Искусство в широком смысле слова: Ваш браузер устарел
Правительство Москвы Вещи, слова и последствия
Кураторы: Саня Кантаровский, Стас Шурипа Выставка “Вещи, слова и последствия“ представляет работы художников из разных стран. Авторы используют различные методы и техники: инсталляции и скульптуру, рисунок и живопись, видео и перформанс; при этом каждая из работ является высказыванием на тему, обладающую ключевым значением не только для новейших художественных практик, но и для всей жизни современного общества. Это вопрос о природе, роли и статусе языка — силы очевидной и вездесущей, но при этом и трудноопределимой. Языки, или, в широком смысле, системы знаков, способные к неограниченному производству смысла, обнаруживают себя в искусстве на самых разных уровнях. Лингвистическая среда находится и вокруг, и внутри нас; она постоянно производит и регулирует отношения, представления и эмоции – все то, что заявляет о себе как реальность. Увидеть язык в действии можно, сделав шаг в сторону от привычных потоков коммуникации. Вот почему каждая из включенных в выставку работ является исследованием пограничных случаев коммуникации: нарушений речи, молчания, намека, косвенного означивания. Интерес к пределам языка и возможностям производства смысла был в искусстве и раньше. Достаточно вспомнить, например, о зауми русского поэтического авангарда. Сегодня, в ситуации массового производства высказываний, локальные традиции и школы часто бывают перемешаны в глобальной медиа-среде. Художники: Виктор Алимпиев, Борис Гройс, Александра Галкина и Давид Тер-Оганян, Саймон Денни, Саня Кантаровский, Антуан Катала, Шана Латкер, Лиз Меджик Лейзер, Дафна Маймон, Тобиас Мэдисон, Лора Оуэнс, Анна Паркина, Чэдвик Рантанен, Фрэнсес Старк, Саша Сухарева, Аня Титова, Карл Холмквист, Керен Циттер, Аша Шештер, Стас Шурипа, Шэннон Эбнер.
Пресса: WINZAVOD ART REVIEW №38 (Октябрь 2012). Искусство обмана. «Contemporary Art Daily. A Daily Journal of International Exhibitions».  Group Show at Moscow Museum of Modern Art. October 13th, 2012Журнал «Interview», 13.09.2012, 14:10 W-O-S.ru. TWC: «Главное — мутации языка». Дарья Кравчук.
|
Художники не столько стремятся к утверждению собственных индивидуальных языков, сколько используют комбинации из элементов различных лингвистических систем; они всё чаще видят свою задачу не в создании уникальных и надежно отделенных от реальности вымышленных миров, а в нахождении точек, из которых образы современного мира предстают неполными и парадоксальными.Молодые художники и музыканты Казани объединились, чтобы пророчества Родченко сбылись
22 таланта на одной экспозиции — «Кажется, будет выставка в Казани»
Фото: Максим ПлатоновОрганизаторы вынесли в заголовок строчки из письма великого русского художника Александра Родченко своей супруге Варваре Степановой. Она в 1915 году уже покинула Казанское художественное училище и уехала в Кострому, не закончив курса Николая Фешина.
Но мы знаем, как много сделала эта знаменитая пара впоследствии для искусства — и российского, и советского, и мирового. Будучи новаторами для своего времени, они как бы передали эстафету новому поколению творцов. А произведения Родченко в русском искусствоведении принято называть пророчествами: он будто брал их из далекого будущего. Словно знал больше 100 лет назад, какие шрифты будут использоваться на рекламных плакатах, какие дома мы будем строить и каким искусством любоваться.
Кураторы Центра признаются, что это первый групповой художественный проект — до этого современные художники выставлялись здесь, но по отдельности. Более того, к ним присоединились и музыканты, можно увидеть и видеоинсталляции, и постеры с фото, и декоративно-прикладные техники — сразу несколько видов искусства на одной площадке.
— Выставка продлится несколько месяцев, а в следующем году она распространится по всему городу, на несколько площадок. Здесь сегодня вы можете увидеть и услышать все форматы, в которых работают молодые художники Казани — живопись, графика, коллаж, фотография, саунд.
Если человек впервые столкнется с современной культурой, он сможет увидеть полноценную панораму форм искусства, — рассказал арт-директор «Смены» Кирилл Маевский.
На выставке представлена лишь небольшая часть художников города, «гигантское их число», по словам Маевского, пока осталось за кадром, но проект будет расти и развиваться с течением времени. Экспозиция — только первый шаг в заданном направлении. «Смена» планирует заняться и продвижением казанских художников, и интеграцией их в российский и мировой художественный контекст. В открывающейся сегодня выставке участвуют именно молодые, в возрасте до 35 лет.
— Отбирая участников, мы не делали акцент на их профессиональное образование, если поводить аналогию с Родченко и Степановой. Как раз образование здесь не имеет большого значения. У них и разный «багаж» — одни преподают искусство в Москве, другие выступают на техно-фестивалях в Европе, а третьи сегодня выставляются впервые, — рассказывает Кирилл Маевский.
«Не нужно бояться творить новое»Патрон выставки, руководитель студии Bespoke Architects Элина Сафарова поделилась, что идея родилась из того, что в Казани сейчас живет и работает много талантливых художников в широком смысле слова:
— Мы поговорили с директором «Смены» и решили объединить наших художников в одном пространстве, чтобы показать, на что они способны.
Кроме того, мы хотим их работами вдохновить и других талантливых ребят не бояться творить свое, новое. Это экспериментальный проект, и, надеюсь, у него большое будущее. Лично мне очень нравится энергетика, которую излучают работы, важно именно то состояние, которое передает это искусство. Уверена, что экспозиция будет пополняться, мы открыты к тому, чтобы ребята заявляли о себе, в том числе и те, что пока не выставились, но очень этого хотят.
Нужно отметить, что работы художников расположились не только в самом выставочном зале «Смены», ими наполнено все здание. Например, поднимаясь на второй этаж, можно услышать звуки города. Это Дима Смородин записал все, что он слышит, идя на работу.
Искусствовед, главный научный сотрудник — советник директора по национальному искусству Государственного музея изобразительных искусств Татарстана Дина Ахметова делится с «Реальным временем» впечатлениями:
— В этом и ценность выставки — показать то, что для нас стало привычным, но по сути своей может являться чем-то особенным.
Тот же звуковой ряд — в этом и состоит талант художника: сделать особенное из обыденного. Многих из участников этой экспозиции я знаю — они участвовали в выставках на площадках Госмузея изобразительных искусств Татарстана «Шум города. Казань 2020» и «Молчание». Я бы отметила совершенно замечательную керамику Анастасии Мороз — этот объект «переехал» сюда с нашей летней выставки в ГСИ. Здесь представлены не традиционные экспонаты, а самые необычные и современные. Я могу совершенно точно сказать, что нам, например, в продвижении современного искусства очень не хватало видео, перфомансов, декоративного искусства. Вот, например, уникальная вышивка Зухры Салаховой, которую здесь можно встретить, это же просто потрясающе! Далеко пойдет художник, то, что она сделала, гениально. С традиционной техникой вышивки татарских орнаментов она смогла соединить авангардное искусство и свое личное видение как художника!
Искусствовед добавила, что такие выставки жизненно необходимы.
Это не только подарок городу и жаждущему культурной жизни казанцу. Это неоценимая помощь художнику, которому для творчества необходим зритель:
— Доброе слово и кошке приятно, а признание, слова ободрения, да просто возможность выставиться — это серьезный толчок, побуждающий к дальнейшему развитию и творчеству. От этого художник буквально расцветает. Вспомните, Родченко в свое время ведь не «гнобили», ему дали возможность жить и творить, быть самим собой. Только потом из его творчества выкристаллизовалось огромное новое направление, мощный шаг в направлении фотографии, живописи, скульптуры, плакатного искусства. Надо дать молодым проявлять себя всесторонне. Возможно, кто-то из них, как и Родченко в свое время, тоже будет считаться зачинателем нового направления в искусстве.
Эксперименты молодыхАлиса Сафина приехала на выставку из Москвы, где живет и работает уже семь лет. Она пишет картины на заказ, в основном специализируется на портретах. Именно два портрета она и представила на экспозиции «Кажется, будет выставка в Казани».
Один — реальной женщины, «Персона», второй навеян ее личными фантазиями и представлениями о прекрасном. Он, кстати, остался безымянным.
— Мне очень нравятся перформативные практики, формат совмещения живописи и театра. Например, в Казани на лаборатории «Город. Арт-подготовка» я написала портрет десяти женщин — один день, один образ. Потом мы записали их голоса, истории и на итоговой выставке демонстрировали одновременно. По сути, это получился эскиз-вербатим-перформанс. Когда-то, энное количество лет назад, еще до отъезда в столицу, я приходила в «Смену» и мечтала — вот бы и мне выставиться здесь. Сегодня мои мечты сбылись, я вижу итоги многолетнего труда, хотя мне сегодня всего только 25 лет.
Художница Дарья Скрипаль интересуется в основном абстрактным направлением в искусстве, однако на выставке она представила и нечто необычное для себя — экспликацию:
— В прошлом году у меня была персональная выставка в Казани, с нее я и перевезла эту работу. Это для меня своего рода эксперимент, шаг в сторону от уже привычной для меня абстракции.
Я начала собирать памятные вещи и делать из них арт-объекты. Как здесь — афиша-анонс прошедшей выставки, но это уже смятый плакат, который висит на стене. Каждый найдет в этой работе свой смысл. Конечно, мне хочется, чтобы работы продавались, так и бывает иногда, но большинство работ я пока храню у себя дома.
На выставке побывала и помощник президента Татарстана Наталия Фишман-Бекмамбетова с супругом — режиссером Тимуром Бекмамбетовым. Она тоже отметила крайнюю важность проекта в плане поддержки молодых художников:
— Здорово, что это происходит — такого раньше не было. Замечательно, что ребята из «Смены» придумали такой проект. Хочу отметить и хорошую кураторскую работу. Мне очень понравился, например, видеоарт — больше всего, наверное. Керамика интересная, с оригинальной задумкой ее увеличенной фотографией. Особенно отмечу — очень хочется, чтобы рынок арт-искусства появился в Казани, были серьезные галереи, а люди начали коллекционировать произведения.
Выставка продлится до 9 января 2022 года.
Анна Тарлецкая, фото: Максим Платонов
ОбществоКультура ТатарстанЛ. Н. Толстой и искусство в IT / Хабр
Лев Николаевич Толстой, будучи, в первую очередь писателем, интересовался и другими видами того, что принято сегодня называть «искусством» в широком смысле слова. В результате у него появилась маленькая заметка «Об искусстве» и большая монография «Что такое искусство?»
Я постараюсь изложить, что же такое искусство по мнению Льва Николаевича, что необходимо для того, чтобы искусство таковым являлось, а также каковы признаки поддельного искусства (последнее перенесено в отдельную заметку). Всё это, насколько возможно, изложено применительно к IT и проиллюстрировано примерами.
(На всякий случай я прошу читателей
)Прежде всего, Толстой говорит о том, чем искусство не является, и к чему не имеет отношения. Искусство ничего общего не имеет с красотой. Все философские определения красоты можно свести к двум основным воззрениям: 1) красота есть проявление чего-то метафизического и абсолютно совершенного (бога, воли, идеи и т. п.) и 2) красота есть известного рода получаемое нами удовольствие. В принципе, метафизическое определение, претендуя на объективизацию красоты, тем не менее субъективно. То есть, оба вида определений субъективизируют красоту, делая её зависимой от воспринимающего. Вкус же, пишет Толстой, не играет роли. Он бесполезен для определения
«Что же такое искусство, если откинуть путающее все дело понятие красоты?», — пишет Лев Николаевич. Он ставит задачей определить цель искусства. Отбрасывая наслаждение, он ищет назначение его в жизни человека и человечества
Искусство, делает вывод Толстой, есть средство передачи чувства от одного человека к другим.
Как слово передаёт мысль, единицу знания, так искусство должно передавать чувство.
«Вызвать в себе раз испытанное чувство и, вызвав его в себе, посредством движений, линий, красок, звуков, образов, выраженных словами, передать это чувство так, чтобы другие испытали то же чувство, — в этом состоит деятельность искусства. Искусство есть деятельность человеческая, состоящая в том, что один человек сознательно известными внешними знаками передает другим испытываемые им чувства, а другие люди заражаются этими чувствами и переживают их».
Отойдём немного от Толстого и подумаем — где мы в нашей компьютерной деятельности передаём чувство? Передаём ли мы его? Когда вы программируете очередную форму для бухгалтерии — есть ли здесь место чувству, то есть искусству?
Я делаю вывод, что наиболее важным в контексте искусства является сегодня термин user experience. Замечу, что юзабилити (часто идущее в паре с указанным термином) идёт от чистого ума, и не должно передавать чувств.
И поэтому давайте разберём, что же такое user experience.
К сожалению, я не владею достаточно развитой терминологией, чтобы рассуждать об этом более или менее научно. Поэтому постараюсь описать на примерах, что я подразумеваю, когда использую слово
Пять программных продуктов с почти точно идентичным функционалом могут собрать пять разных аудиторий с зависимости от того, как они воспринимаются пользователями. Такое случается сегодня чаще всего в области т. н. web 2.0, где программное обеспечение выходит за пределы функционала и переходит в область социальную.
Мне как-то пришлось разрабатывать дизайн сервиса, центральным функционалом которого был механизм сообществ. Примеров, откуда срисовывать, было много: начиная с LiveJournal, Ning (сети общего назначения), продолжая форумными системами (PhpBB, IPB) и заканчивая тем же Хабрахабром или DeviantArt-ом. Рассматривая дизайн всех этих сообществ, я пришёл к выводу, что, имея тот же самый функционал, все они передают разные ощущения присутствия.
Livejournal — это это набор личных комнаток (блогов) с маленькими площадями (сообществами), куда сбегается народ, чтобы посмотреть немного, при наличии времени, на зрелища. Каждый сайт Ning-а — это один большой супермаркет, где всё выложено на главной витрине, за пределами которой всё довольно скудно. Хабрахабр ранее был (и до известной меры остаётся сейчас) большой торговой площадью, куда все слетаются, чтобы побыстрее взять что им надо (ну или хоть что-то), отреагировать, если есть на что, и убежать далее по своим делам. (Недавние изменения превратили для меня Хабрахабр в этакий камень, который каждый вертит для себя и воспринимает свои собственные грани).
Мне же в своё время требовался механизм этакого полиса — небольшого городка, для жизни которого важно осознание общности всеми гражданами, но где, в то же время, стимулируется объединение в группы/сообщества; уход же в личное пространство не поощряется. Получалась как бы большая центральная площадь, где обсуждаются общие вопросы, и места сбора «по интересам».
И хотя функционал весь тот же самый — ленты, записи, фотографии, комментарии, кнопка «вступить в сообщество», мне пришлось рисовать и проектировать своё собственное воплощение этого функционала, чтобы задумка «заиграла».
Передача этого ощущения — уютной комнатки, базарной площади или официального кабинета и есть тот самый user experience. И в этом смысле это и есть искусство, поскольку дизайнер здесь передаёт свои ощущения аудитории.
Итак, мы определились и тем, что же есть искусство. А что такое хорошее искусство?
Настоящее искусство, согласно Льву Николаевичу, должно обладать следующими признаками.
1) Произведение должно быть ново и важно для общества.
2) Оно должно быть выдающимся по красоте формы.
3) Оно должно выражать истинную потребность души художника и быть в этом смысле задушевным (т. е. искренним) и правдивым.
Касательно первого правила, приведу цитату: «Для того чтобы то, что говорит художник, было вполне ново и важно, нужно, чтобы художник был нравственно просвещенный человек, а потому не жил бы исключительно эгоистичной жизнью, а был участником общей жизни человечества».
Пожалуй, здесь, говоря об IT, мы уйдём в область миссии и цели бизнеса. И, пожалуй, надо понимать, что предмет искусства в данном случае вырастает из чистого user experience, захватывая весь проект от самого начала (когда мы отвечам на вопрос, зачем этот проект нужен) и до самой реализации.
Про второе правило Толстой пишет следующее: «Для того чтобы то, что говорит художник, было выражено вполне хорошо, нужно, чтобы художник овладел своим мастерством так, чтобы, работая, так же мало думал о правилах этого мастерства, как мало думает человек о правилах механики, когда ходит».
Если первое и второе правило худо-бедно мы научились выполнять, то с третьим чаще всего бывают проблемы. «Для того же, чтобы художник выражал внутреннюю потребность души и потому говорил бы от всей души то, что он говорит, он должен, во-первых, не заниматься многими пустяками, мешающими любить по-настоящему то, что свойственно любить, а во-вторых, любить самому, своим сердцем, а не чужим, не притворяться, что любишь то, что другие признают или считают достойным любви».
Наверное, говоря о практике IT, а, точнее, всех web 2.0-сообществ, можно приравнять это правило к следующему: абстрактная машина под названием «компания» не запустит продукта и не построит сообщества, достойного называться искусством. Всегда велик личный вклад основателя. И все известные мне действительно хорошие сообщества всегда имели (по крайней мере, на первых порах) лидера, который своей личной притягательностью работал на создание атмосферы — или, иначе говоря, передавал свои чувства участникам сообщества.
(Впрочем, мысль это отнюдь не нова в области построения сообществ — рекомендую, например, видеолекцию «Что делать, если ты шампунь», где прямо во вступлении говорится точно та же самая мысль.)
* * *
Вот так определил понятие «искусства» Лев Николаевич Толстой в позапрошлом веке. Мне кажется, многие из его выводов применимы и сегодня. По крайней мере, можно задуматься: а правда ли мы занимаемся искусством там, где мы хотели бы им заниматься?
В продолжении этой статьи, которое я опубликую чуть попозже, мы рассмотрим, какими приёмами пользуются современные «творцы», чтобы придать своему детищу форму произведения искусства, когда оно таковым не является.
Желающие могут ознакомиться с оригинальными рукописями — конечно, гораздо более широкими, чем можно было охватить в данной статье: «Об искусстве», «Что такое искусство».
Желаю читателям настоящего вдохновения и истинного искусства!
Феминизм и поп-арт Джозетты Фьорони
О теме гендера мы теперь говорим не только на феминистично ориентированных порталах, но и в музейных стенах. Для искусствоведов и кураторов это станет одним из главных ноу-хау на ближайшие пару лет. В то время как нью-йоркский МоМА представляет выставку послевоенных абстрактных художниц, редакторы «Википедии» активно добавляют статьи о женщинах в раздел «Искусство». И хотя имена Берты Моризо, Сони Делоне, Джорджии О’Киф, Гертруды Стайн и Пегги Гуггенхайм были известны широкому зрителю, до 70-х мы едва ли могли говорить об активной роли женщин в мире искусства.
Речь как о художницах, так и о коллекционерах: их явное присутствие на арт-орбите начинается параллельно с развитием феминизма и перформативными практиками.
Понять наносящую себе раны Марину Абрамович куда проще в контексте социальных изменений и непростой биографии, к которой она то и дело привлекает внимание. Впрочем, и сегодня в списке топовых проданных работ значится только имя Яей Кусамы, которая недавно занялась строительством собственного музея.
Среди перечисленных художниц нет уже порядком забытой Джозетты Фиорони, представительницы итальянского поп-арта. Для любителей моды Фьорони известна прежде всего как художница, сотрудничавшая с Марией Грацией Кьюри еще во времена Valentino. На самом деле расцвет творчества Фьорони относится к 60-м, а представленные на новой выставке ММОМА работы отлично коррелируют с образами итальянского неореализма — черно-белыми фильмами Феллини и Антониони. В те времена Фьорони выставлялась в римской галерее La Tartaruga и дружила с современниками, придерживающимися близкого жанра, — Раушенбергом и де Кунингом, а также Саем Твомбли.
Сейчас Рим сложно назвать меккой современного искусства в широком смысле слова, а для итальянского искусства 60–70-х скорее важны близкие к минимализму участники «Арте Повера», чем искусство поп-арта.
Тем не менее фигура Фьорони остается яркой и заметной — цены на Sotheby’s и Christie’s на ее работы в последние три года выросли в несколько раз, на нью-йоркском Frieze она возродила свой перформанс 1968 года La Spia Ottica, а выставки работ путешествуют по всему миру — наконец их можно увидеть и в Москве.
Искусство Фьорони — не про остросоциальные проблемы, а про личные переживания, среди которых зритель сталкивается с любовью, одиночеством и быстротечностью времени. Последнее художница явно ощущает: сейчас ей 85, но она продолжает следить за новаторскими идеями и трансформациями. Это можно заметить и из ее эстетики: голова Венеры с картины Боттичелли напоминает по своей манере Бэнкси, хотя относится к 1967 году. Работу того же времени «Отсюда к вечности» и вовсе можно перепутать с одним из граффити художника. Если ваши представления о поп-арте все еще ограничиваются Уорхолом и Лихтенштейном, то познакомиться с творчеством Джозетты Фьорони, безусловно, стоит.
Выставка «60-е в Риме» откроется 6 сентября в Московском музее современного искусства на Петровке.
Присоединяйся офлайн к аудиовизуальной инсталляции «Портрет поколения» по случаю 10-летия BURO. — получи иммерсивный опыт.
Купить билетИ Пунин такой молодой – Weekend – Коммерсантъ
«Энциклопедия русского авангарда» выпустила долгожданную книгу «В борьбе за новейшее искусство» Николая Пунина. Она меняет стереотипные представления о Николае Николаевиче Пунине (1888–1953) — «муже Ахматовой» в глазах широкой публики и «выдающемся искусствоведе» в глазах публики профессиональной
«Говорят: факт — нахал; верно; но нахалов вежливо выводят за двери; мы в особенности хорошо знаем, какими приемами выводят факты за двери; без этого мы не могли бы быть участниками Революции. Словом, я хочу только сказать, что не собираюсь быть объективным и что изложенное ниже развитие событий, если и может быть названо историей, то только в том смысле, что „историю» эту делали мы; мы же и объясняем, как и для чего ее делали»,— предупреждает Пунин в самом начале книги, которая долгое время оставалась для посвященных чем-то вроде второй части Аристотелевой «Поэтики».
Что Пунин в конце 1920-х — начале 1930-х написал не то мемуары о петроградской художественной жизни революционных лет, не то крайне субъективную историю того, в чем не просто «принимал участие», но что — не только в качестве начальника Петроградского ИЗО Наркомпроса, комиссара Эрмитажа и Русского музея, редактора «Искусства коммуны», но и как художник в широком смысле слова — непосредственно делал, было смутно известно. Бойцы вспоминали минувшие дни: Виктор Шкловский сводил свои «гамбургские счеты», Бенедикт Лившиц успел издать «Полутораглазого стрельца», а Пунину не повезло — его «Искусство и Революция» не вышла ни в ИЗОГИЗе, несмотря на все старания Николая Харджиева, служившего там в редакторах, ни в других издательствах. Отдельные фрагменты пунинских воспоминаний — особенно часто про «Квартиру №5» — публиковались начиная с перестроечных лет, но целиком они еще не издавались никогда.
Правда, «целиком» это весьма условное: из авторского предисловия к несостоявшемуся изданию 1932 года становится понятно, что книга «В борьбе за новейшее искусство» (по требованию ИЗОГИЗа Пунину пришлось сменить дорогое ему название на более нейтральное в тогдашнем понимании «Искусство и Революция») должна была состоять из нескольких частей, первая — о 1916–1917 годах, остальные — о периоде с 1918-го по 1925-й, но публикаторы первой части, наследники Пунина, признаются, что никаких следов других частей в семейном архиве найти не удалось.
Впрочем, архив этот далеко не полон — в силу различных жизненных обстоятельств многое оказалось уничтожено, утрачено и распылено. Первый раз Пунин был арестован в 1921 году, по делу «Петроградской боевой организации», и вскоре отпущен, счастливо избежав судьбы Николая Гумилева, затем — в 1935-м, но снова быстро вышел на свободу, третий арест в 1949-м закончился смертью в воркутинском лагере — архивы людей с таким послужным списком редко сохраняются в идеальном порядке. Архивная неполнота, как кажется, не располагает к серьезной текстологической работе: известно, что есть несколько авторских редакций первой части текста, делавшихся на протяжении 1929-го — конца 1930-х, но академическое научное издание, где были бы проанализированы все варианты,— вероятно, дело будущего. Но так или иначе мы держим в руках начало злополучной книги «В борьбе за новейшее искусство», изданное по рукописи 1932 года и дополненное статьей «Академия в 1917 г.», где предвоенная история левого искусства излагается пунктирно, а события 1916–1917 годов — весьма детально.
Конечно, хотелось бы узнать из первых рук о революционном комиссарстве Пунина, о реформировании академии и музейного хозяйства, о создании отдела новейших течений в Русском, о ГИНХУКе золотой поры. Но и рассказ о последних годах войны и начале революции дорогого стоит.
Посмертная литературная биография Пунина, много печатавшегося в 1910-е и 1920-е, а после 1933-го почти ничего не опубликовавшего, сложилась или, точнее, складывается, поскольку явно не завершена, причудливым образом. В зените застоя он вернулся классиком советского искусствознания — с надгробной плитой в виде тома в «дубовой серии». В 1990-е пошли публикации статей периода пунинского революционного романтизма — вроде сборника текстов «О Татлине», изданных «Архивом русского авангарда»,— и с классика осыпалась золоченая бронза, но он все же оставался в ролевых рамках «выдающегося искусствоведа и художественного критика». И только в 2000-е, когда наследники, обладатели самой большой части пунинского архива, выпустили в свет коллаж из дневниковых записей и переписки 1910–1949 годов под названием «Мир светел любовью», не только историкам русского и советского авангарда, но и обычному читателю стало казаться, что Пунин — айсберг, лишь на вершине которого и можно установить табличку с понятной надписью «искусствовед».
Или, вернее, что пунинское искусствоведение — особый тип авангардного письма и особый способ восприятия мира, где личное, интимное настолько, что «Мир светел любовью» читать местами совсем неловко, совершенно не отделяется от эстетического. «В борьбе за новейшее искусство» не то чтобы поднимает весь айсберг над водой, но показывает, что в Пунине вообще нельзя отделить историка искусства от страстного любовника, политика — от художника, комиссара — от критика, и что это не какая-то «цельность личности», а философия, историософия, художественная позиция и свойства оптики.
«Искусство оформляет сырье жизни; жизнь формирует искусство; в этой качалке они располагаются удобно…» «Кубизм, как в клещи, зажал период довоенный, войны и наше сегодня; эпоха кризиса — это эпоха кубизма по преимуществу. В каждом кубистическом холсте дышит наша жизнь…» «После кубизма стиль времени стал другим; не кубизм его создал, кубизм был создан им; но время оказалось одетым в новый стиль усилиями кубистов…» «Русский футуризм почти не оставил картин; никогда он не был системой зрительных восприятий, только эмоцией.
Это — сигналы, перераставшие в восстание. Ничем иным — революционным темпераментом, стихийным бунтом против всех условностей до конца условной жизни, мятежом, вспыхивающим по всяким поводам, в том числе, по поводам, не имевшим решительно никакого отношения к искусству — вот чем был русский футуризм…» «Я люблю людей революционной воли; большей частью, это люди примитивные, но их, действительно, не обманешь никакими барочными фасадами…» С первых же страниц книги слух (а публикаторы намеренно сохранили замысловатую авторскую пунктуацию — дескать, ученики, знавшие Пунина еще и как блестящего лектора, мгновенно узнавали в его текстах неповторимую ораторскую интонацию) цепляют слова и обороты, не столько описывающие, сколько утверждающие и даже как будто бы наколдовывающие тотальное слипание жизни и искусства, какие далеким эхом прилетели из другого сочинения Пунина, написанного в соавторстве с еще одним наркомпросовцем, Евгением Полетаевым, и изданного в 1918-м с мягко-критическим предисловием Анатолия Луначарского.
Речь о манифесте «Против цивилизации», который искусствоведы обыкновенно предпочитают обходить стыдливым молчанием. Весьма бегло и осторожно сказано о нем в «Невоспетом герое русского авангарда» Натальи Мюррей, первой биографии Пунина (перевод книги с английского вышел в издательстве «Слово» одновременно с «В борьбе за новейшее искусство»). Один лишь Анатолий Рыков решился проанализировать неудобный пунинский текст, справедливо указывая, что ницшеанская риторика витальности и воли к власти, германофильское противопоставление культуры и цивилизации, рассуждения о нации, расе и расовом превосходстве, об «арийском человечестве» и исторической миссии великороссов образуют комплекс вполне фашистских идей и что фигуру Пунина уместно сравнивать не с безобидными трубадурами нового искусства вроде Роджера Фрая, а с радикалами вроде Филиппо Томмазо Маринетти. Книга «В борьбе за новейшее искусство» написана десять с лишним лет спустя — человеком куда более зрелым, побитым политической жизнью, излеченным от революционной ажитации, в которой так легко путались социализм и скифство, утопия интернационала и расовая теория.
«Раса», «нация», «великоросс» — эти слова навсегда ушли из его прозы. Но он, несомненно, остался верен мыслям об «огромных залежах энергии», исторически накопившихся в каждом великороссе, о «драгоценнейших качествах нашего великорусского характера: органической детскости и стихийной жизненности, этих первых предпосылках творчества», об «инстинктивном неуважении великороссов к старине» — всему тому, чем обосновывалась неизбежность радикальной политической, социальной и художественной революций, между которыми не делалось особых различий и которые можно было обозначить словом «футуризм» («Может быть, именно нам, великороссам, суждено придать гордым лозунгам футуризма положительную органическую ценность и связать их с коммунистическими тенденциями организующейся наново Европы»). Исходя из этой всепроникающий жизненной философии, формировался его канон авангарда — с Владимиром Татлиным и Велимиром Хлебниковым во главе, с Михаилом Ларионовым, Павлом Филоновым и Василием Чекрыгиным в первых рядах.
«В борьбе за новейшее искусство» можно прочесть как историю политическую — историю борьбы старого и нового искусства, художественных группировок и институтов на фоне борьбы политических партий и течений. Борьбы за власть, отнюдь не только символическую — историко-искусствоведческие мемуары «русского Маринетти» не оставляют ни малейших сомнений в том, что он готов был взять (и вскоре ненадолго возьмет) административную власть в свои руки, сражаясь с «диктатурой Бенуа» до победного конца и приведя «блок левых» к руководству. Но точно так же они не оставляют сомнений в том, что его борьба за власть имела целью не «казенные квартиры» и прочие блага «цивилизации», какими позже воспользуются те, кто взял верх в той битве, и это была вовсе не партия Бенуа. Здесь бытие в целом — история, политика, искусство, любовь — видится как непрестанная борьба (блоковский «вечный бой») жизненных энергий, смертельная схватка нового со старым, и каждое значительное произведение искусства является полем сражения.
Здесь, собственно, и понимаешь, в чем состоит подлинный смысл авангардного «жизнестроительства» и почему нарядные моррисовские обои относятся к царству «цивилизации», а вавилонская «Башня III Интернационала» и незадачливый Икарушка «Летатлин» принадлежат революционной республике «культуры». В конечном итоге «борьба за новейшее искусство» — это борьба за жизнь.
«Пунин Н.Н. В борьбе за новейшее искусство (Искусство и революция)». Энциклопедия русского авангарда, 2018
Быт и искусство
(Отрывок из книги «Словесные орнаменты»)
Сии строки я посвящаю своим собратьям по тому течению, которое исповедует Величию образа.
Собратьям моим кажется, что искусство существует только как искусство. Вне всяких влияний жизни и ее уклада. Мне ставится в вину, что во мне еще не выветрился дух разумниковской школы, которая подходит к искусству, как к служению неким идеям.
Собратья мои увлеклись зрительной фигуральностью словесной формы, им кажется, что слова и образ — это уже все.
Но да простят мои собратья, если я им скажу, что такой подход к искусству слишком несерьезный, так можно говорить об искусстве поверхностных напечатлений, об искусстве декоративном, но отнюдь не о том настоящем строгом искусстве, которое есть значное служение выявления внутренних потребностей разума.
Каждый вид мастерства в искусстве, будь то слово, живопись, музыка или скульптура, есть лишь единичная часть огромного органического мышления человека, который носит в себе все эти виды искусства только лишь как и необходимое ему оружие.
Искусство — это виды человеческого управления. Словом, звуками и движениями человек передает другому человеку то, что им поймано в явлении внутреннем или явлении внешнем. Все, что выходит из человека, рождает его потребности, из потребностей рождается быт, из быта же рождается его искусство, которое имеет место в нашем представлении.
Понимая искусство во всем его размахе, я хочу указать моим собратьям на то, насколько искусство неотделимо от быта и насколько они заблуждаются, увязая нарочито в тех утверждениях его независимости.
Виды искусства, как я уже сказал, весьма многообразны. Прежде чем подойти к искусству слова, подойдем к самому несложному и поверхностному искусству, искусству одежды человека, перенесемся мыслями хотя бы к нашей скифской эпохе.Вспомним тавров, будинов и сарматов.
Описывая скифов, Геродот прежде всего говорит о их обычаях и одежде. Скифы носят на шеях гривны, на руках браслеты, на голову надевают шлем, накрываются сшитыми из конских копыт плащами, которые служат им панцирями. Нижняя одежда состоит из шаровар и коротких саков. Всматриваясь в это коротенькое описание, вы сразу уже представляете себе всю причинность обряда, и перед вами невольно встает это буйное, и статное, и воинственное племя. Вы уже сразу чувствуете, что гривна ему нужна для того, чтоб защитить от меча врага шею, шлемом они защищают череп, браслетом — кисть руки, плащ же охраняет его бока и спину.
Так же, как и в одежде, человек выявил себя своими требованиями и в музыке. Мы знаем, что мелодии родились так же, как щит и оружие.
Действие музыки, главным образом, отражается на крови. Звуки как-то умеют и беспокоить и усмирять ее. Эту тайну знали как древние заклинатели змей, играющие на флейтах, так бессознательно знают ее и по сей день наши пастухи, играя на рожке коровам. Недаром монголы говорят, что под скрипку можно заставить плакать верблюда. Звуки умеют привязывать и развязывать, останавливать и гнать бурей. Все это уже известно давно, и на этом давно уже построены определения песен героических, эпических, надгробных и свадебных.
Подходя к слову, мы также видим, что значение его одинаково с предыдущими видами требований человека.
Слова — это образы всей предметности и всех явлений вокруг человека; ими он защищается, ими же и наступает. Нет слова беспредметного и бестелесного, и оно так же неотъемлемо от бытия, как и все многорукое и многоглазое хозяйство искусства. Даже то искусство одежды, музыки и слова, которое совсем бесполезно, все-таки есть прямой продукт бытовых движений. Оно попутчик быта.
Что такое теперешние ожерелья, перстни и браслеты, как не сколок с воинственных лат наших далеких предков? Что такое чувствительные романсы, вгоняющие в половой жар и в грусть девушек и юношей, как не действие над змеей или коровой? И что такое слова, как не синие трупики обстановочных предметов первобытного человека? Нет, быт и искусство неотделимы. Фигуры — это уже быт, а искусство есть самая яркая фигуральность.
Собратья мои не признают порядка и согласованности в сочетаниях слов и образов. Хочется мне сказать собратьям, что они не правы в этом.
Жизнь образа огромна и разливчата. У него есть свои возрасты, которые отмечаются эпохами. Сначала был образсловесный, который давал имена предметам, за ним идет образ заставочный, мифический, после мифического идет образтипический, или собирательный, за типическим идет образ корабельный, или образ двойного зрения, и, наконец,ангелический, или изобретательный, о которых нам отчасти пришлось говорить в нашей книге «Ключи Марии».
Пример словесного образа таков. Сначала берем образ без слова. Перед нами неотчеканенные массы звуков пчелы:
У-У-У-У,
бу-бу-бу.
Перед сознанием человека встает действие, которое определяется звуком «бу»; предмет пойман в определение и уже неподвижен, определение это есть образ слова.
Образ заставочный, или мифический, есть уподобление одного предмета или явления другому:
Ветви — руки,
сердце — мышь,
солнце — лужа.
Мифический образ заключается и в уподоблении стихийных явлений человеческим бликам.
Отсюда Даждьбог, дающий дождь, и ветреная Геба, что
Громокипящий кубок с неба,
Смеясь, на землю пролила.
На нем построены все божественные фигуры, а также именные клички героев у дикарей: «Пятнистый Олень», «Красный Ветер», «Сова», «Сычи», «Обкусанное Солнце» и т. д.
Типический образ, или собирательный, есть образ сумм внешних или внутренних фигур при человеке. Внешний образ: «нос, что перевоз». Внутренний образ:
Тверд, как камень.
Блудлив, как ветер.
Корабельный образ, образ двойственного положения:
Взбрезжи, полночь, луны кувшин
Зачерпнуть молока берез.
Он очень родственен заставочному с тою лишь разницей, что заставочный неподвижен. Этот же образ имеет вращение.
Образ ангелический, или изобретательный, есть воплощение движения или явления, так же как и предмета, в плоть слова. На чувстве этого образа построена вся техническая предметная изобретательность, а также и эмоциональная. Образ предметного ангелизма: ковер-самолет и аэроплан, перо жар-птицы и электричество, сани-самокаты и автомобиль. На образе эмоционального ангелизма держатся имена незримого и имматериального, когда они, только еще предчувствуемые, облекаются уже в одежду имени, например, чувство незримой страны «Инония», чувство незримого и неизвестного прихода, как-то: «Гость чудесный».
Итак, подыскав определения текучести образов, уложив их в формы, для них присущие, мы увидим, что текучесть и вращение их имеет согласованность и законы, нарушения которых весьма заметны.
Вся жизнь наша есть не что иное, как заполнение большого, чистого полотна рисунками.
Сажая под окошком ветлу или рябину, крестьянин, например, уже делает четкий и строгий рисунок своего быта со всеми его зависимостями от климатического стиля. Каждый шаг наш, каждая проведенная борозда есть необходимый штрих в картине нашей жизни.
Смею указать моим собратьям, что каждая линия в этом рисунке строго согласуется с законами общего. Климатический стиль нашей страны заставляет меня указать моим собратьям на то, насколько необходимы и непреложны эти законы. Собратья мои сами легли черточками в этот закон и вращаются так, как им предназначено. Что бы они ни говорили в противовес, сила останется за этим так же, как и за правдой календарного абриса в хозяйственном обиходе нашего русского простолюдина.
Северный простолюдин не посадит под свое окно кипариса, ибо знает закон, подсказанный ему причинностью вещей и явлений. Он посадит только то дерево, которое присуще его снегам и ветру.
Вглядитесь в календарные изречения Великороссии, там всюду строгая согласованность его с вещами и с местом, временем и действием стихий. Все эти «Марьи зажги снега, заиграй овражки», «Авдотьи подмочи порог» и «Федули сестреньки» построены по самому наилучшему приему чувствования своей страны.
У собратьев моих нет чувства родины во всем широком смысле этого слова, поэтому у них так и несогласовано все. Поэтому они так и любят тот диссонанс, который впитали в себя с удушливыми парами шутовского кривляния ради самого кривляния.
У Анатоля Франса есть чудный рассказ об одном акробате, который выделывал вместо обыкновенной молитвы разные фокусы на трапеции перед Богоматерью. Этого чувства у моих собратьев нет. Они ничему не молятся, и нравится им только одно пустое акробатничество, в котором они делают очень много головокружительных прыжков, но которые есть не больше, не меньше как ни на что не направленные выверты.
Но жизнь требует только то, что ей нужно, и так как искусство только ее оружие, то всякая ненужность отрицается так же, как и несогласованность.
1920
Тимофей Радя
Уличный художник из Екатеринбурга, работает в составе команды. Свои произведения, создаваемые в различных техниках, посвящает как лирическим, так и политическим темам. Большинство работ создаются нелегально. Работы Ради можно увидеть в Екатеринбурге, Перми, Владикавказе, Киеве, Хельсинки и многих других городах.
Всё что я знаю об уличном искусстве
Вечером я ехал по Санкт-Петербургу на велосипеде. Я ехал мимо бесконечных стен какого-то завода, и, в тусклом свете луны, увидел на одной из них большой текст.
Буквы уходили далеко, я пошел за ними, и когда закончил читать, уже наступило утро.
Вот что там было написано:
Всё, что я знаю об уличном искусстве
Этот текст собирает вместе все находки, которые попадались мне за последние три года.
Они растворились во мне, став правилами, по которым я живу. Как правило, такие правила редко произносятся вслух, поэтому говорить о них сложно.
Иногда мне кажется, что хватило бы и одного предложения.
Человек
Существует две стороны человеческой жизни, всё, что я знаю о ней, касается внутренней стороны.
Художник отвечает за это головой.
Внутренняя сторона касается самой сильной и хрупкой части человека — его души. Говорят, что нельзя назвать душу частью человека, потому что душа и есть человек.
Принимая и взвешивая решения, мы свою внутреннюю сторону делаем внешней. Выворачиваясь, внешние стороны сталкиваются, сливаются, перемешиваются, и всё это становится миром, в котором мы оказываемся.
Город и Человек
Весь наш внутренний мир связан с городом — эта связь происходит через глаза, уши, рот, нос и кожу. Мы по городу ходим и в нем спим. Умираем и живем. По отношению к человеку город играет роль, похожую на роль тела — ты всегда находишься внутри. И ты не всегда помнишь об этом.
С ног до головы город построен руками людей. Всё сделано руками, хотя кажется, что так было всегда. Это не так.Город это след, который мы оставляем. Это точный отпечаток нашего времени и наших идей.
Стена дома и стена комнаты — это одна и та же стена, одна нераздельная поверхность. Красивый дом — дом красивый с двух сторон, изнутри и снаружи.Как человек красив, внутри и снаружи. Отношение внутреннего и внешнего мира — ключевой момент для уличного искусства.
Состояние повседневности и состояние города это одна неразрывная поверхность. Некоторые города сияют, некоторые гаснут.
Как люди живут в городах? Как города живут в людях?
В другом городе или другой стране замечаешь гораздо больше, все вокруг новое и интересное. Стоит сделать такими свой дом, свою улицу. Изменение привычной, простой, давно знакомой вещи рождает самое сильное чувство. Я путешествую вокруг своего дома
Каждый человек и каждый город звучит. Это особый вид тишины, услышать ее можно в то редкое время, когда тишина изнутри и снаружи сливаются.Возможно, большинство людей звучит иначе, чем город, в котором они оказались.
Город может быть домом, может им не быть. Что делает город домом? Хватит ли в нём места для всех?
С домом связано чувство, которое можно назвать «крепость».
Это качество, которым может обладать человек, и, следовательно, город.
В противоположность: пустота, окружающая человека, может попасть внутрь. Такая пустота внутри это не чистота сознания, а грязь. Пустота в европейском смысле, а не восточном. Русские города пусты пустотой. Так бывает, но так было не всегда.
В конце 20го столетия в русской крепости что-то сломалось, мы до сих пор встречаем эти руины. Но внешняя поломка хорошо видна, над ней проще работать.Гораздо сложнее собирать осколки внутри человека — как скрепить этот материал? Сколько на это потребуется времени?
Эти два разрушения — города и человека — два неотделимых, но предельно разных процесса — первый грохочет, второй безмолвен, как яд.
Что такое уличное искусство
С определением уличного искусства существует одна проблема — этого определения не может быть.
Но с уверенностью можно сказать:1. Уличное искусство это то, что делает уличный художник.2. Уличное искусство существует только на улице, никак иначе.
Четыре главные стороны уличного искусства выглядят так: идея/место, внутреннее/внешнее, временное/вечное, свое/общее
Представим, что сказанное есть четыре окна, каждое из которых выходит на свою сторону. Сказать можно многое, но стоило бы просто заглянуть в каждое из окон.
Идея/место — сложное, состоящее из нюансов взаимодействие. Это может быть сильная связь, само основание. Почему эта работа должна быть именно здесь? Каким должно быть воплощение этой идеи в этом месте? Если место сильнее, имею ли я право этим воспользоваться?
Отношение внутреннего и внешнего есть суть уличного искусства.
Временность — сильнейшая сторона уличного искусства. Эта слабость делает его живым, значит равным человеку, близким человеку. Что-то рождается, изменяется и умирает у тебя на глазах. Вы смотрите друг на друга на равных — без хрупкой власти и авторитета, которыми обладают попытки изобразить вечность (настоящим авторитетом обладают древние вещи).
Взаимоотношение своё/общее сложнее и тоньше, чем своё/чужое.
Общее не должно становится чужим, своё может стать общим.
По-большому счету, действительно важных вещей немного, сложность заключается в том, чтобы постоянно помнить о них.Существует несколько языков, способных напоминать об этих идеях, уличное искусство — один из них.
Также с уверенностью можно сказать, что уличное искусство обладает особым звучанием, передать которое словами не представляется возможным.
Как работает уличное искусство
То, что ты делаешь на улице, видят все. Люди, с которыми тебе никогда не удастся поговорить, люди, которым никогда не удастся поговорить с тобой. Даже те, кого ты никогда не встретишь.Но однажды ты встречаешь такого человека и он говорит, что видел. Это удивительное чувство.
Это связь, которая возникает между частями, которые не должны быть связаны. Этой связи не должно быть.
Благодаря этому на улице появляются вещи, которых там обычно нет, появляются чувства, которые не так просто найти. Слова, которые мы забываем произносить.
Почему что-то считается легальным, а что-то нет?Если рассматривать вопрос в плоскости материального, то он прост и легко поддается контролю.
Но нематериальная плоскость гораздо сложнее: где место культуры? Место культуры в человеке
Поэтому работа сделанная там, где нельзя, обладает особой силой. Работа, обладающая силой, должна быть сделана там, где нельзя, там, где нет ничего от культуры. Произойдет детонация — это и есть уличное искусство.
Появится необходимое напряжение — это и есть уличное искусство.
Это напряжение звучит, оно висит в воздухе — оно действует. Патруль полиции, попавший под него, не будет задерживать тебя.Однажды офицер смотрел на только что сделанную работу и убеждал меня, и, в первую очередь, себя, что в этом нет ничего такого. «Я не вижу здесь порчи имущества».
Это напряжение в точности равно напряжению усилий, прилагаемых для создания работы на улице. Оно огромно, и всегда в точности, капля к капле, равно количеству твоих сил. Сил хватит, просто нужно отдать всё.
Как работает уличное искусство?
Для меня первична идея, но она должна врастать в место, как дерево в землю.Есть два основных направления идей:
Идеи, стремящиеся внутрь, можно назвать их «зеркало».
Они касаются внутренней стороны.Идеи, стремящиеся наружу, это, в широком смысле, политические идеи. Они касаются справедливости и того, как мы взвешиваем и принимаем решения.
Того, как внутренняя сторона становится внешней.
Это как две руки, они могут действовать и отдельно, и вместе.
Оба вида идей должны быть воплощены с глубиной и чистотой.
Глубина и чистота — сложные критерии, они применимы не только к конкретной идее, но и ко всему языку, который использует и разрабатывает художник.
Искренность — сильнейший инструмент, требующий особого рода ответственности и правил. Невозможно иногда быть искренним, а иногда не очень, займись тогда другим делом.В искренности есть что-то невозвратное, загоревшись, она уже не может угаснуть, она не уходит по твоей воле.
Если идея родилась — ты не можешь от нее отказываться.Ты не можешь отказываться от своих идей. Ты не можешь отказываться от своих идей.
Как делать уличное искусство
Нужно начать, и ты уже не сможешь остановиться Знать значит делать, делать значит не бояться.
Страх — обязательный элемент работы на улице. Это нормально для психически здорового человека. Людям, которые этот страх не преодолевали, может показаться, что это смелые поступки. Так и есть.
Важна только практика. «Бомби стены — еби систему»
Всё что угодно может быть уличным искусством. Любой жанр. Важнее качество проекта, а не формальная сторона. Все дополнительные вопросы («в чем смысл?») возникают, когда сделано недостаточно.
Когда я представил, что какой-то непонятный чиновник решает, разрешать мне делать, или нет, я чуть с велосипеда не упал. От такой мерзости.
Как проходит согласование проекта?
— Cначала я пытаюсь понять, действительно ли я хочу это сделать. Нужно ли это?- Действительно ли эта история волнует меня, могу ли я говорить об этом? Честно ли это? Может это не мое дело?- Оправдывает ли цель средства, может быть есть более эффективный способ выразить эту идею? — Начинаем работать
Каждый раз всё получается хуже, чем я хотел. Да, потому что надпись размером 50х7м на скользкой крыше, которую вы делали втроем три ночи — это не так просто.
Но надо лучше работать.
Каждый раз наступает момент, когда я думаю — ну всё, не получится, может быть в другой раз. Каждый раз мы продолжаем работу, и всё получается.
Необходимо делать то, что ты никогда раньше не делал. Это касается и техник, и жанров, и идей. И прыжка с парашютом, и случая, когда удобнее промолчать, а сказал.
Говорят, что только в ночь, когда работа сделана, ее можно считать своей. С наступлением рассвета она становится общей
Улица завалена мусором во всех измерениях и смыслах, чтобы твоя вещь была видна, она должна быть большой. Подсказка — большая внутри комнаты вещь становится маленькой на улице. Большой стране — большие идеи.
Главная возможность закрытого пространства — тщательность. Я хочу делать уличные вещи такими. Противоположная стратегия — бомбинг. Я хочу делать уличные вещи такими.
Надпись на стене — лучший прием. Сказано — сделано. В то же время это такая интимная вещь — переживание человека становится не просто высказанным и зафиксированным, оно становится общим для всех.
Я люблю надписи на стенах. Первое, что я написал на стене, было для любимой.
Юмор — сложный и эффективный инструмент, наравне с иронией он требует аккуратности.
Провокация — самый сложный жанр. Если она сделана хорошо — люди обсуждают смысл поступка, а не наглость художника.
Кожура грейпфрута неплохо отмывает эмаль с кожи.
Пожарная лестница может отвалиться, когда вы по ней ползете.
Универсальные ключи для домофона — проход в любой подъезд.
Кран, автовышка или самосвал стоят как пара ботинок.
Всем говорите, что вы снимаете кино. Когда снимают кино, это сразу видно, и вам не будут мешать.
Необходимо брать в два раза больше материалов, чем нужно, тогда как раз хватит. Четыре сверла, две дрели, два паспорта.
Необходим план Б на случай, если клей не клеит, лестница не достает, итд. Планы В, Г, Д также необходимы
Необходимо делать самому. Всем нравятся готовые проекты, но как только начинается сотрудничество — появляются лишние вопросы, скука, проблемы.
Читай надписи Кирилла Кто.
Бди!
О современном искусстве (Образование в Гетти)
Примечание. Слова, выделенные ниже жирным шрифтом, определены в глоссарии для этой учебной программы (см. ссылки «Для класса»).
Строго говоря, термин « современное искусство» относится к искусству, созданному и произведенному художниками, живущими сегодня. Современные художники работают и реагируют на глобальную среду, культурно разнообразную, технологически продвинутую и многогранную. Работая в широком диапазоне средств , современные художники часто размышляют и комментируют современное общество.При взаимодействии с современным искусством зрителям предлагается отбросить такие вопросы, как «Хорошо ли произведение искусства?» или «Является ли работа эстетически приятной?» Вместо этого зрители думают, является ли искусство «сложным» или «интересным». Современные художники могут подвергать сомнению традиционные представления о том, как определяется искусство, что представляет собой искусство и как создается искусство, создавая диалог со стилями и движениями, существовавшими до них, а в некоторых случаях и отвергая их.
С начала 20 века некоторые художники отошли от реалистического изображения и изображения человеческой фигуры и все больше уходят в сторону абстракции.В Нью-Йорке после Второй мировой войны мир искусства придумал термин «абстрактный экспрессионизм», чтобы охарактеризовать направление в искусстве, которое не было ни полностью абстрактным, ни экспрессионистским. Тем не менее, движение призвало художников уделять больше внимания процессу создания искусства, а не конечному продукту. Такие артисты, как Джексон Поллок, довели искусство до хореографических высот, капая краской величественными, но спонтанными жестами. Как заметил один критик, полотно было ареной действия: «то, что происходило на полотне, было не картиной, а событием.«Это представление об искусстве как о событии возникло из движения под названием абстрактный экспрессионизм , которое сильно повлияло на последующие художественные движения и продолжает вдохновлять художников, живущих сегодня. мейнстримного искусства и охватывают понятие «художественный плюрализм», принятие различных художественных замыслов и стилей.
Независимо от того, находятся ли они под влиянием перформанса , поп-арта, минимализма, концептуального искусства или видео, современные художники опираются на них. бесконечное разнообразие материалов, источников и стилей для создания искусства.По этой причине сложно кратко обобщить и точно отразить сложность концепций и материалов, используемых современными художниками. В этом обзоре рассказывается о некоторых современных художниках, чьи работы выставлены в музее Гетти, и о концепциях, которые они исследуют в своих работах.
| Образец (по Дюреру) , Джон Балдессари, 2000 г.Музей Пола Гетти, Лос-Анджелес | ||
Современные художники, как и многие художники, которые им предшествовали, могут признавать и черпать вдохновение в произведениях искусства предыдущих периодов времени как в предмете, так и в формальных элементах.
Иногда это вдохновение принимает форму присвоения . Художник Джон Бальдессари «позаимствовал» изображение жука-оленя 1505 года у немецкого художника Альбрехта Дюрера и сделал его своим. Используя современные материалы (струйная печать на панели из стекловолокна), Бальдессари сопоставил оригинальное изображение со скульптурой в виде гигантской стальной булавки.Вставляя стальной штифт в холст, Baldessari комбинирует материалы очень современным способом.
В 1960-х художники начали обращаться к видео, чтобы дать новое определение изобразительному искусству. С помощью видеоарта многие художники бросили вызов предвзятым представлениям об искусстве как о дорогостоящем, высокоинтеллектуальном и понятном только элитным членам общества. Видеоарт — это не обязательно вид искусства, которым люди хотели бы владеть, а скорее опыт. Продолжая тенденцию переосмысления прежних идей и идеалов об искусстве, некоторые современные видеохудожники стремятся покончить с понятием искусства как товара.
Художники, обращающиеся к видео, использовали художественную форму как инструмент для изменений, средство для идей. Некоторое видеоискусство открыто признает силу телевидения и Интернета, тем самым открывая двери в мир искусства массам.
Такие художники стремятся возвысить процесс создания искусства и выйти за рамки представления о том, что искусство следует ценить только как эстетически приятный продукт. Видеоарт иллюстрирует это, поскольку зритель наблюдает за произведением в процессе его создания; они наблюдают, как разворачивается процесс.Видеоинсталляции сочетают видео со звуком, музыкой и/или другими интерактивными компонентами. В фильме Николь Коэн «, пожалуйста, садитесь, » зрителей просят быть активными участниками. Используя инновационные видеотехнологии, участники могут сидеть на точных копиях французских стульев 18-го века и смотреть телеэкраны, в которых они виртуально вставлены в исторические воссоздания французских пространств 18-го века. В то время как традиционные произведения искусства находятся в галереях с табличками «Не трогать», Коэн приглашает вас физически принять участие.
Таким образом, зритель становится частью произведения искусства.
Роберт Ирвин — еще один художник, стремившийся привлечь внимание зрителя, что можно увидеть в его саду в Центре Гетти. В Центральном саду, который Ирвин игриво назвал «скульптурой в форме сада, стремящегося стать искусством», зрители могут увидеть лабиринт из растений, камней и воды. Здесь посетители полностью погружаются в ощущение пребывания внутри произведения искусства. Обоняние, осязание и звук сопоставляются с цветами и текстурами сада.Вся листва и материалы сада были выбраны так, чтобы подчеркнуть игру света, цвета и отражения. Заявление Ирвина «Всегда меняется, никогда не повторяется дважды» высечено на полу площади, напоминая посетителям о постоянно меняющейся природе этого живого произведения искусства. Таким образом, Ирвин опровергает представление о том, что произведение искусства должно быть нарисовано на холсте. Скорее природа может быть искусством.
Создавая сад, специально разработанный для Центра Гетти, Ирвин занимается специфическими для сайта произведениями искусства.
Многие современные художники, создающие работы для конкретных мест, перемещают искусство из музеев и галерей в сообщества, чтобы решать социально значимые проблемы и / или повышать общественное сознание. В случае с садом Ирвина и That Profile Мартина Пурье (также выставленным в Центре Гетти) музеи заказывают произведения искусства для улучшения и включения окружающей среды. Профиль , расположенный на площади у подножия лестницы, ведущей в музей, имитирует сетчатые узоры самого здания Центра Гетти.При весе 7500 фунтов That Profile огромен. Однако изящные и изогнутые линии работы имеют «легкое и воздушное» качество, которое выгодно подчеркивает окружающие горы и виды на океан, видимые с площади Гетти.
Вопросы типа «Что такое искусство?» и «Какова функция искусства?» являются относительно новыми. Создание искусства, которое бросает вызов зрительским ожиданиям и художественным условностям, — это отчетливо современная концепция. Однако художники всех эпох являются продуктами своих родственных культур и периодов времени.
Современные художники имеют возможность выражать себя и реагировать на социальные проблемы так, как не могли художники прошлого. Знакомясь с современным искусством в Центре Гетти, зрители используют другие критерии для оценки произведений искусства, чем те, которые использовались в прошлом. Вместо того, чтобы спрашивать: «Мне нравится, как это выглядит?» зрители могут спросить: «Нравится ли мне идея, представленная этим художником?» Непредвзятость имеет большое значение для понимания и даже оценки искусства нашей эпохи.
%PDF-1.4 % 462 0 объект > эндообъект внешняя ссылка 462 95 0000000016 00000 н 0000004499 00000 н 0000004584 00000 н 0000004818 00000 н 0000005172 00000 н 0000005274 00000 н 0000005374 00000 н 0000005573 00000 н 0000005785 00000 н 0000005956 00000 н 0000006115 00000 н 0000006278 00000 н 0000006440 00000 н 0000006608 00000 н 0000006781 00000 н 0000006950 00000 н 0000007125 00000 н 0000007298 00000 н 0000007473 00000 н 0000007641 00000 н 0000007819 00000 н 0000007988 00000 н 0000008165 00000 н 0000008332 00000 н 0000008501 00000 н 0000008676 00000 н 0000008843 00000 н 0000010930 00000 н 0000011105 00000 н 0000011324 00000 н 0000013304 00000 н 0000015229 00000 н 0000017118 00000 н 0000019116 00000 н 0000021150 00000 н 0000021312 00000 н 0000021569 00000 н 0000021930 00000 н 0000022156 00000 н 0000022559 00000 н 0000023004 00000 н 0000024943 00000 н 0000027219 00000 н 0000030473 00000 н 0000033560 00000 н 0000035335 00000 н 0000037651 00000 н 0000050927 00000 н 0000056455 00000 н 0000062447 00000 н 0000062642 00000 н 0000068352 00000 н 0000068541 00000 н 0000071129 00000 н 0000071320 00000 н 0000071775 00000 н 0000072002 00000 н 0000072290 00000 н 0000072344 00000 н 0000072999 00000 н 0000073217 00000 н 0000073505 00000 н 0000073559 00000 н 0000074030 00000 н 0000074267 00000 н 0000074556 00000 н 0000074610 00000 н 0000075129 00000 н 0000075330 00000 н 0000075619 00000 н 0000075673 00000 н 0000076097 00000 н 0000076322 00000 н 0000076611 00000 н 0000076665 00000 н 0000077333 00000 н 0000077528 00000 н 0000077817 00000 н 0000077871 00000 н 0000078462 00000 н 0000078668 00000 н 0000078958 00000 н 0000079012 00000 н 0000081380 00000 н 0000081601 00000 н 0000083814 00000 н 0000084011 00000 н 0000086726 00000 н 0000086920 00000 н 00000
00000 н 00000
u`!(MA#r۠JU$@
&Fhh]в������Ls9].Как искусство и культура могут помочь нам переосмыслить время
В конечном счете, мы считаем, что преодоление краткосрочности потребует переосмысления некоторых более глубоких нарративов, которые оживляют наше общество, коллективных убеждений, определяющих направление нашего движения, — от нарративов о нашем месте в естественном порядке вещей к тем, которые определяют наши экономические парадигмы. Истории, в которых мы живем, оправдывают статус-кво, заставляют институты чувствовать себя неизбежными, узаконивают определенные виды решений и заставляют наш мир чувствовать себя предопределенным.Эти культурные нарративы часто лежат в основе структур, которые стимулируют краткосрочный подход, будь то на индивидуальном, политическом, корпоративном или финансовом уровне. Примеры такого рода нарративной сменной работы см. в недавней работе о бедности Фонда Джозефа Раунтри, об океанах Фонда Калуста Гюльбенкяна и в The Pop Culture Collaborative, в основе которой лежит убеждение, что «активисты, художники и филантропы могут побудить массовую аудиторию считаться с прошлым и переписать историю будущего нашей нации.
”
Основа культуры. Это почва, на которой растут наши цивилизации. Если мы хотим обеспечить людям долгое и процветающее будущее на этой планете, нам нужно работать на уровне культуры, а также политики, науки, технологий, финансов и инфраструктуры. Если мы сможем работать с искусством и культурой, чтобы растянуть наши временные рамки, чтобы мы заботились о долгосрочном будущем, то, надеюсь, у нас, как у вида, будет будущее в долгосрочной перспективе.
—
Элла Солтмарш и Беатрис Пемброк являются основателями долгосрочного проекта , , который пропагандирует искусство и культуру как способ помочь людям мыслить и действовать более долгосрочно.Это новая междисциплинарная инициатива, включающая творческую и культурную индустрии, гуманитарные науки, науку, СМИ и бизнес. Twitter: @longtimeProject
Присоединяйтесь к более чем миллионам будущих поклонников, понравив нас на 0 Facebook 3 , или следуйте нами на Twitter или Instagram .
Если вам понравилась эта история, подпишитесь на еженедельную рассылку BBC.com предлагает информационный бюллетень под названием «Основной список». Подборка историй из BBC Future, Culture, Capital и Travel, доставляемая на ваш почтовый ящик каждую пятницу.
7 различных видов искусства: простое руководство
Определение искусства разнообразно и охватывает множество уникальных форм самовыражения. Однако в целом существует семь форм искусства, подпадающих под общее собирательное определение «искусства».
Определение искусства
Искусство в любой форме является выражением или применением человеческого творчества, навыков и воображения.Многие виды искусства переживаются визуально, но также могут быть услышаны или восприняты через сенсорное прикосновение. Искусство традиционно ценилось в первую очередь за его красоту или эмоциональную силу, но теперь оно часто используется для политического самовыражения или социального комментария.
Большую часть искусства можно разделить на семь различных форм искусства, которые мы рассмотрим в этой статье. Признание и понимание каждой из отдельных категорий искусства не только позволяет нам больше наслаждаться искусством, но также жизненно важно помочь нам понять роль искусства в нашей жизни и истории.
Что такое 7 различных форм искусства?
Конкретные средства и формы художественного выражения менялись на протяжении всей истории человечества, но по большей части искусство относится к одной из следующих семи классических форм. Каждый вид искусства воспринимается по-разному и влияет на наши эмоции и чувства.
- Окраска
- Скульптура
- Литература
- Архитектура
- Кинотеатр
- Музыка
- Театр
Мы узнаем, что охватывает каждый вид искусства, его историю и то, как он обогащает нашу повседневную жизнь.
1. Окраска
Живопись — это то, к чему приходит большинство людей, когда мы думаем об искусстве.
Рисование является наиболее часто преподаваемым художественным средством в детском образовании. Многие из самых известных современных художников работают в этой среде, в том числе Алек Монополи, Дэвид Краков, Йоэль Бенхарруш, Анджело Аккарди и Кальман Шеми.
Живопись — это форма выражения вашего художественного видения с использованием краски в качестве основного средства. Художник, который работал преимущественно в этой среде, известен как живописец и развивает свою работу, нанося разноцветные краски на твердую поверхность, обычно на холст, для создания произведения искусства.Краски, как правило, масляные, акриловые или акварельные, но вы также можете рисовать пигментами, красителями и чернилами или включать другие материалы.
Краска может применяться во многих формах; на него можно наносить кистью, мазать, прикасаться или брызгать. Живопись является одним из древних видов искусства, а наскальные рисунки относятся к доисторическим временам.
Картины классифицируются по тематике, стилю и жанру.
Сюжеты живописи обычно относятся к натюрмортам, пейзажам, морским пейзажам, портретам или абстракциям.Существует множество стилей живописи, в том числе модернистский, экспрессионистский, классический, сюрреалистический, кубистский, китайский стиль, абстрактный, импрессионистский и многие другие.
2. Скульптура
Скульптура — еще одна древняя форма изобразительного искусства, восходящая к доисторическим временам. Скульптура создает трехмерные визуальные образы, традиционно используя такие материалы, как глина, камень, керамика, металлы или дерево.
Известные классические скульпторы, такие как Микеланджело и Мирон, отдавали предпочтение технике резьбы и литья с использованием мрамора и бронзы.Многие из самых известных скульптур в мире, такие как «Давид», «Статуя Свободы» и «Писающий мальчик», используют эти материалы.
Однако современные скульпторы имеют в своем распоряжении почти любой объект для создания скульптуры, включая металлы, пластмассы, стекло или найденные предметы.
Современные скульпторы также имеют в своем распоряжении более широкий спектр техник, включая сварку, резьбу, сборку или моделирование.
Современные скульпторы, такие как Дорит Левинштейн, часто комбинируют скульптуру с другими материалами, такими как акриловые и масляные краски.Новый художник галереи Eden, Галь Йосеф (Гали), ваяет в цифровом виде с помощью программ для 3D, прежде чем его видение воплотится в физическом произведении искусства.
В 1917 году «Фонтан» Марселя Дюшана изменил общественное представление о том, что такое искусство и скульптура, когда он представил скульптуру, состоящую из готового фарфорового писсуара. С тех пор определение того, что попадает в категорию скульптуры, продолжает расширяться.
Во многих культурах скульптура была первой и древнейшей формой публичного искусства.Часто слишком большие для частных домов, скульптуры заказывались королями или религиозными и политическими лидерами и выставлялись в общественных местах — обычно как выражение богатства, власти, религии или политики.
Многие классические города древнего мира, такие как Афины, Иерусалим, Стамбул и Рим, являются домом для впечатляющих коллекций общественной скульптуры.
3. Литература
Литература — это форма искусства, которая делится историями. Это художественная форма языка, и ее можно читать или говорить.Краткий Оксфордский словарь определяет литературу как «сочинения, ценность которых заключается в красоте формы или эмоциональном эффекте».
Литература охватывает все письменные языки и включает в себя широкий спектр письменных произведений, включая поэзию, эссе, пьесы, биографии, художественную литературу, научно-популярную литературу, сатиру и многое другое.
Писатели создают искусство с литературой посредством организации слов, которые доставляют удовольствие, и хотя чтение доставляет удовольствие, эти слова часто являются критикой общества. Многие из самых известных авторов использовали язык и письменное слово для критики или предложения точки зрения на общество, включая Джорджа Оруэлла, Шарлотту Бронте и Чарльза Диккенса.
Хотя литература является самостоятельным видом искусства и является одной из семи различных форм искусства, она также тесно связана с театром, поэзией, кино, музыкой и устным словом.
4. Архитектура
Архитектура — это форма искусства, которую вы проходите каждый день, не осознавая или полностью не оценивая ее как форму искусства. Архитектура — это искусство структур, и мы могли бы разумно датировать архитектуру тем временем, когда человек впервые создал убежище. Однако более распространенное восприятие архитектуры как формы искусства связано лишь с горсткой зданий, которые особенно красивы или внушают благоговейный трепет.
Древние подвиги архитектурного дизайна включают такие достопримечательности, как Великие пирамиды, римский Колизей, Тадж-Махал, собор Святой Софии или Стоунхендж. Современные архитектурные чудеса включают Эйфелеву башню, храм Святого Семейства, Сиднейский оперный театр, Лувр, Бурдж-Халифа и музей Гуггенхайма.
Архитектура служит функциональной цели, но является ранним и последовательным отражением желания человека строить значимые структуры на протяжении всей истории.
Архитектура — это и служебная необходимость, и форма искусства, и, как скульптура, она общедоступна.
Многие из самых известных архитектурных произведений мира можно легко увидеть в крупных городах мира. Однако известные современные архитекторы, такие как Фрэнк Ллайод Райт и Фрэнк Гери, также занимались проектами частных домов. На вашей собственной улице вполне может быть немного искусства.
5. Кинотеатр
Кино — новейшая из семи форм искусства. Созданное чуть более века назад, кино, возможно, не имеет такой длины истории, как другие виды искусства в этом списке, но оно быстро стало одним из самых популярных.
Фильмы — это проекция трехмерного мира на двухмерный экран, форма искусства, которая задействует наши слуховые и визуальные чувства. Как и литература, фильмы рассказывают историю, но делают это как с помощью устной речи, изобразительного искусства и так далее.
Кинотеатр быстро превратился в крупную индустрию, которую мы знаем сегодня.
В киноиндустрии работают мастера по спецэффектам, анимации, гриму, костюмам, написанию сценариев, сценографии, музыке, актерскому мастерству, режиссуре и многому другому. Многие из этих художников-профессионалов подпадают под другие семь широких категорий искусства, перечисленных в этой статье.Существует широкий спектр творческого видения и мастерства, которые входят в каждую кинематографическую постановку.
Хотя для производства кинематографического искусства требуется много квалифицированных мастеров, мастером-художником часто считается режиссер. Такие режиссеры, как Стэнли Кубрик, Альфред Хичкок, Джордж Лукас, Акира Куросава, считаются одними из самых известных за все время.
Хотя кино часто не воспринимается как высокое искусство, как некоторые классические формы, оно, несомненно, является одной из самых доступных и популярных категорий искусства современности.
6. Музыка
Музыка — это искусство аранжировки слышимых звуков и вибраций для создания музыкальной композиции с использованием элементов мелодии, гармонии, ритма и тембра.
Музыка может использовать человеческий голос, инструменты или и то, и другое.
Музыка — это вид искусства, который является универсальным в культурном отношении и присутствует во всех человеческих обществах по всему миру. Музыка также тесно связана с религией и является стандартной частью многих религиозных обрядов. Когда звуки, издаваемые голосовыми связками и различными инструментами, объединяются, они могут выражать красоту эмоций.
Музыку датировать сложнее, чем изобразительное искусство, но считается, что звуки голоса играли важную роль в раннем общении человечества до развития речи. Есть свидетельства того, что наши древние предки изготавливали музыкальные инструменты из дерева, костей, камней и других природных материалов.
В настоящее время современные музыканты имеют в своем распоряжении множество музыкальных инструментов, чтобы создавать музыку вместе со своим голосом. Музыка определяется жанром, слишком много жанров и стилей, чтобы их можно было назвать.
Популярные западные музыкальные жанры включают в себя все: от классики до госпела, рока, поп-музыки, хип-хопа, рэпа, электроники, блюза, кантри, регги, инди, трэпа, реггетона, фолка, металла, панка, соула, фанка, техно и многих других. .
7. Театр
Театр — это форма искусства, в которой художник сочетает визуальное искусство и драматическое исполнение. Со временем определение театра расширилось, включив перформанс. Обычно он включает в себя различные формы искусства, когда художник или художники представляют или исполняют свое искусство на сцене.
Театр был частью культуры еще со времен древних греков в 6 веке до н.э. С тех пор театр стал одним из самых популярных источников развлечения. Более широкие исполнительские искусства включают театр и танец, музыку, оперу, цирковое искусство, мюзиклы, магию или иллюзию, пантомиму, устное слово, кукольный театр и исполнительское искусство. Традиционные греческие классификации театра: драма, трагедия и комедия до сих пор применимы ко многим современным постановкам.
Театр часто включает семь других различных форм искусства в свой общий пакет, а музыку, сценографию и литературу часто используют как элементы театральной постановки.Другие формы декоративно-прикладного искусства, такие как изготовление костюмов, также вносят свой вклад в общее впечатление. Театральные представления также устраивались в некоторых из самых впечатляющих архитектурных сооружений в истории, таких как Помпеи и другие известные древнегреческие и римские амфитеатры.
В создании театральных постановок участвовало много разных художников. Среди известных артистов театра драматурги, такие как Уильям Шекспир, композиторы, такие как Эндрю Ллойд Уэббер, а также режиссеры и драматурги, такие как Ли Страсберг, Лоуренс Оливье и Джули Эндрюс.
На вопрос о самом популярном виде искусства очень сложно дать только один ответ. Ответ очень субъективен и постоянно меняется. Однако семь видов искусства наиболее ясно показывают нам, как история и общество менялись с течением времени, — это, несомненно, кино, живопись, архитектура, скульптура, литература, театр и музыка.
Что такое арт-терапия? | Чем занимается арт-терапевт?
Что находится на этой странице:
– Определения
– Кто может использовать арт-терапию?
– Чем занимается арт-терапевт?
– Зачем использовать арт-терапию?
– Нужно ли быть талантливым?
– Почему искусство – прекрасная форма терапии
Определение
Определение: Арт-терапия — это форма экспрессивной терапии, которая использует творческий процесс создания искусства для улучшения физического, умственного и эмоционального благополучия человека. Перейти к: Чем занимается арт-терапевт?
Творческий процесс, связанный с художественным самовыражением, может помочь людям решать проблемы, а также развивать и управлять своим поведением и чувствами, снижать стресс и повышать самооценку и самосознание.
Вам не нужно быть талантливым или художником, чтобы получить преимущества, и есть профессионалы, которые могут работать с вами, чтобы погрузиться в основные сообщения, передаваемые через ваше искусство, что поможет в процессе исцеления.
Арт-терапия может достигать разных результатов у разных людей. Он может использоваться терапевтами для консультирования, исцеления, лечения, реабилитации, психотерапии и, в широком смысле этого слова, может использоваться для массажа своего внутреннего «я» таким образом, чтобы дать человеку более глубокое понимание себя. или сама.
Дополнительные определения арт-терапии
Арт-терапия, иногда называемая творческой арт-терапией или экспрессивной арт-терапией, побуждает людей выражать и понимать эмоции посредством художественного самовыражения и творческого процесса. Из бесплатного словаря
Арт-терапия — это форма экспрессивной терапии, в которой используются художественные материалы, такие как краски, мел и маркеры. Арт-терапия сочетает традиционные психотерапевтические теории и техники с пониманием психологических аспектов творческого процесса, особенно аффективных свойств различных художественных материалов. Из Википедии
Арт-терапия включает в себя создание искусства для повышения осознания себя и других.
Это, в свою очередь, может способствовать личностному развитию, повышению навыков преодоления трудностей и улучшению когнитивных функций. Он основан на теориях личности, развитии человека, психологии, семейных системах и художественном образовании. Арт-терапевты обучаются как искусству, так и психологической терапии. Из Новой Медицины
И определение профессии из AATA:
Арт-терапия — это терапевтическое использование искусства в рамках профессиональных отношений людьми, которые переживают болезни, травмы или проблемы в жизни, а также людьми, которые стремятся к личному развитию.Создавая искусство и размышляя о художественных продуктах и процессах, люди могут лучше осознавать себя и других, справляться с симптомами, стрессом и травматическим опытом; повысить когнитивные способности; и наслаждайтесь жизнеутверждающими удовольствиями творчества.
Арт-терапевты — это профессионалы, обученные как искусству, так и терапии. Они хорошо осведомлены о развитии человека, психологических теориях, клинической практике, духовных, мультикультурных и художественных традициях, а также об исцеляющем потенциале искусства.
Они используют искусство в лечении, оценке и исследованиях, а также предоставляют консультации смежным специалистам. Арт-терапевты работают с людьми всех возрастов: с отдельными людьми, парами, семьями, группами и сообществами. Они предоставляют услуги индивидуально и в составе клинических бригад в учреждениях, включающих психиатрические, реабилитационные, медицинские и судебно-медицинские учреждения; программы работы с населением; оздоровительные центры; школы; дома престарелых; корпоративные структуры; открытые студии и независимые практики.
Кто может использовать арт-терапию?
По большей части, арт-терапией может пользоваться каждый.В мире, где существует множество способов общения и самовыражения, терапия выразительными искусствами — еще один способ. Одно из основных различий между арт-терапией и другими формами общения заключается в том, что большинство других форм общения предполагают использование слов или языка в качестве средства общения. Часто люди не в состоянии выразить себя в этом ограниченном диапазоне.
Одной из прелестей искусства как терапии является способность человека выражать свои чувства через любую форму искусства.Хотя существуют и другие виды экспрессивной терапии (например, исполнительское искусство), экспрессивная арт-терапия, как обсуждается здесь, обычно использует более традиционные формы искусства, такие как живопись, рисунок, фотография, скульптура или множество других видов изобразительного искусства. .
Чем занимается арт-терапевт?
Арт-терапевты обучаются как терапии, так и искусству, а также изучили и освоили как психологию, так и развитие человека, получив степень магистра. Существуют различные требования для того, чтобы стать арт-терапевтом, а также сертификаты, что означает, что они являются мастерами, когда дело доходит до использования искусства в качестве трамплина для всего: от общей оценки состояния другого человека до лечения тяжелой болезни.Арт-терапевты могут работать с людьми любого возраста, пола, вероисповедания и др. Они могут помочь человеку, паре, семье или группе людей, и, в зависимости от ситуации, может быть несколько терапевтов, работающих вместе как клиническая команда.
Арт-терапевты обучены улавливать невербальные символы и метафоры, которые часто выражаются через искусство и творческий процесс, понятия, которые обычно трудно выразить словами. Именно благодаря этому процессу человек действительно начинает видеть эффекты арт-терапии и открытия, которые можно сделать.
Зачем мне арт-терапия?
Как и большинство других видов терапии, искусство как терапия обычно используется для лечения чего-либо — обычно как способ улучшить эмоциональное состояние или психическое благополучие. Тем не менее, терапия экспрессивными искусствами не должна использоваться только в качестве лечения. Его можно использовать для снятия стресса или напряжения или как способ самопознания. Многие люди могут использовать какой-то творческий выход.
Нужно ли быть талантливым?
Абсолютно нет.И вам не нужно «бояться» выражать себя через искусство. Хотя поначалу это может показаться другим и неестественным, обычно это происходит потому, что человек не привык общаться с помощью искусства.
Творческий процесс может быть одним из самых полезных аспектов. Вместе с арт-терапевтом вы должны постепенно, если не сразу, освоиться с этой новообретенной формой самовыражения. Ведь целью не обязательно является создание художественного шедевра.
Искусство: прекрасная форма терапии
Экспрессивная арт-терапия — это использование творческих искусств в качестве формы терапии, и это фантастическая область, которая доказала, что творит чудеса в жизни многих людей.Это может помочь кому-то выразить себя, исследовать свои эмоции, справиться с зависимостями и повысить самооценку. Однако это действительно помогает детям с нарушениями развития; Арт-терапия — это круто, потому что она может помочь каждому!
Вы когда-нибудь замечали, как музыка или занятия, например рисование, расслабляют вас после долгого дня? Это потому, что это очень терапевтично. Если вы обратитесь к профессиональному арт-терапевту, он может помочь вам интерпретировать чувства, которые вливаются в ваш дизайн, и даже помочь разобраться и решить проблемы.
Исследования также доказали, что раскрашивание даже во взрослом возрасте приносит огромную пользу. К сожалению, во взрослом мире раскрашивание, рисование, рисование и музицирование очень табуированы. Оторвитесь от этих социальных ожиданий и посмотрите, как освобождает ваше творчество.
Музыка, искусство и танец являются основными выражениями этой разновидности терапии. Музыкальная терапия может представлять собой сочетание игры на музыкальных инструментах, прослушивания музыки и пения. Танцевальная терапия использует танец и движение. Это имеет смысл, потому что это так эффективно — много эндорфинов выбрасывается в ваше тело, когда вы встряхиваете его! Арт-терапия может быть смесью рисования, раскрашивания, живописи, лепки и почти всего остального, что вы можете придумать, что является художественным.Это все то, чем люди любят заниматься в качестве хобби, так почему бы не использовать это, чтобы стать лучше и проявить к себе немного любви?
Арт-терапия помогает не только улучшить эмоциональное состояние человека, но и многое другое.
Это может помочь при общем заболевании. Искусство — это сказочный способ избежать неприятного чувства. Арт-терапия может помочь тем, у кого диагностирован рак. Борьба с раком требует как физических, так и эмоциональных потерь, и это даже борьба с признанием диагноза. Искусство и танец являются мощным выражением этих эмоций и могут помочь избавиться от стресса, гнева и печали.Кто-то, нуждающийся в терапии, чтобы получить некоторое облегчение после бедствия, также был бы отличным кандидатом на художественную терапию.
Существует так много применений и преимуществ терапии выразительными искусствами, которые могут помочь радикально улучшить жизнь людей по множеству причин. Даже если вам не нужна серьезная помощь, это может стать отличным способом снять стресс после долгой рабочей недели. Арт-терапия — это развивающаяся область, которая получает все более широкое признание, так что это также возможность карьерного роста! Будьте смелыми, творческими и выразительными — попробуйте арт-терапию!
Определение цензуры
Определение цензурыОпределение цензуры
- ОПРЕДЕЛЕНИЯ ЦЕНЗУРЫ
«Наблюдение и контроль над информацией и идеями, которые распространяются среди людей в обществе.
В наше время под цензурой понимается проверка книг, периодических изданий, пьес, фильмов, теле- и радиопрограмм, новостных сообщений и других средств коммуникации с целью изменения или исключения частей, которые считаются нежелательными или оскорбительными». & Энциклопедия Нового Света Wagnalls
- Чего не хватает в этом определении? Цензура кем?
- Включена ли в это определение цензура со стороны частных групп и отдельных лиц? Они «наблюдают и контролируют»?
«Официальный запрет или ограничение любых выражений, которые, как считается, угрожают политическому, социальному или моральному порядку.Оно может быть навязано государственной властью, местной или национальной, религиозным органом, а иногда и могущественной частной группой».
— Колумбийская энциклопедия, шестое издание. 2001.
- Будет ли родительский контроль над детьми считаться цензурой?
- Будет ли экономический бойкот считаться цензурой?
- Включает ли это сокрытие информации?
«Термин цензура, однако, в обычном понимании означает любую проверку мысли или выражения с целью предотвратить публикацию «нежелательных» материалов.
»
— Верховный суд США, Farmers Educational & Coop. Юнион против WDAY, Inc., 360 США 525, 527 (1959)
- Включает ли цензура наказание за мысль или выражение постфактум?
«В самом широком смысле [цензура] относится к подавлению информации, идей или художественного выражения кем-либо, будь то правительственные чиновники, церковные власти, частные группы давления или сами ораторы, писатели и художники.. . . В более узком, более юридическом смысле цензура означает лишь предотвращение официальными действиями правительства распространения уже произведенных сообщений. Таким образом, писатели, которые подвергают себя цензуре перед тем, как положить слово на бумагу, из-за боязни не продать свою работу, не участвуют в цензуре в этом более узком смысле, равно как и те, кто бойкотирует спонсоров нелюбимых телешоу. Тем не менее, все эти ограничения имеют эффект ограничения разнообразия, которое в противном случае было бы доступно на рынке идей, и поэтому могут рассматриваться как цензура в самом широком смысле.
»
— Academic American Encyclopedia
- Ограничена ли цензура нарушениями Первой поправки правительством?
«Циклическое подавление, запрещение, удаление или редактирование отдельным лицом, учреждением, группой или правительством, которое навязывает или влияет на его решение в отношении представителей общественности любых письменных или изобразительных материалов, которые это лицо, учреждение, группа или правительство считает непристойными и « совершенно без возмещения социальной ценности», определяемой «современными общественными стандартами».'»
— профессор Чак Стоун, UNC-Чапел-Хилл - ФОРМЫ ЦЕНЗУРЫ
- Превентивный (исполняется до того, как выражение будет обнародовано)
- Предварительное ограничение правительством
- Лицензирование
- Самоцензура
- Карательный (применяется после обнародования выражения)
- Цензура против табу
- Табу становится цензурой, когда оно применяется к сторонним членам, которые не придерживаются этого убеждения.
«В первобытных обществах цензура обычно представляет собой действие табу, традиционных запретов на определенные действия и взгляды; и эти табу так прочно запечатлеваются в умах молодежи старейшинами племени, что становятся почти частью природы всех членов.
группы, без особой необходимости принуждать к соблюдению этих заповедей.»
— Энциклопедия Кольера«Цензура — это сознательная политика; она может применяться без согласия большей части общества. Табу глубоко проникает в схему чувств тех, кто его придерживается. Табу особенно эффективно при самоконтроле; групповым действием по отношению к тем, кто его не принимает, такое действие, как правило, спонтанно и непродуманно».
— Энциклопедия социальных наук
- Превентивный (исполняется до того, как выражение будет обнародовано)
- ЧТО ЗАЦЕНЗИРОВАНО?
- Речь
- Искусство
- Книги
- Периодические издания (издаются с установленной периодичностью)
- Фильмы
- Пьесы
- Фотография
- Телевизионные программы
- Радиопрограммы
- Интернет (веб-сайты и электронная почта)
- Новости
- КТО ЦЕНСОРИТ?
- Правительство
- Церковь
- Частные группы давления
- Ораторы, писатели и художники (самоцензура)
- Любой
- Типы правительств/обществ, которые чаще всего подвергают цензуре
Общества, наиболее уверенные в своих принципах и лояльности своих членов, допускают наибольшую свободу от цензуры.
«В обществах, ценности которых не были полностью приняты их народом или чье лидерство опирается на шаткие основы, пала самая тяжелая рука цензуры. Относительное преобладание цензуры — одна из черт, которая больше всего отличает авторитарные общества от демократических».
— Американская академическая энциклопедия
- ПОЧЕМУ ОНИ ДЕЛАЮТ ЦЕНЗУРУ?
- САМОЦЕНЗУРА: форма превентивной цензуры
Почему? Избегать:- Проблема
- Споры
- Оскорбление публики
- Экономические бойкоты
- Судебные процессы (напр.ж., клевета, правонарушения, связанные со вторжением в частную жизнь и т. д.)
- Официальная цензура (самоустанавливаемые рейтинги, чтобы избежать государственных рейтингов)
- ЦЕНЗУРА ДРУГИХ:
- «Тот факт, что эта цензура может иметь похвальную скрытую цель, не может означать, что цензура не является цензурой».
— Верховный суд США, город Эри против Папа А. М., 529 U.S. 277, 322 (2000)
- «Цензура исходит из предположения, что мысли, чувства, мнения, убеждения и фантазии людей должны быть предметом морального суждения и, в конечном счете, социальных и государственных действий.»
— Гарри Уайт, «Анатомия цензуры: почему цензоры ошибаются», с. XVII
- Цензура является необходимой обязанностью властей по защите нравственного и общественного порядка.
— Энциклопедия социальных наук
- «Нежелательный материал может считаться аморальным или непристойным, еретическим или богохульным, подстрекательством к мятежу или предательству или наносящим ущерб национальной безопасности. Таким образом, смысл цензуры заключается в том, что она необходима для защиты трех основных социальных институтов: семья, церковь и государство.»
— Энциклопедия Нового Света
- Защищать «моральный порядок, от которого зависит безопасность и благополучие каждого гражданина… и от которого зависит само его сохранение в обществе в целом».
— Уайт, с. xv
- Коренной мотивацией цензуры является опасение, что «выражение, если его не сократить, нанесет вред отдельным лицам в своей аудитории или обществу в целом».
— Американская академическая энциклопедия
- Три аргумента в пользу цензуры:
- Идеи ложны или опасны по меркам властей;
- Ум тех, кто подвергся бы цензуре идей, не способен видеть ложь и был бы введен в заблуждение; и
- Идеи, ведущие к антиобщественному поведению, могут подвергаться цензуре.
— Международная энциклопедия социальных наук
- «Тот факт, что эта цензура может иметь похвальную скрытую цель, не может означать, что цензура не является цензурой».
- САМОЦЕНЗУРА: форма превентивной цензуры
- ЧТО ДЕЙСТВИТЕЛЬНО ПЫТАЕТСЯ ЗАЩИТИТЬ ЦЕНЗОР?
- Цензоры говорят о «ДОБРОДЕТЕЛЬСТВЕ» — на самом деле это означает «соответствие мнениям, убеждениям и ценностям, которых они придерживаются и которые они хотели бы видеть навязанными по всей стране».
— Уайт, с. VII
- Цензура ДЕЙСТВИТЕЛЬНО «служит для защиты доминирующей идеологии, от которой больше всего выигрывают те, кто добился власти, богатства, статуса и контроля в обществе. «Цензоры стремятся защитить господствующую идеологию не потому, что общество рухнет, «а потому, что она служит легитимации их авторитета и различных социальных, политических и экономических механизмов, за которыми они наблюдают».
— Белый, хв
- «Чаще всего действия государства осуществляются не в целях самозащиты, а в форме услуги некоторым влиятельным членам общества, в избавлении общества от определенных идей, которые эти влиятельные члены считают оскорбительными.»
— Международная энциклопедия социальных наук.
- Цензоры говорят о «ДОБРОДЕТЕЛЬСТВЕ» — на самом деле это означает «соответствие мнениям, убеждениям и ценностям, которых они придерживаются и которые они хотели бы видеть навязанными по всей стране».
- ПОЧЕМУ ЦЕНЗОРЫ ОШИБАЮТСЯ?
- Невозможно четко определить, что такое «богохульное, непристойное или подстрекательское выражение. Четкие определения и стандарты редко публикуются до ареста, судебного преследования и осуждения лиц, обвиняемых в незаконном выражении».
— Уайт, с. xiv
- Не может продемонстрировать, что материал «действительно представляет опасность для общества. »
- Цензорам приходится «принудительно подавлять», поскольку они не могут «убедительно продемонстрировать», что материал является ложным или вредным.
- «Цензура возникает тогда и именно потому, что кто-то не может убедительно продемонстрировать другим, что оскорбляющие его или ее мнения действительно действительно ложны или опасны. Если бы они могли, то в конце концов цензура была бы малой или вообще не нужна».
— Уайт, с. xiv
- Невозможно четко определить, что такое «богохульное, непристойное или подстрекательское выражение. Четкие определения и стандарты редко публикуются до ареста, судебного преследования и осуждения лиц, обвиняемых в незаконном выражении».
- КАКОВЫ ПОСЛЕДСТВИЯ ЦЕНЗУРЫ?
- «Дело в том, что цензура всегда наносит ущерб своей цели, ибо она создает, в конце концов, такое общество, которое не способно осуществлять настоящую осмотрительность…. В конечном итоге это породит поколение, неспособное оценить разницу между независимостью мысли и подчинением».
— Генри Стил Коммагер, историк и педагог.
- «Цензура, препятствующая мирной оппозиции правительству в краткосрочной перспективе, создает долгосрочную опасность насильственной оппозиции».
— Американская энциклопедия- «Подавляя реформу, цензура может превратить ее в революцию.»
— Энциклопедия социальных наук
- «Подавляя реформу, цензура может превратить ее в революцию.»
- «Каждая цензура порождает технику уклонения, а также технику управления».
— Энциклопедия социальных наук
- «Печально известен тот факт, что цензура или угроза цензуры могут сделать состояние книги или пьесы, которые иначе не смогли бы привлечь внимание публики».
— Энциклопедия социальных наук
- Реальные проблемы — это не расизм или сексизм, а расовая и половая дискриминация.Акцент на сдерживании расистских и сексистских мыслей отвлекает внимание и ресурсы от более существенных проблем.
— Уайт, с. в
- Привлечение правительства к цензуре и перераспределение регулярно расходуемых на это средств:
- Разгрузить правовую систему (законодательную и судебную ветви) и
- Передислоцируйте агентов правоохранительных органов, чтобы лучше противостоять «реальным опасностям и серьезным преступлениям, с которыми сталкиваются граждане».
— Белый, с.XVII
- «Ибо настоящее зло в мире исходит не от неприятных людей, а от тех, кто настолько убежден в абсолютной правоте своих мнений и верований, что навязывает другим то, что они думают и чувствуют. Это они кто должен отчитываться за свои действия, потому что именно они определенно не правы и от них никогда не исходит ничего хорошего».
— Уайт, с. икс
- «Дело в том, что цензура всегда наносит ущерб своей цели, ибо она создает, в конце концов, такое общество, которое не способно осуществлять настоящую осмотрительность…. В конечном итоге это породит поколение, неспособное оценить разницу между независимостью мысли и подчинением».
В наше время под цензурой понимается проверка книг, периодических изданий, пьес, фильмов, теле- и радиопрограмм, новостных сообщений и других средств коммуникации с целью изменения или исключения частей, которые считаются нежелательными или оскорбительными». & Энциклопедия Нового Света Wagnalls 
» 
» 
группы, без особой необходимости принуждать к соблюдению этих заповедей.» 
«В обществах, ценности которых не были полностью приняты их народом или чье лидерство опирается на шаткие основы, пала самая тяжелая рука цензуры. Относительное преобладание цензуры — одна из черт, которая больше всего отличает авторитарные общества от демократических». 
М., 529 U.S. 277, 322 (2000) 
«Цензоры стремятся защитить господствующую идеологию не потому, что общество рухнет, «а потому, что она служит легитимации их авторитета и различных социальных, политических и экономических механизмов, за которыми они наблюдают».
— Белый, хв 
»
Доброта коллег | Leigh Yawkey Художественный музей Вудсона
В середине ноября я имел удовольствие сопровождать двадцать три члена Художественного музея Вудсона в шестидневном приключении по Южной Каролине и Джорджии.Мы сосредоточились на Чарльстоне и Саванне и прилегающих районах с упором на искусство в самом широком смысле этого слова, включая не только изобразительное искусство, но и историческую архитектуру, садовый дизайн и, самое главное, кулинарное искусство! С моей точки зрения, поездка состояла из одного события за другим (ладно, это преувеличение, но я чувствую, что оно более чем оправдано).
Когда я закрываю глаза и размышляю о пережитом, я очень благодарен за доброту моих коллег, которые нашли время, чтобы поздороваться, поприветствовать и посетить нашу группу.
В Брукгрин-Гарденс, экстраординарном приюте для американской фигуративной скульптуры, расположенном между заливом Марреллс и островом Паули, нас приветствовал президент Боб Джуэлл, а мой друг Робин Сэлмон, вице-президент по скульптуре, провел пешеходную экскурсию по садам и поделился проницательной историей для многих из наиболее важных работ, в том числе «Фонтан муз» Карла Миллеса .
В Чарльстоне директор Художественного музея Гиббса Анджела Мак также приветствовала группу Вудсон перед началом туров под руководством доцента по программе Grass Roots: African Origins of an American Art , в которой рассказывается история прекрасных спиральных корзин, изготавливаемых поколениями семьями в юго-восток США.А в Саванне старший преподаватель Художественного музея Телфэр Гарри ДеЛорм встретил нас в великолепном новом Центре искусств Джепсона Телфэр, где он подробно описал процесс проектирования здания и представил выставки, которые мы увидим, в том числе работы по стеклу Уильяма Морриса, многие из которых были представлены на выставке Woodson весной 2005 года в серии Myth, Object and the Animal .