотрит на зрителя, а не на сцену). Это автопортрет художника Гирландайо, изображенный среди множества людей на картине.

Поклонение волхвов, 1488

Также было принято изображать на картине покровителей. Хотя покровители могут быть не самыми интересными людьми для вас, они были необходимы, потому что они давали художникам работу — обычно заказы на религиозные сцены, чтобы обеспечить себе место на небесах. На этой фреске раннего Возрождения из церкви Санта-Мария-Новелла изображены посетители, преклонившие колени внизу, по одному с каждой стороны сцены.

Masaccio’s Trinity, 1425

Интереснее кто есть кто любимая модель художника.В случае с Филиппо Липпи его любимой моделью стала молодая и красивая Лукреция Бути. Несмотря на то, что он был монахом, а она монахиней, у них был 30-летний роман; фактически их сын Филиппино Липпи стал художником Высокого Возрождения.

4) Мелкие детали

По мере развития эпохи Возрождения художники стали более искусно прорисовывать мелкие детали, такие как модные в то время украшения и головные уборы (см. также приведенный выше пример).Это дает вам возможность увидеть, что считалось красивым, в том числе прически, аксессуары и одежду в эпоху Возрождения.

Симонетта Веспуччи Боттичелли в образе нимфы, начало-середина 1480-х годов

Такое внимание к мелким деталям и почти неземное качество привели к тонкой красоте в картинах Да Винчи и Рафаэля Высокого Возрождения.

Деталь из «Мадонны со щеглом» Рафаэля, 1505-1506

5) Намеки на римское и греческое прошлое

Гуманизм означал тесную связь с философией и искусством Древней Греции и Рима.Итальянское Возрождение стремилось воскресить их, как мы можем видеть не только в стиле архитектуры, но и в историях, изображенных в живописи. В то время как религиозные темы были наиболее распространенными предметами эпохи Возрождения, темы из Древней Греции и Рима, включая мифологию, стали более популярными при поддержке Лоренцо Медичи в конце 15 века.

«Рождение Венеры» Боттичелли, 1486 г. «Афинская школа» Рафаэля, 1509-1510 гг.

Больше об искусстве и жизни в Италии:

Начало Возрождения

30 Чем заняться во Флоренции

Скульптура под открытым небом во Флоренции

Фрески во Флоренции, Италия

История Дэвида

Каково на самом деле жить во Флоренции?

Раннее Возрождение – Введение в искусство

Итальянское Возрождение

Искусство итальянского Возрождения было культурным сдвигом от стилей Средневековья и Византии; концепции Возрождения веками оставались влиятельными в Европе и других частях мира.

• Считается, что эпоха Возрождения, или «возрождение» образования, началась в торговом городе Флоренции, и флорентийская школа живописи стала доминирующим стилем в этот период. Произведения эпохи Возрождения часто изображали более светские или языческие темы, чем предыдущие художественные течения.
• Микеланджело, да Винчи и Рафаэль — одни из самых известных художников Высокого Возрождения.
• За Высоким Возрождением последовало движение маньеристов, известное удлиненными фигурами, иррациональными пространствами и сложной иконографией.

• Buon фреска : Тип настенной росписи, при котором цветные пигменты смешиваются с водой и наносятся на влажную штукатурку. По мере высыхания гипса и пигментов они сливаются воедино, и картина становится частью самой стены.
• Fresco secco : как и buon fresco, за исключением того, что краска наносится на сухую стену и обычно не такая долговечная и интенсивная.
• Маньеризм : Стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.

Ренессанс зародился в 15 веке и оставался доминирующим стилем в Италии и большей части Европы до конца 16 века. Термин «ренессанс» был разработан только в 19 веке, чтобы описать этот период времени и сопутствующий ему художественный стиль и отличить его от того, что было раньше — так называемых «темных веков». Однако люди, жившие в эпоху Возрождения, действительно считали себя отличными от своих средневековых предшественников.Из множества сохранившихся текстов мы знаем, что люди, жившие в эпоху Возрождения, рассматривали предыдущие века как время, когда большая часть учености и художественных способностей была утеряна. Для элиты эпохи Возрождения это будет время, когда великолепие Древних в искусстве и архитектуре будет возрождено и развито.

Флоренция и эпоха Возрождения

Когда вы изображаете предмет эпохи Возрождения, вы, вероятно, представляете себе что-то, выполненное в стиле, который был разработан во Флоренции и стал доминирующим стилем искусства в этот период.Италия в то время была разделена на несколько городов-государств. У каждого было свое правительство, культура, экономика и художественный стиль. В эпоху Возрождения в различных частях Италии возник ряд тонких различий в искусстве и архитектуре, а в других географических регионах, таких как Северная Европа, также развились стилистические и содержательные особенности. Например, Сиена, которая была политическим союзником Франции, сохраняла элементы готики в своем искусстве на протяжении большей части эпохи Возрождения.

Определенные условия способствовали развитию стиля Возрождения во Флоренции в этот период времени.В 15 веке Флоренция стала крупным торговым центром. Производство ткани стимулировало их экономику, и появился богатый и влиятельный торговый класс. Гуманизм, развившийся в 14 веке, оставался важным интеллектуальным движением, которое также повлияло на производство искусства.

Раннее Возрождение

В эпоху Раннего Возрождения художники стали отказываться от византийского стиля религиозной живописи и стремились к реализму в изображении человеческого облика и пространства.Это стремление к реализму началось с Чимабуэ и Джотто, и его можно увидеть в его ранней форме Возрождения в искусстве таких художников, как Андреа Мантенья и Паоло Уччелло. Эти художники создавали работы, в которых использовалась одноточечная перспектива, и демонстрировали свое мастерство в перспективе для своих образованных, знающих искусство зрителей.

В эпоху раннего Возрождения мы также видим важные изменения в предмете помимо стиля. В то время как религия продолжала оставаться важным элементом повседневной жизни людей того периода и оставалась движущей силой художественного творчества, мы также видим новый путь, открытый для задыхающихся — «мифологический» сюжет.Многие ученые указывают на картину Боттичелли «Рождение Венеры » как на самое первое панно с классической сценой. В то время как сама традиция, вероятно, возникла из кассоне (брачный сундук), в котором обычно использовались сцены из греческих и римских историй и романтических текстов, развитие панно с этими предметами открыло бы творческий новый мир для художественного покровительства, производства и темы.

Рождение Венеры: «Рождение Венеры» Боттичелли было одним из самых важных произведений раннего Возрождения

Гуманизм и Раннее Возрождение

Гуманизм был интеллектуальным движением, поддержанным учеными, писателями и общественными деятелями в Италии 14-го века.

• Гуманисты выступили против утилитарного подхода к образованию, стремясь создать граждан, способных говорить и писать с красноречием и, таким образом, способных участвовать в гражданской жизни своих сообществ.
• Движение было в значительной степени основано на идеалах итальянского ученого и поэта Франческо Петрарки, которые часто были сосредоточены вокруг человеческого потенциала для достижений.
• Хотя гуманизм изначально возник как преимущественно литературное движение, его влияние быстро проникло в общую культуру того времени, заново представив классические греческие и римские формы искусства и приведя к эпохе Возрождения.
• Донателло прославился как величайший скульптор раннего Возрождения, особенно известный своей гуманистической и необычайно эротической статуей Давида.
• В то время как средневековое общество рассматривало художников как анонимных слуг и ремесленников, художники эпохи Возрождения были обученными интеллектуалами, чьи имена были известны и ценились, и их искусство отражало эту новую точку зрения.
• В гуманистической живописи особое значение приобрела обработка элементов перспективы и изображения света.

• Высокое Возрождение : Период в истории искусства, обозначающий апогей изобразительного искусства в итальянском Возрождении. Традиционно считается, что период Высокого Возрождения начался в 1490-х годах — фреской Леонардо «Тайная вечеря» в Милане и смертью Лоренцо Медичи во Флоренции — и закончился в 1527 году, когда Рим был разграблен войсками римлян. Чарльз В.

Обзор

Гуманизм, также известный как гуманизм эпохи Возрождения, был интеллектуальным движением, подхваченным учеными, писателями и общественными деятелями в Италии 14-го и начала 15-го веков.Движение развилось в ответ на средневековые схоластические условности в образовании того времени, в которых упор делался на практические, допрофессиональные и научные исследования, которые проводились исключительно для подготовки к работе и, как правило, только мужчинами. Гуманисты выступили против этого утилитарного подхода, стремясь создать граждан, способных говорить и писать с красноречием и, таким образом, способных участвовать в гражданской жизни своих сообществ. Это должно было быть достигнуто посредством изучения « studia humanitatis », известных сегодня как гуманитарные науки: грамматика, риторика, история, поэзия и моральная философия.Гуманизм представил программу возрождения культурного — и особенно литературного — наследия и моральной философии классической античности. Движение было в значительной степени основано на идеалах итальянского ученого и поэта Франческо Петрарка, которые часто были сосредоточены на потенциале человечества для достижения.

Гуманисты считали древний мир вершиной человеческих достижений и считали, что его достижения должны служить образцом для современной Европы. Важными центрами гуманизма были Флоренция, Неаполь, Рим, Венеция, Генуя, Мантуя, Феррара и Урбино.

Гуманизм был оптимистической философией, рассматривавшей человека как разумное и разумное существо, способное решать и думать самостоятельно. Он рассматривал человека как изначально хорошего по своей природе, что противоречило христианскому взгляду на человека как на первородного грешника, нуждающегося в искуплении. Это вызвало новое понимание природы реальности, вопросы, выходящие за рамки Бога и духовности, и предоставило знания о человеческой истории, выходящие за рамки того, что было дано в христианской доктрине.

Гуманистическое искусство

Гуманисты эпохи Возрождения не видели противоречия между своим изучением Древних и христианством.Отсутствие воспринимаемого конфликта позволило художникам раннего Возрождения свободно сочетать классические формы, классические темы и христианское богословие. Скульптура раннего Возрождения — отличное средство для изучения зарождающегося стиля Возрождения. Ведущими художниками этой среды были Донателло, Филиппо Брунеллески и Лоренцо Гиберти. Донателло прославился как величайший скульптор раннего Возрождения, особенно известный своей классической и необычайно эротической статуей Давида, которая стала одной из икон Флорентийской республики.

Давид Донателло: Давид Донателло считается культовым гуманистическим произведением искусства. PD-US

Гуманизм повлиял на художественное сообщество и на то, как воспринимались художники. Меценатство стало важной деятельностью, и заказы включали как светские, так и религиозные предметы. Появились важные покровители, такие как Козимо Медичи, которые в значительной степени способствовали расширению художественного производства того времени.

Особое внимание в живописи уделялось обработке элементов перспективы и света.Например, Паоло Уччелло, наиболее известный благодаря «Битве при Сан-Романо», был одержим своим интересом к перспективе и не спал всю ночь в своем кабинете, пытаясь уловить точную точку схода. Он использовал перспективу, чтобы создать ощущение глубины в своих картинах. Кроме того, использование масляной краски началось в начале 16 века, и ее использование широко изучалось на протяжении всего Высокого Возрождения.

«Битва при Сан-Романо» Паоло Уччелло: итальянские гуманистические картины были в основном связаны с изображением перспективы и света.Обратите внимание на использование ракурса у павших лошадей. PD-US

Происхождение

Некоторые из первых гуманистов были великими коллекционерами старинных рукописей, в том числе Петрарка, Джованни Боккаччо, Колуччо Салютати и Поджо Браччолини. Из троих Петрарка был назван «отцом гуманизма» из-за его преданности греческим и римским свиткам. Многие работали в организованной церкви и были в духовном сане (как Петрарка), в то время как другие были юристами и канцлерами итальянских городов (например, ученик Петрарки Салютати, канцлер Флоренции) и, таким образом, имели доступ к книгокопировальным мастерским.

В Италии гуманистическая образовательная программа получила быстрое признание, и к середине 15 века многие представители высших классов получили гуманистическое образование, возможно, в дополнение к традиционному школьному. Некоторые из высших должностных лиц церкви были гуманистами и имели средства для создания важных библиотек. Таким был кардинал Василий Виссарион, перешедший в латинскую церковь из греческого православия, который считался кандидатом на папство и был одним из самых ученых ученых своего времени.

После разграбления Константинополя крестоносцами и распада Византийской империи в 1453 году миграция византийских греческих ученых и эмигрантов, лучше знакомых с древними языками и произведениями, способствовала возрождению греческой и римской литературы и науки.

Скульптура раннего Возрождения во Флоренции

Скульптура эпохи Возрождения возникла во Флоренции в 15 веке и находилась под сильным влиянием классической скульптуры.

• Считается, что собственно скульптура эпохи Возрождения началась со знаменитого конкурса на двери флорентийского баптистерия в 1403 году, который выиграл Лоренцо Гиберти.
• Гиберти спроектировал для конкурса набор дверей, расположенных у северного входа, и еще одну, более великолепную пару, для восточного входа, названного «Врата рая». На обоих этих воротах изображены библейские сцены.
• Гиберти основал большую мастерскую, в которой обучались многие известные флорентийские скульпторы и художники. Он возродил утерянное литье бронзы из воска, технику, которая использовалась древними и впоследствии была утеряна.
• Донателло создал своего бронзового Давида для Козимо Медичи.Задуманная независимо от какого-либо архитектурного окружения, это была первая известная отдельно стоящая статуя обнаженной натуры, созданная с античных времен.
• Этот период был отмечен большим увеличением покровительства скульптуры государством для общественного искусства и богатыми меценатами для своих домов. Общественная скульптура стала важнейшим элементом облика исторических центров городов. Кроме того, портретная скульптура, особенно бюсты, стала чрезвычайно популярной во Флоренции.

• аллегория : Представление абстрактных принципов персонажами или фигурами.
• потерянный воск : метод литья скульптуры, при котором модель скульптуры изготавливается из воска: модель используется для изготовления формы; когда форма затвердевает, воск расплавляют и выливают, оставляя форму готовой для отливки скульптуры.
• баптистерий : Определенное место, которое может стоять в церкви как отдельная комната или даже как отдельное здание, связанное с церковью, где находится купель для крещения и, следовательно, где совершается таинство христианского крещения.Как правило, в эпоху Возрождения баптистерии были отдельными зданиями, так как люди крестились перед входом в церковь или собор.

Флоренция 15-го века, широко известная как «колыбель Возрождения», была одним из крупнейших и богатейших городов Европы, а ее самые богатые жители с энтузиазмом покровительствовали искусству, в том числе скульптуре. Отходя от доминировавшего ранее в Италии интернационального готического стиля и опираясь на стили классической античности, скульптура эпохи Возрождения зародилась во Флоренции и сознательно следовала образцам древних.

Лоренцо Гиберти

Часто считается, что собственно скульптура эпохи Возрождения началась со знаменитого конкурса дверей флорентийского баптистерия в 1403 году, из которого до сих пор сохранились пробные модели, представленные победителем Лоренцо Гиберти и занявшим второе место Филиппо Брунеллески. Бронзовые двери Гиберти состоят из 28 панелей, изображающих сцены из жизни Христа, четырех евангелистов и святых отцов церкви Амвросия, Иеромия, Григория и Августина. На их завершение ушел 21 год, и они до сих пор стоят у северного входа в баптистерий, хотя их затмевает великолепие второй пары ворот восточного входа, которые Микеланджело назвал «Вратами Рая».Эти новые двери были введены в эксплуатацию в 1425 году и строились в течение 27 лет. Они состоят из 10 прямоугольных панелей, изображающих сцены из Ветхого Завета, и используют недавно открытые принципы перспективы для придания композиции глубины. «Врата рая» окружены богато украшенным позолоченным каркасом из фруктов и листвы, статуэтками пророков, бюстами скульптора и его отца.

Портрет Гиберти у ворот Рая флорентийского баптистерия.CC BY-SA 3.0 Фотография сделана мной, GFDLВрата рая, Флорентийский баптистерий: Ворота Гиберти изображали сцены из Ветхого Завета у восточного входа в баптистерий. PD-US

Для выполнения этих огромных заказов Гиберти создал большую мастерскую, в которой в последующие годы обучались многие известные флорентийские скульпторы и художники, в том числе Донателло, Микелоццо и Паоло Уччелло. Он возродил утерянное восковое литье бронзы, технику, которая использовалась древними и впоследствии была утеряна.Это сделало его мастерскую особенно известной и привлекало начинающих художников.

Донателло

Другим очень влиятельным скульптором из Флоренции был Донателло (1386–1466), который наиболее известен своими барельефами, низкими или неглубокими рельефами, которые он использовал в качестве средства для включения значительных скульптурных разработок 15-го века в перспективную иллюзию. . Донателло получил свое раннее художественное образование в мастерской ювелира, а затем некоторое время обучался в мастерской Гиберти, прежде чем совершить поездку в Рим с Филиппо Брунеллески, где он провел изучение и раскопки римской архитектуры и скульптуры.Римское искусство оказало наибольшее влияние на творчество Донателло. Его главным спонсором во Флоренции был Козимо Медичи, величайший меценат города.

Донателло создал свой бронзовый Давид для двора Козимо в Палаццо Медичи. Задуманная полностью в круглой форме и независимая от какого-либо архитектурного окружения, это была первая известная отдельно стоящая обнаженная статуя, созданная с античных времен и предполагавшая аллегорию гражданских добродетелей, преодолевающих жестокость и невежество.Эта скульптура представляла собой особенно важное развитие скульптуры эпохи Возрождения: производство скульптуры независимо от архитектуры, в отличие от предшествующего международного готического стиля, где скульптура редко существовала, кроме как в качестве украшения здания.

Донателло подчеркивает молодость Давида, показывая несформировавшуюся мускулатуру рук и тела. Он по-прежнему носит свою пастушью шапку и сапоги, держит меч Голиафа в руке и доспехи под ногами. Перо из шлема великана доходило до внутренней стороны ноги Давида (фрагмент).Академик Майкл Рок писал, что это могло быть намеком на признание физических отношений между старшими флорентийскими мужчинами и младшими мальчиками. Тогда это может быть еще одним способом указать на молодость Давида.

Давид Донателло: Гений Донателло сделал его важной фигурой в период раннего итальянского Возрождения. Его бронзовый Давид, созданный между 1430–1432 годами, является примером его зрелой работы. В настоящее время он находится во дворце и музее Барджелло. Полная фигура: CC BY-SA 2.0 Патрик А.Роджерс; Деталь: CC BY-SA 3.0

Другие важные проекты Донателло во Флоренции и ее окрестностях включают мраморную кафедру фасада собора Прато, резную Канторию или хор во Флорентийском соборе, на создание которого повлияли древние саркофаги и византийские сундуки из слоновой кости, сцена Благовещения для Кавальканти. алтарь в церкви Санта-Кроче и бюст Молодой человек с камеей , первый пример портрета-бюста со времен классической эпохи.

Покровительство скульптуре

Этот период был отмечен большим увеличением покровительства скульптуры государством для общественного искусства и богатыми меценатами для своих домов.Общественная скульптура стала важнейшим элементом внешнего вида исторических центров городов, а портретная скульптура, особенно бюсты, была чрезвычайно популярна во Флоренции после нововведений Донателло. Эти достижения 15 века вскоре распространились по Италии, а затем и по остальной Европе.

Живопись раннего Возрождения

Живопись эпохи Возрождения зародилась во Флоренции 15 века, когда художники начали отказываться от плоскостности готической живописи и стремиться к большему натурализму.

• Флорентийская живопись получила второе дыхание в начале 15 века, когда использование линейной перспективы было формализовано архитектором Филиппо Брунеллески и принято художниками в качестве художественной техники.
• Другие важные приемы, разработанные во Флоренции в первой половине 15 века, включают использование реалистичных пропорций, ракурсов, сфумато и светотени.
• Первым популяризатором этих техник во Флоренции XV века считается Мазаччо (1401–1428), первый великий художник периода кватроченто итальянского Возрождения.
• Мазаччо находился под сильным влиянием как более ранних нововведений Джотто в солидности формы и натурализма, так и формализованного использования перспективы Брунеллески в архитектуре и скульптуре, и отошел от международного готического стиля к более реалистичному стилю.
• Мазаччо наиболее известен своими фресками в капелле Бранкаччи, в которых он впервые применил приемы линейной перспективы, такие как точка схода, и оказал глубокое влияние на других художников, несмотря на краткость своей карьеры.

 

• точка схода : Точка на чертеже в перспективе, в которой кажется, что параллельные линии, удаляющиеся от наблюдателя, сходятся.
• quattrocento : период итальянского Возрождения в 1400-х годах.
• сфумато : «дымчатый» — размытие четких контуров тонким и постепенным смешиванием для создания иллюзии трехмерности.
• светотень : контраст между светлым и темным для передачи ощущения глубины или объема в двухмерной форме.
• ракурс : художественный эффект сокращения или сжатия вида объекта, который находится под углом к ​​плану изображения, чтобы он выглядел так, как будто он удаляется от зрителя.

Флоренция пятнадцатого века была родиной живописи эпохи Возрождения, которая отказалась от плоскостности и стилизации готического искусства, чтобы сосредоточиться на натуралистических изображениях человеческого тела и пейзажей. Хотя Джотто часто называют вестником Возрождения, после его смерти в Италии произошел перерыв в художественном развитии, в основном из-за Черной смерти.Однако флорентийская живопись была возрождена в начале 15 века, когда использование перспективы было формализовано архитектором Филиппо Брунеллески и принято художниками в качестве художественной техники. Развитие перспективы было частью более широкой тенденции к реализму в искусстве.

Многие другие важные техники, обычно связанные с живописью эпохи Возрождения, были разработаны во Флоренции в первой половине 15 века, включая использование реалистичных пропорций, ракурс, сфумато и светотень .

Художником, впервые применившим эти техники во Флоренции 15 века, считается Мазаччо (1401–1428), первый великий художник периода кватроченто итальянского Возрождения. Урожденный Томмазо ди Сер Виованни ди Моне Кассаи, его прозвище Мазаччо является сокращенной версией Томмазо и предполагает «неуклюжий» или «неряшливый» Том. На Мазаччо глубоко повлияли как более ранние инновации Джотто в области прочности формы и натурализма, так и формализованное использование перспективы Брунеллески в архитектуре и скульптуре.Мазаччо наиболее известен своими фресками в капелле Бранкаччи, в которых он впервые применил приемы линейной перспективы, такие как точка схода, и оказал глубокое влияние на других художников, несмотря на краткость своей карьеры.

Мазаччо дружил с Брунеллески и скульптором Донателло и часто сотрудничал со старшим и уже известным художником Мазолино да Паникале (1383/4–1436), который путешествовал с ним в Рим в 1423 году. С этого момента он избегал византийского и Готические стили полностью переняли следы влияния древнегреческого и римского искусства.Это видно из цикла фресок, которые он выполнил вместе с Мазолино для капеллы Бранкаччи в церкви Санта-Мария-дель-Кармине во Флоренции. Два художника начали работу над часовней в 1425 году, но их работа была завершена Филиппо Липпи в 1480-х годах.

Фрески в своей совокупности представляют историю человеческого греха и искупления от грехопадения Адама и Евы до творений св. Петра. Влияние Джотто проявляется во фресках Мазаччо, особенно в весе и солидности его фигур и яркости их выражений.В отличие от Джотто, Мазаччо использовал линейную и атмосферную перспективу и еще больше использовал направленный свет и технику светотени, что позволило ему создавать еще более убедительно реалистичные картины, чем его предшественник. Его стиль и методы оказали глубокое влияние после его смерти, и его преемники подражали им.

«Деньги дани», фреска в часовне Бранкаччи в Санта-Мария-дель-Кармине, Флоренция, 1425 г.: «Деньги дани» — одна из самых известных фресок Мазаччо из капеллы Бранкаччи.Иисус и его апостолы изображены как неоклассические архетипы. Тени фигур отпадают от окна часовни, как будто фигуры освещены им; это дополнительный штрих правдоподобия, демонстрирующий новаторский гений Мазаччо. Обратите внимание на современный костюм сборщика налогов (который носили бы современники Мазаччо) по сравнению с библейской одеждой Христа и его учеников

. Деньги в качестве дани являются примером « непрерывного повествования », в котором вся история, которая разворачивается во времени, показана в эпизоды на одном изображении.

Сборщик налогов (в современном итальянском костюме 15-го века) противостоит Иисусу и ученикам за налоги на храм, который виден справа на заднем плане. Ученики волнуются, потому что ни у кого нет денег, но Иисус поворачивается к Петру и велит ему пойти к воде и поймать рыбу. Слева мы видим Петра в его синей тунике с отброшенной оранжевой верхней одеждой, ловящего рыбу, внутри которой будут монеты для сборщика налогов. В крайнем правом углу мы видим, как Питер платит указанному сборщику.

В этом непрерывном повествовании (вся история рассказана в одном образе) Мазаччо показывает свое мастерство в новом искусстве перспективы в храмовой архитектуре – следуйте ортогоналам и смотрите, где они встречаются. Слева он использует некоторую атмосферную перспективу в сине-сером цвете гор и предлагает глубину резкости с уменьшающимся размером деревьев вдоль берега.

Еще одно новшество — по крайней мере, в большинстве средневековых изображений — можно увидеть в тенях фигур, которые предполагают гравитацию и привязывают их к земле.Все эти приемы показались бы зрителю 1425 года новыми и поразительно реалистичными. Идея ренессансного «окна в мир», распахнутого настежь и дающего вам реальную встречу с наиболее значительными фигурами вашей религии, предполагает силу это новое визуальное движение.

Мазаччо, Троица с Богородицей, святой Иоанн Богослов и доноры, 1425 г., фреска, 21’9” x 9’4”, Санта-Мария-Новелла, Флоренция. PD US

На своей фреске buon Trinity Мазаччо показывает классическое пространство с бочкообразным сводом и кессонным потолком, просматриваемое через римскую арку с коринфскими капителями.Там мы видим Святую Троицу — Бога, Святого Духа (белый голубь под ликом Бога) и Иисуса с Богородицей и святым Иоанном по бокам. Вне сакрального пространства находятся еще две фигуры – жертвователей, которых искусствоведы не идентифицировали. Фреска продолжается ниже уровня жертвователей гризайльной росписью саркофага, на крышке которого изображен скелет и надпись «Как ты есть, я когда-то был; как я, так и вы будете». Эта фигурка vanitas напоминает зрителям о назначении изображения, которое они видят над собой.Использование Мазаччо линейной перспективы в кессонном потолке говорит нам, что мы находимся примерно на уровне глаз с основанием, на котором доноры стоят на коленях. Это создание пространства, которое, казалось бы, выходит за пределы нашего собственного и в которое мы могли бы войти, если бы мы могли прочитать его, было популярной и влиятельной композицией для фресковой живописи эпохи Возрождения.

Знали ли художники эпохи Возрождения, что они были в эпоху Возрождения?

Портрет молодого человека в красном , ок. 1505 г., Круг Рафаэля.Масло на панели, 26 1/2 x 20 3/4 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 78.PB.364. Цифровое изображение предоставлено программой Getty Open Content Program

.

Когда вы посещаете художественный музей или читаете об истории искусства, вы увидите множество терминов, используемых для описания художественных периодов и стилей — ренессанс, барокко, импрессионизм и так далее. Но знали ли мужчины (да, в основном это были мужчины), создававшие искусство, об этих ярлыках или отождествляли себя с ними? Или, как недавно спросил меня посетитель, знали ли художники эпохи Возрождения , что они были в эпоху Возрождения?

Мне очень понравился этот вопрос, и я решил выяснить.

Что такое Ренессанс?

Как мы думаем об этом сегодня, Ренессанс относится к периоду времени, когда в европейском искусстве произошла серия сдвигов. Начиная с начала 1300-х годов художники снова искали вдохновения в древней Греции и Риме, которые они считали высшей точкой европейского искусства и культуры. Творцы всех мастей — живописцы, скульпторы, архитекторы, писатели, музыканты — стали заниматься искусством с осознанным вниманием к прославлению человека, реалистическому изображению человеческого тела и пейзажа, художника как личности.

Сегодня мы называем эту новую эру музыки, искусства и философии, охватившую Европу с 1300-х по 1600-е годы, «Возрождением».

Я спросил Давиде Гаспаротто, старшего хранителя картин в Музее Гетти, относились ли художники, выполнявшие эту работу, к художникам эпохи Возрождения.

Ответ? Вроде да… но вроде нет. «Как всегда в истории, — добавил он, — это очень сложно». Чтобы увидеть, каким образом, мы должны рассмотреть, что вдохновило использование этого термина для начала.

Кто использовал это первым и почему?

Слово «Ренессанс» по-французски означает «возрождение». В начале 1800-х годов в английский язык вошло обычное употребление для обозначения этого периода как «возрождения» хваленой древности.

Но первое упоминание термина, относящегося к этой идее, появилось почти на 300 лет раньше. В 1550 году в книге «Жизнеописания самых выдающихся художников, скульпторов и архитекторов» Джорджо Вазари использовал итальянское слово rinascita , означающее «обновление» или «возрождение», чтобы воплотить новый стиль искусства, практикуемый такими художниками, как Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рафаэль.(Сегодня обычный итальянский термин для обозначения эпохи Возрождения — Rinascimento .)

Вазари, которого часто называют первым историком искусства в Европе, разделил этих художников на три периода в своем очень влиятельном фолианте. Prima Eta («Первая эпоха») включал Джотто, одного из первых итальянских художников, который отошел от стилизации и принял более натуралистический подход к изображению людей, ландшафта и архитектуры. Его усилия были настолько новаторскими, что его художественные преемники в пятнадцатом веке потратили годы на развитие его технических новшеств.Вазари считал его вестником нового момента в живописи; искусствоведы сегодня склонны отождествлять его с проторенессансом.

Среди художников Вазари, включенных во «Вторую эпоху», были Мазаччо, Донателло и Брунеллески, работавшие в 15 веке. Благодаря таким книгам, как « I Commentarii » Лоренцо Гиберти, одному из первых автобиографических рассказов художника, мы знаем, что эти художники сознательно продвигали новые художественные условности, включая натуралистическое изображение человеческого тела (вдохновленное античными примерами) и окружение (через развитие одноточечной перспективы).

«Третья Эпоха» Вазари относится большей частью к его собственному времени — первой половине шестнадцатого века. Художники этого этапа работали в la maniera moderna — «современной манере», — которая развилась от Джотто и достигла кульминации в высоконатуралистических работах художников, наиболее тесно связанных с эпохой Возрождения: Леонардо, Рафаэля, Микеланджело, Тициана и Корреджо.

История Иосифа , ок. 1485 г., Бьяджо д’Антонио. Темпера и сусальное золото на панели, 26 1/4 × 58 3/4 дюйма.Музей Дж. Пола Гетти, 70.PB.41. Цифровое изображение предоставлено программой Getty Open Content Program

.

Итак, в 14-17 веках слово Ренессанс (или Rinascimento ) может и не срывалось с уст художников, но они осознавали, что происходит что-то новое. Фигуры rinascita намеренно раздвигали художественные рамки. Они вкладывали драму и эмоции в свои шедевры, и, хотя они были вдохновлены классическим греческим и римским искусством, их также подстегивало желание создать что-то новое и отличное от предыдущих поколений.В процессе они также создали область истории искусства, какой мы ее знаем сегодня, и проложили путь для художников, которые последовали за ними, чтобы также сознательно стремиться создать что-то новое.

Чтение, чтобы удовлетворить ваше любопытство эпохи Возрождения

Заинтригован? Смотрите эти классические названия:

• Буркхардт, Джейкоб . Цивилизация Возрождения в Италии . Перевод С.Г.К. Миддлмора. Нью-Йорк: Harper, 1958. (Оригинал: Die Kultur der Renaissance in Italien, 1860.)
• Кэмпбелл, Стивен Дж. и Майкл Уэйн Коул. Новая история искусства итальянского Возрождения . Лондон: Темза и Гудзон, 2012.
.
• Ченнино Д’Андреа Ченнини. Справочник мастера. Итальянское «Il Libro dell’ Arte». Перевод Дэниела В. Томпсона-младшего. Нью-Йорк: Dover Publications, Inc., 1933.
• Вазари, Джорджио. Жизнеописания выдающихся живописцев, скульпторов и зодчих. Перевод Джонатана Фостера. Лондон: HG Bohn, 1851.