Как изменения в обществе повлияли на искусство: виновато ли искусство в духовном кризисе общества?

Содержание

виновато ли искусство в духовном кризисе общества?

Искусство рассматривается как отражение и выражение социальных процессов. Искусство есть диалог. Искусство – мир социальных чувств. Главная задача искусства – это гуманизация личности.

Ключевые слова: искусство, личность, диалог, общество.

Anna G. Zakhovaeva. Art and society: wheter art in spiritual crisis of society is guilty? (рр. 79–84)

Art is reflection and expression of social processes. Art is dialogue. Art – the world of social feelings. The main task of art is a humanism.

Keywords: art, the person, dialogue, a society.

Искусство начинается тогда, когда его предметом становится человек и мир человека. Человек – это не единичный индивид, это все многообразие его социальных связей. История человека – это история Homo socialis, человека как социального существа.

Важнейшим механизмом социализации выступает искусство. Так как же взаимосвязаны искусство и социум в наше время, когда большинство исследований провозгласило духовный кризис общества? Виновато ли искусство в «пороках общества»? Проблема эта отнюдь не новая. Еще в 1750 г. Ж. Ж. Руссо в работе «Рассуждения о науках и искусствах» доказывал, что развитие наук и искусств не способствует улучшению нравов, более того, науки и искусства развращают человека. А что мы можем сказать о взаимовлиянии искусства и общества в наше время?

Искусство – неотъемлемый предмет социальной жизни человека. Оно не только обогащает повседневное существование человека, оно создает новое измерение человеческого существования – «мир искусства». Искусство направлено как на общество в целом, так и на отдельного человека, являясь инструментом его формирования. В зависимости от того, каким общественным силам оно служит, какие художественные тенденции развивает, оно может служить мощным средством очеловечивания человека или, напротив, средством, подавляющим в нем человеческое начало.

Т. Адорно указывает: «Нерешенные антагонистические противоречия реальности вновь проявляются в произведениях искусства как внутренние проблемы их формы. Именно это, а не влияние материально-предметных моментов определяет отношение искусства к обществу. Напряженные взаимосвязи различных позиций, рождающие новые импульсы, кристаллизуются во всей чистоте в художественных произведениях и благодаря их эмансипации от реально фактического фасада внешнего мира затрагивают непосредственно самую суть дела»[1].

Искусство – это связь творящей Личности для другой Личности, диалог, это самовыражение, «строительство» своего Я, но только когда есть Другой. «Человеческий мир – это дуализм закономерного (общество) и конкретно определенного (индивид)… и преодолеть этот дуализм способна духовная форма (искусство)»[2].

Искусство есть диалог «Я – Ты», со-бытийность. Бахтин замечает: «Эстетический рефлекс живой жизни не есть саморефлекс жизни в движении, в ее действительной жизненности, он предполагает вненаходящегося, другого субъекта вживания… Чистое вживание –совпадение с другим»[3].

Диалог автора – зрителя – это путь к пониманию, но при этом понимание не есть «полное» понимание, это недопонимание, возможность интерпретации, «переживание переживания», то, что «оставляет» автор для сотворчества, своего рода «чувственное поле для интерпретаций».

Искусство – это средство межличностной коммуникации, это система координат «личность – личность» (субъект – субъект), это «диалог понимания» на фоне исторического развития общества. «Искусство начинается тогда, когда в каком-либо предмете воплощается не та или иная функциональная сторона человеческой деятельности, а ее общественно-историческая уникальность как целое»

[4]. «Искусство – это синтезирующий институт социального понимания»[5]. Для того, чтобы быть понятым, художник ищет тот эмоциональный ракурс, который обнаруживает его общность с реципиентом, то есть автор стремится передать не просто эмоцию, а социально значимое чувство. «Искусство, – говорил Выготский, – это общественная техника чувств»[6].

Явления искусства не могут развиваться в полной изоляции от общественной жизни и не могут не выражать ее. При этом искусство самостоятельно не «от социума», а в его рамках через виды, жанры, стили и т. д. «Искусство, – полагал Ж. Гюйо, – есть функция общественного организма»

[7].

Искусство – это «социальное в нас», но художественный акт обращен к зрителю, и тогда искусство – это «индивидуальное вне нас». Это такой уровень духовного освоения действительности, когда личностное сознание теряет свою конкретность и индивидуальность, становясь достоянием общественности. Искусство – это нить от Личности к Личности. Художественное произведение – это своего рода модель тех или иных общественных структур и духовно-психологических процессов в них. Поэтому изображенное в искусстве не может быть более безнравственным, более бездуховным, более жестоким, чем сама жизнь.

В искусстве всегда прямо или косвенно выражены личность и ее социальное окружение, происходит своего рода переход от микросреды (индивид) к макросреде (общество).

Искусство – это «проективная система», то есть результат воздействия первичных систем (природа, социальные структуры, труд и т. д. и т. п.) на личность. Так искусство транспонирует мир духовно-личностного переживания автора в мир реципиента, но не только как личностное переживание, нет, – искусство обогащается новым пониманием, иными словами, есть еще один «интерпретатор» – время, но это не просто хронотоп, это «социальный хронотоп» – эпоха, способная влиять и на создателя, и на интерпретатора. «Социальный хронотоп» – это призма, через которую проходит искусство, призма, которая включает в себя общественную психологию, общественные настроения, общественные идеалы того или иного времени.

Есть общепринятый тезис: «Искусство должно отражать действительность». Это не совсем корректно. Оно не должно отражать действительность, оно просто не может не отражать действительность. Каждый художник независимо от того, к какому направлению в искусстве он принадлежит (реализму, сюрреализму, абстракционизму и т.

д.), живет в определенном времени, в определенных исторических условиях, и он не может от них оторваться (впрочем, как и реципиент, интерпретатор). Время накладывает свой отпечаток на его картины, скульптуры, книги и т. д. Каждое произведение отражает жизнь, время, в которое оно было создано, независимо от того, хочет этого его автор или нет. Другое дело, что это отражение не всегда похоже на оригинал. Это отражение в особом зеркале, которое можно назвать чувственно-образным, социальным и одновременно личностным. Но это отражение – больше, чем отражение, оно есть выражение мира! М. М. Бахтин пишет: «Искусство и жизнь не одно, но должны стать во мне единым»
[8]
. Более того, «никакой действительности в себе, никакой нейтральной действительности противопоставить искусству нельзя»[9].

Истинное искусство ищет своего рода компромисс между двумя мирами: миром искусства и миром не-искусства. Искусство как всякая социально значимая деятельность человека не может быть совсем изолировано от общества, в этом и заключается парадокс искусства. Жить в обществе и быть оторванным от общества невозможно. Человек только в обществе осознает себя, свое предназначение, свое «Я», это происходит в силу самой сущности человека как био-социо-психического существа. Т. Адорно пишет: «Никакое произведение искусства не может перепрыгнуть через ров, отделяющий его от наличного бытия и, в частности, от бытия общества… Всякое произведение искусства занимает определенную позицию по отношению к обществу и в своем синтезе предвосхищает его примирение с самим собой. Организованность произведений искусства заимствована у общественной организации, там, где произведения искусства трансцендентируют эту организацию, в них выражается протест против организационного принципа как такового»[10]. Мир человеческого общества – это источник творческой энергии любого художника, это возможность говорить и быть выслушанным, обрести среди людей некий род сотрудничества, чувствовать себя в общности со всеми.

Искусство – это средство от одиночества, «отчуждения», так как оно способно «вести» видимый и невидимый диалог.

Искусство – это всегда сотворчество автора и реципиента. Следовательно, любое произведение искусства есть коллективное творчество, при этом искусство способно формировать в человеке чувство социальной общности.

Однако хотелось бы поспорить с А. Банфи, который указывает: «Общественное начало создает искусство: искусство творит социальное… Искусство – мир, включенный в общество»[11]. Не искусство «творит» реальный мир социума, искусство – это лишь осмысление и освоение личностью ансамбля всех отношений в обществе. Искусство – это «социальное в нас», но это «социальное» – лишь иллюзия действительности. Искусство – это чувственно-образное выражение социального климата эпохи. Если общество «здорово», то художник способен усиливать это «здоровье», если общество «больное», то художник может, с одной стороны, «ставить диагноз», а с другой – «болеть» вместе с обществом. При этом искусство эволюционизирует вместе с обществом, развивается и развивает Человека. Конечно, можно язвить, что современное искусство, СМИ, телевидение развращают, дегуманизируют.

Однако трудно поверить, что, например, читателей журнала «Философия и общество»» может духовно развратить фильм о бандитских разборках «Бумер» или фото из журнала Рlауbоy. А толкает ли искусство к преступлению? Смотрят ли маргинальные (криминальные) слои общества такие фильмы, как «Парфюмер» или «Молчание ягнят»?

История искусства знает немало примеров так называемого «аморального искусства»: произведения маркиза де Сада, картины Буше и т. д. Или, может быть, нет насилия в шекспировских драмах или трагедиях Шиллера? Проблема в том, что современное искусство слишком доступно (массовое искусство) прежде всего для незрелой личности (детей, подростков), когда еще только формируются устойчивые духовные ориентиры.

Так виновато ли искусство в духовном кризисе общества? Искусство как форма общественного сознания, с одной стороны, зависит от состояния общества, а с другой – имеет относительную самостоятельность, которая объясняется непосредственным воздействием на духовное в человеке и на духовную жизнь в целом. Искусство, как и другие формы общественного сознания, не только отражает реальность, но и оказывает на нее обратное действие, но это действие не может кардинально изменить социум. Искусство способно выявить, показать изъяны общества. Искусство – это зеркало общественной жизни. И винить его в духовном кризисе, пороках общества просто бессмысленно. «Искусство – это отражение жизни, натура, увиденная сквозь индивидуальную призму»[12]. При этом подлинное предназначение искусства, его высшая миссия – это гуманизация, то есть формирование Личности.

[1] Адорно Т. Избранное: социология музыки. – М. – СПб., 1998. – С. 12.

[2] Банфи А. Философия искусства. – М., 1985. – С. 29.

[3] Бахтин М. М. К философии поступка [Электронный ресурс]. URL: http://www. philosophy.ru/library/bahtin/post.html

[4] Адорно Т. Указ. соч. – С. 356.

[5] Пигров К. С. Эмоциональное и рациональное понимание социальной реальности // Вестник ВФО. – 2002. – № 4. – С. 29.

[6] Выготский Л. C. Психология искусства. – М., 1968. – С. 17.

[7] Борев Ю. Б. Эстетика. – М., 1988. – С. 112.

[8] Бахтин М. М. Искусство и ответственность [Электронный ресурс]. URL: http://www. philosophy.ru/library/bahtin/otv.html

[9] Он же. Проблема содержания, материала и формы в словесном художественном творчестве [Электронный ресурс]. URL: http://www.gumer.info/bibliotek_Buks/Literat/bahtin/probl_ sod.php

[10] Адорно Т. Указ. соч. – С. 135.

[11] Банфи А. Философия искусства. – М., 1985. – С. 321.

[12] Ортега-и-Гассет X. Дегуманизация искусства // Самосознание европейской культуры XX века. – М., 1991. – С. 243.

Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

ISSN 2304-120X

ниепт

научно-методический электронный журнал

Ротмистров В. И. Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2018. — № 4 (апрель). — 0,5 п. л. — URL: http://e-kon-cept.ru/2018/185014.htm.

ART 185014 УДК 75.011.2

Ротмистров Владимир Иванович,

профессор кафедры живописи и художественного образования ФГБОУ ВО «Тольяттинский государственный университет», г. Тольятти rotm istrov. vladim [email protected] ru

Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества

Аннотация. В статье проанализированы особенности взаимосвязи искусства и общества. Автор рассматривает искусство советского периода. В этих условиях искусство формировалось под влиянием идеологии. Особое внимание уделяется искусству в современном обществе. Понимание современного искусства зависит от интересов и вкусов публики. Это связано с развитием эстетического воспитания и образования.

Ключевые слова: взаимосвязь искусства и общества, идеология, художник, изобразительное искусство, патриотизм, живопись. Раздел: (05) филология; искусствоведение; культурология.

Проблема взаимосвязи общества и искусства не имеет однозначного решения. На всех исторических этапах развития искусство выполняло ряд идеологических и воспитательных функций. Общество формирует по отношению к искусству «социальный заказ», который выражает вкусы и интересы различных социальных слоев. Представления о прекрасном являются данью моде, они формируются под влиянием традиций, социальных стереотипов, социальных норм. Влияние общества на развитие искусства проявляется в том, что общество формирует идеальный образ человека, выделяя в нем аспекты, которые считаются наиболее важными, интересными, значимыми. Общество очерчивает рамки допустимого, выдвигая требования идеологии, морали, нравственности, юридические нормы. Однако образ человека, созданный с позиций защиты общественных интересов, не исчерпывает глубину и сложность человеческого бытия [1].

Искусство ориентируется на «социальный заказ». Однако он выполняет роль своеобразной рамки, внешнего контура по отношению к возможностям искусства в постижении и воплощении истины о бытии, о месте человека в нем. Искусство раскрывает противоречивые взаимосвязи высокого и низменного, духовного и материального, чувственного и аскетичного при помощи системы образов, выразительных средств. Общество создает представление о человеке с позиций всеобщего и универсального. Искусство делает акцент на уникальном и неповторимом. «Магия» искусства в том, что оно использует язык понятный и доступный каждому человеку. Однако понимание этого языка требует комплексного развития эмоциональных, чувственных, рациональных способностей человека.

Влияние общества на искусство проявляется в том, что оно стремится превратить художественные образы в текст, который выполняет полезные для общества функции: информационные, познавательные, воспитательные, интегрирующие. Искусство аккумулирует информацию о значимых традициях, исторических событиях, личностях и передает ее при помощи системы художественных средств. Искусство познает мир и человека, раскрывая истину через чувства, эмоции, переживания. Ин-тегративная функция искусства состоит в объединении людей на основе общих ценностей, идеалов, убеждений. Функции искусства в сфере воспитания проявляются в формировании эстетического вкуса, чувства стиля.

ISSN 2Э04-120Х

ниепт

научно-методический электронный журнал

Ротмистров В. И. Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2018. — № 4 (апрель). — 0,5 п. л. — URL: http://e-kon-cept.ru/2018/185014.htm.

Новизна подхода к проблеме взаимодействия искусства и общества состоит в выявлении противоречий между идеологическими рамками, которые устанавливает общество, и свободой художественного выражения. Нормативные структуры, при помощи которых общество воздействует на искусство, трансформируются под влиянием харизматичных творческих личностей. Идеологические и политические штампы обретают новую жизнь под влиянием художественного гения.

Цель статьи — проанализировать развитие искусства на советском и постсоветском этапе развития общества, рассмотреть, как трансформируются традиции, формируются вкусы и нравы общества. Нас интересуют примеры того, какие изменения происходят во взаимосвязях общества и искусства под влиянием развития социального и технического прогресса. В центре внимания находится феноменологический подход к постижению произведений искусства, который направлен на установление взаимосвязей межу опытом личных переживаний и универсальным содержанием художественных образов. Этот опыт является результатом художественного воспитания и образования, он формируется в процессе занятий по теории и истории искусства, посещений музеев, выставок, выставочных залов, галерей. В результате устанавливается взаимосвязь человека с произведениями искусства, а также развиваются вкусы, нравы и традиции.

Примером социально ангажированного искусства выступает искусство советского периода [2]. Искусство XX века в нашей стране воплощает идеалы, которые формировались под влиянием идеологии. Искусство выполняло пропагандистские цели. Оно прославляло человека труда, семейные ценности, воинские подвиги. Искусство ориентировалось на государственный заказ, используя социалистическую символику. Новые элементы в искусстве сочетались с традициями портрета, жанровой картины, пейзажа и натюрморта. В жанровой картине чаще всего присутствовали: героический пафос, образы защитника отечества и образы человека труда, а также присутствовала спортивная тематика и тема деревни [3]. В жанре портрета находил яркое воплощение культ вождя [4]. Портреты советской эпохи изображают героев, победителей, космонавтов, а также тружеников, строителей, ученых. Параллельно с этим развивались жанры пейзажа и натюрморта, как творческие, так и тематические.

Рассмотрим жанр картины с героической тематикой. Вплоть до конца XX века живопись популяризировала темы Октябрьской революции и Гражданской войны [5]. Студия Грекова и различные творческие мастерские, работающие в области монументального искусства, имели постоянные заказы на произведения, раскрывающие данные темы [6]. Монументальное искусство использовалось для оформления социальных, культурных, индустриальных сооружений [7]. Тема героизма воплощена в оформлении метро, театров, домов культуры, в парковых индустриальных архитектурных ансамблях. Героические темы вдохновляли режиссёров и писателей на создание произведений театрального искусства, кино, литературы. Произведения искусства, посвященные героической тематике, были призваны укреплять идеологическое единство народа на основе памяти о подвигах, веры в лучшее будущее.

В 20-30-е годы прошлого века советское искусство испытывало влияние процессов индустриализации и коллективизации. В искусстве были созданы образы тружеников села, стахановцев, металлургов, передовиков производства, деятелей науки и культуры. Произведения искусства прославляли созидательную работу по освоению целинных земель, строительство ГЭС, заводов, железных дорог.

В период Великой Отечественной войны развивались героический портретный и батальный жанры. Искусство служило целям воспитания патриотических ценностей, воспевало подвиги героев войны, тружеников тыла. Темы героизма нашли отражение

ISSN 2304-120X

ниепт

научно-методический электронный журнал

Ротмистров В. И. Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2018. — № 4 (апрель). — 0,5 п. л. — URL: http://e-kon-cept.ru/2018/185014.htm.

в живописи, в книжной графике, в кино, фотографии, литературе, театре, в поэзии и в музыке. Искусство хранит память об исторических событиях, передает опыт подрастающим поколениям [8]. Темы патриотизма, героизма в Великой Отечественной войне актуальны и в наше время. Однако произведения подобной тематики пользуются популярностью у представителей старших поколений, воспитанных в духе советской идеологии, имевших непосредственный опыт общения с героями и участниками войны, тружениками тыла [9]. Молодёжь менее восприимчива к произведениям искусства на подобные темы.

В постсоветский период российское общество испытывает влияние культа потребления, получения удовольствий. Поколение, рожденное в конце прошлого века, смотрит на мир другими глазами, через призму индивидуализма. Общественные интересы и ценности уходят на второй план. В центре внимания искусства — личная жизнь человека: печали, радости, страхи, переживания. Искусство раскрывает противоречивость, трагичность взаимодействия индивида и общества. Художник своими произведениями может повлиять на вкусы общества, ценности. Политика и общественные институты формируют направленность творческой деятельности художника [10]. В современном обществе идеология не имеет непосредственного влияния на искусство, отсутствует «социальный заказ» в прямом смысле. Однако общество воздействует на искусство, формируя систему ценностей, представления об эстетических идеалах, транслируя традиции.

В наше время большой популярностью пользуются выставки Айвазовского, Шишкина и Левитана. Вызывают ажиотаж выставки Караваджо и Рафаэля. На аукционах баснословные суммы выкладываются за произведения искусства старых мастеров. На современном этапе по-прежнему популярны жанры пейзажа и натюрморта. Это свидетельствует о том, что общество сохраняет, воспроизводит и транслирует эстетические образцы прошлых эпох. Несмотря на развитие информационных технологий, не утрачивается интерес к общению с подлинными произведениями искусства.

В современных условиях актуальна проблема эстетического воспитания и образования подрастающих поколений. На всех стадиях образования детей и подростков знакомят с изобразительным искусством: в детском саду, школе, в художественных студиях. Небольшая часть молодёжи продолжает в дальнейшем обучение в училищах с художественной направленностью, где студенты изучают изобразительное искусство. Для профессионального успеха в изобразительном искусстве кроме таланта необходимо упорство, настойчивость, трудолюбие. Даже при соблюдении все этих условий никто не может дать гарантий того, что молодые люди смогут реализоваться в сфере искусства.

Эстетическое воспитание и образование важно как для карьеры в сфере искусства, так и для гармоничного развития личности. Художественные школы и студии, колледжи формируют первичные навыки изобразительного мастерства, которые впоследствии влияют на эстетические и творческие воззрения молодежи. Многие молодые художники ожидают не только признания со стороны публики. Искусство — это способ самовыражения, коммуникации с социальным окружением. В виде работ по живописи, рисунков и скульптуры художники выносят на суд зрителей свои идеи эмоции и чувства. При этом возникают новые стилистические направления, формы и тематика, технологии коммуникации [11].

Современное искусство нуждается в пропаганде, рекламе. В информационном обществе публика привыкла к развлечениям в виде шоу. Всё чаще на презентациях и открытиях выставок показывают шоу, инсталляции, звучит музыка, проходят представления артистов и художников.

ISSN 2Э04-120Х

ниепт

научно-методический электронный журнал

Ротмистров В. И. Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2018. — № 4 (апрель). — 0,5 п. л. — URL: http://e-kon-cept. ru/2018/185014.htm.

В условиях информационного общества меняются психологические основы восприятия. Люди привыкают к быстрой смене информации на мониторе. Психологи утверждают, что современная молодежь не может надолго сосредоточиться на восприятии одного объекта. При этом стираются границы между картиной плоскостью на экране монитора компьютера, между аватаркой и оригинальным произведением. Данные факторы влияют на восприятие произведений искусства. Молодые люди не могут сосредоточиться на рассматривании одной картины, иллюстрации, скульптуры, остановить свой взгляд и внимание.

Представителям подрастающего поколения важно объяснить и показать на примерах различия впечатлений от картины и репродукции. Виртуальное изображение не способно передать спектр эмоций, чувств. Различия проявляются не только на уровне фактуры живописного строя. Произведение искусства передает определённого рода вибрации, вызванные всплеском эмоций и темперамента художника. Обучение искусству формирует у зрителей творческое воображение, способность к сопереживанию.

Развитию интереса к искусству у молодежи способствуют экскурсии по музеям, творческим клубам. В них проходят встречи с художниками на различных выставочных площадках. При проведении мастер-классов художники показывают секреты и различные способы написания и создания художественного образа. Участники мастер-классов могут сами попробовать написать что-либо подобное, прикоснуться к сокровенному созданию картины. В природе человека заложена тяга к прекрасному, изящному. Развитое чувство прекрасного мотивирует стремление эстетическому совершенству.

Эстетическое воспитание направлено на полноценное развитие личности, приобщение человека к миру прекрасного, формирование образного мышления. Интерес к произведениям искусства зависит от возможностей создания плодотворного диалога между художниками и публикой. Он зависит от актуальности тем, которые раскрывает искусство, способов их актуализации, выразительных средств.

Тенденции развития искусства в настоящее время требуют от художника чуткого реагирования на развитие моды, чтобы обрести популярность как в интернет-пространстве, так и в реальности. Популярность художника зависит от общественного мнения, благожелательных откликов критики, количества почитателей. Для обретения популярности некоторые художники стремятся привлечь внимание к своим произведениям любыми способами. Вспомним повесть Николая Васильевича Гоголя «Портрет» — ничего не изменилось с того времени. От огромного количества опубликованных картинок рябит в глазах, Интернет переполнен огромным количеством визуальный информации. Публика избалована и запутана, не может отличить качественные работы от плагиата и конъюнктуры.

Произведения современного искусства приглашают зрителей вступить в диалог через заинтересованное обсуждение определённой темы, идеи. Мотивация художника связана с потребностями самовыражения при создании произведения. Поводом для создания произведения может стать какое-либо яркое событие. При этом художник надеется найти ответный отклик у публики, пробудить всплеск чувств и эмоций. Обратная связь необходима для постижения истины, воплощенной в произведениях искусства. Искусство нуждается в компетентной публике. Несмотря на обилие информации об искусстве, необходимо живое обсуждение с публикой проблем и тенденций современного искусства. Это поможет установить взаимосвязь между традициями, воплощенными в известных образцах, и современным искусством [12].

В современных условиях актуальна деятельность экспертов, энтузиастов в сфере пропаганды искусства, которые могли бы дать в блогах, на выставках в статьях и заметках разъяснения по поводу картин, выставленных или написанных в наше

ISSN 2304-120X

ниепт

научно-методический электронный журнал

Ротмистров В. И. Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2018. — № 4 (апрель). — 0,5 п. л. — URL: http://e-kon-cept.ru/2018/185014.htm.

время. Они помогут объяснить художественные приемы, композиционные схемы, особенности художественного языка художника. Важна информация об интерпретации знаков и символов, деталей и предметов. Это поможет зрителям раскрыть суть произведения, понять идею, замысел картины.

Художник как часть социума видит, впитывает и воспроизводит всё то, что чувствует. Создатель художественных произведений передает настроение, идею через свет, освещение в картине, драматургию пятна. Цветовая гамма помогает отличить тематическую направленность. Она усиливает или ослабляет напряжение, тем самым привлекает внимание зрителя. Большое значение имеет самовыражение, индивидуальная стилистика письма, обработка деталей в картине, проработка и акценты в композиционном центре. Всё это может привлечь внимание зрителей, если они настроены и имеют интерес к изучению, пониманию живописи, искусства в целом. Картина -это индивидуальное, эксклюзивное произведение, она неповторима. Даже если автор поставит цель повторить свое произведение, оно будет уже другим. Уникальность и неповторимость произведения мотивирует интерес к нему у публики [13].

Для современного искусства актуальна проблема привлечения публики, повышения мотивации к посещению выставок. Открытие и закрытие экспозиции может быть торжественным с элементами шоу, а также музыки, танца и пения. Во-первых, этого можно достичь за счет интересных тем, презентаций, ярких событий, эксклюзивной формы подачи [14]. Здесь речь идёт об актуальности и необычности темы, разнообразии форм и способов решения, авторской интерпретации и подачи, включая оформление, освещение работ на выставке.

Во-вторых, популярности искусства способствует создание информационного поля, освещающего события, время и место. Важны реклама, критика и статистика посещений. В-третьих, значимым фактором является разнообразие экспозиции. Она может включать кроме живописи графику, скульптуру, коллаж, фотографию, архивные материалы и печатные издания. Зрители традиционно проявляют интерес к картинам, ярко иллюстрирующим историческую эпоху, исторических личностей, костюмы [15], декорации [16].

Зрителю на больших выставках сложно сосредоточить внимание на произведениях искусства. В одиночестве легче сконцентрироваться, провести подробный анализ произведения, рассмотреть детали. Для этого человек должен приобрести опыт неоднократного посещения художественных музеев, галерей и различного выставочного пространства. При этом вырабатываются приоритеты в восприятии живописи, индивидуальные предпочтения и вкусы, формируются эстетические позиции и убеждения, появляется интерес к тому или иному жанру. К примеру, при рассмотрении пейзажа возникает ассоциативный ряд, включающий воспоминания и эмоции. Образы картины переносят зрителя в прошлое, в потаённые уголки забытого. Величавость и красота природы пробуждают воспоминания о том, что согревает душу и сердце. В итоге зритель вступает в диалог с художником через сопереживание образам, воплощенным в картине.

В заключение отметим, что развитие современного искусства, так же как и на прошлых этапах, зависит от общества. В условиях возрастания степени индивидуальной свободы самовыражения и способов удовлетворения потребностей большое значение имеет эстетическое воспитание. Оно во многом определяет уровень художественного творчества, а также вкусы и запросы публики.

Ссылки на источники

1. Цветкова И. В. Философский текст и философская культура в их динамически детерминированной взаимосвязи (герменевтический аспект): дис. … д-ра филос. наук / Уральский государственный университет имени А. М. Горького. — Екатеринбург, 2004.

ISSN 2Э04-120Х

ниепт

научно-методический электронный журнал

Ротмистров В. И. Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2018. — № 4 (апрель). — 0,5 п. л. — URL: http://e-kon-cept.ru/2018/185014.htm.

2. Савицкая Т. Е. Дилеммы постмодернизма в отечественной культурологии (по материалам публикаций 90-х годов) // Культура в современном мире: опыт, проблемы, решения: науч.-информ. сб. — Вып. 4. — М.: Изд. РГБ, 1998. — С. 3-19.

3. Морозов А. И. Преемственность в развитии современного советского искусства. К постановке проблемы // Советское искусствознание. Вып. 19. — М.: Сов. художник, 1985. — С. 5-28.

4. Михайлов И. В., Аймермахер К. Политика и культура при Ленине и Сталине, 1917-1932 // Отечественная история. — 2000. — № 4. — С. 195-196.

5. Дондурей Д. Б. Живопись 1970-х годов: изменение принципа общения со зрителем и функции критики // Советское искусствознание. Вып. 19. — М.: Сов. художник, 1985. — С. 250-267.

6. Яблонская М. Взаимовлияние станкового и монументального в советской картине 20-х, 60 70-х гг. // Советская живопись’74. — М., 1976. — С. 153-163.

7. Агитационно-массовое искусство. Оформление празднеств / В. П. Толстой. — М.: Просвещение, 1984. — C. 11-41.

8. Яблонская М. Указ. соч.

9. Якимович А. К. Советское изобразительное искусство 1970-х начала 1980-х годов // Советское искусствознание. Вып. 19. — М.: Сов. художник, 1985. — С. 35-48.

10. Манин В. С. Искусство и власть. Борьба течений в советском изобразительном искусстве 19171941 годов. — СПб.: Аврора, 2008. — С. 298-299.

11. Золотой век художественных объединений в России и СССР. 1920-1932: справочник / сост. Д. Се-верюхин, О. Лейкинд. — СПб., 1992. — С. 175-176.

12. Цветкова И. В. Оценка тольяттинцами развития социальной сферы в условиях реформирования моногорода // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2013. — № 6. — С. 61-65. -URL: http://ekoncept.ru/2013/13129.htm.

13. Галинская И. Л. Горизонты культуры на рубеже тысячелетий // Культурология: дайджест / ИНИОН РАН. — М., 1999. — № 4. — С. 7-13.

14. Цветкова И. В. Перспективы инновационного развития Тольятти (по результатам социологического исследования // Балтийский гуманитарный журнал. — 2015. — № 1 (10). — С. 196-199.

15. Русское искусство начала XX века. Судьба и облик России. — М., 1999. — № 1/2000. — М.: Б/и, 2000. -С.288-292.

16. Мыськова Н. И. и др. История костюма: дизайн костюма: учеб. — Тольятти, 2014. — 505 с.

Vladimir Rotmistrov,

Associate Professor, Painting and Art Education Chair, Togliatti State University, Togliatti [email protected]

Reflection of reality in painting as a form of interrelation between art and society Abstract. The article analyzes the features of the relationship between art and society. The author considers the art of the Soviet period. In those conditions, art was influenced by ideology. Particular attention is paid to art in modern society. The understanding of contemporary art depends on the interests and tastes of public. This is due to the development of aesthetic education.

Key words: interrelation of art and society, ideology, artist, fine arts, patriotism, painting. References

1. Cvetkova, I. V. (2004). Filosofskij tekst i filosofskaja kul’tura v ih dinamicheski determinirovannoj vzai-mosvjazi (germenevticheskij aspekt): dis. … d-ra filos. nauk, Ural’skij gosudarstvennyj universitet imeni A. M. Gor’kogo, Ekaterinburg (in Russian).

2. Savickaja, T. E. (1998). «Dilemmy postmodernizma v otechestvennoj kul’turologii (po materialam pub-likacij 90-h godov)», Kul’tura v sovremennom mire: opyt, problemy, reshenija: nauch.-inform. sb, vyp. 4, Izd. RGB, Moscow, pp. 3-19 (in Russian).

3. Morozov, A. I. (1985). «Preemstvennost’ v razvitii sovremennogo sovetskogo iskusstva. K postanovke problem», Sovetskoe iskusstvoznanie. Vyp. 19, Sov. hudozhnik, Moscow, pp. 5-28 (in Russian).

4. Mihajlov, I. V. & Ajmermaher, K. (2000). «Politika i kul’tura pri Lenine i Staline, 1917-1932», Otechestven-naja istorija, № 4, pp. 195-196 (in Russian).

5. Dondurej, D. B. (1985). «Zhivopis’ 1970-h godov: izmenenie principa obshhenija so zritelem i funkcii kritiki», Sovetskoe iskusstvoznanie. Vyp. 19, Sov. hudozhnik, Moscow, pp. 250-267 (in Russian).

6. Jablonskaja, M. (1976). «Vzaimovlijanie stankovogo i monumental’nogo v sovetskoj kartine 20-h, 60 70-h gg.», Sovetskaja zhivopis»74, Moscow, pp. 153-163 (in Russian).

7. Tolstoj, V. P. (1984). Agitacionno-massovoe iskusstvo. Oformlenie prazdnestv, Prosveshhenie, Moscow, pp. 11-41 (in Russian).

8. Jablonskaja, M. (1976). Op. cit.

ISSN 2304-120X

ниепт

научно-методический электронный журнал

Ротмистров В. И. Отражение действительности в живописи как форма взаимосвязи искусства и общества // Научно-методический электронный журнал «Концепт». — 2018. — № 4 (апрель). — 0,5 п. л. — URL: http://e-kon-cept.ru/2018/185014.htm.

9. Jakimovich, A. K. (1985). «Sovetskoe izobrazitel’noe iskusstvo 1970-h nachala 1980-h godov», Sovetskoe iskusstvoznanie. Vyp. 19, Sov. hudozhnik, Moscow, pp. 35-48 (in Russian).

10. Manin, B. C. (2008). Iskusstvo i vlast’. Bor’ba techenij v sovetskom izobrazitel’nom iskusstve 1917-1941 godov, Avrora, St. Petersburg, pp. 298-299 (in Russian).

11. Severjuhin, D. & Lejkind, O. (ed.) (1992). Zolotoj vek hudozhestvennyh ob#edinenij v Rossii i SSSR. 1920-1932: spravochnik, St. Petersburg, pp. 175-176 (in Russian).

12. Cvetkova, I. V. (2013). «Ocenka tol’jattincami razvitija social’noj sfery v uslovijah reformirovanija monogo-roda», Nauchno-metodicheskij jelektronnyj zhurnal «Koncept», № 6, pp. 61-65. Available at: http://ekon-cept.ru/2013/13129.htm (in Russian).

13. Galinskaja, I. L. (1999). «Gorizonty kul’tury na rubezhe tysjacheletij», Kul’turologija: dajdzhest, INION RAN, Moscow, № 4, pp. 7-13 (in Russian).

14. Cvetkova, I. V. (2015). «Perspektivy innovacionnogo razvitija Tol’jatti (po rezul’tatam sociologicheskogo issledovanija», Baltijskij gumanitarnyj zhurnal, № 1(10), pp. 196-199 (in Russian).

15. (1999, 2000). Russkoe iskusstvo nachala XX veka. Sud’ba i oblik Rossii, Moscow, № 1/2000, pp. 288292 (in Russian).

16. Mys’kova, N. I. et al. (2014). Istorija kostjuma: dizajn kostjuma: ucheb, Tol’jatti, 505 p. (in Russian).

Рекомендовано к публикации:

Утёмовым В. В., кандидатом педагогических наук; Горевым П. М., кандидатом педагогических наук, главным редактором журнала «Концепт»

Поступила в редакцию Received 24.03.18 Получена положительная рецензия Received a positive review 30.03.18

Принята к публикации Accepted for publication 30.03.18 Опубликована Published 30.04.18

www.e-koncept.ru

Creative Commons Attribution 4. 0 International (CC BY 4.0) © Концепт, научно-методический электронный журнал, 2018 © Ротмистров В. И., 2018

5779343120380

художник и власть • Arzamas

Как и кому авангард проиграл битву за власть — и как появилось новое советское искусство

Автор Галина Ельшевская

В 1921 году художник Константин Юон, который до того был славен своими пейзажами и изображением церковных куполов, написал картину «Новая пла­нета». Там толпа крошечных человечков, активно жестикулируя, наблюдает рождение гигантского багрового шара. Чуть позже такой же багровый шар появился в композиции Ивана Клюна, соратника Малевича. Он же — в картине Климента Редько «Полуночное солнце», и его же держит в мускулистых руках рабочий с одноименной картины Леонида Чупятова, ученика Кузьмы Петрова-Водкина.

1 / 2

Константин Юон. Новая планета. 1921 годГосударственная Третьяковская галерея

2 / 2

Леонид Чупятов. Рабочий. 1928 годarteology.ru

Совпадение мотива у абсолютно разных художников показательно. Все ощу­щают перемены именно что планетарного масштаба — но не до конца пони­мают, какой в этом новом мире будет роль художника. Нет, это не шкурный вопрос про поиски места, это существенный вопрос — про новую функцию искусства.

Казалось бы, все как и прежде: художники объединяются, размежевываются, громыхают манифестами, устраивают выставки, переходят из группы в группу. Однако после революции в привычном для них пространстве появляется новое и очень активное действующее лицо — государство. У него власть, оно владеет множественными способами поощрения и взыскания: это и закупки, и устрой­ство выставок, и разнообразные формы покровительства. «Кого люблю, того дарю».

И это непривычная ситуация, ведь прежде государство не слишком интересо­валось художественными затеями. Царь Николай II дал как-то деньги на изда­ние журнала «Мир искусства», но только потому, что его об этом попросили, сам журнал он вряд ли читал. А теперь власть собралась властвовать везде. И так, как ей это удобно. 

Поэтому, забегая вперед, когда в 1932 году государство декретом прикроет все художественные объединения, это будет с его стороны совершенно логичным жестом. Невозможно управлять тем, что движется и меняет вид. Цветущая сложность, конечно, хороша, но она же порой напоминает массовую драку у трактира; а если сделать все единообразным, то и вражда прекратится, и контролировать искусство будет проще. 

О вражде поговорим потом, а сейчас — о том, как это присутствие внешней силы в лице государства меняет условия игры. Например, групповые манифе­сты, которые прежде адресовались городу и миру и выглядели вполне вызы­вающе, теперь имеют конкретного адресата. И слова о том, что все готовы отражать в своих работах новую революционную тематику, очень быстро приобретают вид ритуальных заклинаний — потому что адресат-государство неизменно их требует. В общем, это уже не столько манифесты, сколько декла­рации о намерениях, отправляемые начальству. Притом что большинство ху­дожников искренне готовы служить революции — но своими художествен­ными средствами и так, как они это понимают. 

Говоря о послереволюционных художественных объединениях, попробуем сна­чала выделить те, которые не совсем объединения, а скорее школы. Какой-то значительный художник, учитель, своего рода гуру — и его ученики. Такие школы могли быть действительно чисто учебными предприятиями, как, например, школа Петрова-Водкина, просуществовавшая с 1910 по 1932 год, — но могли быть оформлены и как художественные сообщества. 

Например, Уновис («Утвердители нового искусства») — сообщество учеников Казимира Малевича, существовавшее в Витебске в 1920–1922 годах. Это было действительно объединение — с манифестом, написанным Малевичем, с вы­ставками и другими коллективными мероприятиями, с ритуалами и атрибу­тикой. Так, члены Уновиса носили нарукавные повязки с изображением чер­ного квадрата, на печати организации тоже был черный квадрат. Программа-максимум объединения состояла в том, что супрематизм должен сыграть роль мировой революции и распространиться не только в России, но и по всему ми­ру, став универсальным языком, — такой художественный троцкизм. Покинув Витебск, члены Уновиса найдут пристанище в петроградском Гинхуке — Го­сударственном институте художественной культуры, научном учреждении. 

1 / 2

Участники группы Уновис. 1920 годevitebsk.com

2 / 2

Занятия в мастерской Уновиса — Казимир Малевич стоит у доски. Сентябрь 1920 годаthecharnelhouse.org

Объединением, хотя и странного толка, была также школа еще одного аван­гардиста, Михаила Матюшина. В 1923 году оформилась группа «Зорвед» (на­звание образовано от слов «зрение» и «ведение») с манифестом «Не искусство, а жизнь». Речь там шла о расширенном смотрении и тренировке зрительного нерва для формирования нового видения. Матюшин этим занимался всю жизнь, и это было явно не то, чем жила страна. Тем не менее в 1930-м Матю­шин с еще одной группой учеников организовал «Коллектив расширенного наблюдения» (КОРН) и успел провести одну выставку. Работы матюшинцев по форме более всего напоминали биоморфную абстракцию; теория там зани­мала более существенное место, чем практика. 

Группа «Коллектив расширенного наблюдения». 1930-е годыГосударственный музей истории Санкт-Петербурга

В 1925 году статус объединения получает и школа Павла Филонова, она названа «Мастера аналитического искусства», сокращенно МАИ. Специального мани­феста у МАИ не было, но в этом качестве существовали прежние манифестные тексты Филонова — «Сделанные картины» 1914 года и «Декларация мирового расцвета» 1923 года. В них изложен филоновский метод аналитической прора­ботки каждого элемента картины, результатом которой должна стать формула. Многие работы Филонова так и называются — «Формула весны», «Формула петроградского пролетариата». Потом сам Филонов из МАИ уйдет, и школа просуществует до 1932 года без лидера, но по его заветам.  

Но все эти школы-объединения, собиравшиеся вокруг центральных фигур ста­рого, дореволюционного авангарда, теперь оказываются совершенно не в мейн­стриме. При этом фраза критика Абрама Эфроса про то, что авангард «стал официальным искусством новой России», совершенно точно фиксирует поло­жение дел в первые годы десятилетия. Авангард действительно влиятелен, но это другой авангард, иначе ориентированный.

Самое простое (хотя не самое точное) — сказать, что главный сюжет двадцатых годов — это активное противостояние художников авангарда и художников очень быстро набирающего силу антиавангарда. Но в начале двадцатых аван­гардное искусство испытывает кризис и само, без всякой посторонней помощи. Во всяком случае, его испытывает искусство с высокими амбициями, которое занято исключительно поисками всеобщего языка и проповедью нового виде­ния. Оно не востребовано никем, кроме узкого круга его творцов, их адептов, друзей и врагов из того же поля. Но теперь быть востребованным — это важно; одной лабораторной работы с учениками в Инхуке и Гинхуке недостаточно, надо приносить пользу.

В этой ситуации рождается концепция производственного искусства. Она от­части воспроизводит утопию модерна — преобразовать мир, создав новые формы всего того, с чем человек сталкивается каждый день, спасти человека правильной красотой. Все должно быть современным и прогрессивным — от одежды до посуды. И художество в этом случае оправдывает свое суще­ствование: оно прикладное, даже полезное. Супрематические и конструкти­вистские ткани, фарфор, одежда, типографика, книга, плакат и фотография — всем этим занимаются теперь художники-авангардисты. Это Любовь Попова, Варвара Степанова, Александр Родченко, Эль Лисицкий, Владимир Татлин и многие другие. 

1 / 3

Сергей Чехонин. Блюдо с лозунгом «Царству рабочих и крестьян не будет конца». 1920 годКоллекции Музея Императорского фарфорового завода / Государственный Эрмитаж

2 / 3

Варвара Степанова в платье из ткани, выполненной по ее рисунку. 1924 годГосударственный музей изобразительных искусств им.  А. С. Пушкина

3 / 3

Николай Суетин. Молочник с крышкой из сервиза «Бабы». 1930 годКоллекции Музея Императорского фарфорового завода / Государственный Эрмитаж

При этом интересно, что супрематические вещи — например, посуда, созда­ваемая при участии Малевича его учениками, — не были удобными и даже к тому не стремились. Малевич мыслил всеобщими категориями, и в этом смысле его посуда — так называемые получашки — была сродни его проектам небоскребов для людей будущего: все это было не для тех, кто живет здесь и сейчас. А вот конструктивистские предметы находили практическое массовое применение, в них была разумная функциональность: посудой можно было пользоваться, одежду — носить, в зданиях — жить и работать. 

1 / 2

Казимир Малевич. Супрематический чайный сервиз. Разработан в 1918 годуMuseum of Fine Arts, Houston / Bridgeman Images / Fotodom

2 / 2

Казимир Малевич. Макет архитектонов. 1920-е годыФотография Pedro Menéndez / CC BY-NC-ND 2.0

Идеологическое обоснование производственного искусства происходило в об­ществе «Леф» («Левый фронт искусств») и в издаваемых им журналах «Леф» и «Новый Леф». Это было объединение литераторов, существовавшее с 1922 года, тон там задавали Маяковский и Осип Брик. И речь шла в основ­ном о литературе — в частности, о литературе факта, об отказе от сочинений в пользу документальности, а еще о работе на соцзаказ и жизнестроительстве. Но вокруг Лефа кучковались и художники-конструктивисты, и архитекторы, например братья Веснины, Моисей Гинзбург. На основе Лефа возникает Объ­единение современных архитекторов (группа ОСА). 

1 / 5

Обложка журнала «Леф», № 2, 1923 годavantgard1030.ru

2 / 5

Обложка журнала «Леф», № 3, 1923 годthecharnelhouse.org

3 / 5

Обложка журнала «Новый Леф», № 1, 1927 годthecharnelhouse.org

4 / 5

Обложка журнала «Новый Леф», № 3, 1927 годthecharnelhouse. org

5 / 5

Обложка журнала «Новый Леф», № 6, 1927 годАукционный дом «Империя»

Леф — в своем роде крайняя точка на карте художественных объединений двадцатых годов. На другом полюсе — АХРР — Ассоциация художников рево­люционной России (потом название преобразуется в Ассоциацию художников революции и потеряет одно «р»). Это — поздние остаточные передвижники и другие. Товарищество передвижных выставок, художественно неактуальное уже лет тридцать, все это время существовало, набирая к себе художников из числа недоучек. Формально товарищество прекращает свое существование только в 1923 году — и его участники автоматически становятся членами АХРРа.

АХРР говорит: у нас теперь новое время, случилась революция, сейчас идет социалистическое строительство. И искусство должно это новое время — его приметы, сюжеты, события — просто честно фиксировать. А о средствах выра­жения вообще не заботиться. 

Маленькое отступление. В какой-то момент часть российского фейсбука открыла для себя ахровского художника Ивана Владимирова. В его исключи­тельно плохих по исполнению картинах была хроника первых послереволю­ционных лет. Как грабят дворянскую усадьбу. Как лежит мертвая лошадь и на­род раздирает ее на части, потому что это 1919 год и голод. Как судят поме­щика и попа — и вот сейчас их расстреляют. Люди стали перепощивать под­борки картин Владимирова, комментируя это так: оказывается, и в первые послереволюционные годы художники весь этот ужас осознавали. Однако это именно сегодняшнее восприятие, а у Владимирова такой оценки не было. Он, как акын или как бесстрастный репортер, запечатлевал то, что видел, — а видел многое. К тому же работал Владимиров милиционером. 

Иван Владимиров. «Долой орла!» 1917 годWikimedia Commons, Государственный музей политической истории России

Получается, живопись АХРРа — это искусство факта. Вспомним, что Леф отста­ивал литературу факта. На некотором идеологическом уровне эстетические противоположности смыкаются.

Или был такой ахровский художник Ефим Чепцов. У него есть картина «Пере­подготовка учителей». Изображена комната, в ней люди, среди них есть доре­волюционные типажи (их двое), есть другие. Они читают брошюры, мы можем видеть названия брошюр — «Третий фронт», «Красная зорька», «Рабочее про­свещение». Но вопрос — почему это переподготовка, а не просто подготовка, экзамен? Простодушный художник пытается в названии картины досказать ту мысль, которую не смог изобразить красками, — и не мог бы, потому что в слове «переподготовка» есть идея длительности. Он как бы берет название «Переподготовка» с одной из этих брошюр, не понимая, что это не книга, а картина. И такое происходит очень часто. 

Ефим Чепцов. Переподготовка учителей. 1925 годmuseum.clipartmania.ru, Государственная Третьяковская галерея

Бескрасочные и наивные работы художников раннего АХРРа отсутствием вся­кой эстетической заботы напоминают о раннем передвижничестве, совсем ран­нем. Когда всякое понятие о картинной красоте отвергалось идеологически: какая красота, когда мир во зле лежит и задача искусства — зло обличать? Теперь мир, напротив, революционно развивается, но это происходит быстро, и нужно успеть запечатлеть все события — до красоты ли тут? Красная армия побеждает, сельячейка заседает, транспорт налаживается. Все это следует изо­бразить, оставить документальное свидетельство. Художник как бы добро­вольно уходит из картины, здесь нет его индивидуального присутствия. И этот уход парадоксальным образом сближает ахровцев и с массовым производствен­ным искусством, и с принципиально анонимными учениками Малевича из Уновиса, которые не подписывали свои картины. 

1 / 2

Ефим Чепцов. Заседание сельячейки. 1924 годФотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

2 / 2

Михаил Греков. Трубачи Первой конной армии. 1934 годWikimedia Commons

Чуть позже, в тридцатые годы, эта программа станет основой социалистиче­ского реализма, чьим кредо сделается именно «изображение действительности в ее революционном развитии». Но уже в 1920-е то, что делают ахровцы, нахо­дит отклик во многих властных структурах — потому что это простое и понят­ное искусство. Главными покровителями АХРРа становятся военные — Красная армия, Реввоенсовет и нарком Ворошилов лично. Художники работают по со­циальному заказу, и это прописано в программе объединения: это здесь не счи­тается чем-то предосудительным. Мы исполняем актуальные заказы, поэтому мы и есть актуальные художники. А у кого государственные заказы, у того и государственные деньги.

Члены АХРРа (слева направо) Евгений Кацман, Исаак Бродский, Юрий Репин, Александр Гри­горьев и Павел Радимов. 1926 год Wikimedia Commons

Между обозначенными полюсами — АХРРом и Лефом — карта объединений 1920-х годов напоминает художественное кочевье. Люди переходят из группы в группу, этих групп очень много, все не перечислить. Назовем только неко­торые. 

Часть из них была образована художниками условно старшего поколения — сложившимися еще до революции. Например, Общество московских худож­ников — это в основном бывшие «бубновые валеты»: Кончаловский, Машков и прочие. В своем манифесте они отстаивают права обычной картины, которые отрицают производственники, — так что здесь они консерваторы. Но говорят, что эта картина, конечно, не может быть прежней: она должна отражать реа­лии сегодняшнего дня и отражать их без формализма — то есть без излишней сосредоточенности на художественных приемах, идущей якобы в ущерб содер­жанию. Характерно, что до дискуссии о формализме, которая даст повод репрессиям против творческих профессий, еще около десяти лет, но слово уже употребляется с негативным оттенком, и поразительно, что произносят его бывшие скандалисты и возмутители спокойствия. Бороться с формализмом — это своеобразное почвенничество: у нас примат содержания, а эксперименты с формой — это западное. Общество московских художников оставит за собой традицию так называемой московской школы — густого, тяжелого письма, а бывшие «валеты» идеально придутся ко двору в соцреализме.

Еще одно объединение «бывших» — тех, кто выставлялся и с «Миром искус­ства», и с «валетами», и на символистской выставке «Голубая роза» — это «Четыре искусства». Здесь Кузьма Петров-Водкин, Мартирос Сарьян, Павел Кузнецов, Владимир Фаворский и многие другие. Четыре искусства — потому что, кроме живописцев, скульпторов и графиков, в объединение входят еще и архитекторы. В их манифесте не заявлено никакой единой программы — это сообщество людей, дорожащих индивидуальным. И вообще, это очень спокой­ный манифест, в своем роде беззубый. Там есть ритуальные слова про новую тематику, но главный упор — на то, что пластическую культуру надо сохра­нять. Многие из участников «Четырех искусств» окажутся преподавателями Вхутемаса-Вхутеина и воспитают студентов, которые будут создавать «под­шкафное» искусство, не связанное с восторжествовавшим соцреализмом.

Назовем еще два объединения, которые не очень заметны на общем фоне, но позволяют оценить широту спектра. Во-первых, это НОЖ (Новое общество живописцев), существовавшее с 1921 по 1924 год. Это юный десант в Москву, там преобладали одесситы — Самуил Адливанкин, Михаил Перуцкий, Алек­сандр Глускин. Они успели провести всего одну выставку, но в их картинах, особенно у Адливанкина, чувствуется стилистика примитива и комическая интонация, которой в советском искусстве почти не будет. Такой вот реа­лизм — но со своей особой интонацией: полностью упущенная возможность в истории русского искусства.

1 / 2

Самуил Адливанкин. Первый сталинский маршрут. 1936 годФотография Юрия Абрамочкина / РИА «Новости»

2 / 2

Амшей Нюренберг. Буржуазная сволочь. 1929 годWikimedia Commons / CC BY-SA 3.0; Государственная Третьяковская галерея

А во-вторых, это «Маковец». Это объединение было создано вокруг художника Василия Чекрыгина, который погиб в 25 лет, оставив поразительную графику. Туда входили самые разные люди — Лев Жегин, ближайший друг Чекрыгина и сам художник недооцененный; Сергей Романович, ученик и адепт Михаила Ларионова; Сергей Герасимов, в будущем соцреалист и автор знаменитой кар­тины «Мать партизана». А название обществу придумал религиозный философ Павел Флоренский, сестра которого, Раиса Флоренская, тоже в «Маковце» состояла. Маковец — это холм, на котором Сергий Радонежский основал мона­стырь, Троице-Сергиеву лавру. 

Группа художников общества «Маковец». 1922 год Фотография Роберта Иохансона / Wikimedia Commons

Художникам «Маковца» был не чужд пророческий и планетарный пафос аван­гарда: они мечтали о соборном, объединяющем всех искусстве, символом которого для них стала фреска. Но поскольку фреска в голодной, разваленной стране невозможна, то все искусство должно мыслиться как некоторый к ней подход, как эскизы. Эскизы к какому-то самому главному тексту о человече­стве — отсюда ремейки старых мастеров, обращение к религиозной тематике. Очень несвоевременное это было искусство. 

Но ведь маргинальным совсем скоро окажется и все остальное. Ко второй поло­вине десятилетия на поле остались лишь две основные силы, противостоящие друг другу. Но в будущем им вместе предстоит сформировать приметы «совет­ского стиля». Имеются в виду АХРР и ОСТ — Общество станковистов, «самая левая среди правых группировок», как про него говорили. На выставках ОСТа экспонировались наиболее обсуждаемые работы тех лет — «Оборона Петро­града» Александра Дейнеки, «Шар улетел» Сергея Лучишкина, «Аниська» Давида Штеренберга и другие. «Оборона Петрограда» — своего рода символ времени: «двухэтажная» композиция, где в верхнем регистре возвращаются с фронта раненые, а в нижнем им на смену идет шеренга красноармейцев. В ОСТ входили также Александр Лабас, Юрий Пименов, Соломон Никритин, Петр Вильямс; многие здесь вышли из авангарда. А лицом объединения стал Дейнека, который покинул ОСТ за несколько лет до его закрытия. В Ленингра­де своеобразным дублером ОСТа было общество «Круг художников». Его ли­цом стал Александр Самохвалов, пробывший членом общества всего три года, но написавший «Девушку в футболке» — самый жизнеутверждающий типаж эпохи. Характерно, что через 30 лет под самохваловскую девушку будет стили­зована главная героиня фильма про 30-е годы «Время, вперед!» — во всем, вплоть до полосатой футболки.  

1 / 4

Александр Дейнека. «Оборона Петрограда». 1964 год

Авторское повторение картины 1928 года.

Фотография РИА «Новости», Государственная Третьяковская галерея

2 / 4

Сергей Лучишкин. Шар улетел. 1926 годФотография Михаила Филимонова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

3 / 4

Давид Штеренберг. Аниська. 1926 годФотография Абрама Штеренберга / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

4 / 4

Александр Самохвалов. Девушка в футболке. 1932 годФотография А. Свердлова / РИА «Новости»; Государственная Третьяковская галерея

В самом словосочетании «общество станковистов» заявлена антилефовская позиция. ОСТ — за станковую живопись, за картину, а Леф — за массовое про­изводство и дизайн, за посуду и плакаты. Однако к середине 1920-х АХРР влиятельнее Лефа: производственная утопия уже пережила свою активную пору. И на самом деле главный спор ОСТ ведет именно с АХРРом — спор о том, каким должно быть современное искусство. Вместо вялого натуроподобия и описательности — у ОСТа резкие ракурсы, монтаж, силуэтная манера письма. Живопись графична и напоминает монументальный плакат. Герои непременно молоды и оптимистичны, они занимаются спортом, управляют машинами и сами уподоблены хорошо работающим машинам. Здесь воспеваются город­ские и производственные ритмы, слаженная коллективная работа, здоровье и сила. Физически совершенный человек — он же и духовно совершенный; такой новый человек и должен стать гражданином нового социалистического общества. 

Конечно, это характерно не для всех художников объединения, а только для его ядра. Но вот в этом упоении техникой и слаженным трудом остовцы, как ни парадоксально, близки конструктивистам из Лефа, против которых вроде бы направлена их программа.

И вот на рубеже двадцатых мы видим начало какого-то нового противостоя­ния. С одной стороны — пафос ОСТа, который потом перейдет в соцреализм. Это радость от того, как замечательно все движется — люди, поезда, автомо­били, дирижабли и самолеты. Как совершенна техника. Как прекрасны кол­лективные усилия, они ведут к победе. А с другой стороны — полностью про­тивоположные эмоции, темы и выразительные средства «Маковца», «Четырех искусств» и других. Это тишина и статика: комнатные сцены, камерные сю­жеты, живописная глубина. Люди пьют чай или читают книги, они живут так, будто за стенами дома ничего нет — и уж точно нет ничего величественного. Живут, словно следуя словам Михаила Булгакова из «Белой гвардии»: «Никогда не сдергивайте абажур с лампы!» 

И вот этому тихому, с лирическими и драматическими оттенками, предстоит в 1930-е годы уйти в подполье. А культ молодости и правильного управления механизмами выведет к парадам и спортивным праздникам, к ощущению сли­янности с ликующей толпой. Но это случится уже после того, как ЦК ВКП(б) своим постановлением 1932 года «О перестройке литературно-художествен­ных организаций» все эти организации запретит, а вместо них создаст единый Союз художников. И начнется следующий, растянувшийся на два с лишним десяти­летия «имперский» период истории советского искусства. Господство социали­стического реализма и питающей его тоталитарной идеологии.

Что еще почитать про искусство 1920-х годов:

Крусанов А. Русский авангард. В 3 т. Книга 1, 2. М., 2003.
Ройтенберг О. «Неужели кто-то вспомнил, что мы были…» Из истории художественной жизни. 1925–1935.М., 2004.
Шатских А. Витебск. Жизнь искусства. 1917–1922.М., 2001.
Великая утопия. Русский и советский авангард 1915–1932.М., Берн, 1993.
Советское искусство 1920–30-х годов.Л., 1988.  

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

Ликбез № 1

Русское искусство XX века

От Маяковского до Эйзенштейна: как русская революция повлияла на культуру

  • Александр Кан
  • обозреватель по вопросам культуры

Автор фото, ITAR/TASS

Подпись к фото,

Фильм Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потемкин» — один из самых ярких примеров огромного влияния порожденного революцией искусства на всю мировую культуру ХХ века

Придуманная американским журналистом Джоном Ридом формула «десять дней, которые потрясли мир» давно уже штамп. Менее справедливой от этого она, впрочем, не стала. Русская революция действительно потрясла самым радикальным образом изменила мир. И в том числе, разумеется, мир искусства.

И вот тут есть смысл остановиться и задуматься: что было раньше — яйцо или курица? Кто на что больше влиял — революция сделала искусство революционным или революционное искусство породило революцию?

Стоит хоть немного вспомнить, что творилось в русском искусстве начала прошлого века, и станет ясно, что такая постановка вопроса отнюдь не надуманная. И дело не только в пресловутом и всем со школы известном горьковском Буревестнике, с его «Пусть сильнее грянет буря!..»

Искусство известно своей способностью к пусть и неосознанному, смутному предощущению грандиозных общественных перемен. И передает эти грандиозные перемены не обязательно прямым предсказанием. Зачастую это не больше чем попытка ухватить витающие в воздухе настроения, как, например, знаменитое полотно Сальвадора Дали «Предчувствие гражданской войны», созданное в 1936 году, за год до начала самой войны в Испании.

Предреволюционная Россия была полна событий, которые можно рассматривать не только как знаки, манифестации грандиозных эстетических сдвигов, какими они, безусловно, являлись, но и как предтечи, предвестники революционных перемен в обществе.

Русские философы и мыслители

Автор фото, TASS

Подпись к фото,

Идейно-философские построения таких мыслителей начала ХХ века как Дмитрий Мережковский предвосхищали русскую революцию

Осмысление грядущей революции было чуть ли не главным содержанием трудов лучших представителей русской философской мысли рубежа веков: Николая Бердяева, Семена Франка, Николая Булгакова и многих других. Отношение к ней у них было разное — от настороженно-тревожного до оптимистически-радужного.

Объединенные в сексуально-творческий союз литераторы Дмитрий Мережковский, Зинаида Гиппиус и Дмитрий Философов (сами они называли свой союз «троебратство») издали в 1907-м в Париже сборник «Царь и революция». В нем Мережковский писал:

«В настоящее время едва ли возможно представить себе, какую всесокрушающую силу приобретет в глубинах народной стихии революционный смерч. В последнем крушении русской церкви с русским царством не ждет ли гибель Россию, если не вечную душу народа, то смертное тело его — государство».

Мережковский был убежден, что политической революции в России, которую он рассматривал как провозвестницу мировых процессов, должна предшествовать «революция духа». В противном случае, считал он, политическая революция обернется тиранией и торжеством «грядущего хама».

«Весна священная» Игоря Стравинского и Вацлава Нижинского

Автор фото, AFP/Getty Images

Подпись к фото,

Сцена из балета Игоря Стравинского «Весна священная» в постановке Театра танца Пины Бауш

Премьера «Весны священной» 29 мая 1913 года в парижском театре Елисейских полей вызвала грандиозный скандал — с освистанием, топаньем ногами, массовым исходом публики и разгромными статьями в прессе.

Диссонансная музыка и резкая, угловатая хореография были лишены не только традиционно изысканного изящества классического балета, но и лубочно-фольклорной красоты Римского-Корсакова и «Мира искусства», к которой за пять лет «Русских сезонов» французскую публику уже успел приучить Сергей Дягилев.

«Взрыв, который расшвырял элементы музыкального языка так, что собрать их воедино в прежнем виде стало уже невозможно» (характеристика историка музыка Дональда Граута) стал не только первым актом охватившей весь ХХ век грандиозной трансформации музыкального языка, но и провозвестником сейсмических исторических сдвигов ближайших нескольких лет.

«Пощечина общественному вкусу»

Автор фото, ITAR/TASS

Подпись к фото,

Давид Бурлюк и Владимир Маяковский, 1913 год

Сочиненный Давидом Бурлюком, Алексеем Крученых и Владимиром Маяковским манифест прилагался к вышедшему 18 декабря 1912 года одноименному сборнику кубофутуристов.

Он стал эстетической и идеологической основой яростной и непримиримой борьбы не только с противной апологетам будущего «старой» литературой («Бросить Пушкина, Достоевского, Толстого и проч. и проч. с Парохода Современности»), но и со всем старым миропорядком.

«Победа над Солнцем»

Автор фото, Getty Images

Подпись к фото,

Работа Казимира Малевича «Мистический супрематизм (черный крест на красном)» продана на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке за 37,8 млн долларов. Ноябрь 2015 г.

Не удовлетворившись войной с литературой, футуристы затеяли революционное наступление на театр. Даже название задуманной ими футуристической оперы «Победа над Солнцем» (композитор Михаил Матюшин, автор текста Алексей Крученых, художник-постановщик Казимир Малевич) имело глубоко символический смысл.

«Издеваясь над старым романтизмом и многопустословием, вся «Победа над Солнцем» есть победа над старым привычным понятием о солнце как о красоте», — писал о замысле постановки Матюшин.

А вот как описывал работу своих товарищей Малевич: «Звук Матюшина расшибал налипшую, засаленную аплодисментами кору звуков старой музыки, слова и буквозвуки Алексея Крученых распылили вещевое слово. Завеса разорвалась, разорвав одновременно вопль сознания старого мозга, раскрыла перед глазами дикой толпы дороги, торчащие и в землю, и в небо. Мы открыли новую дорогу театру».

Авторы «Победы над Солнцем» воспевали идею строительства нового будущего, которое может быть построено только после разрушения старого. И каждый из них достигал этого собственными средствами: Малевич — супрематическими построениями, Крученых — заумью, а Матюшин — диссонантностью музыкальной ткани.

Премьера прошла в начале декабря 1913 года в петербургском театре «Луна-парк». После революции опера была поставлена в 1920 году в Витебске, где тогда жил Малевич, а затем вплоть до перестройки была начисто забыта.

«Черный квадрат» Малевича

Автор фото, AFP/Getty Images

Подпись к фото,

«Черный квадрат» на выставке в Третьяковской галерее в Москве, ноябрь 2015 г.

Именно в ходе работы над «Победой над Солнцем» в сознании и практике Малевича оказались оформлены и сформулированы принципы супрематизма. Он разрабатывал несколько основных геометрических форм — крест, круг и квадрат. Даже квадрат у него был красным, белым и черным.

Но именно «Черный квадрат», вывешенный как икона в «красном углу», на футуристической выставке «0.10» в Петербурге 19 декабря 1915 года стал, по замыслу футуристов, продолжением идеи «Победы над Солнцем»: черный квадрат появлялся вместо солнечного круга как пластическое выражение победы активного человеческого творчества над пассивной формой природы.

Значение «Черного квадрата» в истории искусства ХХ века преувеличить невозможно. В отношении к нему как в зеркале отразилось отношение к предвосхищенной им революции.

Для одних он стал началом новой эры раскрепощенного сознания. Для других — «черной дырой», в которую со свистом улетела вся прошлая культура.

Не будет большим преувеличение сказать, что весь этот художественный радикализм не только отражал, но и формировал — а есть мнение, что вольно или невольно подстрекал — революционные настроения в обществе.

Расцвет революционного искусства наступил, однако, уже после 1917 года.

Кинематограф

Автор фото, NORBERT MILLAUER/AFP/Getty Images

Подпись к фото,

Британская поп-группа Pet Shop Boys (в красном свете вверху) вместе с музыкантами Дрезденского симфонического оркестра (в ячейках по бокам) исполняют свое музыкальное сопровождение к фильму Сергея Эйзенштейна «Броненосец Потемкин» в присутствии 10 тысяч зрителей на центральной площади Дрездена. 20 июля 2006 г.

Ленин не случайно называл кино «важнейшим из искусств». Впрочем, в его понимании оно было не столько искусством, сколько орудием агитации и пропаганды, на самом деле важнейшим для, по большей части, неграмотной России.

Однако новаторский пафос нового искусства пришелся как нельзя кстати революционно настроенным, авангардно мыслящим молодым кинематографистам послереволюционной России.

Дзига Вертов заложил основы современного документального кино. Его «Человек с киноаппаратом» (1929) и по сей день остается образцом невероятно дерзкого и невероятно выразительного киноязыка — примером для изучения и подражания кинематографистов всего мира.

Еще в 1917 году Лев Кулешов стал проводить эксперименты и разработал теорию монтажа в кино, использование которой привело его последователя Сергея Эйзенштейна к великой трилогии «Стачка», «Броненосец Потемкин» и «Октябрь».

Всеволод Пудовкин, Александр Довженко, Григорий Козинцев и Леонид Трауберг остались в истории кино как великие новаторы.

Киноэксперименты 1920-х повлияли на развитие не только советского, но и всего мирового кино.

А вместе с формальными экспериментами режиссеров мир захватили и идеи революции.

Изобразительное искусство, архитектура и дизайн

Автор фото, AFP/Getty Images

Подпись к фото,

Выставка «Русский авангард» в музее Алтарь Мира в Риме, 2012 г.

Мгновенно и с энтузиазмом вставшие на сторону революции Маяковский, Малевич, Эль Лисицкий, Александр Родченко, Любовь Попова и многие другие художники снабдили революцию уникальным визуальным сопровождением.

Новая эстетика включала в себя не только лозунги, плакаты, знамена, наглядную агитацию «Окон РОСТА», она проникла в самую глубину бытовой культуры.

Даже некогда Императорский фарфоровый завод и Палехская мануфактура вместо цветочных и пасторальных орнаментов стали оформлять свою посуду и шкатулки серпами и молотами, рабочими и колхозницами и красными знаменами.

Новизна и свежесть визуального языка оказались невероятно заразительны и для западных интеллектуалов и художников.

Зародившийся в СССР конструктивизм стал доминирующим направлением архитектуры и технического дизайна всей межвоенной Европы.

С наступлением сталинского соцреализма радикализм русского и советского авангарда был забыт и заброшен и вернулся лишь в столь же оптимистично-подъемную эпоху перестройки.

Музыка

Автор фото, ABC

Подпись к фото,

Графическое воспроизведение грандиозной «Симфонии гудков» Арсения Авраамова в Баку 7 ноября 1922 г.

Как самое абстрактное из искусств, музыка, если не считать революционных песен, в наименьшей степени подвержена сиюминутным актуальным политическим трансформациям. Но и она не смогла остаться в стороне от революционных инноваций.

Главные русские композиторы после революции оказались разделены труднопреодолимым барьером эмиграции.

Стравинский после еще более радикальной, чем «Весна священная», обращенной в языческую Русь «Свадебки» окончательно и бесповоротно расстался с русской темой.

Рахманинов, наоборот, погрузился в ностальгию о канувшей в небытие святой Руси.

Молодой Шостакович поначалу вовсю увлекся новым искусством. Симфония No 2 («Посвящение Октябрю», 1927г. ) написана под влиянием массовых грандиозных действ, приуроченных к новым советским праздникам.

Но чем дальше, тем больше ему приходилось лавировать, и музыковеды и по сей день спорят о скрытых смыслах и подлинном значении многих его симфоний.

Прокофьев, проведя почти двадцать лет в эмиграции, в 1936 году вернулся и уже через год написал «Кантату к 20-летию Октября». Несмотря на страшное время, совершенно верноподданническое название и кажущиеся безнадежно устаревшими тексты Маркса, Ленина и Сталина «Кантата» и сегодня поражает своей неуемной энергией и по-прежнему звучит невероятно свежо в своем революционном пафосе.

Композиторы, как и художники, тоже пытались искать новые краски и новые формы, осваивая неслыханные прежде звучания. Хрестоматийным в этом смысле стало короткое сочинение Александра Мосолова «Завод. Музыка машин для оркестра, с партией «железного листа», 1928 год, внедрившее в музыку индустриальные, характерные для жизни победившего пролетариата звуки.

Но для меня самым захватывающим и в максимальной (максималистской!) форме воплотившим идеи революции произведением новой музыки остается «Симфония гудков» Арсения Авраамова.

Премьера этого уникального сочинения прошла 7 ноября 1922 года, в пятую годовщину Октября, в Баку. В исполнении были задействованы десятки хоров, которые пели «Марсельезу» и «Интернационал» и к которым присоединялись десятки тысяч зрителей, несколько оркестров, гудки и сирены всех заводов города, боевых кораблей Каспийского флота, самолетов и артиллерии.

Вот фрагмент авраамовской партитуры:

«После драматического «срыва в разработке» (внезапная тишина, усиленная исчезновением во тьме обеих платформ-сцен, а также грандиозным «полиэкранным эффектом», ослепительным звоном вступают свето-звуко-музыкальные аккорды апофеоза. Трещат пулеметы. Гремит артиллерия. Орудийный обстрел «Авроры». Слышны сирены и гудки. Фейерверк. «Интернационал» стотысячной толпы. Парад войск с факелами. Море света и звуков!»

После бакинской премьеры «Симфония гудков» исполнялась лишь однажды, спустя год, в шестую годовщину Октября в Москве. Сейчас ее можно услышать в аудиореконструкции, и мы можем только догадываться о том, каким грандиозным было это событие, предвосхитившее — в подлинном духе вагнеровского Gesamtkunstwerk — и тотальную музыку Штокгаузена, и появившееся в 70-е годы музыкальное направление «индастриал».

Театр

Автор фото, ITAR/TASS

Подпись к фото,

Дмитрий Шостакович, Владимир Маяковский и Всеволод Мейерхольд

Главной фигурой и главным двигателем революционных новаций в театре был Всеволод Мейерхольд. В отличие от Маяковского, Малевича и Крученых в дореволюционные годы он свои радикальные авангардные идеи разрабатывал не в футуристическом андеграунде, а вполне в рамках театрального истеблишмента — он работал со Станиславским в МХТ, с Комиссаржевской, ставил спектакли в Императорском Александринском театре.

Сразу после революции вступил в партию большевиков и уже в 1918 году поставил «Мистерию-буфф» Маяковского с оформлением Малевича. Он придумал свою собственную театральную теорию и практику, которую назвал «биомеханика», основой которой была визуальная, формальная сторона театрального зрелища.

«Биомеханика стремится экспериментальным путем установить законы движения актера на сценической площадке, прорабатывая на основе норм поведения человека тренировочные упражнения для актера», — так описывал свою теорию сам Мейерхольд.

Театр, в отличие от изобразительного искусства, музыки или кино — искусство эфемерное. Оставшиеся от него артефакты — эскизы декораций, костюмов, воспоминания — лишь приблизительно передают живую энергию спектакля.

Однако современный театр был бы просто немыслим без революционных новаций 20-30-х годов.

Литература

Автор фото, Elektra

Подпись к фото,

Название своего альбома Talking with the Taxman about Poetry Билли Брэгг прямо позаимствовал из стихотворения Маяковского «Разговор с фининспектором о поэзии»

Практически вся советская, антисоветская, вне-советская и постсоветская литература — от Маяковского и Платонова до Бунина и Набокова, от Булгакова и Пастернака до Солженицына и Акунина — так или иначе была и в немалой степени и по сей день остается рефлексией на причины, предпосылки, события, прямые и косвенные последствия Русской революции.

Но это содержание. А что же форма? Трансформировалась ли она в литературе так же радикально, как в кино, изобразительном искусстве и театре?

Да, Маяковский упорно не отказывался от своего футуристического прошлого и по сути дела создал новый поэтический язык. Язык этот оказал огромное влияние на более позднюю русскую поэзию — следы его можно услышать у Вознесенского и Евтушенко, у Высоцкого и Пригова, у Башлачева и Егора Летова.

Влияние Маяковского на свою поэзию признавали Назим Хикмет, Луи Арагон и Пабло Неруда. Американец Фрэнк О’Хара создал свою версию «Необычайного приключения, бывшего с Владимиром Маяковским летом на даче».

А британский рок-музыкант Билли Брэгг название своего альбома Talking with the Taxman about Poetry прямо позаимствовал из «Разговора с фининспектором о поэзии».

Новый язык — уже в прозе — создал и Андрей Платонов. Иосиф Бродский тесно увязывал уникальный, своеобычный платоновский язык с революционным содержанием его прозы: «Он писал на языке данной утопии, на языке своей эпохи; а никакая другая форма бытия не детерминирует сознание так, как это делает язык».

Одна из доминирующих литературных форм ХХ века — антиутопия — во многом берет свое начало из романа Евгения Замятина «Мы» (1921). Из него в немалой степени выросли и «О дивный новый мир» Хаксли, и «1984» Оруэлла, и многочисленные другие антиутопии.

И все же именно в содержании — не в форме — видел мир роль и значение возникшей после революции русской литературы. Достаточно сказать, что четыре из шести писавших по-русски нобелевских лауреатов — Бунин, Пастернак, Шолохов и Солженицын — получили свои премии за книги, так или иначе связанные с Русской революцией.

Как культура влияет на социальные изменения

Культурная инерция

Некоторые культуры создают условия для сопротивления изменениям. Традиционный образ жизни и культурные ценности заложены в их природе очень глубоко. Поэтому внешний элемент не может быстро стать частью культуры. Такой образ жизни не принимает социальных изменений из-за культурной инерции. Это могут быть кочевые люди, глубоко религиозные или общины, которые живут в тяжело доступных местах.

Культурное отставание

Роль культуры в социальных изменениях может объяснить теория отставания культуры Вильяма Огберна. Она гласит о том, что культурные ценности и нормы меняются несравненно медленнее, чем совершается технический прогресс.  

Человеческая жизнь состоит из различных материальных и нематериальных аспектов окружающей среды. Изменение в материальной культуре происходят быстрее и раньше, чем во второй, нематериальной.

Например, последние технологические разработки привели к достижениям в области генной инженерии. И теоретически будущие родители могут использовать генную инженерию, чтобы выбрать цвет глаз или пол своего будущего ребёнка. Однако многие люди считают этот тип генной инженерии неэтичным.

Культурное отставание создает проблемы для общества по-разному. Рассматривают как критическую этическую проблему, поскольку неспособность достичь широкого социального консенсуса в использовании современных технологий может привести к росту социальных конфликтов.

Культурный формализм

В жизни людей существуют различные ритуалы, церемонии, этикет, манеры, условности и другие виды поведения. Обычаи внедряются в природу людей как неотъемлемая часть их жизни, и они едва ли претерпевают изменения.

Например, по сей день в Азии иногда практикуют похищение невесты. В большинстве стран это уже противозаконно, и на практике традиция выглядит чаще как насильственное похищение и изнасилование,. В следствие страдают целые семьи. Последний известный случай произошел год назад в Киргизии, когда парень похитил невесту и убил прямо в здании полиции.

Из-за своей склонности к традициям человек не может изменить социальные институты. Неспособность социальных институтов адаптироваться к технологическим изменениям приводит к сопротивлению к переменам.

Что делать?

Социальные и культурные аспекты тесно переплетены. Таким образом, любое изменение в культуре приводит к соответствующим изменениям во всём социальном порядке. Социальные институты не могут жить в тех оболочках жизни, в которых жизнь вымерла. 

Культура дает скорость и направление социальным изменениям и определяет предел, за которым социальные изменения не могут происходить.

Примером в более развитых странах может стать влияние поп-культуры на социальные изменения.  Один из инструментов поп культуры — фильмы.

Не часто можно увидеть, как аналитические центры подкрепляют научную работу примером из голливудского фильма. Но именно это и сделал Брукингский институт, чтобы объяснить сложность морского пиратства у побережья Сомали. Фильм «Капитан Филлипс», номинированный на премию Оскар 2013 года с Томом Хэнксом в главной роли, оказался отличным средством для выявления причин пиратства и способов его пресечения. Сомалийское морское пиратство резко сократилось в конце 2013 года, главным образом в результате того, что организации внедрили лучшие практики, изложенные в этом отчете.

Больше о том, как использовать поп-культуру, вы можете найти здесь.

Современное искусство как инструмент влияния на политику Российской Федерации

Политизация искусства в период господства клипового сознания оказывает серьёзное влияние на молодёжь

Александр Александрович Власкин

Политические мотивы искусства

Художественное творчество, самовыражение, как и деятельность политиков, оказывают большое влияние на общество. О тесной связи искусства и политики сказано и написано очень много, укрепилась эта связь ещё в античные времена, когда скульпторы и художники формировали героические образы правителей, отражали их подвиги и победы. Позднее искусство стало не только восхвалять, но и обличать, поносить тех или иных деятелей или идеологии. Каковы же политические мотивы искусства, тех, кто его создаёт?

Политики делают историю, остаются в ней, как стремятся остаться в ней и художники, писатели… Авторы не только отображают мир для потомков, но и способствуют формированию современности, дают оценку и предлагают своё видение. При этом и тот, и другой процессы бывают политически-ангажированными, ведь то, что вызывает интерес публики, выгодно тем, кто желает получить власть.

Массовая культура, прогресс в области передачи информации, появление глобальных средств коммуникаций, а также доминирование клиповой модели сознания,  — всё это существенно сказалось и на искусстве, и на политике. По сути, современному человеку сложно спрятаться от пропаганды, предложений различных мнений, а искусство может облекать некоторые идеологемы в популярную и модную форму.

Само по себе современное искусство является частью эстетической и этической парадигмы, материализует дух времени в тех или иных работах, поэтому не остаётся в стороне от злободневной проблематики.

Современное искусство стремится формировать моду, мода влияет на образ жизни и на мировоззрение общества потребления. Автор, в свою очередь, может заниматься художественным навешиванием ярлыков, демонизировать одних и возвеличивать других, а часть аудитории перенимает его взгляды, даже не интересуясь политикой как таковой. Так как современное искусство – это зачастую протест, бунт автора, ответ устоявшимся нормам, стереотипам, проверка общественной морали, то и политическая оппозиционность ему также свойственна. Деятели современного искусства в разные периоды истории были певцами и художниками революций, пусть некоторые и понимали впоследствии всю трагичность такого пути. Тем не менее, сейчас в России современное искусство частично используется как политический инструмент.

 

Интервенция современного искусства и постсоветская Россия

О «пощёчине общественному вкусу» говорил ещё Маяковский, который для своего времени был провокационным и передовым автором. В конце же ХХ века пощёчины превратились в серии ударов, в некое соревнование провокационности.

Период перестройки, а впоследствии и 90-х годов характерен тем, что ряд скандальных авторов получили некий «пропуск-вездеход» во все сферы социума. Соревнование вседозволенности вылилось в десятки выставок, мероприятий, перформансов, на которых понижалась моральная планка, шла атака на традиционные, консервативные устои и ценности.

Очень характерным стало знаковое событие, о котором говорит Владимир Сальников: «Само искусство 90-х родилось 18 апреля 1991 года, когда на Красной площади группа Анатолия Осмоловского «Эти» выложила своими телами слово их трех букв»[1].

Одним из символов усиления и распространения новых подходов стал голый Олег Кулик, изображавший собаку. Показательна и предыстория этого акта, получившего общемировое признание – художник «стал собакой» с голодухи[2]. Он просто дал критикам то, что они успешно преподнесли западному обществу, но что так и осталось дикостью для России.

Несмотря на то, что основная масса граждан по-прежнему придерживалась консервативных взглядов, да и была далека от изучения искусствоведческих тонкостей, в умирающем Советском Союзе сформировалось крупное и яркое сообщество неформалов. Из неформальной среды раскрылись десятки художников, поэтов, музыкантов, которые в период вседозволенности и поощрения выхода за моральные рамки получили неограниченную возможность творческих экспериментов.

Новое искусство, получившее некий карт-бланш и поддержку премиями, не могло переформатировать сознание старшего поколения, но повлиять на молодёжь, тем более, в отсутствии государственных программ в данной сфере, могло очень серьёзно.

Как и яркие, но искусственные и зачастую вредные продукты, на волне перестройки в нашу страну хлынули и образцы западного искусства, которые ранее не имели широкого распространения, но стали называться передовыми и прогрессивными. Здесь и абстрактность, стремящаяся вытеснить реализм, и экзистенциальные переживания, и депрессивность, и отрицание канонов, и эксперименты с телом вместо исследования души. И такой продукт культивировался, как культивировалась жевательная резинка или спиртное.

Впрочем, есть десятки примеров работ и авторов, которые не оказывали деструктивного влияния на общество, но отдельные прецеденты можно считать служащими прозападным политическим интересам. К примеру, фигура профессионального политтехнолога Марата Гельмана, ставшего проводником современного искусства. Он активно участвовал в политической жизни страны в 90-е и начале 2000-х, но после ряда скандалов[3], когда его выставки называли оскорбительными и попирающими устои российского общества, он объявил о сворачивании рынка современного искусства в РФ, а позже переехал в Черногорию, активно критикуя политику Владимира Путина.

Называл себя политическим активистом и Александр Бренер. Известность он получил, появляясь обнаженным в тех или иных местах, объясняя это разными подтекстами. Одной из самых запоминающихся его акций стало шоу на Лобном месте Красной площади в боксерских перчатках с вызовом на бой тогдашнего президента Бориса Ельцина. Правда, в данном случае Бренер все же был в трусах[4].

В процессах продвижения нового и малопонятного творчества на первый план выходят арт-менеджеры и галеристы, которые могут способствовать развитию и процветанию автора. Они же направляют запросами его деятельность, вносят, в случае надобности, политическую составляющую в заказ или выбор работ.

К началу XXI века в России сложилось сообщество, которое занималось не столько искусством в классическом плане, сколько экспериментами провокационного характера. Касалось это и изобразительного искусства, и кинематографа, и театра. Депрессивное, отрицающее авторитеты и презирающее классические каноны искусство стало возводиться в норму. Здесь вспоминается ещё и «Норма» Владимира Сорокина – культового писателя, набравшего популярность как раз на рубеже веков. Его прозу не зря называли «экскрементальной», так как именно экскрементам уделялось большое внимание.

 

Особенности позиционирования современного искусства

Конечно, не все авторы и галеристы преследуют политические цели и наращивают свою популярность за счёт провокаций. К примеру, известный галерист Сергей Попов так высказался о разрубании икон и прочем глумлении на выставках: «Я крайне отрицательно отреагировал на выставку «Осторожно, религия» — это была провокация в чистом виде. И она породила очень нехорошую реакцию консервативно настроенной общественности на современное искусство, плоды подобных идиотских акций мы пожинаем до сих пор. Как провокацию искусство можно подавать лишь в странах, где к этому готовы. Но художники не имеют права резать свиней и показывать изображения обнаженных женщин в странах, где действует шариат, — им за такое отрежут голову. А в России нельзя устраивать провокации на религиозные темы, не учитывать контекст страны»[5].

Таким образом, провокационность не является обязательным условием для современного искусства. Это в большей степени выбор, причём выбор осознанный и мотивированный. Те, кто сделал этот выбор, зачастую становятся участниками уже не только художественных, но и политических процессов, инструментом в руках политтехнологов.

Важной чертой постсоветского периода стал акционизм. Один из передовых художников Анатолий Осмоловский так охарактеризовал это явление: «В обществе, не чувствительном к искусству, художнику приходится бить микроскопом по голове, вместо того, чтобы наблюдать в него каких-нибудь полезных бактерий. Общество в России не чувствительно к искусству, поэтому наши художники начиная с 90-х практикуют непосредственный приход в само общество ― это акции, интервенции»[6].

Акционизм, будучи выходом из привычных художественных пространств, близок и политике, а ряд акций несёт политический подтекст. Такого рода деятельность привлекает и СМИ, которые активно транслируют яркие и вызывающие действа. С развитием интернета клиповые и носящие вирусный характер события становятся популярным продуктом, охватывающим широкие аудитории. В этом – несомненная выгода использования современного искусства для продвижения нужной идеологии.

Журналисты вывели акционизм, который зачастую подпадает под статью УК РФ о хулиганстве, на новый уровень популярности. Странно само по себе, что акцию группы «Война» с переворачиванием полицейской машины вообще называли художественным актом. А ведь эта группа ещё и получила в 2011 году престижную государственную премию «Кандинского», учреждённую Министерством культуры за акцию с рисованием члена на разводном мосту напротив здания ФСБ в Петербурге[7].

Нынешние «возмутители спокойствия», которые реализуют идеологически деструктивный посыл – художник Павленский, «Pussy Riot», «Синий всадник», ранее – арт-группа «Война» — все они сложились как раз под влиянием стилистики 90-х, поощрения вседозволенности, которую сделали синонимом свободы. И подобные примеры можно называть одним из оружий информационной войны. Так же, как в конце 80-х рок-н-ролл стал оружием против коммунизма и «совковости». Правда, в отличие от рок-гимнов, акции по рисованию огромных фаллосов или заматыванию в колючую проволоку не получают такого количества поклонников.

Политические подтексты Бренера или же провокации Тер-Оганьяна, разрубавшего топором иконы, сменились оргией арт-группы «Война» в музее, пляскам в храме, но суть осталась одна – автор получает известность (пусть и скандальную) и цитируемость, а возможный заказчик или покровитель – доступную массам политическую метафору, которая может активно использоваться в дальнейшем.

По слова художника Никаса Сафронова, сегодня в мире решает политику всего искусства около ста человек, и не важно, умеешь ты рисовать, или не умеешь. Если у тебя есть харизма, если ты заставил говорить о себе, уже это может быть частью искусства[8].

 

 

Столкновение провокаторов и консерватизма

По сути, как говорили многие эксперты, в том числе и А. Кончаловский в своей знаменитой лекции о современном искусстве, цель спровоцировать зачастую заменяет художественное мастерство, что видно по флагманам жанра[9].

С усилением консервативных настроений, с укреплением гражданского патриотизма и государственности в целом вольные акции художников-провокаторов стали получать всё больше критики.

К началу нового века постмодернистская мода укрепилась и в театре, и в литературе, и в изобразительном искусстве, ну а избранный консервативный курс государства повлёк столкновение интересов и предпочтений в художественной среде. Одни стремились показывать то, что требовало дополнительного объяснения, то, что во многом повторяло западную традицию десяти, двадцати и тридцатилетней давности. Но принципы шоковой терапии в искусстве, популяризировавшиеся тогда же, когда шоковую терапию применяли в экономике по отношению ко всей стране, не пленили большинство граждан. Эпатажное, надменное, малопонятное, вызывающее, порой агрессивное и депрессивное – всё это осталось чуждым. Понимая это, проводники такого искусства стали настаивать на элитарности своего продукта, на том, что он – только для избранных, образованных и высокоразвитых. Это разделение и стало одним из факторов конфликта. Такая черта уже не раз проявлялась в отечественной истории, но выводы делаются не всеми. Народ называют быдлом, серой массой, ватниками и так далее. Отдельных эпитетов удостаивается православная общественность, которую записали в «мракобесы». Таким подходом малая группа отгораживается, а также отсекает возможность распространения популярности на широкие слои, называя свой продукт «искусством не для широких масс». Взять хотя бы спектакль «Борис Годунов» Богомолова, где на сцене академического театра отображается ситуация во власти с намёком на современность, а на больших экранах то и дело идут титры «Народ – тупое быдло»[10].

Следование традициям и устоям для одной части общества рисуется как что-то постыдное и отсталое, и это – одна из важных задач российской либеральной идеологии. Образ «проворовавшегося попа» фигурирует и в фильмах («Левиафан»), и в песнях (Вася Обломов «Многоходовочка»), и на сцене («Борис Годунов»). Всё это выглядит как отработка одного тренда и наиболее эффективным средством против этого представляется создание альтернативного художественного продукта массовой направленности. Отличными примерами в подобной области служат фильм «Остров», книга «Несвятые святые» и т.д.

Пожалуй, самыми резонансными конфликтами провокации и консерватизма стали недавняя ситуация с оперой «Тангейзер», а также скандалы вокруг выставки «Запретное искусство» в 2006 году[11]. Здесь уже можно говорить о столкновении политических концепций, либерализма и западничества против охранительства, когда происходит намеренное деструктивное воздействие на предметы и объекты религиозного культа.

Церковь и православие вообще становятся одной из мишеней художественной провокации, что можно назвать способом влияния на национальные архетипы. Это и знаменитые соборы из синих клизм, и разрубание икон, и прочее.

Правда, современное искусство может влиять на политику и более прямолинейно. Тот же спектакль «Борис Годунов» — это карикатура на действующую власть с образами и президента, и патриарха. Есть и постановки в «независимом» Театре.doc, где появились пьесы «Берлуспутин», «Болотное дело», «АТО», а сейчас готовят спектакль про украинского режиссера Сенцова, осужденного за подготовку террористических актов в Крыму. Здесь же происходит отстаивание права материться на сцене, что называется неотъемлемым художественным приёмом.

При этом, когда у данного театра начались проблемы с помещением, за него активно вступались как знаменитые российские деятели культуры, так и западные. Включение зарубежных звезд культуры в политическую повестку – приём популярный. Они вступались и за «Тангейзер», и за того же Сенцова. Стоит вспомнить Мадонну, которая вышла на один из концертов с надписью «Рussy Riot» на спине, хотя толком ничего не знала про этот коллектив[12]. Такие примеры демонстрируют единство политических целей, и генеральные линии, на службу которым охотно готовы и режиссеры, и артисты, и художники.

Интересно наблюдать и за проникновением политизированного современного искусства в регионы. Либералы традиционно имели низкую популярность в провинции, а за счёт искусства можно донести те тезисы, которые трудно воспринимаются из уст заезжих политиков. Пермский опыт с массированным внедрением современного и малопонятного искусства в уральский регион показал себя не лучшим образом. Апофеозом участия политики в данном процессе стала выставка Василия Слонова, который изобразил символы сочинской Олимпиады в отвратительном и пугающем виде[13]. Зато театральные постановки более понятны, с их помощью проще транслировать мировоззрение. Поэтому с удовольствием гастролирует Театр.doc, поэтому в Пскове попытались поставить скандальный спектакль «Банщик», поэтому в Томске появляется «Православный ёжик»[14].

Ряд деятелей культуры пополнили колонны демонстрантов и участников протестных акций. Само по себе это не ново, так как в искусстве всегда было много бунтарей, вот только нынешняя российская ситуация лишена какой-либо романтической революционности, это скорее монотонная игра в диссидентство, к которой подключились Улицкая, Макаревич, Ахеджакова, Ефремов, частично Гребенщиков и прочие талантливые люди по большей части пенсионного возраста. Их рады видеть представители старой интеллигенции, ещё помнящие кухонную политику и самиздат, а вот молодёжь такими «лидерами общественного мнения» как-то не впечатляется. Из молодых оппозиционных деятелей, помимо Толоконниковой с Алёхиной, воспринимаемых неоднозначно даже оппозицией, можно выделить музыкантов Васю Обломова и Noize MC, которые, впрочем, не столь радикальны.

 

Охранители в современном искусстве

Наряду с либеральными силами, которые видят в современном прозападном, постмодернистском искусстве свою живительную среду, а также возможность транслировать близкую себе идеологию, всё больше стали появляться и авторы, а также творческие союзы, которые, используя авангардный стиль, поп-арт, отстаивают уже патриотические ценности.

Модные направления искусства могут и должны быть средством самовыражения и передачи нужных тезисов для охранителей, для тех, кому нужна независимая Россия, чтящая традиционные ценности.

Примеры политического охранительства в искусстве можно видеть не только в залах и галереях, но и на улицах наших городов. Многие выставки художников, поддерживающих политику Кремля, а также тематические перформансы проходят под открытым небом, привлекая как сотни зрителей, так и журналистов.

Отдельно можно отметить уличную культуру – стрит-арт, одним из популярных проявлений которой является граффити. В Москве и ряде других городов стало появляться всё больше граффити патриотического содержания, причём масштабных, покрывающих сотни квадратных метров поверхности.

Есть и художники, которые черпают вдохновение в патриотической тематике и в образах руководителей страны. Так, открытием в этой сфере несколько лет назад стал петербургский художник Алексей Сергиенко, который прославился серией портретов Владимира Путина. Затем он создал ряд картин в стилистике Энди Уорхолла, но только со знаковыми российскими символами, а также коллекцию «патриотической» одежды, в которой орнамент был из матрешек и прочих классических элементов русской культуры[15].

В музыке и литературе определенный патриотический пласт сформировался вокруг тематики Донбасса. Это и Захар Прилепин, ранее считавшийся оппозиционером и сотрудничавший с НБП, и Сергей Шаргунов, и популярнейшая группа «25/17» с проникновенными текстами песен, и ряд других известных авторов. Эти люди и коллективы, за каждым из которых стоят тысячи или десятки тысяч поклонников, составляют серьёзный противовес либеральному крылу творческих деятелей.

Обращают на себя внимание и целые объединения. Так, фонд «Искусство без границ» вызвал огромный резонанс выставкой «На дне», где были собраны примеры аморальных и порой оскорбительных сцен в современном российском театре. При этом обращалось внимание, что на ряд скандальных постановок были получены бюджетные средства. Это мероприятие вызвало бурю возмущения в части театральной среды[16].

Сам фонд, впрочем, известен ещё и художественными выставками, в которых молодые авторы демонстрируют работы на актуальные политические темы в стилистике поп-арта[17].

Были и театральные постановки в патриотическом духе. Можно вспомнить попытку владимирского театра перенести историю «Молодой Гвардии» в современную Украину – этот спектакль получил множество гневных рецензий критиков[18].

Есть ещё и проект «СУП», который отметился не только читками на тему украинского конфликта, но и небольшим политическим спектаклем про сны о революциях и историческом опыте, который эти самые революции отрицает[19].

В начавшемся сезоне (как политическом, так и творческом) стоит ждать скорее усиления охранительного звена, укрепления и большего художественного разнообразия. По крайней мере, от качества художественного продукта, его оригинальности и эффектности зависит перспектива привлечения аудитории, а это уже, по сути, борьба за интеллигенцию, за тех, кто может являться лидерами общественного мнения. И отражение мнений и убеждений на сценах и в залах не менее важно, чем уличные выступления.

 

О текущей ситуации в сфере современного искусства

К сезону 2015-2016 либеральная часть художественного сообщества продолжила разговоры о «закручивании гаек» и усилении давления государства. Показательным стал скандал с премией «Золотая маска», которую решили переформатировать. Сложившийся экспертный совет из числа «своих» был изменён, что возмутило многих критиков и режиссёров. Кирилл Серебренников с Константином Богомоловым даже отказались участвовать в грядущих мероприятиях. А ведь эксперты просто стали различными, с разными мнениями и взглядами, а не людьми из одного лагеря. Но даже это возмутило либералов, которые усмотрели в таком изменении политику. Получается, что так называемые «вольные творцы» нетерпимы к критике, а самая престижная театральная премия узурпировалась с целью ввести в отечественный театр свои каноны и принципы, далёкие от классических и академических. Авторы главных сценических скандалов в свое время становились обладателями данной премии. «Золотая маска», в свою очередь, играла роль некоторой защиты: «Как же, его нельзя ругать, он ведь лауреат «маски».

Деятели современного искусства пытаются представить себя особенными, выдающимися, диктуя при этом собственное мнение, обращая внимание на политику. Политические мотивы могут только усилиться в следующем году, на который приходятся парламентские выборы и, соответственно, рост политической активности. За счёт интернета ряд авторов и критиков получают выход на широкие аудитории, а яркие и оригинальные работы будут направлены на распространение нужных идеологем. Не исключены даже проявления новой волны политического акционизма.

Естественно, запретами и ограничениями такую волну подавить и сложно, и нерационально. Зато вполне жизнеспособной видится практика симметричных ответов – то, что уже успешно опробовано во внешней политике. То есть, в мире искусства это будет ответ творчеством на творчество, креатива на креатив, битва за аудиторию, при том, что большинство населения по-прежнему склоняется к консервативным и традиционным ценностям, не ищет способов понять абстрактное, не готово подставлять свой вкус под «пощёчины» художников. Естественно, это утверждение не касается откровенных провокаций и нарушений закона, для противодействия которым существуют совсем другие надёжные механизмы.

Соотношение популярности жанров прекрасно демонстрируют выставки в Манеже: на экспозицию про династию Романовых зимой стояли огромные очереди на улице, а о выставке работ Вадима Сидура, отражающих тоску автора, его разочарование в окружающем мире, кафкианские мотивы, узнали лишь благодаря скандальной акции Дмитрия Энтео. Да и после этого общее количество посетителей за всё время проведения выставки не превысило количества пришедших на «Романовых» за один день.

В заключении стоит сказать, что политизация искусства в период господства клипового сознания оказывает серьёзное влияние на молодёжь, на мировоззрение и ценностное ориентирование. Нигилизм, отрицание авторитетов, абстрактность, оскорбление морали и устоев большинства – это не обязательные черты современного искусства, но именно их стремятся развивать и культивировать отдельные авторы и критики. Критики играют не меньшую, а зачастую и большую роль, нежели сами авторы, предлагая обществу трактовку работ и поднимая на них цены. Условность стоимости произведения современного искусства в некоторой степени отражает дух времени, сродни условности стоимости ряда ценных бумаг. В политической сфере художественность становится оправданием ряда действий, которые по сути своей остаются эпатажным хулиганством. Как и предвыборные агитационные материалы, эти работы редко остаются в истории, носят временный, контекстный характер. Само же искусство, его различные ипостаси, оказывается частью глобального мировоззренческого спора, столкновения в борьбе за влияние над массовым сознанием западного постмодернизма и традиционных консервативных ценностей России.


[1] http://www.guelman.ru/xz/362/xx25/x2504.htm

[2] http://lenta.ru/articles/2014/11/24/kulik/

[3] http://www.perm.aif.ru/culture/details/123483

[4] http://russian7.ru/2013/12/7-vyzovov-pervyx-lic-na-duel/

[5] http://rupo.ru/m/2340/galerist_sergey_popow_o_sowremennom_iskusstwe.html

[6] http://www.mn.ru/culture/20121207/332511120.html

[7] http://ria.ru/culture/20110408/362191776.html

[8] http://www.artcontext.info/art-video/88-film-about-art/466-voyna.html

[9] http://tvkultura.ru/video/show/brand_id/20898/episode_id/444397/video_id/444397/

[10] http://vozduh.afisha.ru/art/boris-godunov-konstantina-bogomolova-kadyrov-pyataya-kolonna-i-narodbydlo/

[11] http://ria.ru/trend/forbidden_art_29052009/

[12] http://www.timenews24.ru/madonna-v-moskve-koncert-v-olimpijskom-v-podderzhku-pusi-rajt/

[13] http://www.topnews.ru/news_id_58744.html

[14] https://tjournal.ru/p/that-hedgehog

[15] http://www.peoples.ru/art/painter/alexey_sergienko/

[16] http://regnum.ru/news/society/1924275.html

[17] http://antimaidan.ru/post/107

[18] http://www.currenttime.mobi/a/26982718.html

[19] https://www.ridus.ru/news/181120

РОЛЬ ИСКУССТВА В ЖИЗНИ ЧЕЛОВЕКА

Искусство существовало еще с древних времен. Оно сопровождало человека на протяжении всего его существования.Первыми проявлениями искусства были совсем примитивные рисунки на стенах пещер, сделанные первобытными людьми. Еще тогда, когда каждый день нужно было бороться за свою жизнь, человек тянулась к искусству, уже тогда проявлялась любовь к прекрасному.

В наше время существует много различных видов искусства. Это литература, музыкальное и изобразительное искусство и т.д.. Сейчас естественный талант человека сочетается с новейшими технологиями, создавая принципиально новые направления в искусстве. Конечно, раньше не было таких возможностей, как в наше время, но каждый художник стремился придумать что-то особенное, внести свой вклад в развитие данного вида искусства.

И все же, почему мы придаем такое большое значение искусству? Какую роль оно играет в жизни человека? Образное воссоздание реальности создает нашу личность. Культурное и духовное развитие имеет большое влияние на нашу жизнь.Действительно, в большинстве случаев людей оценивают не по внешнему виду, а по тому, что у них внутри. Человек с очень непривлекательной внешностью может оказаться прекрасным, стоит лишь познакомиться с ним поближе. Всесторонне развитые, богатые духовно люди всегда вызывали интерес у окружающих, с ними интересно и приятно общаться. Все мы должны развиваться, самосовершенствоваться, а искусство помогает нам в этом нелегком деле. Оно помогает лучше познать окружающий мир и самих себя.

Познание себя — один из важнейших этапов становления человеческой личности.  Часто искусство — это способ самоутвердиться, сказать что-то всему миру. Это как послание в будущее, своеобразное обращение к народу. Каждое произведение искусства имеет свою цель: ознакомить, научить, побудить к размышлениям. Искусство требует понимания. Бездумное созерцание картин или прочтения книг великих мастеров не имеет никакого смысла. Нужно понимать, что именно хотел сказать художник, с какой целью появилось то или иное творение. Только при этом условии искусство выполнит свою задачу, научит нас чему-то.

Часто говорят, что в наше время люди почти перестали интересоваться искусством. Я считаю, что это не так. Времена меняются, меняются поколения. Не остаются без изменений и взгляды, вкусы. Но есть темы, которые будут актуальными во все времена. Конечно, наше общество придает большее значение материальном обогащению, чем духовному. Но это не значит, что люди не обращают внимания на культурную жизнь, не ценят искусство. Мы не должны забывать об искусстве, ведь оно играет важную роль в нашей жизни.

Влияние искусства в обществе

«Картина стоит тысячи слов».

«Перо сильнее меча»

Это пословицы, которые мы выросли, слушая, и все они говорят об искусстве, любом виде искусства. Они намереваются рассказать нам, как искусство является более сильным источником влияния в обществе, чем любое другое средство массовой информации.

Искусство пробует свои тонкие способы сблизить людей, даже когда есть разные мнения. Форма выражения и смысла, искусство может привести вас к осознанию безумия и добродетели окружающего общества.Люди, окружающая среда и все остальное влияют друг на друга, и ничто не существует изолированно.

Источник: https://www.artzolo.com/painting/expression?id=19713

Искусство развивается в соответствии с окружающим контекстом, а также играет огромную роль в прогрессивном подъеме общества. .

Многие художественные движения в разные эпохи изменили восприятие людей. То, как воспринимается искусство, сильно изменилось с годами, как и признание определенного вида искусства.Во многих отношениях искусство может влиять на человека и улучшать его, а также быть посредником, приносящим большие изменения, будь то положительные или отрицательные. Таким образом, время от времени возникает необходимость увидеть, что то, что выходит за рамки искусства, не является возмущением.

Некоторые способы, которыми искусство влияет на общество:

1. Визуальные знания об окружающем через картины и другие формы визуального искусства, такие как уличное искусство (и другие формы), пытаются усилить внутреннюю сущность и задают вопросы, иногда различия в одном и другом.Он просит уважать разницу и признавать ее с изяществом.

Искусство выявляет различные слои общества и выдвигает их, иногда как есть, а иногда с модификациями, чтобы аудитория хорошо знала конкретное искусство.

Источник: https://www.artzolo.com/painting/exploitation-unprivileged?id=117018

2. Скульптуры и трехмерные произведения искусства дают ощущение присутствия чего-то, что можно заметить , но выразить это может быть сложно.Скульптуры обычно изображают выбор, внутренние переживания и многое другое. Различные материалы, используемые в скульптурах, означают по-разному, в зависимости от их использования. Материалы, которые используются в произведении искусства, также помогают понять более глубокую мысль, стоящую за ним.

Скульптуры оказывают неизгладимое влияние и влияют на общество, позволяя понять проблемы, с которыми, как нам кажется, другие не сталкиваются или с которыми не сталкиваются меньше. Они говорят нам, что на поверхности, возможно, мы все одинаковы.

Источник: https: // www.artzolo.com/sculpture/gotits?id=98750

3. Традиционные произведения искусства, такие как Мадхубани и многие другие, рассказывают нам и учат нас о различных сообществах, которые существуют и практикуют эти произведения искусства. Их искусство — это их личность. Он представляет их культуру, этническую принадлежность и этику, что чрезвычайно важно, особенно в наши дни, когда мы теряем связь с нашими традициями, поэтому мы должны знать, что прошло или что необходимо сохранить, и рассказывать истории, которые должны сказано.

Источник: https: // www.artzolo.com/traditional-art/fish-3-madhubani-painting-0?id=7 …

4. Художественные формы также несут основную ответственность за повышение осведомленности о социальных проблемах и привлечение аудитории к социальное дело. Графика и цифровое искусство, когда они используются для создания плакатов или рекламы, пытаются выдвинуть мысль, делая ее доступной для открытого толкования людьми.

Источник: https://www.artzolo.com/digital-art/gintage?id=27519

Искусство, хотя и открытое, также оказывает определенное влияние и обеспечивает широкий круг мыслей и квинтэссенция среды для внесения изменений, медленно, но с корнями.

Может ли искусство изменить общество? — Точка разговора

Слушайте, художники и партнеры Tate Exchange делятся своими мыслями о силе искусства для людей и общества в целом.

Может ли искусство действительно изменить мир?

Я считаю, что искусство может изменить общество.Я не думаю, что это делает одно произведение искусства, я думаю, что это коллективные усилия художников и организаций.

Бояна Янкович

Художник, Кто мы? Проект , Tate Exchange

Это один из самых больших вопросов, который приходит в голову, когда мы действительно, искренне задумываемся о ценности искусства: может ли искусство иметь значение?

Многие движения в истории искусства пытались так или иначе изменить общество: художники Дада выступали за глупость и бессмысленное поведение в повседневной жизни как единственную реакцию на ужасы Первой мировой войны.Fluxus стремился «способствовать революционному приливу в искусстве, продвигать живое искусство, антиискусство» через свою сеть международных художников. Такие группы, как Ситуационистский Интернационал, сыграли важную роль в революционных парижских событиях 1968 года, выявив разногласия между художниками, потребителями и средствами производства. И, конечно же, искусство может принимать форму протеста, решая политические и социальные проблемы прямым действием.

Итак, мы знаем, что художественные движения могут изменить общество, но как насчет искусства сегодня? Есть ли произведения искусства, которые изменили то, как вы думаете или чувствуете о чем-то? Могут ли все эти небольшие изменения привести к чему-то большему?

Искусство вносит позитивные изменения

Искусство открывает все для столь широкого круга людей.Вот почему я лично считаю, что искусство — мощь, ведь искусство спасло мне жизнь.

Дэвид Тови

Художник, Музей бездомных, Tate Exchange

В Tate Exchange мы ставим под сомнение влияние искусства на общество, проводя ряд открытых мероприятий с нашими художниками и партнерами: с Guerrilla Girls мы открыли отдел по рассмотрению жалоб для озвучивания жалоб общественности, больших и малых.Мы организовали постоянные дебаты о том, как мы говорим о половом воспитании, желании и согласии с коллегами. Мы создали недельную художественную школу будущего. Мы спросили, как искусство может помочь в терапии благополучия. Мы создали альтернативную ярмарку, в которой ставили под сомнение влияние искусства на политику, идеи и общество. И больше.

И теперь Tate Exchange открывает вам слово и спрашивает: как искусство может изменить жизнь людей и общества? Мы приглашаем вас поделиться своими историями и идеями посредством письма, рисования, разговоров и творчества.Присоединяйтесь к нам в галерее Tate Modern и в Интернете, чтобы рассказать нам, как искусство изменило вашу жизнь, и получите возможность увидеть свои отзывы в галерее.

Хотите принять участие?

Узнайте, как искусство может изменить жизнь общества, и поделитесь своими историями.Присоединяйтесь к беседе на #TateExchange

4 способа, которыми искусство влияет на культуру и общество

Искусство влияет на очень многих людей и вещи, особенно на культуру и общество.Это может иметь положительный или отрицательный эффект, но редко бывает нейтральным.

«Согласно Тельме Голден, изображения могут изменить то, как мы думаем о культурах и о самих себе. Они могут создать новую историю, новое повествование в истории искусства и в мире. Она считает, что сила изображений заключается в том, чтобы поднять вопрос о том, как люди понимают себя и друг друга ». —

Как искусство придает форму культурным изменениям

4 способа, которыми искусство влияет на общество и культуру

Pixabay

Искусство оказало влияние на всех нас.Это влияет на культуру и общество по-разному, в лучшую или в худшую сторону. Вот несколько примеров:

  1. Искусство способствует общению между культурами — Искусство — это универсальный язык, который преодолевает культурные барьеры и дает людям уважение к верованиям и традициям других. Использование искусства может быть эффективным способом объединения людей, принадлежащих к противоположным культурам, и улучшения их понимания и общения друг с другом.

  1. Искусство сохраняет историю — Искусство — один из лучших хранителей истории, оказывающий огромное влияние на культуру и общество, а также великий учитель истории.Простой взгляд на искусство вселяет в нас уважение к истории, «и это искусство и история могут повлиять на то, как вы видите и цените мир, а также на то, как вы видите и цените прошлые и настоящие культуры со всего мира», — заявил Social Решения правосудия.

  1. Искусство меняет мнение людей — Можете ли вы вспомнить время, когда искусство изменило ваше мнение о чем-то? Возможно, это было столь же мелочно, как ваш любимый цвет, или столь же серьезно, как ваша позиция по моральным или религиозным вопросам.Поскольку оно затрагивает нас эмоционально, послания искусства, как правило, проходят мимо нашего логического разума и попадают в наше сердце, где решения можно легко изменить.

  1. Он сохраняет чувства культуры — Художники обладают сумасшедшей способностью улавливать чувства, а историки искусства являются хранителями и хранителями этих чувств. «Живопись, скульптура, музыка, литература и другие виды искусства часто считаются хранилищем коллективной памяти общества.Искусство сохраняет то, что не могут основанные на фактах исторические записи: то, каково было существовать в определенном месте в определенное время », — заявил один из авторов Paint and Party. Эта уникальная способность кажется почти волшебной, но она настолько реальна, насколько это возможно.

Как искусство повлияло на вашу культуру?

Нет сомнений в том, что ваше общество и культура, в которой вы живете, были сформированы искусством. Каким образом вы это заметили?

Считаете ли вы, что искусство влияет на общество и культуру больше, чем общество и культура влияют на искусство, или наоборот? Поделитесь с нами своими мыслями в разделе ниже.

Узнайте больше о способности искусства влиять на вещи и людей в 3 способа, которыми искусство формирует вашу личность .

Подробнее Сообщения в блоге по сегментации:

Станьте художником за 2 минуты с помощью сегментации SegPlay ® Mobile (подробнее см. здесь )

Segutation

SegPlay ® доступно для Amazon Fire, iPhone, iPad, Android

www.segutation.com

Как искусство способствует социальным изменениям?

Искусство — это «пространство, где мы можем проявлять уважение к другим, исследуя свои собственные обстоятельства», — сказал Даррен Уокер, президент Фонда Форда, на ежегодном симпозиуме музея Сила дарения: влияние филантропии на жизнь Америки .Программа, проведенная 22 марта 2018 года, изучила влияние благотворительности на культуру и искусство. Размышляя о взаимосвязи между дарением и искусством, Уокер сказал, что «на протяжении всей нашей истории мы видели, как художники и активисты работали рука об руку. Мы видели, как искусство вдохновляет и поднимает целые движения к переменам».

Как предполагает Уолкер, музыка, рассказывание историй, драма и другие виды искусства имеют эмоциональное воздействие, которое мотивирует уделять время и деньги делу, а призывы к благотворительности помогают художникам привлекать аудиторию.Чтобы продолжить разговор об искусстве и дарении, рассмотрим три объекта, которые рассказывают истории о том, как американцы использовали искусство для продвижения социальных изменений в 1800-х годах.

Пение против рабства

Ноты «Могила Бонапарта», песня и музыка Л. Хита в исполнении певцов семьи Хатчинсон, Бостон, 1843 год. «Могила Бонапарта» напоминает о французском лидере, который победил большую часть Европа до того, как потерпела поражение, отразила заботу певцов семьи Хатчинсон о деле свободы как за границей, так и дома.

В 1840-х годах популярные певцы семьи Хатчинсон из Нью-Гэмпшира представили музыку развивающемуся движению против рабства. Как видно из нот к «Могиле Бонапарта», певцов беспокоила свобода в других формах и во многих местах, но они оказали наибольшее влияние на американское движение против рабства. Выступая перед объединенной аудиторией, братья и сестры Джадсон, Джон, Аса и Эбби — которыми руководил их брат Джесси — помогли воспитать сопротивление рабству среди тех, кто не подвергался его порокам.Они также помогли создать разветвленные сети по борьбе с рабством благодаря своим поездкам и освещению их событий в газетах. Более того, успех их песен, направленных против рабства, показал, что дело было коммерческим. Такие произведения, как роман «Хижина дяди Тома », откликнулись бы на этот призыв и помогли бы развить антирабовладельческие настроения. Помимо своего вклада в дело реформ, группа сформировала американскую музыкальную идентичность. В то время, когда американцы отдавали предпочтение европейским музыкантам, Family Singers Хатчинсона пробудили новый интерес к американской музыке.

Развлечение для обучения

Диорама певцов-юбиляров Фиска, сделанная Дьедрой Болл при содействии Стефни Кейзер в 1994–1998 годах по картине Эдварда Гавела 1873 года. Дар Дидры Дж. Белл и доктора Стефни Дж. Кейзер.

После гражданской войны афроамериканцы и симпатизирующие им белые стремились создать возможности для афроамериканцев получить высшее образование. Например, Американская миссионерская ассоциация учредила Университет Фиска для афроамериканцев в 1866 году. В 1871 году были организованы певцы юбилея Фиска.Используя подкованные маркетинговые и рекламные приемы для привлечения аудитории, группа совершила поездку по США и Европе для сбора средств для школы. Певцы также выступали за права и независимость афроамериканцев. Первоначально они исполнили ряд популярных песен той эпохи, но обнаружили, что белая аудитория сильнее всего отзывалась о спиричуэлах. В то время, когда американцы все еще стремились установить культурную независимость от Европы, многие белые любители концертов идентифицировали спиричуэлы как отчетливо американский музыкальный стиль.Со своей стороны, певцы сами использовали интерес к своей музыке для создания и управления своим имиджем в обществе, которое либо ограничивало роли чернокожих, либо создавало оскорбительные стереотипные образы.

Сольные концерты для беженцев

Большой концерт в поддержку программы русских еврейских беженцев, Бостон, 1882

В начале 1880-х годов русские еврейские беженцы прибыли в Соединенные Штаты, спасаясь от жестоких преследований у себя дома. Газеты по всей стране писали об их тяжелом положении и усилиях по оказанию им помощи.Используя обычную технику сбора средств, сторонники организовали благотворительный концерт с участием музыкальных обществ из Бостона, Линна, Салема и Тонтона, Массачусетс, чтобы помочь беженцам. Объявление в газете о мероприятии одновременно побуждало людей покупать билеты и пыталось бороться с антисемитизмом, напоминая читателям, что еврейская община в Бостоне часто вносила свой вклад в благотворительность для других. Как и в случае с другими благотворительными концертами, реклама вокруг мероприятия дала возможность не только заручиться поддержкой, но и побудить задуматься о социальных проблемах.

Сегодня, когда филантропы обращаются к искусству для социальных изменений, эти объекты напоминают о том, почему искусство и активизм были так тесно связаны на протяжении веков. Давняя традиция американцев использовать искусство, чтобы побудить людей поддерживать всевозможные благотворительные начинания, сформировала американское общество, продвигая цели, а также сформировала американскую культуру, способствуя признанию искусства.

Хотите узнать больше? Посмотрите полный основной доклад Уокера и другие видеоролики с нашего последнего симпозиума, посвященного культуре и искусству, «Сила благотворительности: влияние филантропии на американскую жизнь».Вы можете узнать больше об этих объектах на онлайн-выставке Giving in America .

Аманда Б. Монис — куратор Дэвида М. Рубинштейна по благотворительности в Отделе семейной и общественной жизни.

Благотворительная инициатива стала возможной благодаря Фонду Билла и Мелинды Гейтс и Дэвида М. Рубинштейна при дополнительной поддержке со стороны Fidelity Charitable Trustees ‘Initiative, грантовой программы Fidelity Charitable.

Как современное искусство влияет на общество?

Как художник или просто поклонник, вы можете подумать: как искусство влияет на сегодняшнее общество и может ли искусство обучать людей вокруг нас с помощью всех технологий вокруг нас?

Art хорошо известен своей удивительной способностью обучать людей и создавать приятную среду нового мира в совершенно новом видении.Новый способ передачи мыслей, чувств и эмоций, основанный на опыте, теперь представлен с помощью проекторов, интерактивных экранов или видео. Среди первых форм художественного изображения — наскальные рисунки, которые доказывают, что люди были способны к абстракции и художественному воспроизведению, а также могли общаться на этом языке с другими, но теперь искусство не имеет границ.


Фото Клема Оноджехуо на Unsplash


Влияние искусства на общество

Искусство — это не вещь или ситуация, это способ, с помощью которого люди со всех уголков мира могут напрямую или косвенно общаться через художественные произведения и действует.Вы наверняка видели скульптуры с двумя ракурсами, свет, принимающий всевозможные формы, или воду, создающую современное искусство. Довольно интересно, правда?

Со временем общество пережило различные области культурной эволюции, такие как живопись, графика, скульптура, архитектура, театр, танцы, кино, музыка, литература, но с развитием технологий представление и способ демонстрации этих элементов стали изменен также. Одновременно с началом модернизма появились и другие виды искусства: фотография, видеоарт, медиа-арт.Таким образом, он достиг точки, когда искусство представляет красоту во всех ее формах, и где человек, природа и человеческие отношения или отношения между человеком и природой являются столпами знания и вдохновения. Давайте посмотрим на рост Pinterest / YouTube / Instagram, где эти или другие подобные платформы начали продвигать искусство в Интернете, и люди начали ежедневно взаимодействовать с этой областью.

Люди часто пытаются найти дополнительную информацию на Essayontime, обсуждая с профессионалами, которые предоставляют помощь в работе над диссертациями, и видят, как она развивалась или как она будет развиваться со временем — но теперь все довольно ясно: без обновления вашей работы и использования технологий для своих творений вы будете просто еще одним художником, изо всех сил пытающимся показать миру свой тяжелый труд.Кроме того, вы должны увидеть реальное влияние роли социальных сетей в обучении, продвижении и продаже современного искусства.

Искусство сегодня

В современном обществе эта область сливается с технологиями, создавая шедевры, которые еще недавно вышли за пределы человеческого мышления. Художественные фильмы и цифровое искусство лучше всего демонстрируют это предположение через специальные эффекты, которые раньше не могли перенести реальность так же хорошо, как сегодня. Кроме того, мы видим, как благодаря доступу в Интернет мы можем ценить, визуализировать и делиться с другими красотой творения.


Фото Рикардо Гомеса Ангела на Unsplash


Более того, художники могут укрепить свою репутацию и получать зарплату с помощью технологий. Многие творческие и талантливые люди были обнаружены в онлайн-среде, и многие из них продолжают улучшать свой послужной список с помощью быстрой и эффективной документации, созданной эволюцией. Таким образом, мы имеем в виду певцов, которые открылись через сайт YouTube (см. Джастина Бибера), актеров стендап-комедий (см. Джеффа Данхэма), писателей, которые работают в службах, которые помогают с назначениями медсестер, выражающих свое творчество через статьи, художников-графиков, которые имеют возможность выставлять свои работы на онлайн-платформах, а также, что не менее важно, фотографы, пользующиеся дурной славой благодаря быстрому доступу широкой публики к своим работам.

Старые формы — современное обновление

По некоторым утверждениям, в отсутствии интереса людей к определенным видам искусства виноваты технологии, и здесь многие скажут, что театр — это одна из категорий. Тем не менее, с другой стороны, некоторые считают, что искусство в обществе по-прежнему ценится и что людям небезразлично, когда эмоции, идеи и работа превращаются в пьесу. В качестве доказательства, даже сегодня театры по-прежнему являются одной большой страстью, и это занятие всегда объединяет людей всех возрастов в одной комнате — давайте посмотрим, как развивалась Метрополитен-опера из Великобритании, которая открыла свои двери на онлайн-платформах. — собирается вживую для некоторых спектаклей.Даже если многие знают, что им нужно улучшить представление чего-либо, суть остается прежней — чистое искусство всегда будет таким.

Спорное, реальное, виртуальное, динамическое или статичное искусство всегда будет частью большой головоломки в жизни каждого человека, независимо от того, какую форму он принимает, тем самым открывая путь к знаниям.

Все о Сандре Ларсон:
Будучи художницей и живя в этом удивительном мире, Сандра могла сказать, как выглядит этот мир. Со своими взлетами и падениями современное искусство всегда было сильной опорой в образовании и развитии общества — и этим Сандра хочет поделиться с другими.Художник и писатель, она знает, как обстоят дела в этой области, и готова помочь тем, кто хочет ее лучше понять.

Какую роль может сыграть искусство в создании социальных изменений?

[media-credit name = «Mix’d Ingrdnts / KQED Arts» align = «aligncenter»] [/ media-credit]

Танцовщицы из Окленда Дженай Анолин и Самара Аткинс воплощают свою любовь к уличным танцам с социальной миссией: бросить вызов тому, что они считают объективизацией женщин в этом жанре. Они основали Mix’d Ingrdnts, женскую, мультижанровую, многоэтническую танцевальную команду, чтобы выразить себя и свое видение уличных танцев как формы расширения прав и возможностей женщин и девочек.

«Я чувствую, что у женщин есть способность выражать себя через свои движения, но это не должно быть унижающим достоинство», — говорит Анолин. Аткинс говорит, что в детстве у нее были проблемы с самооценкой, и в конце концов она обрела сильный голос в танце. Теперь Mix’d Ingdnts выступает и проводит уроки в районе залива, надеясь вдохновить следующее поколение молодых женщин обрести уверенность в танцах.

Какую роль может сыграть искусство в изменении общества и культуры? Кто такие художники, которые, по вашему мнению, добились значимых изменений?


Дополнительные ресурсы

ВИДЕОКОЛЛЕКЦИЯ: «Сила искусства, влияющая на социальные изменения», (Cloudhead)
Это тщательно подобранный список пяти художников со всего мира, которые используют свои таланты для внесения социальных изменений.

ВИДЕО: «Арт-активизм с Саназом Мазинани» (Художественная школа KQED)
Саназ Мазинани — художник с опытом политической деятельности, который использует искусство, чтобы вдохновлять на диалог о восприятии культурной идентичности.

ВИДЕО: « Графика с Фавианной Родригес » (Художественная школа KQED)
Фавианна Родригес — междисциплинарный визуальный художник и общественный организатор, объединяющий свою художественную практику с политической активностью.

ВИДЕО: «Гибридное кинопроизводство с Рану Мукерджи» (Художественная школа KQED)
Мультимедийный художник Рану Мукерджи рассказывает о своей новейшей работе, Home and the World , в которой исследуется культурный гибрид колониализма, последствия и феминистские вопросы.


СДЕЛАТЬ СЛЕДУЮЩИЙ: УКАЗАТЬ ИСТОЧНИК!

Добавьте аннотацию к источнику: используя бесплатный инструмент веб-аннотации, такой как hypothes.is, ваши ученики могут комментировать первичные исходные документы, связанные с темой Do Now.Это проще, чем кажется — это более социальный способ для групп людей комментировать разделы текста. Попробуйте сделать это, аннотируя эссе Фавианны Родригес: «Измените культуру, измените мир».

Вот несколько ресурсов, которые помогут вам начать работу:

Сделать следующий

Do Next выводит онлайн-обсуждение на новый уровень: это предложения, как выйти в свое сообщество и исследовать, как тема, представленная в этом Do Now, влияет на жизни людей.Используйте инструменты цифрового повествования и социальные сети, чтобы поделиться своей историей и принять меры. Обязательно пометьте свои творения тегом # DoNowArt4Change.

1) Создайте свое собственное искусство 4 Изменение: Создайте произведение искусства в любом жанре, посвященное проблеме, которая вам нравится, и поделитесь ею в социальных сетях.

2) Интервью с художником: Найдите местных художников, которые занимаются социальными проблемами в вашем сообществе, запишите интервью с ними и поделитесь в социальных сетях .

3) Расскажите историю, скрывающуюся за искусством: Найдите произведение искусства в любом жанре (музыка, танец, визуализация и т. Д.), Которое, по вашему мнению, решает социальную проблему. Проведите небольшое исследование о художниках, их мотивах создания искусства и о том, какое влияние оказывает их работа. Поделитесь историей в Instagram.

Как искусство влияет на общество?

Искусство как хранилище коллективной памяти
Живопись, скульптура, музыка, литература и другие виды искусства часто считаются хранилищами коллективной памяти общества.Искусство сохраняет то, чего не могут исторические записи, основанные на фактах: каково было существовать в определенном месте в определенное время. Поскольку искусство так важно для общества и культуры, оно высоко ценится, и миллионы посетителей ежегодно посещают важные произведения в известных музеях по всему миру.

Другой пример искусства и его влияние на общество — искусство австралийских аборигенов. Эти работы датируются несколькими поколениями, и они использовались для передачи информации из поколения в поколение.Это имеет сакральное значение. Хотя многие аборигены были изгнаны со своей земли, а языки были потеряны, искусство остается сильным напоминанием об истории Австралии. Даже сегодня искусство аборигенов влияет на современное искусство по своей концепции и стилю.

Искусство для социальных изменений
Искусство часто является средством социальных изменений. Он может дать голос политически или социально обездоленным. Песня, фильм или роман могут пробудить эмоции у тех, кто с ними сталкивается, вдохновляя их сплотиться для перемен.Влияние искусства на общество троякое: оно возникает из-за реакции человека на работу, силы, присущей произведению, и факторов окружающей среды, окружающих произведение.

Искусство и человеческий мозг
Исследователи давно интересовались взаимосвязью искусства и человеческого мозга. Например, в 2013 году исследователи из Университета Ньюкасла обнаружили, что просмотр современного визуального искусства положительно влияет на личную жизнь пожилых людей, работающих в доме престарелых.Кроме того, когда люди смотрят театральные искусства, такие как танцы, их мозг улавливает движения и имитирует их.

Что самое интересное, искусство активирует зрительные центры в мозгу. Согласно другому исследованию, проведенному Университетом Квинсленда в Австралии, посещение музея имеет много положительных преимуществ для людей. Это включает в себя более острые навыки критического мышления, а также дает мозгу большую открытость для обучения и переживания большего количества вещей.

Искусство и общество
Искусство также оказывает утилитарное влияние на общество.Существует очевидная положительная корреляция между оценками школьников по математике и грамотности и их вовлеченностью в театральную или музыкальную деятельность. Кроме того, искусство объединяет людей и дает им возможность стать частью сообщества. Это обеспечивает социальную связь с другими.

Искусство и личность
Как отмечает Национальная ассоциация художественного образования, искусство полезно для художника как средство выхода для работы. Искусство также стимулирует человеческую потребность в самовыражении и самореализации и может быть продолжением личности.

Искусство и экономика
Искусство также экономически выгодно. Многие люди занимаются созданием, управлением и распространением искусства. Кроме того, экономики, которые привлекают более высокую долю творческих личностей, обычно более сильны. Это потому, что искусство лежит в основе многих экономических двигателей, таких как рестораны, музыка и архитектура. Поскольку искусство является важной частью повседневной жизни, существует множество профессий, которые напрямую связаны с искусством и творческими занятиями.

.