Что старше труд или искусство: что старше труд или искусство
Главная / Администрация / Охрана труда
Информация о всероссийских конкурсахМинистерство труда, занятости и миграционной политики Самарской области информирует о проведении Минтрудом России Всероссийских рейтингов организаций крупного, среднего и малого бизнеса в области охраны труда, а также Всероссийских конкурсов «Лучший специалист по охране труда», «Лучшие цифровые решения по охране труда»
О новых задачах в новом году
2021 год был связан в первую очередь с кардинальными изменениями в сфере трудового законодательства и охраны труда, в частности.
«Молодые профессионалы»
С 22 по 26 ноября 2021 года пройдет региональный чемпионат «Молодые профессионалы» (Worldskills Russia), в том числе по компетенции «Охрана труда».
Типовая программа «НУЛЕВОЙ ТРАВМАТИЗМ»
РЕКОМЕНДАЦИИ по разработке в организациях Самарской области программы «Нулевой травматизм»
Уважаемые коллеги!
Министерством экономического развития Российской Федерации принят приказ от 25.
Сдай Бумагу
Осенью 2021 года в Самарской области вновь стартует Всероссийский Эко — марафон ПЕРЕРАБОТКА «Сдай макулатуру – спаси дерево», который проводится при поддержке Министерства лесного хозяйства охраны окружающей среды и природопользования Самарской области и краудфандинг проекта «Подари Дерево» www.подари-дерево.рф.
Министерство труда, занятости и миграционной политики Самарской области (далее – министерство) информирует Вас, что в соответствии с приказом Министерства труда и социальной защиты Российской Федерации (далее – Минтруд России) от 06.
07.2021 № 455 «О проведении Всероссийского конкурса на лучшую организацию работ в области условий и охраны труда «Успех и безопасность» (далее – конкурс «Успех и безопасность») начался прием заявок на участие в конкурсе «Успех и безопасность» 2021 года.«Об утверждении Порядка проведения обязательных предварительных и периодических медицинских осмотров работников, предусмотренных частью четвертой статьи 213 Трудового кодекса Российской Федерации, перечня медицинских противопоказаний к осуществлению работ с вредными и (или) опасными производственными факторами, а также работам, при выполнении которых проводятся обязательные предварительные и периодические медицинские осмотры»
1.1 Искусство первобытного общества. | Искуству.ру
Первобытное (или, иначе, примитивное) искусство территориально охватывает все континенты, кроме Антарктиды, а по времени — всю эпоху существования человека, сохранившись у некоторых народностей, живущих в отдалённых уголках планеты, до наших дней.
Больше всего древнейшей живописи найдено в Европе (от Испании до Урала).
Хорошо сохранилась на стенах пещер — входы оказались наглухо заваленными тысячелетия назад, там поддерживалась одна и та же температура и влажность.
Сохранилась не только настенная живопись, но и другие свидетельства деятельности человека — четкие следы босых ног взрослых и детей на сыром полу некоторых пещер.
Причины зарождения творческой деятельности и функции первобытного искусства Потребность человека в красоте и творчестве.
Верования того времени. Человек изображал тех, кого почитал. Люди того времени верили в магию: они считали, что с помощью картин и других изображений можно воздействовать на природу или исход охоты. Считалось, например, что нужно поразить стрелой или копьём нарисованного зверя, чтобы обеспечить успех настоящей охоты.
Периодизация
Сейчас наука меняет свое мнение о возрасте земли и временные рамки меняются, но мы будем изучать по общепринятым названиям периодов.
1. Каменный век
1.1 Древнекаменный век – Палеолит. … до 10 тыс. до н.э.
1.2 Среднекаменный век – Мезолит. 10 – 6 тыс. до н.э.
1.3 Новокаменный век – Неолит. С 6 – по 2 тыс. до н.э.
2. Эпоха бронзы. 2 тыс. до н.э.
3. Эпоха железа. 1 тыс. до н.э.
Палеолит
Орудия труда изготовляли из камня; отсюда и название эпохи — каменный век.1. Древний или нижний палеолит. до 150 тыс. до н.э.
2. Средний палеолит. 150 – 35 тыс. до н.э.
3. Верхний или поздний палеолит. 35 – 10 тыс. до н.э.
3.1 Ориньяк-Солютрейский период. 35 – 20 тыс. до н.э.
3.2. Период Мадлен. 20 – 10 тыс. до н.э. Данное название период получил от наименования пещеры Ла Мадлен, где были найдены росписи, относящиеся к данному времени.
Ученые склоняются к тому, что натуралистическое искусство и изображение схематических знаков и геометрических фигур возникли одновременно.
Макаронные рисунки. Оттиски руки человека и беспорядочные переплетения волнистых линий, продавленных в сырой глине пальцами той же руки.
Первые рисунки времен палеолита (древний каменный век, 35–10 тыс. до н.э.) были обнаружены в конце 19 в. испанским археологом-любителем графом Марселино де Саутуолой в трех километрах от его родового поместья, в пещере Альтамира.
Случилось это так:
«археолог решил обследовать одну пещеру в Испании и взял с собой свою маленькую дочь. Внезапно она закричала: «Быки, быки!» Отец засмеялся, но когда поднял голову, то увидел на потолке пещеры огромные, написанные красками фигуры бизонов. Одни из бизонов были изображены стоящими на месте, другие бросающимися с наклоненными рогами на врага.
Поначалу ученые не поверили, что первобытные люди могли создать подобные произведения искусства. Только 20 лет спустя были обнаружены многочисленные произведения первобытного искусства в других местах и подлинность пещерной живописи была признана».
Живопись Палеолита
Пещера Альтамира. Испания.Поздний Палеолит (эпоха Мадлен 20 – 10 тыс.лет до н.э.).
На своде пещерной камеры Альтамиры изображено целое стадо крупных, близко расположенных друг к другу бизонов.
Панно бизонов. Расположено на потолке пещеры. Замечательные полихромные изображения содержат черный и все оттенки охры, сочные краски, наложенные где-то плотно и однотонно, а где-то с полутонами и переходами от одного цвета к другому. Толстый красочный слой до нескольких см. Всего на своде изображено 23 фигуры, если не принимать во внимание те, от которых сохранились лишь контуры.
Фрагмент. Бизон. Пещера Альтамира. Испания. Поздний палеолит. Освещали пещеры лампами и воспроизводили по памяти. Не примитивизм, а высшая степень стилизации. При открытии пещеры считали, что это имитация охоты – магический смысл изображения. Но на сегодняшний день есть версии, что целью было искусство. Зверь был необходим человеку, но он был страшен и трудноуловим.
Фрагмент. Бык. Альтамира. Испания. Поздний Палеолит.
Красиво коричневые оттенки. Напряженная остановка зверя. Использовали естественный рельеф камня, изображали на выпуклости стены.
Фрагмент. Бизоны. Альтамира. Испания. Поздний Палеолит.
Переход к полихромному искусству, более темная обводка.
Пещера Фон-де-Гом. Франция
Поздний Палеолит.Характерны силуэтные изображения, намеренное искажение, утрирование пропорций. На стенах и сводах небольших залов пещеры Фон-де-Гом нанесено по меньшей мере около 80 рисунков, в основном бизоны, две бесспорные фигуры мамонтов и даже волк.
Пасущийся олень. Фон-де-Гом. Франция. Поздний Палеолит.
Изображение рогов в перспективе. Олени в это время (конец эпохи Мадлен) вытеснили других животных.
Фрагмент. Бизон. Фон-де-Гом. Франция. Поздний Палеолит.
Подчеркнут горб и гребень на голове. Перекрытие одного изображения другим – полипсест.
Детальная проработка. Декоративное решение хвоста. Изображение домиков.
Волк. Фон-де-Гом. Франция. Поздний Палеолит.
Пещера Нио. Франция
Поздний Палеолит.Круглый зал с рисунками. В пещере нет изображений мамонтов и др. животных ледниковой фауны.
Лошадь. Нио. Франция. Поздний Палеолит.
Изображена уже с 4-мя ногами. Силуэт обведен черной краской, внутри заретушировано желтым. Характер лошадки типа пони.
Каменный баран. Нио. Франция. Поздний Палеолит. Частично контурное изображение, сверху прорисована шкура.
Олень. Нио. Франция. Поздний Палеолит.
Бизон. Нио. Нио. Франция. Поздний Палеолит.
Среди изображений больше всего бизонов. Некоторые из них показаны ранеными, стрелами черного и красного цвета.
Бизон. Нио. Франция. Поздний Палеолит.
Пещера Ласко
Случилось так, что именно дети, причём совсем нечаянно, нашли самые интересные пещерные росписи в Европе:«В сентябре 1940 г.
близ местечка Монтиньяк, на Юго-западе Франции, четыре школьника старших классов отправились в задуманную ими археологическую экспедицию. На месте уже давно вырванного с корнем дерева в земле зияла дыра, вызывавшая их любопытство. Ходили слухи, будто это вход в подземелье, ведущее в соседний средневековый замок.Внутри оказалась еще дыра меньших размеров. Один из ребят бросил в нее камень и по шуму падения заключил, что глубина порядочная. Он расширил отверстие, вполз внутрь, чуть не упал, зажег фонарик, ахнул и позвал других. Со стен пещеры, в которой они очутились, смотрели на них какие-то огромные звери, дышащие такой уверенной силой, подчас казалось, готовой перейти в ярость, что им стало жутко. И в то же время сила этих звериных изображений была так величественна и убедительна, что им почудилось, будто они попали в какое-то волшебное царство.»
Пещера Ласко. Франция.
Поздний Палеолит (эпоха Мадлен, 18 – 15 тыс. л.до н.э.).
Называют первобытной Сикстинской капеллой.
Состоит из нескольких больших помещений: ротонда; основная галерея; проход; апсида.
Красочные изображения на известковой белой поверхности пещеры.
Сильно утрированы пропорции: большие шеи и животы.
Контурные и силуэтный рисунки. Четкие изображения без наслоений. Большое количество мужских и женских знаков (прямоугольник и много точек).
Сцена охоты. Ласко. Франция. Поздний Палеолит.
Жанровое изображение. Убитый копьем бык боднул человека с птичьей головой. Рядом на палочке птица – может его душа.
Бизон. Ласко. Франция. Поздний Палеолит.
Лошадь. Ласко. Франция. Поздний Палеолит.
Мамонты и лошади. Капова пещера. Урал.
Поздний Палеолит.
КАПОВА ПЕЩЕРА — на Юж. м Урале, на р. Белая. Образовалась в известняках и доломитах. Коридоры и гроты расположены двумя этажами. Общая длина свыше 2 км. На стенах — позднепалеолитические живописные изображения мамонтов, носорогов
Скульптура палеолита
Искусство малых форм или мобильное искусство (мелкая пластика)Неотъемлемую часть искусства эпохи Палеолита составляют предметы, которые принято называть «мелкая пластика».
Это — три типа объектов:
1. Статуэтки и иные объемные изделия, вырезанные из мягкого камня или из других материалов (рог, бивень мамонта).
2. Уплощенные предметы с гравировками и росписями.
3. Рельефы в пещерах, гротах и под природными навесами.
Рельеф выбивался глубоким контуром или стесывался фон вокруг изображения.
Рельеф
Одной из первых находок, называемых мелкой пластикой, была костяная пластина из грота Шаффо с изображениями двух ланей или оленух:Олени, переплывающие реку. Фрагмент. Резьба по кости. Франция. Поздний палеолит (мадленский период).
Все знают замечательного французского писателя Проспера Мериме, автора увлекательного романа «Хроника царствования Карла IX», «Кармен» и других романтических новелл, но мало кто знает, что он служил инспектором по охране исторических памятников. Именно он и передал в 1833 г. эту пластинку в только организуемый в центре Парижа исторический музей Клюни. Теперь она хранится в Музее национальных древностей (Сен-Жермен ан Ле).
Позднее в гроте Шаффо был обнаружен культурный слой эпохи верхнего палеолита. Но тогда, так же, как это было с живописью пещеры Альтамира, и с другими изобразительными памятниками эпохи палеолита, никто не мог поверить, что это искусство старше древнеегипетского. Поэтому подобные гравировки считались образцами кельтского искусства (V-IV вв. до Р.Х.). Только в конце XIX в., опять же, как и пещерную живопись, их признали древнейшими после того, как они были найдены в палеолитическом культурном слое.
Очень интересны статуэтки женщин. Большинство из этих фигурок небольших размеров: от 4 до 17 см. Делалась из камня или бивней мамонта. Их самым заметным отличительным признаком является преувеличенная «дородность», они изображают женщин с грузными фигурами.
«Венера с кубком». Барельеф. Франция. Верхний (поздний) палеолит.
Богиня ледяного периода. Канон изображения – фигура вписана в ромб, а живот и грудь – в круг.
Скульптура — мобильное искусство.
Практически все, кто изучал палеолитические женские статуэтки, с теми или иными различиями в деталях, объясняют их как культовые предметы, амулеты, идолы и т.п., отражающие идею материнства и плодородия.
«Виллендорфская Венера». Известняк. Виллендорф, Нижняя Австрия. Поздний палеолит.
Компактная композиция, нет черт лица.
«Дама в капюшоне из Брассемпуи». Франция. Поздний палеолит. Кость мамонта.
Проработаны черты лица и прическа.
В Сибири, в Прибайкалье была найдена целая серия своеобразных статуэток совершенно иного стилистического облика. Наряду с такими же, как в Европе, грузными фигурками обнаженных женщин, здесь есть статуэтки стройных, вытянутых пропорций и, в отличие от европейских, они изображены одетыми в глухие, скорее всего меховые одежды, похожие на «комбинезоны».
Это находки на стоянках Буреть на р.Ангаре и Мальта.
Выводы
Наскальная живопись. Особенности живописного искусства палеолита – реалистичность, экспрессия, пластика, ритмика.
Мелкая пластика.
В изображении животных – те же черты, что и в живописи (реалистичность, экспрессия, пластика, ритмика).
Палеолитические женские статуэтки – это культовые предметы, амулеты, идолы и т. п., они отражают идею материнства и плодородия.
Мезолит
(Среднекаменный век) 10 – 6 тыс. до н.э.После таяния ледников исчезла привычная фауна. Природа становится более податливой для человека. Люди становятся кочевниками.
С изменением образа жизни взгляд человека на мир становится более широким. Его интересует не отдельный зверь или случайная находка злаков, но активная деятельность людей, благодаря которой они находят и целые стада зверей, и поля или леса богатые плодами.
Так в мезолите зарождается искусство многофигурной композиции, в которой уже не зверь, а человек играет главенствующую роль.
Перемена в области искусства:
главным героям изображения становится не отдельный зверь, а люди в каком-либо действии.
Задача не в правдоподобном, точном изображении отдельных фигур, а в передаче действия, движения.
Часто изображаются многофигурные охоты, появляются сцены сбора меда, культовые танцы.
Меняется характер изображения – вместо реалистичного и полихромного оно становится схематичным и силуэтным. Используются локальные цвета — красный или черный.
Сборщица меда из улья, окруженная роем пчел. Испания. Мезолит.
Практически везде, где были обнаружены плоскостные или объемные изображения эпохи верхнего палеолита, в художественной деятельности людей последующей эпохи мезолит как будто наступает пауза. Может быть, этот период еще плохо изучен, может быть, изображения, сделанные не в пещерах, а на открытом воздухе, со временем смыло дождями и снегом. Может быть, среди петроглифов, которые очень трудно точно датировать, есть относящиеся к этому времени, но мы пока не умеем их распознавать. Показательно, что и предметы мелкой пластики при раскопках мезолитических поселений встречаются крайне редко.
Из памятников мезолита можно назвать буквально единицы: Каменная Могила на Украине, Кобыстан в Азербайджане, Зараут-Сай в Узбекистане, Шахты в Таджикистане и Бхимпетка в Индии.
Кроме наскальной живописи в эпоху мезолита появляются петроглифы.
Петроглифы – это выбитые, вырезанные или процарапанные наскальные изображения.
При высекании рисунка древние художники сбивали острым орудием верхнюю, более темную часть горной породы, и поэтому изображения заметно выделяются на фоне скалы.
На юге Украины, в степи есть каменистый холм из пород песчаника. В результате сильного выветривания на его склонах образовалось несколько гротов и навесов. В этих гротах и на других плоскостях холма с давних пор известны многочисленные резные и процарапанные изображения. В большинстве случаев они прочитываются с трудом. Иногда же угадываются образы животных — быков, козлов. Эти изображения быков ученые относят к эпохе мезолита.
Каменная могила.
Юг Украины.
Общий вид и петроглифы. Мезолит.
К югу от Баку между юго-восточным склоном Большого Кавказского хребта и берегом Каспия расположена небольшая равнина Гобустан (страна оврагов) с возвышенностями в виде столовых гор, сложенных известняком и другими осадочными породами. На скалах этих гор находится много разновременных петроглифов. Большинство из них было открыто в 1939 г. Наибольший интерес и известность получили крупные (больше 1 м ) изображения женских и мужских фигур, сделанные глубокими резными линиями.
Много изображений животных: быков, хищников и даже пресмыкающихся и насекомых.
Кобыстан (Гобустан). Азербайджан (территория бывш. СССР). Мезолит.
Грот Зараут-Камар
В горах Узбекистана, на высоте около 2000 м над уровнем моря, находится широко известный не только среди специалистов-археологов памятник — грот Зараут-Камар. Расписные изображения были открыты в 1939 г. местным охотником И.Ф.Ламаевым.
Роспись в гроте сделана охрой разных оттенков (от красно-коричневой до лиловатой) и представляет собой четыре группы изображений, в которых участвуют антропоморфные фигуры и быки.
Здесь группа, в которой большинство исследователей видит охоту на быка. Среди антропоморфных фигур, окруживших быка, т.е. «охотников» различаются два типа: фигуры в расширяющихся книзу одеждах, без луков и «хвостатые» фигурыс поднятыми и натянутыми луками. Эту сцену можно трактовать как реальную охоту замаскированных охотников, и как некий миф.
Роспись в гроте Шахты, вероятно, самая древняя в Средней Азии.
«Что означает слово Шахты, — пишет В.А.Ранов, — я не знаю. Возможно, оно происходит от памирского слова «шахт», что значит скала».
В северной части Центральной Индии вдоль речных долин тянутся огромные скалы с множеством пещер, гротов и навесов. В этих естественных укрытиях сохранилось очень много наскальных изображений. Среди них выделяется местонахождение Бхимбетка (Бхимпетка).
Судя по всему эти живописные изображения относятся к мезолиту. Правда, не следует забывать о неравномерности в развитии культур разных регионов. Мезолит Индии может оказаться на 2-3 тысячелетия более древним, чем в Восточной Европе и в Средней Азии.
Сцена охоты. Испания.
Некоторые сцены загонных охот с лучниками в росписях испанского и африканского циклов – как бы воплощение самого движения, доведенного до предела, сконцентрированного в бурном вихре.
Неолит
(Новокаменный век)с 6 по 2 тыс. до н.э.Неолит — новокаменный век, последняя стадия каменного века.
Периодизация. Вступление в неолит приурочивается к переходу культуры от присваивающего (охотники и собиратели) к производящему (земледелие и/или скотоводство) типу хозяйства. Данный переход называют неолитической революцией. Окончание неолита датируется временем появления металлических орудий труда и оружия, то есть началом медного, бронзового или железного века.
Разные культуры вступили в этот период развития в разное время.
На Ближнем Востоке неолит начался около 9,5 тыс. л. до н. э. В Дании неолит датируется 18 в. до н.э., а у коренного населения Новой Зеландии – маори – неолит существовал еще в 18 в. н.э.: до прихода европейцев маори пользовались отполированными каменными топорами. Некоторые народы Америки и Океании до сих пор не вполне перешли из каменного века в железный.
Неолит, как и другие периоды первобытной эпохи, не является определенным хронологическим периодом в истории человечества в целом, а характеризует лишь культурные особенности тех или иных народов.
Достижения и занятия
1. Новые черты общественной жизни людей:
— Переход от матриархата к патриархату.
— В конце эпохи в некоторых местах (Передняя Азия, Египет, Индия) сложилась новая формация классового общества, то есть началось социальное расслоение, переход от родового-общинного строя к классовому обществу.
— В это время начинают строиться города. Одним из самых древних городов считается Иерихон.
— Некоторые города были хорошо укреплены, что говорит о существовании в то время организованных войн.
— Стали появляться армии и профессиональные воины.
— Можно вполне сказать, что с эпохой неолита связано начало формирования древних цивилизаций.
2. Началось разделение труда, формирование технологий:
— Главное – простое собирательство и охота как основные источники пропитания постепенно сменяются земледелием и скотоводством.
Неолит называют «веком отполированного камня». В эту эпоху каменные орудия не просто обкалывались, но уже выпиливались, шлифовались, сверлились, затачивались.
— В число важнейших орудий в неолите входит топор, ранее неизвестный.
развиваются прядение и ткачество.
В оформлении домашней утвари начинают появляться образы животных.
Топор в форме лосиной головы. Полированный камень. Неолит. Исторический музей. Стокгольм.
Деревянный ковш из Горбуновского торфяника близ Нижнего Тагила.
Неолит. ГИМ.
Для неолита лесной зоны рыболовство становится одним из ведущих видов хозяйства. Активное рыболовство способствовало созданию определённых запасов, что в сочетании с охотой на зверя давало возможность жить на одном месте круглый год.
Переход к оседлому образу жизни привёл к появлению керамики.
Появление керамики – один из основных признаков неолитической эпохи.
Селение Чатал-Гуюк (Восточная Турция) является одним из мест, где были найдены самые древние образцы керамики.
Дом в Чатал-Гуюке. Реконструкция.
Керамика Чатал-Гуюка. Неолит.
Главное божество Чатал-Гуюка.
Кубок из Ледце (Чехия). Глина. Культура колоколовидных кубков. Энеолит (медно-каменный век).
Памятники неолитической живописи и петроглифы чрезвычайно многочисленны и рассеяны на огромных территориях.
Скопления их встречаются чуть ли не повсюду в Африке, восточной Испании, на территории бывшего СССР — в Узбекистане, Азербайджане, на Онежском озере, у Белого моря и в Сибири.
Наскальная живопись неолита подобна мезолитической, но сюжет становится более разнообразным.
«Охотники». Наскальная живопись. Неолит (?). Южная Родезия.
На протяжении приблизительно трехсот лет внимание ученых приковывала к себе скала, известная под названием «Томская писаница».
«Писаницами» называют изображения нарисованные минеральной краской или высеченные на гладкой поверхности стены в Сибири.
Еще в 1675 году один из отважных русских путешественников, имя которого, к сожалению, осталось неизвестным, записал:
«Не дошед острогу (Верхнетомский острог) на краи Томи лежит камень велик и высок, а на нем написано звери, и скоты, и птицы, и всякие подобия…»
Настоящий научный интерес к этому памятнику возник уже в XVIII веке, когда по указу Петра I в Сибирь была направлена экспедиция для изучения ее истории и географии. Результатом экспедиции стали опубликованные в Европе шведским капитаном Страленбергом, участвовавшим в поездке, первые изображения томской писаницы.
Эти изображения не были точной копией томской писаницы, а передавали лишь самые общие очертания скал и размещение на ней рисунков, но ценность их состоит в том, что на них можно видеть рисунки, не сохранившиеся до наших дней.
Изображения томской писаницы, выполненные шведским мальчиком К.Шульманом, путешествовавшим вместе со Страленбергом по Сибири.
Для охотников главным источником существования были олени и лоси. Постепенно эти животные стали приобретать мифические черты — лось был «хозяином тайги» наравне с медведем.
Образу лося принадлежит в Томской писанице главная роль:
фигуры повторяются много раз.
Абсолютно верно переданы пропорции и формы тела животного: его длинное массивное туловище, горб на спине, тяжелая большая голова, характерный выступ на лбу, вздутая верхняя губа, выпуклые ноздри, тонкие ноги с раздвоенными копытами.
На некоторых рисунках на шее и туловище лосей показаны поперечные полосы.
Лоси.
Томская писаница. Сибирь. Неолит.
…На границе между Сахарой и Феццаном, на территории Алжира, в горной местности, именуемой Тассили-Аджер, высятся рядами голые скалы. Ныне этот край иссушен ветром пустыни, выжжен солнцем и почти ничего не произрастает в нем. Однако раньше в Сахаре зеленели луга…
Наскальная живопись бушменов. Неолит.
— Острота и точность рисунка, грация и изящество.
— Гармоническое сочетание форм и тонов, красота людей и животных, изображенных с хорошим знанием анатомии.
— Стремительность жестов, движений.
Мелкая пластика неолита обретает, также как и живопись, новые сюжеты.
«Человек, играющий на лютне». Мрамор
(из Кероса, Кикладские острова, Греция).
Неолит. Национальный археологический музей. Афины.
Схематизм, присущий живописи неолита, который сменил палеолитический реализм, проник и в мелкую пластику.
Схематичное изображение женщины.
Пещерный рельеф. Неолит. Круазар. Департамент Марна. Франция.
Рельеф с символическим изображением из Кастеллуччо (Сицилия). Известняк.
Ок. 1800—1400 до н.э. Национальный археологический музей. Сиракузы.
Выводы
Наскальная живопись мезолита и неолитаМежду ними не всегда можно провести точную грань.
Но это искусство очень отлично от типично палеолитического:
— Реалистичность, точно фиксирующая образ зверя как мишень, как заветную цель, сменяется более широким взглядом на мир, изображением многофигурных композиций.
— Появляется стремление к гармоническому обобщению, стилизации и, главное, — к передаче движения, к динамизму.
— В палеолите была монументальность и незыблемость образа. Здесь – живость, вольная фантазия.
— В изображениях человека появляется стремление к изяществу (например, если сравнить палеолитических «Венер» и мезолитическое изображение женщины, собирающей мед, или неолитических бушменских танцовщиц).
Мелкая пластика:
— Появляются новые сюжеты.
— Большее мастерство исполнения и владение ремеслом, материалом.
Достижения
Палеолит— Нижний Палеолит
> > приручение огня, каменные орудия
— Средний Палеолит
> > выход из Африки
— Верхний Палеолит
> > праща
Мезолит
— микролиты, лук, каноэ
Неолит
— Ранний неолит
> > сельское хозяйство, скотоводство
— Поздний неолит
> > керамика
Энеолит (Медный век)
— металлургия, лошадь, колесо
Бро́нзовый век
Бро́нзовый век характеризуется ведущей ролью изделий из бронзы, что было связано с улучшением обработки таких металлов как медь и олово, получаемых из рудных месторождений, и последующим получением из них бронзы.Бронзовый век сменил медный век и предшествовал железному веку. В целом, хронологические рамки бронзового века: 35/33 — 13/11 вв.
до н. э., но у различных культур они отличаются.Искусство становится более разнообразным, распространяется географически.
Бронзу было гораздо легче обрабатывать, нежели камень, её можно было отливать в формы и шлифовать. Поэтому в бронзовом веке изготовляли всякого рода предметы обихода, богато украшенные орнаментом и обладающие высокой художественной ценностью. Орнаментальные украшения состояли большей частью из кругов, спиралей, волнистых линий и тому подобных мотивов. Особое внимание уделяли украшениям — они были крупного размера и сразу бросались в глаза.
Мегалитическая архитектура
В 3 — 2 тыс. до н.э. появились своеобразные, огромного размера сооружения из каменных глыб. Эта древнейшая архитектура получила название мегалитической.Термин «мегалит» произошел от греческих слов «мегас» – «большой»; и «литос» – «камень».
Своим появлением мегалитическая архитектура обязана первобытным верованиям.
Мегалитическую архитектуру принято разделять на несколько типов:
1.
Менгир – одиночный вертикально стоящий камень, высотой более двух метров.
На полуострове Бретань во Франции на целые километры растянулись поля т.н. менгиров. На языке кельтов, позднейщих обитателей полуострова, название этих каменных столбов высотою в несколько метров означает «длинный камень».
2. Трилит — сооружение, состоящее из двух вертикально поставленных камней и перекрытых третьим.
3. Дольмен — сооружение, стены которого составлены из огромных каменных плит и перекрыты крышей из такого же монолитного каменного блока.
Первоначально дольмены служили для погребений.
Трилит можно назвать простейшим дольменом.
Многочисленные менгиры, трилиты и дольмены располагались в местах, которые почитались священными.
4. Кромлех – это группа менгиров и трилитов.
Каменная могила. Юг Украины. Антропоморфные менгиры. Бронзовый век.
Трилит. Бретань. Франция. Бронзовый век.
Дольмен.
г. Пшада. Юг России. Неолит.
Стоунхендж. Кромлех. Англия. Эпоха бронзы. 3 – 2 тыс. до н.э.
Его диаметр – 90 м, состоит из каменных глыб, каждая из которых весит ок. 25 т.Любопытно, что горы, откуда доставили эти камни, находятся в 280 км от Стоунхенджа.
Состоит из трилитов, расположенных по кругу, внутри подкова из трилитов, в середине – голубые камни, а в самом центре – пяточный камень (в день летнего солнцестояния светило оказывается точно над ним). Предполагается, что Стоунхэндж являлся храмом посвященным солнцу.
Эпоха железа (Железный век)
1 тыс. до н.э.В степях Восточной Европы и Азии скотоводческие племена создали в конце бронзового и начале железного века так называемый звериный стиль.
Бляшка «Олень». 6 век до н.э. Золото. Эрмитаж. 35,1х22,5 см. Из кургана в Прикубанье. Рельефная пластина была найдена прикрепленной на круглом железном щите в погребении вождя. Образец зооморфного искусства («звериного стиля»).
Копыта оленя выполнены в виде «большеклювой птицы».
Нет ничего случайного,лишнего – законченная, продуманная композиция. Все в фигуре условно и предельно правдиво, реалистично.
Ощущение монументальности достигается не размером, а благодаря обобщенности формы.
Пантера. Бляха, украшение щита. Из кургана близ станицы Келермесской. Золото. Эрмитаж.
Эпоха железа.
Служила украшением щиту. Хвост и лапы украшены фигурами свернувшихся хищников.
Навершие с птицами. Бронза. Эрмитаж.
Эпоха железа
Поясная бляха. Орел, терзающий тигра. Золото.
Эпоха железа. Равновесие между реализмом и стилизацией нарушается в пользу стилизации.
Культурные связи с Древней Грецией, странами древнего Востока и Китаем способствовали появлению новых сюжетов, образов и изобразительных средств в художественной культуре племён южной Евразии.
Ножны. Фрагмент. Кон. 5 – нач. 4 в.
до н.э. Золото, чеканка. Эрмитаж.
Изображены сцены битвы между варварами и греками. Найдены в кургане Чертомлык, близ Никополя.
Гребень. кон. 5 — нач. 4 вв. до н.э. Золото. Выс. 12,3. Курган Солоха.
Запорожская обл. Эрмитаж.
Выводы
Скифское искусство – «звериный стиль». Поразительная острота и напряженность изображений. Обобщенность, монументальность. Стилизация и реализм.1.Первобытное искусство Во-первых, «труд — старше искусства» и,…
1.Первобытное искусство
Во-первых, «труд — старше искусства» и, во-вторых, искусство обязано своим возникновением труду.
Жизненная необходимость образного познания и была причиной возникновения искусства.
Искусство первобытно-общинного строя несет на себе печать мужественности, простоты и силы. В своих рамках оно реалистично и полно искренности.
Менгиры — вертикально стоящие одиночные камни — были не столько архитектурными сооружениями, сколько далекими предшественниками позднейших памятников монументальной скульптуры.
2.Искусство Древней Греции
Древнегреческая вазопись.
…после того, как глина приобрела необходимую консистенцию, её тщательно вымешивали ногами и разделяли на куски.
Мегарон — самый простой тип храма в антах, на переднем фасаде имеет закрытый ордер в один ряд колонн; греческий дом прямоугольного плана с очагом посредине.
Малые скульптуры разделяли на несколько стилей:
— стиль «тулово» — массивные статуэтки, камень, терракота, расписаны в геометрическом стиле
— стиль «вытянутых конечностей» — металл, большая привязанность к реальным пропорциям.
Курос — тип статуи юноши-атлета, обычно обнажённого, характерный образец древнегреческой пластики периода архаики
Кора — это изображение женщины (всегда молодой), в статичной позе, одетой в традиционную греческую одежду, с архаической улыбкой на устах
3.Мировоззрение средневековья
Схи́зма (др.-греч. — «расщепление, раскол, распря») — раскол в религиозной организации, церкви.
Ана́фема (греч.
) — изначально — жертва богам по данному обету, посвящение божеству; позже — отделение (кого-либо от общины), изгнание, проклятие.
В 1185 году в Йоркшире (Англия) была построена первая ветряная мельница
В 1270 году в Италии появились бумажные производства
В XIII веке в Европу пришло (вероятно из Индии) прядильное колесо
В конце XII века с появлением компаса значительно упростилась навигация
В 1280-х годах в Италии были изобретены очки
Из мусульманской Испании в Европу вернулась астролябия (инструмент для определения положения звёзд)
В 1202 году через книгу Liber Abaci итальянского математика Фибоначчи европейцы узнали арабские цифры
Около 1300 г. период роста и процветания Европы закончился целой серией бедствий, таких как Великий голод 1315—1317 гг., который случился из-за необыкновенно холодных и дождливых лет, погубивший урожай. За голодом и болезнями последовала Чёрная смерть, эпидемия чумы, которая уничтожила более половины европейского населения.
Разрушение социального строя привело к массовым волнениям, именно в это время бушевали известные крестьянские войны в Англии и Франции, такие как Жакерия.
Несмотря на кризис, уже в XIV в. в Западной Европе начался период прогресса наук и искусств.
Данте, фреска Доменико ди Микелино, 1465 г
Позднее Средневековье называют также эпохой Возрождения.
4. Классификация иконописи
5.Символика цвета и куполов
6.Периодизация Средневековья (Уже есть!)
7.Виды средневекового театра
Гистрио́н (от лат. histrio — актёр, трагик), вагант — странствующий актер Средневековья. Был одновременно поэтом, рассказчиком, певцом, лицедеем, музыкантом-инструменталистом, танцовщиком, дрессировщиком зверей, циркачом. В Германии это шпильман (от нем. spilman — играющий человек), во Франции — жонглёр, в Англии — менестрель, в Италии и Испании — голиард, гальярд.
Джованни Бокаччо — знаменитый итальянский писатель и поэт, представитель литературы эпохи раннего Возрождения.
С. Боттичелли. Иллюстрация к новелле о Настаджо дельи Онести. 1487
8.Дороманский период (не интересно!)
9.Романский период
Портал — орнаментированный вход в церковь или значительное здание, главным образом, готической и романской архитектуры.
Донжон (фр. donjon) — главная башня в европейских феодальных замках.
Бази́лика (греч. — царский дом)— тип строения прямоугольной формы, которое состоит из нечётного числа (3 или 5) различных по высоте нефов.
Неф (франц. – корабль) – вытянутое помещение, часть интерьера (обычно в зданиях типа базилики), ограниченное с одной или с обеих продольных сторон рядом колонн или столбов, отделяющих его от соседних нефов
10.Готика (от тут доx*я всего)
Готический стиль в основном проявился в архитектуре храмов, соборов, церквей, монастырей. Развивался на основе романской, точнее говоря — бургундской архитектуры. В отличие от романского стиля с его круглыми арками, массивными стенами и маленькими окнами, для готики характерны арки с заострённым верхом, узкие и высокие башни и колонны, богато украшенный фасад с резными деталями (вимперги, тимпаны, архивольты) и многоцветные витражные стрельчатые окна.
Все элементы стиля подчёркивают вертикаль.
Бургу́ндия — историческая область и регион на востоке Франции. С севера регион граничит с Лотарингией, а на юге с Савойей.
Церковь монастыря Сен-Дени́, созданная по проекту аббата Сугерия, считается первым готическим архитектурным сооружением.
Готический собор в Кутансе, Франция
Взаимоотношение скульптуры и архитектуры в готике иное, чем в романском искусстве. В формальном отношении готическая скульптура гораздо более самостоятельная. Она не подчинена в такой степени плоскости стены и тем более обрамлению, как это было в романский период.
Скульптуры в соборе святых Мауритиуса и Катарины в Магдебурге (Германия)
11.Краткая характеристика Возрождения
Возрожде́ние, или Ренесса́нс — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV—XVI века.
Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм.
Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин.
Антропоцентризм (от греч- человек и лат. — центр) — философское учение, согласно которому человек есть центр Вселенной и цель всех совершающихся в мире событий.
12. Раннее Возрождение (Джотто, Ботичелли, Донателло)
13. ВЫСОКОЕ ВОЗРОЖДЕНИЕ (саааамый ауительный период в истории искусств)
Леонардо да Винчи
«Тайная Вечерия» (стена длиной в 11 метров в трапезной монастыря Мария Делла Грация)
Микеланджело
«Страшный суд», Сикстинская капелла
Рафаэль
«Афинская школа»
14. Маньеризм
Для фигур художников-маньеристов характерно вытянутые изломанные фигуры, очень яркие краски, картины очень декоративны, господствует резкий контур рисунка, в портретах наблюдается приоритет внешности над внутренним содержанием.
-Фиорентино
-Бронзино
-Понтормо
-Пармиджанино
15-17. Венецианская художественная школа.
Для венецианской художественной школы характерно чувственное восприятние мира, восхищение его яркими красками,отличается большей эмоциональностью,энергией (чем флорентийская) и скрытой музыкальностью.
Музыкальность прослеживается в объединении домов,скульптуры и живописных полотен. “Музыка стиха”.
Признаки музыкальности- гармония, стройность, симметричность, детализация,точность,ясность.
-Тициан
-Веронезе
-Тинторетто
18. Северное Возрождение
19.Брейгель и Ян Ван Эйк
Питер Брейгель «Страна лентяев»
Питер Брейгель «Вавилонская башня» (Вена)
20. Дюрер
21. Босх. (это 16 век!!!!!!!!)
Иероним Босх
Сад земных наслаждений, 1500—1510
22. Общая характ. 17 века
23 Баррочный Рим, Бернини
24 Классицизм
25 Виласкес, Вандейк , Вермер Дэлфский
26 Каррачи и Караваджо
27 Эль Греко
28 Рубенс
29 Рембрант
30 Пуссен
31 Общ. характ. худ. культуры 18 века
32 Рококо
33 английское искусство 18 века, Хогард
34 Романтизм 19 в
35 французское искусство конца 18 — начала 19 веков, Жан Луи Давид
36 Испанское искусство 19 века, Гойя
37 Жереко
38 Делакруа
39 Общая характ.
реализма.
40 Курба и Милле, Донье
41 Импрессионизм
42 Мане,Моне
43 Писсаро, Ренуар, Дега
44 Нео-импрессионизм
45 Пост-импрессионизм — Сезанн, Гоген, Ван-Гог
46 Характ. 20в
47 Модернистские течения первой половины 20в — модернизм
48 фовизм
49 экспрессионизм
50 Мадильяни
51 Кубизм — Брак, Пикассо
52 Абстракционизм
53 Сюреализм — Дали
54 Поп-арт
55 Примитивизм, минимализм, символизм
56 граффити, кинематическое искусство, китч, Лэндарт
57 перфоманс, психоделическое ис., футуризм, бодиарт
Департамент по труду и социальной защите населения Костромской области: Вифлеемская звезда
Программные требования по номинации «Изобразительное искусство» областного открытого фестиваля-конкурса «Вифлеемская звезда»
Заявка на участие в областном открытом фестивале-конкурсе «Вифлеемская звезда» в номинации «Изобразительное искусство»
Согласие на обработку персональных данных
О проведении регионального этапа областного открытого фестиваля-конкурса «Вифлеемская звезда»
в номинации «Изобразительное искусство» в 2021 году
Региональный этап открытого фестиваля-конкурса «Вифлеемская звезда» в номинации «Изобразительное искусство» проведен в городе Костроме 3 декабря 2021 года на базе ГКУ «Костромской областной Центр социальной помощи семье и детям».
Для участия в региональном этапе в текущем году поступило 247 заявок из 26 муниципальных образований Костромской области. Согласно протоколу подведения итогов регионального этапа фестиваля-конкурса:
1 место получили 15 работ;
2 место – 13 работ;
3 место – 14 работ.
Приложение:
1. протокол подведения итогов регионального этапа областного открытого фестиваля – конкурса «Вифлеемская звезда» в номинации «Изобразительное искусство»
О проведении регионального этапа областного открытого фестиваля-конкурса «Вифлеемская звезда»
в номинации «Изобразительное искусство» в 2019-2020 г.г.
Региональный этап открытого фестиваля-конкурса «Вифлеемская звезда» в номинации «Изобразительное искусство» проведен в городе Костроме 29 ноября 2019 года на базе ГКУ «Костромской областной Центр социальной помощи семье и детям». Для участия в региональном этапе в текущем году поступило 272 заявки из 29 муниципальных образований Костромской области.
Согласно протоколу подведения итогов регионального этапа фестиваля-конкурса:
1 место получили 18 участников;
2 место – 19 участников;
3 место – 17 участников
В январе 2020 года в культурно-выставочном центре «Губернский» на итоговом кала-концерт открытого фестиваля-конкурса «Вифлеемская звезда», будут награждены участники, занявшие 1 места по номинациям, а также будет открыта выставка 101 лучшей творческой работы, в том числе 54 работ, занявших 1, 2 и 3 места из 19 муниципальных районов области: Антроповского, Кадыйского, Кологривского, Костромского, Красносельского, Межевского, Макарьевского, Нейского, Нерехтского, Пыщугского, Солигаличского, Судиславского, Чухломского, Шарьинского районов, а также из городских округов г. Буй, г. Волгореченск, г. Галич, г. Кострома, г. Шарья.
Приложение:
1. протокол подведения итогов регионального этапа областного открытого фестиваля – конкурса «Вифлеемская звезда» в номинации «Изобразительное искусство»
О проведении регионального этапа областного открытого фестиваля-конкурса «Вифлеемская звезда»
в номинации «Изобразительное искусство» в 2018-2019 г.
г.
В 2018 году на региональный этап конкурса в текущем году было представлено 239 творческих работ. Наибольшее количество работ представлено Антроповским и Парфеньевским муниципальными районами, а также городскими округами г. Кострома, г. Волгореченск, г. Галич и г. Шарья.
Приложение:
1. протокол подведения итогов регионального этапа областного открытого фестиваля – конкурса «Вифлеемская звезда» в номинации «Изобразительное искусство»;
Размещено 21.12.2021, 11:24
Новые профессиональные перспективы для каждого с проектом «Содействие занятости»
В начале декабря в Петербурге прошел городской форум «Труд и занятость», одним из ключевых событий которого стало обсуждение реализации национального проекта «Содействие занятости» в Петербурге в уходящем году.
Круглый стол «Непрерывное образование и реализация Национального проекта «Демография», программа «Содействие занятости» в Санкт‑Петербурге» собрал специалистов профильных отделов Центра занятости населения, руководителей образовательных учреждений, участвующих в программе, а также представителей федеральных операторов, на базе которых проходит обучение. В этом году их три: Ворлдскиллс Россия, Российская академия народного хозяйства и государственной службы при Президенте Российской Федерации, Томский государственный университет.
Темы, которые поднимались на встрече, имеют высокую значимость не только как социальные адаптационные механизмы для тех групп населения, которые могут столкнуться со сложностями при трудоустройстве: например, молодые мамы или соискатели старше 50 лет, но и как инструменты, способные снизить дефицит кадров, ставший одной из серьезных проблем сегодняшнего рынка труда Петербурга. Важность и востребованность проекта, а также интерес к нему горожан отметили все участники конференции.
В рамках проекта «Демография» жители Петербурга обучаются с 2019 года, но этот год был первым, когда город вступил в проект «Содействие занятости», что повлекло некоторые изменения технологии работы и целевого показателя, — в 2021 году для Санкт‑Петербурга он составил 4905 человек. Заявки на участие подали 15752 человека. 6100 человек были направлены на обучение по разным программам, из которых более половины завершили курс, а 1111 горожан уже трудоустроились.
Самыми востребованными компетенциями у жителей Петербурга оказались бухгалтерский учет, офисные программы, управление государственными и муниципальными закупками, деловой английский язык, транспортная и складская логистика, направления связанные со сферой IT, в частности интернет-маркетинг, диджитал преподавание и другие. Также популярностью пользовались ремесленные навыки: керамика, флористика, парикмахерское искусство.
В целом, реализация проекта «Содействие занятости» заслужила высокую оценку жителей Петербурга, которые приняли в нем участие, однако в процессе работы были выявлены некоторые недочеты, которые предстоит исправить.
«Основные темы обращений в Комитет участников проекта менялись в течение года. Главным вопросом последнего времени было трудоустройство после обучения. Здесь помогала Служба занятости населения – оказывали услуги по содействию в трудоустройстве всем, кто обращался. Еще были обращения по дополнению перечня образовательных программ. Мы их старались оперативно решить при взаимодействии с операторами. Некоторые граждане столкнулись с трудностями, подавая заявление на портале Работа в России. Справиться с этой проблемой помогали специалисты Центра занятости. Кроме того, люди отмечали долгое время ожидания ответов со стороны операторов и запуска групп, а также сложность перехода от одного оператора к другому. Все это мы постараемся учесть в следующем 2022 году», — сообщила Людмила Колдунова, начальник отдела развития человеческого капитала Комитета по труду и занятости населения Санкт‑Петербурга.
Архангельская область приняла участие во Всероссийском дне самбо
На ковре — жарко и эмоционально.
Ещё бы, на Всероссийский день самбо съехались лучшие спортсмены области. Более 80-ти ребят из Архангельска, Северодвинска, Котласа, Мирного, Вельска и Устьянского района. По словам участников, конкуренция на высоком уровне.
Кирилл Рожков, участник соревнований, г. Архангельск:
— Тренер — в восторге. То, что я вышел, не сдался. Победил в двух, третью проиграл. Ощущения очень отличные. Хорошие соревнования были. Соперники тоже были хорошими, нормальными.
Самбо — это самооборона без оружия. Боевое искусство обладает арсеналом самых различных приёмов защиты и атаки. Можно сказать, что это благородная борьба, в которой на первом месте — защита, а не нападение. В соревнованиях приняли участие и начинающие самбисты.
Дмитрий Вольский, главный судья соревнований:
— Здесь есть ребята, которые борются уже очень хорошо, очень умело. Но и, в то же время, есть ребята, которые видно, что они делают только первые шаги в самбо. Что им предстоит? Долгая спортивная жизнь и упорный труд.
Ребят поздравили первые лица Архангельской области и Северодвинска.
Ирина Сахарова, заместитель главы по социальным вопросам администрации Северодвинска:
— Город Северодвинск благодаря той спортивной инфраструктуре, которая в нём существует, может принимать мероприятия муниципального, городского и даже всероссийского уровня и это все благодаря совместным усилиям правительства Архангельской области, муниципалитетов и наших градообразующих предприятий.
Летом этого года самбо официально признали Олимпийским видом спорта.
Сергей Пивков, заместитель губернатора Архангельской области:
— Международный Олимпийский комитет признал самбо олимпийским видом спорта. И это открывает для вас еще большие перспективы. Мы с коллегами поздравляем вас с этим замечательным событием, с сегодняшним праздником и желаем как можно больше ярких и красивых побед, в том числе, и на Олимпийском ковре.
По итогу соревнований, больше всего золотых медалей у города Котласа.
в Поморье назвали имена победителей WorldSkills Russia «Навыки мудрых» · Новости Архангельска и Архангельской области. Сетевое издание DVINANEWS
Поморье стало одним из пилотных регионов, организовавших первые чемпионаты профессионального мастерства по стандартам WorldSkills Russia для людей старше 50 лет.
Среди задач состязаний – демонстрация профессионального долголетия и конкурентоспособности специалистов в возрастной категории 50+, интереса, а главное способности людей старшего возраста к обучению и переквалификации.
Мастера своего дела
Торжественная церемония награждения состоялась в зале заседаний регионального правительства.
Победителями первого чемпионата «Навыки мудрых» стали:
- в компетенции «Поварское дело» – Татьяна Хошева, Онежский район;
- в компетенции «Сантехника и отопление» – Александр Изотов, г. Архангельск;
- в компетенции «Парикмахерское искусство» – Светлана Малеева, г. Архангельск.
Дипломами за второе место отмечены:
- в компетенции «Поварское дело» – Татьяна Волжинская, г.
Новодвинск; - в компетенции «Сантехника и отопление» – Игорь Пирогов, г. Северодвинск;
- в компетенции «Парикмахерское искусство» – Людмила Перевозникова, г. Архангельск.
Новодвинск;Обладателями дипломов за третье место стали:
- в компетенции «Поварское дело» – Светлана Архипова, Виноградовский район;
- в компетенции «Сантехника и отопление» – Вячеслав Корнеев, г. Архангельск;
- в компетенции «Парикмахерское искусство» – Людмила Титова, г. Архангельск.
Дипломы и медали победителям и призерам вручил губернатор Архангельской области Игорь Орлов.
– «Навыки мудрых» – это демонстрация нашей молодежи, что нет предела совершенству в любом возрасте и в любой сфере деятельности. Сегодня жизнь требует постоянного совершенствования профессиональных знаний, использования новых технологий, оборудования, решений, – подчеркнул Игорь Орлов. – Профессиональное развитие не зависит от возраста. Благодаря участию в проекте «Навыки мудрых» вы создаете условия для профессионального долголетия специалистов старшего возраста и демонстрируете достойный пример нашей молодежи.
Возраст – новым знаниям не помеха
Напомним, что первый чемпионат профессионального мастерства по компетенции WorldSkills Russia для северян старше 50 лет «Навыки мудрых» прошел в Архангельске с 26 по 28 февраля по трем компетенциям: «Поварское дело», «Сантехника и отопление» и «Парикмахерского искусство». Участниками первого чемпионата стали 15 человек из Архангельска, Северодвинска, Новодвинска, Онежского, Мезенского, Виноградовского и Устьянского районов. Все они доказали, что возраст – не помеха новым знаниям и профессиональной самореализации.
Татьяна Хошева из Онежского района работает преподавателем поварского дела в Онежском индустриальном техникуме. Несмотря на большой опыт, Татьяна готовилась к состязаниям ответственно, тренируясь даже дома. Работать пришлось на современном поварском оборудовании, которое было установлено в Архангельском торгово-экономического колледже в рамках недавно прошедшего III Регионального чемпионата «Молодые профессионалы» по стандартам WorldSkills Russia для студентов ссузов и вузов.
Как призналась Татьяна, многое было в новинку, но участие в чемпионате помогло ей повысить свои профессиональные компетенции.
– Такой конкурс нужен для профессионального роста. Надо пробовать новые современные технологии, искать вкусовые ощущения, надо расти, общаться с коллегами, искать в интернете то, что сейчас на гребне волны. И всё это для того, чтобы радовать людей, – уверена Татьяна Хошева.
Наставники молодых
Дипломами и подарками от одной из крупных торговых сетей были отмечены и остальные участники чемпионата «Навыки мудрых».
Заместитель министра образования и науки Архангельской области Юлия Ковалева предложила всем участникам чемпионата стать наставниками для студентов ссузов и делиться с ними профессиональным опытом.
Участников поздравили министр агропромышленного комплекса и торговли Архангельской области Ирина Бажанова и заместитель министра труда, занятости и социального развития региона Михаил Кузьменко. Он подчеркнул, что в соответствии с майским Указом Президента РФ людям серебряного возраста уделено большое внимание в рамках национального проекта «Демография» и федерального проекта «Старшее поколение», в том числе повышению их компетенций и уровня квалификации.
Пресс-служба Губернатора и Правительства Архангельской области
Искусство и труд в девятнадцатом веке
Глоссарий:
- Буржуазия : средние и верхние слои среднего класса. В контексте марксизма и капитализма буржуазия ассоциируется с социальным классом, который контролирует средства производства и большую часть богатства. С появлением среднего класса в девятнадцатом веке буржуазия стала арбитром культурного вкуса и художественного производства. Термин «буржуазия» чаще всего используется в отношении зарождающегося среднего и высшего среднего классов, особенно во Франции.
- Пролетариат : рабочие или рабочее население. В контексте марксизма и капитализма пролетариат обычно ассоциируется с промышленными наемными работниками, единственным реальным активом которых являются их время и способность работать.
Рекомендуемые изображения:
Сельские рабочие
- Гюстав Курбе, Камнеломы , 1849
- Жан-Франсуа Милле, Сеятель , 1850
- Адольф Менцель, Металлопрокатный стан, или Современный Циклоп , 1876
- Жан-Франсуа Милле, Сборщики урожая , 1857
- Жан-Франсуа Милле, Ангелус , 1859
- Жюль Бретон, Возвращение собирателей , 1859
- Жюль Бретон, Песня жаворонка , 1884
- Жюль Бастьен-Лепаж, Косальщики , 1878
- Винсент Ван Гог, Едоки картофеля , 1885
- Поль Синьяк, Во времена гармонии , 1894
- Камиль Писсарро, Сбор яблок в Эраньи , 1888
Городской труд
- Ричард Редгрейв, Бедный учитель , 1845
- Форд Мэдокс Браун, Рабочий , 1852
- Gustave Doré, Over London — поездом и Orange Court, Drury Lane , из London: A Pilgrimage , 1872
- Оноре Домье, Тяжелое бремя , 1850-53
- Эдгар Дега, Женщины гладят , ок. 1884-86
- Эдгар Дега, Магазин шляп , 1879/86
- Gustave Caillebotte, Скребки для пола , 1875
- Гюстав Кайботт, Маляры , 1877
- Жорж Сёра, Купальщицы в Аньере , 1884
- Эдуард Мане, Бар в Фоли-Бержер , 1881-82
- Эдгар Дега, Именины госпожи, 1876-77
- Анри де Тулуз-Лотрек, В салоне на улице Мулен, 1894
1884-86Труд художников
- Джудит Лейстер, Автопортрет , 1635
- Аделаида Лабиль-Гьяр, Автопортрет с двумя зрачками , 1785
- Гюстав Курбе, Автопортрет (Человек в отчаянии), 1843-45
- Гюстав Курбе, Автопортрет (Раненый), 1855
- Гюстав Курбе, Мастерская художника: настоящая аллегория семи лет моей творческой жизни, 1854-55
- Уильям Моррис, Дейзи обои , 1864
- Клод Моне, Впечатление, Восход солнца , 1872
- Джеймс Эббот Макнил Уистлер, Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета , 1875
Сельские рабочие
Сочетание нехватки продовольствия в сельской местности и быстрого роста неквалифицированного городского промышленного пролетариата в начале девятнадцатого века привело к нарастанию социальных волнений, которые вспыхнули по всей Европе с революциями 1848 года.
После этих политических потрясений беспокойство о бедственном положении рабочего класса в сочетании с растущим спросом на художников изображать сцены своего времени (что началось в 1830-х годах) привело к тому, что художники начали решать социальные проблемы в своих работах. работает.
На парижском Салоне 1850 года появились две реалистические работы, которые прямо отвечали этому новому художественному импульсу: Гюстав Курбе Камнеломы (1849) и Жан-Франсуа Милле Сеятель (1850) .Оба этих изображения изображают рабочих с беспрецедентным чувством монументальности. Нарисованные в масштабе, обычно предназначенном для исторической живописи, Курбе и Милле заменили традиционного классического героя представителями бедного рабочего класса. После классового конфликта революции 1848 года во Франции многие зрители сочли эти изображения тревожными. Кроме того, в дополнение к изображению предметов, считающихся неподходящими для крупноформатных картин, Курбе и Милле также пошли против нормы, используя палитру и методы рисования, нехарактерные для традиционной академической живописи. Курбе, например, классно использовал свой мастихин для нанесения пигмента на холст, создавая более густую пасту и более матовую поверхность своих изображений, чем типичный безупречный глянцевый блеск академических картин того времени.
Картина Курбе Камнеломы является прямым комментарием к бедности, которая стала повсеместной во время Июльской монархии во Франции, что заставило народ восстать против своего правительства. Двое мужчин — молодой и старый — выполняют низший вид ручного труда: разбивают камни, чтобы сделать из них гравий.Курбе использует ограниченную цветовую палитру, чтобы представить сцену очень прозаично, за что его критиковали (говорят, что он уделял человеческим фигурам не больше внимания, чем камням). Мужчины безлики, а их изодранная одежда и скудость еды подчеркивают всю их нищету. Это сцена без надежды или спасения, которая предполагает, что участь бедных в жизни предопределена и неизменна; те, кто рождаются бедными, так и умрут, а молодой камнелом однажды станет старым.
Подобно Камнеломам Курбе, лицо Сеятеля Милле неразличимо; еще раз предполагая, что важна работа, которую они выполняют, а не их индивидуальность. Однако в то время как Курбе предлагает более сочувственный образ, осуждающий циклическую природу бедности, Милле представляет свой Сеятель с чувством уважения. Фигура шагает по переднему плану изображения, на ходу разбрасывая семена для посевов. Точно так же Милле использует мрачную палитру для своего Sewer , что в сочетании с масштабом аграрного рабочего создает потенциально зловещее ощущение.Изображение получило смешанный критический прием, в значительной степени основанный на политике критиков, восхваляющих или осуждающих работу в зависимости от их личного отношения к социальным изменениям.
Подобно картинам Курбе и Милле, большинство изображений девятнадцатого века, посвященных проблемам труда и условиям жизни рабочего класса, сосредоточены вокруг сельской жизни крестьян.
Художники лишь изредка изображают промышленный труд и фабрики в изобразительном искусстве (хотя многочисленные изображения появлялись в популярной иллюстрированной прессе того времени).Однако одним заметным исключением из этого правила является Адольф Менцель Железопрокатный стан или Современный Циклоп I (1876) , который выставлялся в Берлине в 1876 году и снова в Париже на Всемирной выставке 1878 года. Изображение пульсирует. с шумом, теплом и энергией прокатного стана. Вместо того, чтобы осуждать опасные и эксплуататорские методы работы, это, кажется, торжество промышленной изобретательности и роста, поскольку сильная светотень придает сцене чувство героизма.Это более позитивное представление о промышленности неудивительно, учитывая международную промышленную конкурентоспособность конца девятнадцатого века, которая была вызвана Универсальными выставками, проводившимися в Европе и Соединенных Штатах, начиная с Большой выставки (также известной как выставка Хрустального дворца).
в Лондоне в 1851 году.
Крестьянские сцены становились все более популярными во времена Второй империи Наполеона III, которая началась в 1851 году, когда Луи-Наполеон Бонапарт провозгласил себя императором Франции.Но по мере того, как они получали более широкое признание со стороны правительства, они теряли остроту социальной критики, которая так ощутима в « камнеломах» Курбе. Образы сельских тружеников становились все более сентиментальными и ностальгическими, что можно увидеть в более позднем творчестве Милле и творчестве Жюля Бретона.
Милле Собиратели (1857) продолжали привлекать внимание к трудностям современной крестьянской жизни, но менее конфронтационным образом, чем Сеятель .Три женщины выполняют изнурительную работу по уборке или сбору беспризорной пшеницы, оставшейся после урожая. Обильный урожай на заднем плане создает мощное противопоставление скудным стеблям пшеницы, которые женщины сжимают в руках.
Сбор урожая был благотворительной привилегией, которую богатые фермеры распространяли на своих бедных рабочих, которая, хотя и не включала в себя большое количество пшеницы, помогала их семьям пережить зиму. Согнутые и сгорбленные позы сборщиков предполагают их низкий статус, но фигуры более традиционны в своих позах, чем вырисовывающаяся фигура Сеятель , которую публика нашла такой тревожной.Тема сбора также связана с классическими ассоциациями с Вергилием и библейскими ассоциациями с героиней Руфью, собиравшей на поле Вооза. Эти литературные ассоциации облагораживают этих бедняков, а не современная трудовая политика. С The Gleaners вы можете видеть, как Милле начинает отступать от спорных, провокационных изображений труда, и на самом деле художник активно отрицал, что в работе была какая-либо социальная критика, когда она была впервые выставлена в 1857 году.
In The Angelus (1859) , Millet изображает гораздо более откровенно сентиментальную сцену.
Фермер и его жена прерывают работу при звуке вечернего ангельского колокола, доносящегося из деревенской церкви. Они склоняют головы и читают Марии слова ангела Гавриила: «Angelus Domini nuntiavit Mariae…» (Ангел Господень возвестил Марии). Заходящее солнце бросает туманный свет на сцену, что добавляет изображению эмоций/романтики и ностальгии. По мере того, как мелкие фермерские хозяйства пришли в упадок с появлением промышленных ферм, идиллические образы более простого сельского прошлого становились все более и более привлекательными, особенно для городской буржуазии.
Жюль Бретон также прославился своими идиллическими, сентиментальными и беззаботными крестьянскими сценами. Образы, подобные его Возвращение сборщиков урожая (1859) , были более откровенно положительными, чем у Милле. По сравнению с сборщиками урожая Милле , бретонские крестьянки, кажется, с легкостью выполняют свою работу и без труда несут свои большие узлы и полные мешки зерна домой.
Щедрость их сбора напоминает традиционные аллегории об урожае, а не о скудных остатках, собранных путем подбирания.
По мере роста популярности крестьянские картины Бретона становились еще более сентиментальными. Его Песня жаворонка (1884) — отличный пример: молодая крестьянская девушка, купаясь в лучах восхода солнца, останавливается по пути на работу, чтобы послушать жаворонка. Это не унылая нищета, изображенная Курбе, а обнадеживающая сцена, в которой молодая девушка видит за пределами своего низкого положения потенциал красоты в мире.
Другая ветвь крестьянской живописи возникла во Франции в 1870-х и 1880-х годах с подъемом натурализма.В отличие от работ Курбе, Милле и Бретона, натуралисты, такие как Жюль Бастьен-Лепаж и Паскаль-Адольф-Жан Даньян-Бувре, пытались удалить из своих работ все чувства, будь то возмущение или сентиментальность. Они стремились создать сцены, максимально приближенные к реальной жизни, поэтому избегали ссылок на искусство прошлого и придавали своим изображениям специфику деталей, которую часто сравнивают с фотографией.
Картина Жюля Бастьена-Лепажа Косальщики (1878) является хорошим примером натуралистического стиля.На нем изображены двое молодых крестьян, отдыхающих после полуденного обеда: мужчина заснул под шляпой, а девушка, кажется, только что сонно села. Хотя палитра Бастьена-Лепажа не особенно красочна, она намного светлее, чем у Курбе или Милле, что придает картине более свежий, бесстрастный тон.
Ближе к концу века общественное сознание начинает вновь вводить крестьянскую живопись в искусство Винсента Ван Гога. Вдохновленный Милле и английским соцреализмом, Ван Гога «Едоки картофеля (1885) » представляет собой темное, грубое и жестокое изображение реалий крестьянской жизни.Лица фигур измождены и искажены до такой степени, что граничат с карикатурой — не для насмешки, а для того, чтобы показать опустошение, вызванное бедностью и тяжелым ручным трудом. Ван Гог манипулировал своими фигурами, чтобы выразительно передать свое возмущение пренебрежением общества к этим трудолюбивым крестьянам.
В дополнение к усилению эмоционального тона сцены, темная палитра Ван Гога, состоящая из глубоких, землистых зеленых и коричневых оттенков, также служит для связи его фигур с землей, которую они создают.Как объясняет Ван Гог в письме, которое он написал своему брату Тео: «Я пытался подчеркнуть, что те люди, которые ели картошку при свете лампы, копали землю теми самыми руками, которые они опускали в блюдо, и поэтому это говорит о ручной труд и то, как они честно зарабатывали себе на пропитание».
К концу девятнадцатого века, после десятилетий протестов и отсутствия видимых изменений в условиях труда, возникли новые идеологии в надежде найти новые решения. Анархизм — или политическая идеология, согласно которой единственный способ создать более миролюбивое общество — это избавиться от правительства, — стал особенно привлекательным для художников-неоимпрессионистов Поля Синьяка и Камиля Писсарро.Через идеалы анархизма они надеялись, что классовые различия растворятся и таким образом создадут более эгалитарное общество.
Синьяк и Писсарро оба обратились к стилю живописи неоимпрессионистов / дивизионистов / пуантилистов, в котором использовались отдельные одинаковые мазки цветов, а не традиционные мазки краски. Они считали этот метод эгалитарным, каждому мазку краски придается одинаковое значение и значение при нанесении на холст, и поэтому они чувствовали, что он лучше всего отражает анархистский идеал бесклассового общества.
Работа Поля Синьяка « Во времена гармонии » (1894) изображает пасторальную утопию, которую, как он думал, анархизм принесет в современный мир (первоначально он намеревался назвать работу «Во времена анархии» ). Сцена вне времени и не испорчена промышленностью, как и люди, которые не работают, но наслаждаются неторопливым времяпрепровождением и взаимодействуют друг с другом, не обращая внимания на различия в классе, возрасте или поле.
Писсарро также считал сельскую жизнь более естественной и гармоничной, чем промышленно развитый город, и часто обращался к сельской жизни, чтобы выразить свои социальные идеалы.
Картина Писсарро Сбор яблок в Эраньи (1888) — образ идеализированный, но не лишенный работы целиком. Вместо него картина Писсарро
Иллюстрирует мир и гармонию, которые приходят от крестьян, работающих вместе, каждый из которых выполняет свою работу, и щедрость урожая, который является их наградой за это. Яркие цвета изображения отражают радость, которую сборщики яблок получают от своего общего труда.
Городской труд
В то время как большинство изображений девятнадцатого века открыто изображают сельский труд — жестоко, ностальгически или идеально, — ряд художников обращаются и к городскому труду.Эти сцены часто отражают быстро меняющийся характер городской жизни того времени. Города расширились в девятнадцатом веке, поскольку крестьяне, неспособные больше выживать за счет земли, перебрались в городские центры в поисках работы. Рост среднего класса и последующее новое распределение богатства в городах также создали наемных рабочих из населения, которое раньше не должно было работать.
« Бедный учитель (1845) » Ричарда Редгрейва — хороший пример новой формы труда.Эта молодая учительница была бы отправлена ее семьей работать и зарабатывать себе на жизнь. Сидя одна в комнате, она поглощена одиночеством, и только письмо на коленях (вероятно, из дома) и скудный ужин составляют ей компанию. Подобные сентиментальные жанровые сцены пользовались бешеной популярностью у среднего класса в викторианской Англии. « Бедный учитель » Редгрейва отвечает этим вкусам, чтобы решить проблемы бедности в обществе, но он старается показать благородную форму бедности, а не обездоленных фабричных рабочих, которые оскорбили бы его аудиторию из среднего класса.
Work (1852) Форда Мэдокса Брауна является более прямолинейным в своей социальной критике. В центре сцены группа землекопов (мужчины, выполняющие тяжелый физический труд, как правило, для инженерных проектов) раскапывают дорогу, чтобы проложить трубы, чтобы обеспечить пресной питьевой водой рабочие районы.
В дополнение к изображению современного меняющегося ландшафта Лондона, Work также является комментарием о контрасте между богатыми и бедными.Различные представители любого класса окружают рабочих-землеходов, сопоставляя богатство и нищету, критикуя праздность богатых по сравнению с изнурительным трудом рабочего класса. Чтобы подчеркнуть свое послание, Браун включает двух узнаваемых фигур, прислонившихся к перилам с правой стороны сцены: писателя Томаса Карлайла и учителя Ф. Д. Мориса, оба из которых открыто выражали свою обеспокоенность социальным положением в Британии.
Гюстав Доре еще более мрачно иллюстрирует разрыв между богатыми и бедными в своей публикации Лондон: паломничество (1872) .В этой работе Доре противопоставляет богатство мира богатых нищете бедняков. Такие изображения, как Over London — By Rail и Orange Court, Drury Lane , описывают грязные, запущенные, тесные условия лондонских рабочих кварталов.
Эти сцены отражают то, как бедняки были вынуждены жить друг над другом в бесконечных рядах домов и множестве людей, заполняющих каждое открытое пространство. Их антисанитарный мир лишен света и природы и определяется кирпичом, дымом и тьмой.Полностью заполняя образы архитектурой и людьми, отягощенными слоями и слоями ветхой одежды, Доре намекает на безжалостную усталость и безысходность их положения.
Большинство французских художников не обращались к горькой бедности рабочего класса так обыденно, как это делал Доре. Единственным другим художником, действительно заинтересованным в изображении бедственного положения городского рабочего класса, был Оноре Домье . Домье создал ряд образов, изображающих бремя парижских прачек, которые стирали белье для буржуазии в Сене, а затем несли мокрое белье домой сушиться.Это была тяжелая, низкооплачиваемая и неблагодарная работа. В The Heavy Burden (1850–53) , прачка, наклоненная набок, чтобы компенсировать вес своего груза, тащит свою корзину, полную одежды, по парижской улице, ее дочь цепляется за юбки рядом с ней.
Подобно Камнеломов Курбе, Тяжелая ноша Домье предполагает, что бедность неизбежна, поскольку маленькая девочка в конечном итоге вырастет, чтобы занять место своей матери.
Эдгар Дега также затрагивает тему стирки одежды в своей серии гладильных машин.Однако образы Дега не так явно связаны с социальной политикой, как образы Доре и Домье. Например, в своих работах « Женщины, гладящие (ок. 1884–1886) » Дега намекает на изнурение и тяжелую работу, которые влечет за собой глажка, но это не обязательно является предметом работы. Как и его коллеги-импрессионисты, Дега интересовался изображением современной жизни в соответствующей современной манере. А в девятнадцатом веке отмывание денег было бурно развивающейся отраслью, в которой работало растущее новое население женщин из рабочего класса.Дега часто обращается к различным формам городского женского труда на протяжении всего своего творчества, изображая не только гладильщиц, но также модисток и представителей постоянно расширяющейся индустрии развлечений Парижа.
Гюстав Кайботт аналогичным образом изображал городской пролетариат в своих работах, но обычно он сосредотачивается на мужчинах из рабочего класса в таких изображениях, как его Скребки для полов (1875) и Маляры (1877) . Как и Дега, работы Кайботта изображают современных рабочих-мужчин в современной обрезанной композиции, формат, обычно ассоциируемый с новым средством фотографии.В этих изображениях — особенно Скребки для пола — присутствует не социальный протест, а чувство героизма, которое предполагает ценность честного труда, выполняемого мужчинами.
Картина Жоржа Сёра « Купальщицы в Аньере (1884) » также была прочитана как изображение мужчин из рабочего класса. Связь с фабриками на заднем плане может привести к выводу, что эти люди являются промышленными рабочими. Однако их показывают не на работе, а в состоянии покоя — и, вероятно, они прогуливаются со своей работы.
Итак, Сёра снова взял городского рабочего как тему, характерную для современной жизни, но его образ не содержит явного социально-политического подтекста.
Одной из самых распространенных и изменчивых форм труда в искусстве конца девятнадцатого века, особенно во Франции, является женщина-исполнитель. В частности, благодаря импрессионизму и его акценту на изображении новой культуры досуга Парижа 1870-х и 80-х годов женщины, работающие в индустрии развлечений, появляются повсюду. Одним из хороших примеров является Эдуарда Мане Бар в Фоли-Бержер (1881-82) , на котором изображена молодая барменша в популярном мюзик-холле в Париже.Продавая закуски, ее можно было рассматривать как одну из толпы продавщиц и продавщиц, заполнявших магазины и универмаги, расширившиеся во второй половине девятнадцатого века. Сотрудница нового типа, работающая в заведении нового типа, барменша — образец современного Парижа. Единственный намек на то, что она на самом деле работает, помимо ее положения за барной стойкой, — это остекленевшее выражение скуки на ее лице.
Центральное, демонстративное положение буфетчицы в картине Мане « Фоли-Бержер » и взаимодействие между ней и покупателем-мужчиной, увиденное в зеркале, часто приводило к более распространенному прочтению картины Мане: что буфетчица вместе с прохладительные напитки, которые она раздает, продаются.Женщинам, работавшим продавщицами, барменшами, прачками, балеринами, модистками и т. д., платили так мало в девятнадцатом веке, что они часто были вынуждены пополнять свой доход другими способами, обычно становясь любовницей богатого мужчины, если не прямой проституткой. По мере того как в XIX веке классовые различия начали меняться и стираться, респектабельные буржуазные женщины во Франции все больше и больше сдерживались общественными ожиданиями приличия, а мир demi-monde (или класс женщин, которые торговались распущенными нравами) чтобы выжить) расширяется.Заинтересованные в изображении мира современного Парижа, «работницы» (или проститутки) довольно часто появляются в работах импрессионистов и постимпрессионистов, наиболее откровенно в творчестве Эдгара Дега и Анри де Тулуз-Лотрека .
Тем не менее, большинство изображений работающих женщин девятнадцатого века несли бы коннотации сексуальной безнравственности и представляли собой вторую, негласную форму «работы» для широкой публики во Франции.
Труд художников
Помимо представления различных форм труда в искусстве вопросы о труде художника не менее важны для обсуждения труда в рамках дисциплины истории искусства.Представления о художниках как о чем-то большем, чем чернорабочие, не существовало до эпохи Возрождения. До этого они считались родственными ремесленникам (как плотники). С развитием идеи «художественного гения» мы видим все большее внимание как к индивидуальности, так и к виртуозности художников. Эти две идеи наиболее отчетливо сливаются в давней традиции автопортретов художников, возникшей в эпоху Возрождения. Чаще всего художники используют автопортреты как способ утверждения своего статуса и/или своего мастерства.Некоторые из лучших примеров этого на самом деле часто создаются женщинами-художницами, такими как Judith Leyster или Adélaide Labille-Guiard , которые искусно изображают иллюзию различных тканей, техник и текстур, а также свое собственное подобие, чтобы подтвердить их.
способности художников.
В середине девятнадцатого века Gustave Courbet — еще один хороший пример художника, использующего свой собственный образ как способ утвердить свое художественное мастерство. Курбе создал большое количество автопортретов, изображающих себя в разных обличьях и с разными выражениями лица в начале своей карьеры, например, его Автопортрет (Человек в отчаянии) (ок.1843-45) и его Автопортрет (Раненый) (1855) . Однако самым известным примером должна быть работа Курбе « Мастерская художника: реальная аллегория семи лет моей творческой жизни» (1854-55) , в которой он помещает себя в центр огромного мольберта, рисуя пейзаж. Это самодовольная работа, в которой Курбе превращает свой автопортрет в крупномасштабную многофигурную картину (элементы, которые в то время обычно использовались только для исторических картин).Окружая себя современными фигурами — как реальными людьми, так и популярными типами, — Курбе далее использует эту картину, чтобы объявить о новой роли художников в современном мире, как он его видел: быть и воспроизводить свое время.
Девятнадцатый век знаменует собой важный момент в художественном производстве, когда стремительная индустриализация и модернизация мира привели к новым методам производства, новым предметам, новым способам репрезентации и, к концу века, новым способам продажи произведений искусства. .Точно так же в этот период художники, по сути, начали работать совершенно по-новому (особенно художники-авангардисты, поскольку академические художники в значительной степени все еще сохраняли традиционные способы и средства, которым учила Академия).
Одним из наиболее заметных примеров переосмысления художниками своих методов работы в конце девятнадцатого века является Движение искусств и ремесел в Великобритании. Движение стремилось противодействовать порокам индустриального общества, отказавшись от машинного производства и сосредоточившись вместо этого на мастерстве.Средние века считались почти золотым веком производства, когда люди работали вместе в мастерских или гильдиях. Из-за акцента Движения на ручном труде оно в значительной степени связано с декоративно-прикладным искусством.
Уильям Моррис — один из самых известных художников, связанных с Движением искусств и ремесел. Моррис в основном работал дизайнером обоев и текстиля и создавал свои проекты, такие как Обои с маргаритками (1864) , с использованием доиндустриальных технологий.Моррис хотел вновь привнести в искусство заботу и мастерство, идеалы, которые работали в тандеме с его социалистическими политическими идеологиями. Он также был откровенным критиком эксплуататорских методов работы в промышленности девятнадцатого века, написал множество эссе и прочитал лекции, призывая к более эгалитарной системе труда. Как и большинство членов движения Arts & Crafts, Моррис считал средневековую мастерскую образцовым методом производства. По иронии судьбы, однако, из-за ручного производства продуктов Морриса они часто были дороже, чем товары машинного производства, и поэтому были недоступны для среднего рабочего класса.
Помимо вопросов ручного мастерства, в дискуссии о XIX в.
важны и вопросы художественного труда по отношению к отделке холста живописца. Согласно традиционному методу живописи, преподаваемому Французской академией (единственным арбитром художественного вкуса во Франции до конца девятнадцатого века), художники должны были следовать тщательно прописанной системе подготовительных эскизов и живописных этюдов, прежде чем переходить к окончательной работе. , который должен был быть плотно окрашен и не иметь следов руки художника.Однако во второй половине девятнадцатого века художники-авангардисты начали отказываться от традиции академической живописи. Как обсуждалось ранее, Гюстав Курбе , как известно, использовал свой мастихин, а не кисть, чтобы создать поверхность, физически совершенно отличную от своих полотен. И Эдуарда Мане часто критиковали за то, что он отказался от моделирования в своих фигурах, смешивая цвета вместе прямо на холсте, а иногда — особенно в его Olympia (1863) — по существу обводя свои фигуры черным цветом.
Импрессионистов тогда резко критиковали за их широкие несмешанные мазки. Их работы были настолько далеки от плотно окрашенной, глянцевой отделки академической живописи (которая была описана как «вылизанная поверхность холста»), что в глазах публики они выглядели не как законченные продукты, а как подготовительные наброски. Люди, особенно искусствоведы, были потрясены тем, что эти художники выставляли то, что, по их мнению, было по существу незавершенным. Собственно, это отвращение и дало имя импрессионистам.В своем обзоре первой выставки импрессионистов в 1874 году искусствовед Луи Леруа упомянул название «Впечатление Клода Моне, восход солнца (1872) » и назвал группу художников «импрессионистами» как способ высмеивая кажущееся незавершенным качество их работ.
Несколько более печально известно, что британский художественный критик Джон Раскин подверг резкой критике « Ноктюрн в черном и золотом: Падающая ракета» Джеймса Эббота Макнила Уистлера (1875) , написав в своем обзоре выставки, что он «никогда не ожидал, что услышит, как чудак спросит 200 гиней за то, что швырнул банку с краской в лицо публике.
По сути, Раскин был оскорблен отсутствием деталей картины. По его мнению, Уистлер не приложил к созданию картины никакого труда и усилий и поэтому не имел права просить такую большую сумму денег. Уистлер ответил Рескину, подав в суд на искусствоведа за клевету в 1878 году. Примечательно, что Уистлер выиграл печально известный процесс, утверждая, что концепция художника и его эстетические способности, а не количество времени или мастерство, затраченное на это, определяют, будет ли произведение можно считать искусством.Таким образом, вопрос о художественном труде был буквально поставлен на суд во второй половине девятнадцатого века в ходе дебатов Уистлера и Раскина. Ставя под сомнение ценность работы Уистлера на основании того, сколько времени и усилий он вложил в ее создание, Раскин в некотором смысле может быть истолкован как еще раз ставящий художника (или, по крайней мере, Уистлера) на уровень ручного рабочего, за которого платят. время и уровень детализации, а не концепция его работы.
После того, как Уистлер выиграл судебный процесс, эта оценка художественной ценности была решительно опровергнута, и решение подтвердило идею о том, что концепция превосходит труд в искусстве.
News Feature: Каким было первое «искусство»? Откуда мы знаем?
Недавно обнаруженные наскальные рисунки и резьба по кости предлагают новый взгляд на давние вопросы о происхождении искусства, не говоря уже о природе самого искусства.
Археолог Адам Брамм вспоминает момент в конце 2017 года, когда на его телефон пришло сообщение в WhatsApp с довольно поразительным изображением: три поросенка прыгают по известняковым стенам пещеры Леанг Тедоннге на индонезийском острове Сулавеси.
Исследователи полагают, что этот индонезийский наскальный рисунок возрастом 45 500 лет, на котором, по-видимому, изображена свинья, является старейшим известным изображением животного мира. Это одно из нескольких недавно обнаруженных доисторических изображений, проливающих новый свет на зарю искусства.
Изображение предоставлено: Максим Обер (Университет Гриффита, Натан, Квинсленд, Австралия).
Прошло несколько месяцев после полевого сезона, и Брамм сидел в своем кабинете в Университете Гриффита в Брисбене, Австралия. Его полевая группа осталась в Индонезии.Их записки в тот день были небрежными, вспоминает Брамм, вроде «О, кстати, мы нашли этот впечатляющий наскальный рисунок». Он быстро просматривал сообщения на своем iPhone, когда увидел первые изображения свиней, мелькнувшие на его экране. «У меня чуть не случился сердечный приступ, — говорит Брамм. «Они были совершенно невероятными. Я ответил в 15:58: «Черт возьми!!!!! Удивительные рисунки свиней!!!» По крайней мере 45 500 лет назад человеческая рука раскрасила свиней охрой, что сделало их старейшими известными образцами фигуративного искусства по крайней мере на несколько тысяч лет — и, по некоторым стандартам, самым древним произведением искусства в мире. мир (1).
Но вопрос о том, какая картина, рисунок или резьба заслуживает превосходной степени «самый старый», остается спорным.
Прозвище частично зависит от того, как археологи определяют само искусство. Свиньи Сулавеси, безусловно, являются старейшим из известных фигуративных или репрезентативных произведений искусства. Брамм объясняет, что это влечет за собой работу с изображением предметов из жизни, так что средний наблюдатель взглянет на картины и узнает в них свиней, а не абстракции. Репрезентативное искусство распространено в истории искусства, от греческих эллинистических мраморных богинь до масок косаток и воронов первых наций в Америке.
А еще есть нефигуративное или нерепрезентативное выражение. Примеров в современном искусстве предостаточно: от цветных блоков Марка Ротко на холсте до красочных минималистских колонн Анны Труитт. Самые ранние абстрактные отметины появляются на сотни тысяч лет раньше, чем свиньи Сулавеси, когда люди и другие гоминиды начали выгравировать параллельные линии, сетки и круги на панцирях и костях. Но археологи расходятся во мнениях относительно того, действительно ли это самые ранние проблески художественного самовыражения.
Большая известняковая пещера, известная как Леанг Тедоннге, расположена в долине на индонезийском острове Сулавеси. «Три поросенка», нарисованные там, прыгают через заднюю стену, что, по-видимому, является изображением какого-то социального взаимодействия, возможно, спаривания или борьбы. Изображение предоставлено: Ратно Сарди (фотограф).
Недавние открытия как фигуративных, так и абстрактных изображений, в том числе 51 000-летняя гравюра на кости, сделанная неандертальцами в Германии, побуждают исследователей и других специалистов задаться вопросом: когда искусство действительно возникло и у каких видов? К археологическим свидетельствам добавляются современные когнитивные эксперименты с использованием фотографий древних резных фигурок.Работа может помочь исследователям понять, были ли резные фигурки изначально задуманы как «искусство» — изображения и гравюры, специально созданные для стимуляции зрительных чувств.
Руками и огнем
«Существует большая проблема в изучении палеолитического искусства, поскольку мы не знаем, что такое искусство», — признается археолог-эволюционист-когнитивист Дитрих Стаут из Университета Эмори в Атланте, Джорджия.
Когда археолог-любитель Марселино Санс де Саутуола наткнулся на первую галерею наскальных рисунков в Альтамире, Испания, открытие, которое он опубликовал в 1880 году, археологи предположили, что это искусство было подделано (2).Даже десятилетия спустя, когда картины были датированы как минимум 13 500 лет назад, Стаут говорит, что исследователи не тратили много времени на определения искусства; смысл был в том, что «ты узнаешь это, когда увидишь». Здесь были картины, требующие технических навыков, различных материалов и, возможно, света факелов, чтобы художники могли видеть их во время рисования. И они выглядели как картины, выставленные в европейской галерее 19-го века, где фигуративность отдавала предпочтение абстракции.
Все это подсказывало ранним археологам, что европейские пещерные художники, должно быть, были когнитивно совершенно современными, совершая резкий скачок от грубых к относительно сложным, что позволяло им брать изображения из реального мира, удерживаемые мысленным взором, а затем создавать физическое представление этих изображений с помощью линий на камне.
Несмотря на отсутствие прямых доказательств, археологи в то время предполагали, что у этих художников должны были быть и другие «современные» характеристики, такие как язык, культура, абстрактное мышление и религия, объясняет Стаут. Искусство, как его себе представляли те ранние археологи, возникло в результате творческой революции, совпавшей с самыми ранними европейскими наскальными рисунками, датируемыми примерно 30 000 лет назад в их старейших в Шове, Франция.
Эта выгравированная кость гигантского оленя, сделанная неандертальцами и найденная в пещере в Германии, предполагает, что искусство зародилось раньше, чем многие утверждают.Изображение предоставлено: Государственное управление культурного наследия Нижней Саксонии/Фолькер Минкус (фотограф).
Но это были бы поспешные выводы. «Это проблематичная концепция», — говорит Стаут, отмечая, что размер мозга Homo sapiens не сильно изменился за последние 500 000 лет. Кроме того, многие современные культуры занимаются как фигуративным, так и абстрактным искусством.
Таким образом, нет веских оснований предполагать, что европейские фигуративные произведения являются свидетельством когнитивного скачка, позволившего создавать искусство, в отличие от того, чтобы просто предвещать появление в Европе новых групп, обладающих репрезентативными художественными навыками.«Я бы сказал, что ключевым моментом является то, что идея «революции» была артефактом рассмотрения только археологических данных Европы», — говорит он. Признаки миграции в Европе создали впечатление внезапных революционных изменений, которые теперь известны как более постепенные в других местах. «Сегодня во всем мире мы видим большое разнообразие в выражении «искусства» современными Homo sapiens », — объясняет он. «Больше нет реальной причины рассматривать фигуративное искусство как ключевой индикатор более широкого набора «современных» черт.
Сегодня Стаут видит несколько разных лагерей в археологии, придерживающихся несколько разных определений, и все они затрагивают суть явно современной загадки: что такое искусство? Наиболее распространенным критерием того, что считается искусством, является поведение без какой-либо очевидной практической пользы.
Возьмем, к примеру, красную пигментную охру, которой люди красили сулавесских свиней. Пигмент, также найденный в более старых местах, предшествовавших фигуративному искусству, возможно, использовался в художественных целях в качестве краски для лица или другого украшения тела, но это трудно доказать.Охра также имеет практическое применение, например, при обработке шкур животных. Третьи археологи хотели бы видеть веские доказательства того, что искусство на самом деле предназначалось для передачи некоего эстетического принципа или значения, отмечает Стаут. Бусины, например, носят декоративный характер, но также могут указывать на групповую принадлежность. Но опять же, трудно исключить практическое использование.
В своем исследовании 2020 года Тайлен и его сотрудники продемонстрировали современным участникам гравюрные узоры, или «экспериментальные стимулы», извлеченные из оригинальных очертаний гравюр на наскальных артефактах, которые были сделаны в течение 30 000 лет.У более молодых артефактов было больше привлекающих внимание, преднамеренных и запоминающихся узоров, чем у старых, но они не обязательно содержали более различимые узоры.
Перепечатано из исх. 7. Фотоматериалы адаптированы из исх. 11 и 12, с разрешения Elsevier. Оригинальные схемы воспроизведены из исх. 13, с разрешения издательства Кембриджского университета.
Тем не менее, есть некоторые растущие области согласия. Представление о том, что современное человеческое искусство зародилось в Европе около 40 000 лет назад, было «разрушающимся зданием», отмечает Брамм.Сулавесские свиньи твердо возвещают это; цифры являются репрезентативными и предшествуют любому эквивалентному фигуративному изображению в Европе на 5000 лет, добавляет он. И свиньи могут быть даже не самым древним изобразительным искусством. Пещерные сцены из жизни охотников-собирателей от Индии до Китая, возможно, еще старше.
Одна из больших проблем, по словам Брамм, заключается в том, что большинство наскальных рисунков трудно датировать. В Индонезии, например, археологи впервые сообщили о наскальных рисунках в том же регионе, что и Леанг Тедоннге, в 1950-х годах, созданных путем выдувания полного рта пигмента вокруг протянутой руки, прижатой к стене пещеры.
До недавнего времени считалось, что трафареты рук не могут быть очень старыми, говорит Брамм, потому что в Индонезии очень жарко и влажно. Краска должна быстро стереться.
Но в 2011 году Брамм и его коллеги заметили наросты в форме попкорна, образовавшиеся поверх некоторых индонезийских картин в известняковых пещерах, которые должны были образоваться через некоторое время после появления картин. Наросты оказались осажденными кальцитовыми отложениями, похожими на сталактиты, которые веками накапливались сотнями затвердевших слоев.Измерив отношение урана к продукту его распада, Торий Брамм и его коллеги датировали самые старые слои месторождений попкорна. В 2014 году его команда датировала попкорн на ручном трафарете как минимум 40 000 лет назад (3). Последующее открытие сцены охоты в другой индонезийской пещере в 2019 году отодвинуло древнейшее фигуративное искусство на 43 900 лет назад (4). А затем, в 2017 году, команда Брамма нашла свиней и датировала их 45 500 лет назад, используя залежи кальцита, сделав эту работу, опубликованную в 2021 году, «самой старой репрезентативной картиной в мире», — говорит Брамм.
Открытия на Сулавеси могут означать, что репрезентативное искусство зародилось в Азии, но, по словам Брамм, более вероятно, что это всего лишь часть пути репрезентативного искусства в истории человечества. Он ожидает, что самые старые наскальные рисунки в конечном итоге появятся из африканской диаспоры Homo sapiens из человек.
Знаки и значения
Другие толкования того, что представляет собой «искусство», могут указывать на другую историю происхождения, которая не обязательно начинается с нашего вида. Свидетельства абстрактных изображений датируются 500 000 лет назад, когда Homo erectus вырезали зигзагообразные линии на морской раковине на Яве (5).И только в этом году археолог Дирк Ледер обнаружил абстрактные тройные L-образные узоры возрастом 51 000 лет, вырезанные из кости оленя, расположенные между черепом пещерного медведя и двумя лопатками оленя, в пещерном жилище неандертальца в Германии (6). Микроскопия и компьютерная томография выявили трехмерное изображение кости, на которой гравировки расположены точно друг над другом, с надрезами под острыми углами, что позволяет предположить, что они были сделаны преднамеренно, а не как случайные следы от инструмента.
Предполагаемый возраст резьбы в 51 000 лет основан на радиоуглеродном датировании коллагена в самой кости, что в сочетании с инструментами, характерными для неандертальцев на этом месте, подразумевает, что она была сделана за несколько тысяч лет до того, как Homo sapiens прибыли в Европу.
Вывод двоякий, говорит Ледер, сотрудник Государственного управления культурного наследия Нижней Саксонии в Ганновере, Германия. Во-первых, неандертальцы были способны конструировать преднамеренные символические выражения, понятие, которое обсуждалось в прошлом. А во-вторых, говорит он, истоки искусства следует отодвинуть «не просто на 45 000 лет назад, а на гораздо более длительный период времени». Ледер полагает, что и Homo sapiens, и , и неандертальцы время от времени создавали выразительные и коммуникативные рисунки и рисунки — пусть даже не репрезентативные — и что, хотя дебаты, вероятно, будут продолжаться, художественные выражения, сделанные неандертальцами и, возможно, даже более ранними гоминидами , будут узнавать все больше и больше.
Если определения искусства Ледера и других кажутся субъективными, так оно и есть. Но ученые-когнитивисты сейчас пытаются предложить более объективную оценку, определяя происхождение символизма, который некоторые считают синонимом происхождения самого искусства. Некоторые археологи утверждают, что каждая каракуля обозначает какое-то значение. Например, круг может означать «лошадь», хотя форма совсем не похожа на животное. Другие считают резные фигурки эстетически интересными, но в остальном бессмысленными украшениями.
Чтобы помочь разрешить дебаты, когнитивист Кристиан Тайлен из Орхусского университета в Дании сотрудничал с археологами, начиная с 2017 года, в результате чего в 2020 году было опубликовано исследование с использованием абстрактных резных фигурок возрастом до 100 000 лет из южноафриканского Бломбоса. пещера и другие места, чтобы исследовать зачатки символического поведения (7). Тайлен и его сотрудники разработали серию когнитивных экспериментов для современных людей, проверяя, например, насколько запоминающимся и различимым является каждый вырезанный узор.
Если бы существовало какое-то адаптивное давление, заставляющее узоры со временем обозначать определенные вещи, например, превращаясь из простых сеток в пиктограммы или слова, археологи ожидали бы, что узоры станут более запоминающимися и их будет легче отличить за тысячи лет.
Исследователи показывали испытуемым древние гравюры, например, высвечивая изображения на мониторе в течение нескольких секунд, а затем просили участников перерисовать узор, который они только что видели, по памяти. В соответствии с эволюцией символики, более молодые артефакты было легче вспомнить, чем старые.Однако в другой серии экспериментов того же исследования участники как можно быстрее сопоставляли идентичные образцы. Здесь исследователи не обнаружили значимых различий в различимости более молодых или более старых паттернов. «Мы должны думать об этих каракулях как о прото-арте», — говорит Тайлен. «Они были сделаны, чтобы быть красивыми и стимулировать зрительную систему, а не быть коммуникативными знаками, обозначающими определенный смысл».
Дерек Ходжсон, нейроархеолог, наполовину вышедший на пенсию из Йоркского университета в Англии, опубликовал обзор 2019 года, в котором предлагается практически такой же вывод (8).Он подозревает, что первые преднамеренные отметки, часто параллельные линии или кресты, возникли в результате смещения зрительной коры, в которой нейроны особенно чувствительны к горизонтальным и вертикальным линиям. Если бы знаки имели большее символическое значение, добавляет Ходжсон, он ожидал бы увидеть больше различий между ними от одной культуры к другой, так же как различаются языки. Но вместо этого самые ранние сетки, V-образные формы и линии появляются в ограниченном количестве конфигураций по всему миру, что позволяет Ходжсону предположить, что они были визуально интересны, но не имели явного смысла.
Теория Ходжсона, однако, была быстро встречена несогласием в статье 2019 года археолога Франческо д’Эррико и его сотрудников (9). Д’Эррико отметил, что в предыдущем исследовании он использовал функциональную магнитно-резонансную томографию (фМРТ) для выявления областей мозга, стимулируемых различными изображениями, в том числе гравюрами возрастом от 540 000 до 30 000 лет, а также пейзажами, объектами.
, слова, не имеющие значения в алфавитном письме, и фрагменты древних систем письма Linear B, а также зашифрованные версии всех этих стимулов (10).Д’Эррико и соавторы обнаружили, что зашифрованные версии всех стимулов обрабатывались в первичной зрительной коре участников, что указывает на простое зрительное восприятие без дальнейшей обработки мозгом. Но гравюры активировали области мозга по схеме, аналогичной тому, как воспринимаются объекты, что позволяет предположить, что они обрабатываются как организованные визуальные представления и, возможно, использовались для придания символического значения.
Одним из ограничений современных исследований является то, что они используют современных людей.В работе д’Эррико, например, современная активность мозга в областях, связанных со сложными формами, интерпретируется как свидетельство символического значения тысячелетней давности. «Проблема в том, что современные люди научились читать и писать, поэтому у нас есть очень символические способности, связанные с этой областью мозга», — говорит Ходжсон.
Невозможно сказать, вела ли себя эта область мозга так же до того, как у людей появилась письменность, добавляет он. Д’Эррико планирует рассмотреть ограничения работы с современными людьми в предстоящей неопубликованной работе, сравнив модели активности мозга у археологов с таковыми у неспециалистов.И эксперты, и неспециалисты рассмотрят коллекцию настоящих гравюр и непреднамеренных, естественных отметин, которые выглядят как гравюры. Археологи должны быстро обнаруживать непреднамеренные отметки, используя моторную область мозга, которая запоминает движения рук, необходимые для создания настоящей резьбы. По словам д’Эррико, сравнение ответов в мозгу современных экспертов с ответами в мозгу современных неспециалистов более справедливо, чем использование ответов современных участников для вывода символического значения в прошлом.
По телефону из Университета Бордо во Франции д’Эррико осторожно отмечает, что «искусство — очень двусмысленное понятие». Он, Тайлен, Ходжсон и их сотрудники явно не обсуждают рассвет искусства как таковой.
Скорее, они спорят о появлении и эволюции символической материальной культуры. Сан из Калахари используют штриховки для обозначения, например, принадлежности их стрел. И хотя эти отметины имеют символическое значение, сан считают их мастерством, а не искусством.Тем не менее вопрос о том, когда возник символизм, актуален для зарождения искусства, поскольку некоторые археологи утверждают, что изображения должны быть символическими, чтобы быть художественными.
Д’Эррико лично не разделяет эту точку зрения. По его словам, символизм и искусство не обязательно связаны. Даже если исследователи придут к какому-то соглашению по поводу определения символизма, им все равно будет трудно достичь консенсуса по определению самого искусства, и такой консенсус все равно может отклоняться от убеждений самих художников.Со своей стороны, д’Эррико, не имея доказательств того, что в данном обществе есть независимая роль художника, не решился бы сказать, что группа создала «искусство» как таковое. «Я думаю, что искусство начинается в обществе, когда кто-то получает общественную роль художника, независимо от того, что он производит», — говорит он.
«Общество признает, что у кого-то есть особая подготовка и вкус, которых нет у других».
Так когда появилось самое раннее искусство? Ответ зависит от того, какого определения искусства придерживается археолог и какие конкретные исследовательские вопросы он задает.Представление о том, что абстрактное искусство примитивно, а затем превратилось в репрезентативное искусство, кажется все более ошибочным. Тайлен, со своей стороны, подозревает, что абстрактное искусство и фигуративные работы, такие как свиньи Сулавеси, могут иметь независимое происхождение. В Европе некоторые фигурки животных эпохи палеолита, появившиеся после зарождения изобразительного искусства, украшены абстрактными гравюрами, похожими на гораздо более старые узоры. Это предполагает две одновременные формы выражения: одну чисто эстетическую и абстрактную, а другую символическую, репрезентативную и, возможно, требующую более сложного познания.
Забегая вперед, свиньи Сулавеси могут недолго оставаться старейшим изобразительным искусством.
В настоящее время Брамм подает заявку на финансирование для исследования островов между Сулавеси и Папуа-Индонезией, следуя по пути тех, кто впервые мигрировал вниз по цепи индонезийских островов и на северную оконечность Австралии около 65 000 лет назад. «Мы надеемся найти более ранние наскальные рисунки на этих неизведанных островах к востоку от Сулавеси», — говорит Брамм. Если картины действительно так же стары, как и первые жители Австралии, это предполагает, что путники несли художественное выражение по крайней мере в два раза дольше, чем думали некоторые археологи 19-го и 20-го веков.
Именно эти большие вопросы — и исторические поправки — вызывают интерес у археологов и других. «Это один из самых больших вопросов в археологии, — говорит Брамм. «Когда наши предки или близкие родственники начали производить разметку или формы на континууме искусства и почему они это делали?»
Сноски
- Принято 23 сентября 2021 г.
50 Известные картины и истории, связанные с ними
50 известных картин и истории, стоящие за ними
Изображение стоит тысячи слов, и, как и тексты, искусство часто предназначено для «прочтения» посредством критической деконструкции.Картины могут быть намного сложнее, чем кажутся на первый взгляд, и их трудно расшифровать, если зритель не говорит на одном языке. Иконография — символический язык данного произведения искусства — может быть изощренной и сложной, отражающей коллективное сознание или опирающейся на личный опыт художника. Зачем кому-то отказываться от письменного слова в пользу красок и холста? Американский художник 20-го века Эдвард Хоппер, похоже, нашел ответ. «Если бы я мог выразить это словами, — сказал он, — не было бы смысла рисовать.
Истории, рассказанные произведениями искусства — и о них — в буквальном смысле составляют романы. «Девушка с жемчужной сережкой» Иоганна Вермеера вдохновила на создание одноименного романа писательницы Трейси Шевалье.
Впоследствии по книге был снят фильм со Скарлетт Йоханссон в главной роли. Спустя почти 40 лет после того, как Ирвинг Стоун написал свой биографический отчет о жизни Микеланджело, «Код да Винчи» Дэна Брауна превратил жизнь и работу мастера эпохи Возрождения в суету предыдущих тысячелетий.
Сентябрь 2019 года ознаменовался выходом в широкий прокат новейшего представителя жанра: «Щегла», основанного на романе Донны Тартт, удостоенном Пулитцеровской премии. Книга рассказывает о выдуманной краже одноименной картины голландского художника Карела Фабрициуса после взрыва в нью-йоркском Метрополитен-музее. По иронии судьбы, Фабрициус погиб в результате разрушительного взрыва пороха в 1654 году, вскоре после завершения своей самой запоминающейся работы. Успех, которым пользовалась книга Тартта, поднял «Щегола» до статуса рок-звезды, собирая толпы, полные решимости мельком увидеть крошечную птичку, привязанную к тонкой цепи.[Примечание: картина Фабрициуса не представлена в галерее Стакера.
]
Stacker курировал этот список некоторых из самых известных в мире изображений и увлекательных историй, стоящих за ними. Прокрутите список и узнайте, какие картины возмутили Париж, были разграблены нацистами и вдохновили на создание популярного бродвейского мюзикла.
Вам также может понравиться: 51 женщина, получившая Нобелевскую премию
Что посмотреть за час
Обратите внимание: произведения искусства иногда пропадают из поля зрения для визуализации, лечения или передачи в другие учреждения.Нажмите на изображения, чтобы убедиться, что работа в данный момент просматривается.
Грант Вуд
Одна из самых известных американских картин всех времен, этот двойной портрет Гранта Вуда дебютировал в Художественном институте в 1930 году, принеся художнику приз в размере 300 долларов и мгновенную известность. Многие думают, что пара — муж и жена, но Вуд имел в виду, что пара — это отец и его дочь.
(Его сестра и дантист служили ему моделями.) Он задумал этот холст эпохи Великой депрессии как положительное заявление о сельских американских ценностях во времена разочарования.
Пока мы работаем над улучшением галерей 262–265, Американская готика можно найти в Скульптурном дворе.
Американская готика (тур Essentials)
Ваш браузер не поддерживает тег audio. РАССКАЗЧИК:
Художник Грант Вуд случайно обнаружил дом на этой картине. Об этом рассказывает Джудит Бартер, председатель совета директоров Филд-Маккормик и куратор отдела американского искусства.
ДЖУДИТ БАРТЕР:
Ну, однажды он катался по стране и нашел этот замечательный дом в стиле неоготики. И это замечательный дом — я бы купил его в мгновение ока. И он сказал, что хочет нарисовать идеальную пару, которая будет жить в таком доме.
Поэтому он нанял своего дантиста и сестру позировать для этой фотографии.
РАССКАЗЧИК:
Как сказал художник:
АКТЕР (ГРАНТ ВУД):
Я представил американских готических людей с вытянутыми лицами, чтобы идти с этим американским готическим домом.
ДЖУДИТ БАРТЕР:
Грант Вуд никогда не говорил, были ли это муж и жена или отец и дочь. На ней фартук, а с левой стороны картины ее цветочные горшки и домашние дела. Он справа, со своими вилами, вероятно, направился к сараю, который также находится в правой части картины. Поверх полукомбинезона, который указывает на то, что он фермер, он носит классическую рубашку и, вероятно, свой единственный пиджак, наряжаясь для этой фотографии. И она носит свой лучший фартук и семейную камею.
По иронии судьбы, в 1930 году эта аккуратная маленькая фермерская пара уже была вымирающим видом. В 1920 году эта страна была преимущественно городской, а не сельской. И особенно в начале 1930-х годов, в разгар Великой депрессии, молодежь покидала фермы.
Эта пара была бы как бы оставлена в пыли.
РАССКАЗЧИК:
Это произведение читается как сатира на американскую мечту… и прославление образа жизни, который быстро исчезал.
JUDITH BARTER:
Люди в Чикаго любили эту фотографию, потому что она была для них чем-то чуждым.Это, конечно, была американская сцена, но люди, живущие в больших городах, не очень хорошо к ней относились. И они находили это довольно экзотичным и забавным, поэтому оно было довольно популярным.
Жорж Сера
На своей самой большой и самой известной картине Жорж Сёра изобразил парижан, наслаждающихся всевозможными видами досуга — прогулками, отдыхом, парусным спортом и рыбалкой — в парке под названием Гранд-Жатт на реке Сена.Он использовал новаторскую технику под названием пуантилизм, вдохновленную оптикой и теорией цвета, нанося крошечные мазки краски разного цвета, которые зрители видят как единый, и, как полагал Сера, более яркий оттенок.
Посмотреть эту работу можно в Галерее 240.
Воскресенье на Гранд-Жатт — 1884 г. (тур Essentials)
Ваш браузер не поддерживает тег audio. РАССКАЗЧИК:
Возможно, это самое знаковое произведение искусства в Художественном институте.Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин, куратор и заведующий кафедрой европейской живописи и скульптуры.
ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
То, что вы видите, это множество разных фигурок. И эти цифры представляют разные сферы жизни. Они собрались здесь, на берегу Сены, воскресным днем, и большинство из них в лучшем воскресном наряде.
Из-за цвета кажется очень живым. Но на самом деле никто не двигается. Там действительно тишина. Сёра хотел извлечь из современной жизни, очистить ее.И сделать, по его словам, наподобие фриза Парфенона, но с использованием современных людей во всех их чертах.
РАССКАЗЧИК:
Здесь есть загадки: слева канотье в кепке кажется непропорционально большим по сравнению с парой, сидящей рядом с ним. Почему маленькая девочка в оранжевом единственная запечатлена в движении? Что это за две оранжевые фигуры справа?
ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Для нас это загадочная картина. Это то, к чему мы возвращаемся снова и снова.Вы никогда не устанете от этого. Поскольку вы всегда находите что-то еще необычное, это заставляет вас иначе думать о том, что, как вы думали, вы знали. И это, я думаю, признак великой картины.
РАССКАЗЧИК:
Сёра использовал технику под названием «пуантилизм», и это то, чем он известен. Он рисовал крошечными точками, часто в дополнительных цветах.
ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Если бы вы были художником-авангардистом в конце 19 века, вы бы подумали о комплементариях на цветовом круге.Такие фиолетовые и желтые, синие и оранжевые, красные и зеленые. И когда вы кладете их рядом друг с другом и не смешиваете, они мерцают.
И вот он разбивает поверхность этими маленькими точками пигмента. И в этом его совершенно иной подход к живописи. И каждому художнику после «Гранд-Жатте» приходилось считаться с тем, какой должна быть картина, и как нам теперь принять эту новую технику.
Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.Hero Construction , созданная в 1958 году, всего через год после того, как чикагский скульптор Ричард Хант окончил Школу Института искусств, состоит из найденных предметов — старых труб, кусков металла и автомобильных деталей — которые художник обнаружил в свалки и на улице.Вдохновленная мифологией и героическими скульптурами прошлого и настоящего, сварная фигура предлагает героя нашего времени, скромного, но стойкого перед лицом прошлой, настоящей и будущей несправедливости и неуверенности.
См. Геройская конструкция на парадной лестнице Женского совета.
Эдвард Хоппер
Эта культовая картина с изображением ночной закусочной, на которой три посетителя сидят вместе и при этом кажутся полностью изолированными друг от друга, стала одним из самых известных изображений искусства 20-го века.Хоппер сказал о загадочной работе: «Вероятно, бессознательно я рисовал одиночество большого города».
Пока мы работаем над улучшением галерей 262–265, «Ночные ястребы» можно увидеть во Дворе скульптур.
Nighthawks (тур по основам)
Ваш браузер не поддерживает тег audio. РАССКАЗЧИК:
Джудит Бартер, Филд Маккормик Председатель и куратор, Американское искусство.
ДЖУДИТ БАРТЕР:
«Полуночники» — действительно захватывающая картина. Такая американская картина. Американскость проявляется во многих деталях: реклама сигар Phillies над закусочной.
Солонки, массивные фарфоровые кружки. Держатели для салфеток. Большие кофейники сзади. Придурок с газировкой в кепке. Это то, какой была Америка и что ей нравилось в 30-х и 40-х годах.
РАССКАЗЧИК:
Но присмотритесь. Есть что-то нереальное и отталкивающее в сцене с Эдвардом Хоппером.
ДЖУДИТ БАРТЕР:
Выглядит настоящим, но это не так. Нет ощущения настоящей глубины. Когда вы пытаетесь углубиться в эту картину, она выталкивает вас обратно на поверхность. Он использует кислотно-зеленый против ярко-желтого и оранжевого — красное платье женщины с оранжевыми волосами. Они наводят на вас оскомину, но они работают вместе; он был блестящим колористом.] И если вы посмотрите на закусочную, там нет ни входа, ни выхода, кроме как через оранжевую дверь, которая якобы ведет на кухню. Так что это своего рода герметичная среда с этими четырьмя людьми в этой закусочной ночью.
РАССКАЗЧИК:
И… никто не говорит. У многих «Ночные ястребы» вызывают чувство одиночества.
Но сам Хоппер не согласился с этой интерпретацией. В интервью он сказал.
[ЭДВАРД ХОППЕР АРХИВНОЕ АУДИО]:
Думаю, это слова критиков. Это может быть правдой, это может быть неправдой. Так зритель смотрит на фотографии. Что он в них видит.
ДЖУДИТ БАРТЕР:
То, что я вижу в Хоппере, — это чувство обычного человека. Что любой из нас может сидеть в этой закусочной.на самом деле это идея о том, что мы индивидуальности, но у нас также есть и коллективное сознание. Я думаю, что люди просто относятся к повседневности этого. Они могут представить себя на этих фотографиях.
Джордан Кастил из Нью-Йорка известна своими выразительными и чувственными изображениями людей, с которыми она сталкивается в своей повседневной жизни. Ее портрет бывшего президента, Барака , был нарисован, чтобы сопровождать интервью 2020 года в Atlantic с Обамой.
Как картина культовой личности, Барак несколько выделяется в ее творчестве. Кроме того, в отличие от других ее портретов, он основан на фотографии, сделанной не самой художницей. И все же процесс рисования оставался интимным и сопереживающим: как заметил Кастил, «есть еще один уровень «знания», который возникает, когда вы тратите время на то, чтобы нарисовать чье-то подобие».
См. Barack в галерее 295.
Барак, 2020 г.
Ваш браузер не поддерживает тег audio.Рассказчик: Это Художественный институт Чикаго представляет. И сегодня мы представляем Джордана Кастил.
Джордан Кастил: Сделать портрет — значит детально продумать слои человеческого существования.
[Музыкальный фрагмент]
Рассказчик: Это Джордан Кастил, художница из Нью-Йорка, известная своими интимными портретами повседневной жизни людей в своем районе и вокруг него.
Кастил часто рисует картины почти в натуральную величину, изображая своих героев в их домах, в общественном парке или в метро — места, которые характеризуют нашу повседневную жизнь.В результате предметы Кастил кажутся привлекательными, как будто они приветствуют вас в своем доме или позволяют вам стать свидетелем личного момента. И в этом есть смысл, потому что решение Кастил сосредоточиться на портретной съемке проистекает из его пожизненной инвестиции в людей.
Джордан Кастил: Меня всегда интересовали люди, мне всегда были интересны отношения между людьми, что движет ими, что делает их счастливыми, что делает человека человеком и делает нас нашими. самые глубокие версии нас самих.
Рассказчик: Хотя Кастил не указывает ни на один конкретный момент, который заставил бы ее заняться портретами, произведения искусства, с которыми она выросла в своем доме, определенно повлияли на нее.
Джордан Кастил: Так, например, у моих родителей есть гравюра Чарльза Уайта «Мать и дитя», которую я очень отчетливо помню, глядя на нее и чувствуя себя знакомой.
Мое родство с собственной матерью я понял еще в юном возрасте. Так что это был тип портретной живописи, и то, что зажигало во мне чувство принадлежности к определенным пространствам, заключалось в том, что я просто видел простое изображение чего-то, что казалось мне знакомым из моего собственного опыта или моего собственного образа жизни.
Рассказчик: Знакомство в репрезентации — важный момент для Кастила. Совершите экскурсию по Художественному институту или большинству художественных музеев, и вы увидите множество портретов, но, как правило, богатых, довольно состоятельных белых людей. Это история, с которой Кастил сталкивается в своей работе.
Джордан Кастил: Есть истории, которые никогда не рассказываются и часто игнорируются. И мне всегда интересны истории, которые не были рассказаны, поэтому, глядя на обширность истории, которую я узнал, с точки зрения истории искусства, я очень редко сталкивался с историями, которые были похожи на мою собственную.И теперь я могу переписать это, просто будучи тем, кто я есть, и рисуя то, что я хочу рисовать.
Рассказчик: Сейчас в Художественном институте мы действительно думаем о силе портретной живописи и ее истории. На момент создания этого эпизода в музее экспонируются портреты президента Барака Обамы и Мишель Обамы из коллекции Национальной портретной галереи, сделанные Кехинде Уайли и Эми Шеральд. И в то же время у нас есть один из портретов президента Обамы, сделанный Кастилом.Поэтому мы хотели узнать у Кастил, как она смотрит на портреты и думает о них, когда посещает музей. Первое, на что она указала, это то, что портрет никогда не бывает просто портретом.
Джордан Кастил: Я думаю о каждой картине как о совместной работе художника и человека, которого он представляет. Так что, поскольку мы видим человека в кадре, если мы говорим о портрете, есть создатель изображения, и создатель изображения работал над многими решениями в процессе создания этой картины.
Рассказчик: Но там, где я мог бы начать, скажем, с выражения лица или его глаз, Кастил начинает с чего-то гораздо более конкретного, чем это.
Джордан Кастил: Когда я впервые подхожу к картине, я думаю, что обычно меня привлекает сама краска. Материал, цвета, формы, отношения между формами. Сначала это композиционная ничья, в которую я втянулся. Это сплошной фон, это текстурированный фон, какие различия между этими жестами заставляют меня чувствовать? И что это чувство говорит о том, кто этот человек, которого они представляют? И где я хочу дольше всего отдыхать глазами в пределах холстовой рамы? Вот почему я люблю рисовать, это просто вопросительный знак.
Рассказчик: Акцент на композиции и цвете действительно может помочь нам, когда мы смотрим на портрет Барака Обамы, сделанный Кастил в прошлом году. Хотя Кастил обычно работает с фотографиями, с этой картиной перед ней стояла непростая задача выбрать одно изображение из тысяч из Белого дома.
Джордан Кастил: Здесь полно изображений Барака Обамы. И у меня появилась возможность посидеть и просмотреть их, я сократил их до четырех или пяти, а затем из этих четырех или пяти остался один.
Рассказчик: Фотография, на которую она приземлилась, была сделана фотографом Питером Соуза, и в отличие от портрета Уайли, где взгляд направлен прямо и вы видите фигуру президента в полный рост, портрет Кастил обрезан очень близко, а президент Обама задумчив, его глаза опущены. или, возможно, закрыто. Это преднамеренный выбор, который перекликается с другими ее портретами, особенно с пассажирами метро Нью-Йорка.
Джордан Кастил: Есть слой дистанции и признания дистанции, но есть и близость.Это привлекает вас только тем, что вы можете увидеть очень конкретную точку зрения. И эта точка зрения принадлежит мне, зрителю, почему я хочу, чтобы вы так ясно видели его лицо, его ухо и взгляд очень далекий, и все же есть ощущение знания. Этот фокус кадра, сжатость и сжатие кадра позволяют вам действительно избавиться от отвлекающих факторов, которые в противном случае могли бы присутствовать.
Джордан Кастил: Эта картина была возможностью разоблачить и испытать близость, которая у меня не обязательно есть и к которой у меня не было доступа в буквальном смысле.
Если я не могу буквально стоять перед Бараком Обамой, как бы это выглядело и чувствовалось, если бы я мог?
Рассказчик: Для Кастил портрет — это возможность исследовать уникальную перспективу художника, а также быть приглашенным в мир изображенного человека. И, наслаждаясь этим миром, мы можем открыть что-то новое и глубокое в этом человеке и в себе.
Джордан Кастил: Я думаю, что сниматься на портрете в качестве зрителя — значит находиться в среде, которую вы раньше не видели.Хотя вы, возможно, видите что-то впервые, в этом может быть что-то знакомое. Определите это, найдите и попытайтесь назвать это, а затем распознайте это в связи с тем, что вы не поняли. Я думаю, что каждый портрет — это возможность для исследования и чувство познания и проникновения в дом, разум или окружение кого-то другого.
КРЕДИТЫ
Этот эпизод был спродюсирован и отредактирован мной, Эндрю Мериуэзером, при координирующей помощи Бронуин Кеулер.Мы хотим выразить особую благодарность Джордану Кастилу и галерее Кейси Каплан, а также Джо Айверсону.
Это производство Art Institute Presents, вы можете найти все наши выпуски подкастов на Spotify или там, где вы слушаете подкасты.
Пабло Пикассо
Картина Пабло Пикассо «Старый гитарист » — произведение его «Голубого периода» (1901–04).В это время художник ограничился холодной монохромной синей палитрой и плоскими формами, взяв за основу темы страдания и отчуждения, вдохновленные такими художниками, как Эдвард Мунк и Поль Гоген. Удлиненная угловатая фигура также связана с интересом Пикассо к испанскому искусству и, в частности, к великому художнику XVI века Эль Греко. Изображение отражает личное сочувствие 22-летнего Пикассо бедственному положению обездоленных; он знал, каково это быть бедным, будучи почти без гроша в течение всего 1902 года.
См. Старый гитарист в галерее 391.
Старый гитарист (тур Essentials)
Ваш браузер не поддерживает тег audio. РАССКАЗЧИК:
Стефани Д’Алессандро, Гэри С. и Фрэнсис Комер Куратор Международного отдела современного искусства.
STEPHANIE D’ALESSANDRO:
Вы смотрите на «Старого гитариста» Пабло Пикассо, конец 1903–1904 годов.Это картина человека, который своими запавшими глазами и закрытыми веками кажется слепым, играющим на гитаре. Может быть, его рот немного приоткрыт и поет, а может быть, он дышит. Может быть, из-за голубого цвета, может из-за исхудалости его тела и его угловатого положения, как бы втиснутого в эту композицию, — но в картине есть и эмоциональный уровень.
Синий цвет был важным цветом для многих художников, художников, заинтересованных в вызывающих воспоминания чувствах, личной субъективности или психологии.Пикассо был такой же частью этого, как и все остальное.
РАССКАЗЧИК:
Посмотрите, как Пикассо использует белые блики, чтобы подчеркнуть изможденность тела фигуры. Как в композиции, так и в тонком изображении фигуры Пикассо отсылает к великому испанскому художнику 16-го века Эль Греко.
СТЕФАНИ Д’АЛЕССАНДРО:
Пикассо был человеком, очень чувствительным к бедственному положению обездоленных. Сам он в то время был борющимся артистом и, конечно же, сочувствовал бы таким людям, как этот старый гитарист, который был бы изгоем в обществе.
Это не только удивительная картина Пикассо, но и самая первая картина, приобретенная американским музеем. И это было началом того, что Чикаго стал известен как место современного искусства.
Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android. Винсент Ван Гог
Эта залитая солнцем композиция с яркой палитрой, драматической перспективой и динамичной манерой письма изображает спальню Ван Гога в его доме в Арле, Франция, его первом собственном доме.
Ван Гог назвал его «Студией Юга» в надежде, что к нему присоединятся друзья и художники. Он сразу же приступил к работе над домом и нарисовал эту сцену в спальне как часть своего плана декорирования. Ван Гогу так понравилось это изображение, что он написал три разные версии — две другие хранятся в коллекциях Музея Ван Гога в Амстердаме и Музея Орсе в Париже.
См. Спальня для просмотра в галерее 241.
Спальня (тур по основам)
Ваш браузер не поддерживает тег audio. РАССКАЗЧИК:
Глория Грум, Дэвид и Мэри Уинтон Грин Куратор и заведующий кафедрой европейской живописи и скульптуры.
ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Я думаю, что одной из причин, по которой люди так притягиваются к этому, является предмет. Я имею в виду, что Ван Гог рисует свою спальню своими картинами и мебелью, которую он купил.
РАССКАЗЧИК:
Это была спальня Винсента Ван Гога в его доме в Арле, где он жил в конце 1880-х годов.
Там он мечтал создать коллектив художников — «Студию Юга». Поначалу он был полон большого оптимизма по поводу начинания и идеи наконец-то найти место, которое можно было бы назвать домом.
Сама комната проста, почти аскетична. В письме своему брату Тео он написал:
АКТЕР (ВИНСЕНТ ВАН ГОГ):
Вы, наверное, сочтете интерьер самым уродливым, пустая спальня с деревянной кроватью и двумя стульями — и все же я дважды рисовал ее в большом масштабе.
РАССКАЗЧИК:
На самом деле Ван Гог считал эту картину одной из своих лучших.Куратор Глория Грум.
ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Он делает это таким интересным и привлекательным, и в то же время [довольно неприятным. То, как ложится краска, ее ломкость. Крайняя радикальность растопыренных половиц. Есть какая-то… я бы не сказал жуткая, но определенно неловкость, неустроенность по этому поводу.
РАССКАЗЧИК:
Это беспокойство, вероятно, связано с душевным состоянием Ван Гога в то время. Он написал эту работу после того, как у него случился психический срыв, он вышел из дома и был госпитализирован с психическим заболеванием.
ГЛОРИЯ ЖЕНИХ:
Он в приюте. [Его] мечты были разрушены. Он знает, что у него никогда, никогда не будет такого собственного дома… это спальня с мебелью, которую вы можете себе представить в любой спальне, но то, как она окрашена, делает ее живой. Это придает еще одно ощущение волнения, о котором мы просто не думаем в искусстве того периода. Это очень необычно.
Южногерманский, Нюрнберг, около 1520
Оказавшись в пылу битвы с поднятым мечом и вздыбленной лошадью, эта фигура верхом может соответствовать многим представлениям о рыцаре в сияющих доспехах, но на самом деле представляет собой обычного наемного солдата.Доспехи для человека и лошади были произведены в Нюрнберге, Германия, в 16 веке, но одежда была тщательно воссоздана в 2017 году по старинным эскизам. Ищите специальные поножи: между двумя кусками полотна вшиты небольшие стальные пластины для защиты ног солдата.
Вы также заметите брызги грязи и копоти с поля боя.
См. Полевой доспех для человека и лошади в галерее 239.
Куба
Плотно окрашенная маска Кубы с геометрическим рисунком представляет собой нгади мвааш , идеализированное изображение женщины, которая чтит роль женщины в жизни Кубы. Ngady mwaah чаще всего появляется как часть трио королевских масок в реконструкциях происхождения Королевства Куба, которые устраиваются на публичных церемониях, инициациях и похоронах. В этих маскарадах нгади мвааш танцует вместе с маской mooshamb-wooy , которая представляет короля (который является одновременно ее братом и мужем), и маской bwoom . Мужские персонажи в масках, такие как bwoom , демонстрируют агрессию и тяжесть, в то время как женские персонажи, такие как ngady mwaash , танцуют чувственно и грациозно, хотя маску всегда носит мужчина.
См. этот ngady mwaash в галерее 137.
Нагапаттинам, период Чола
Эта статуя Будды XII века происходит из прибрежного города Нагапаттинам на юге Индии, где процветали буддийские монастыри, привлекавшие монахов из дальних стран. Он сидит в позе лотоса в медитации, положив руки и ноги друг на друга. Знак на его лбу называется урной, что отличает Будду как великого существа.
Посмотреть эту работу можно в Галерее 140.
Будда Шакьямуни, сидящий в медитации (Дхьянамудра) (Тур по основам)
Ваш браузер не поддерживает тег audio.МАДХУВАНТИ ГХОШ: Когда вы входите в галереи Альсдорфа, скульптура, которая бросается в глаза, — это очень большой Будда, сидящий в медитации.
РАССКАЗЧИК: Мадхуванти Гош, помощник куратора индийского, юго-восточноазиатского, гималайского и исламского искусства Alsdorf.
МАДХУВАНТИ ГХОШ: Это первая скульптура, которую я решил установить в этих галереях, потому что ее расположение определяло, как все остальное поместилось вокруг.
{музыкальная пауза} Итак, Будда стоит перед скульптурами из Юго-Восточной Азии, которые вы видите по обе стороны от него. В честь него я поставил перед ним пару тайских монахов. {пауза} Что действительно красиво в нем, так это то, что на его теле есть эти отметины — эти 32 отметины, которые должны быть у особых существ.
РАССКАЗЧИК: Если вы посмотрите между глазами Будды, вы увидите одну из этих отметин. Маленькая точка, называемая урной, является знаком божественного видения. На ладонях его рук можно увидеть символ чакры или колеса закона.
РАССКАЗЧИК: Теперь начните обходить скульптуру. Со стороны вы заметите его необычайно большие уши, кудри, похожие на ракушки, и пылающий узел на макушке, символизирующий духовное знание. Когда вы будете двигаться к задней части Будды, вы увидите надпись на его спине.Надпись, вероятно, является посвящением от человека или о человеке, который подарил эту скульптуру ее первоначальному месту, монастырю в портовом городе Нагапаттинам, недалеко от юго-западной оконечности Индии.
МАДХУВАНТИ ГХОШ: К сожалению, он совершенно неразборчив, поэтому мы пока не можем его расшифровать. Но это также помогает нам понять, что эта скульптура должна была стоять где-то в круглом месте. Паломники могли бы совершить обход вокруг Будды, и именно так вы чтите священное существо.
МАДХУВАНТИ ГХОШ: Я надеюсь, что, увидев этого прекрасного большого Будду, вы на мгновение просто замолчите и оцените то, что отстаивал Будда… его идеалы.
Прослушайте полный тур по нашему приложению, доступному для Apple и Android.Джорджия О’Киф (американка, 1887–1986)
Написанная летом 1965 года, когда Джорджии О’Киф было 77 лет, эта монументальная работа завершает серию работ художницы, основанную на ее опыте пассажира самолета в 1950-х годах.Охватывая всю 24-футовую ширину гаража О’Киф, работа не покидала Художественный институт с тех пор, как попала в здание — из-за своего размера и из-за своего статуса важной иконы.
См. Небо над облаками IV для просмотра в галерее 249.
Студии Тиффани
Более 100 лет назад Агнес Ф. Нортроп спроектировала монументальное Мемориальное окно Хартвелла для Tiffany Studios по заказу Мэри Хартвелл в честь ее мужа Фредерика Хартвелла для Центральной баптистской церкви Провиденс, Род-Айленд (ныне Сообщество церковь Провидения).Окно, состоящее из 48 панелей и множества различных типов стекла, вдохновлено видом из семейного дома Фредерика Хартвелла недалеко от горы Чокоруа в Нью-Гэмпшире. Величественная сцена запечатлела преходящую красоту природы — солнце, садящееся за гору, текущую воду и пятнистый свет, танцующий сквозь деревья — в замысловатой композиции из ярко окрашенного стекла.
См. Мемориальное окно Хартвелла на верхней части Большой лестницы Женского совета.
Мемориальное окно Хартвелла на обозрении в Художественном институте Чикаго
Американская готика | Художественный институт Чикаго
американская готикаДата:
1930
Исполнитель:
Грант Вуд
Американец, 1891–1942 гг.
Об этой работе
Это знакомое изображение впервые было выставлено публично в Художественном институте Чикаго, что принесло Гранту Вуду приз в триста долларов и мгновенную известность.Толчок к написанию картины возник во время визита Вуда в небольшой городок Элдон в его родной Айове. Там он заметил небольшой деревянный фермерский домик с одним огромным окном, выполненный в стиле плотницкой готики. «Я представлял себе американских готических людей с вытянутыми лицами, чтобы они подходили к этому американскому готическому дому», — сказал он. Он использовал свою сестру и своего дантиста в качестве моделей для фермера и дочери, одевая их так, как будто они были «тинтайпами из моего старого семейного альбома». Чрезвычайно детализированный, отточенный стиль и жесткая фронтальность двух фигур были вдохновлены искусством фламандского Возрождения, которое Вуд изучал во время своих путешествий по Европе между 1920 и 1928 годами.Вернувшись, чтобы поселиться в Айове, он стал все больше ценить традиции и культуру Среднего Запада, которые он прославлял в таких произведениях, как эта.
Американская готика , которую часто понимают как сатирический комментарий к персонажу Среднего Запада, быстро стал одной из самых известных картин Америки и теперь прочно укоренился в популярной культуре страны. Тем не менее, Вуд задумал это как положительное заявление о сельских американских ценностях, образ утешения во времена великих потрясений и разочарований.Мужчина и женщина, в их твердом и хорошо продуманном мире, со всеми их сильными и слабыми сторонами, представляют собой выживших.
Статус
- На просмотре, Галерея 161
Департамент
- Искусство Америки
Художник
- Грант Вуд
Титул
- американская готика
Происхождение
- Соединенные Штаты
Дата
- Сделано в 1930 г.
Средний
- Масло на бобровой доске
Надписи
- Подпись и дата внизу справа на комбинезоне: GRANT/WOOD/1930
Размеры
- 78 × 65.3 см (30 3/4 × 25 3/4 дюйма)
Кредитная линия
- Коллекция друзей американского искусства
Справочный номер
- 1930. 934
934Расширенная информация об этом произведении
История публикаций
- «Призы на ежегодной американской выставке», Бюллетень Художественного института Чикаго, 24, вып.9 (декабрь 1930 г.): 120.
- Бюллетень Художественного института Чикаго 25, вып. 2 (февраль 1931 г.): обложка (илл.), 8, 25.
- «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Художественного института Чикаго: отчет за 1931 год, 26 вып. 2 (февраль 1932 г.): 70.
- «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Художественного института Чикаго: отчет за 1933 г. 28, вып. 3 (март 1934 г.): 71, 73.
- «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Художественного института Чикаго: отчет за 1934 г. 29, вып.3 (март 1935 г.): 72.
- «Ссуды другим музеям и учреждениям», Бюллетень Художественного института Чикаго: отчет за 1935 г. 30, вып. 3 (март 1936 г.): 68.
- Фредерик А. Свит, «Полвека американского искусства», Бюллетень Института искусств Чикаго, 33, вып. 6 (№ 1939): 97.
- Анита Бреннер, «Есть ли американское искусство?», Журнал New York Times (23 ноября 1941 г.), илл. п. 13.
- Фредерик С. Уайт, Вехи американской живописи в наш век, введение Ллойда Гудрича (Бостон: Институт современного искусства с Chanticleer Press, Нью-Йорк, 1949), 30, 74, ил.пл. 21, 75.
- Алин Б. Луххейм, «Житель Нью-Йорка посещает Художественный институт», The Art Institute of Chicago Quarterly 46, no. 2 (1 апреля 1952 г.): 23.
- «Люди и события: портреты на телевидении», The Art Institute of Chicago Quarterly 50, no. 2 (1 апреля 1956 г.): 39.
- Анри Дорра, Американская муза (Viking Press, 1961), 124, ил. п. 156.
- «Летние беседы в галерее», Календарь Художественного института Чикаго, 65, вып. 3 (май – август 1971 г.): 18.
- «Выбор лектора: пятнадцатиминутные беседы в галерее на лето», Бюллетень Института искусств Чикаго, 67, вып.3 (май-июнь 1973 г.): 11.
- Мэтью Байгелл, Американская сцена: американская живопись 1930-х годов (Praeger Publishers, 1974), 18, 109, 110, 111, илл. 1, 12.
- «Публичные лекции», Бюллетень Института искусств Чикаго, 69, вып. 4 (июль – август 1975 г.): 8.
- «Публичные лекции», Бюллетень Института искусств Чикаго, 73, вып. 5/6 (сентябрь – декабрь 1979 г.): 14.
- Ванда Корн, «Картина, ставшая символом национального духа», Smithsonian 11, 8 (ноябрь 1980 г.), 84–96, илл. п.85.
- Ванда М. Корн, Грант Вуд: Регионалистское видение, exh. Кот. (Миннеаполисский институт искусств / издательство Йельского университета, 1982), 3, 25–26, 33, 35, 60, 128–142, табл. 32.
- Ванда М. Корн, «Рождение национальной иконы: американская готика Гранта Вуда», Лекции к столетию Художественного института Чикаго, Музейные исследования 10 (Художественный институт Чикаго/Contemporary Books, Inc., 1983), 253 –275, рис. 1.
- Художественный музей Давенпорта, Айова, Грант Вуд: раскрытие американского мастера (Художественный музей Давенпорта/Pomegranate Books, 1995), 24, 69–73, 96–98, кат.16, пл. 16.
- Чикагский институт искусств, Чикагский институт искусств: живопись и скульптура двадцатого века, выбранные Джеймсом Н. Вудом и Тери Дж. Эдельштейн (Чикагский институт искусств, 1996), 67, илл.
- Джеймс М. Деннис, Регионалисты-отступники: современная независимость Гранта Вуда, Томаса Харта Бентона и Джона Стюарта Карри (University of Wisconsin Press, 1998), 14, 19–20, 100–02, рис. 7.
- Леа Россон Делонг, Grant Wood’s Main Street: Art, Literature and the American Midwest, exh.Кот. (Эймс, Айова: Художественный музей Брунье, Университетские музеи, 2004 г.), 17–18, 24, 27–29, 39, 97, 104, 106, 159, 203, 205, 207, рис. 12.
- Томас Ховинг, Американская готика: Биография американского шедевра Гранта Вуда (Chamberlain Bros., 2005).
- Стивен Бил, Американская готика: жизнь самой известной картины Америки (WW Norton & Co., 2005).
- Сью Тейлор, «Семейный альбом Гранта Вуда», American Art 19, 2 (лето 2005 г.): 48–67.
- Джудит А. Бартер и др., Американский модернизм в Художественном институте Чикаго, от Первой мировой войны до 1955 г. (Чикаго: Художественный институт Чикаго / издательство Йельского университета, 2009 г.), кат. 79.
- Лаура Хоптман, «Уайет: мир Кристины», «Один на один» (Музей современного искусства, 2012 г.), 4 (илл.).
- Duane Preble Emeritus et al., Prebles’ Artforms (Pearson, 2013), 11-е изд., 428. (илл.).
- Шанталь Джорджель, «Милле» (Citadelles et Mazenod, 2014), (илл.).
- Картины в Художественном институте Чикаго: основные моменты коллекции (Чикаго: Художественный институт Чикаго / издательство Йельского университета, 2017), 123.
- Джудит А. Бартер, «Пролог: Ein neue Welt der Kunst», в Es war einmal in Amerika – 300 Jahre US-Americanische Kunst [Однажды в Америке: три века американского искусства], под ред. Барбара Шефер и Анита Хахманн (Кельн: Wallraf-Richartz-Museum & Fondation Corboud/Wienand Verlag, 2018), 24, рис. 10 (илл.).
- Эндрю Грэм-Диксон, «Американская готика — тайна Среднего Запада Гранта Вуда», Christie’s, 22 октября 2019 г., https://www.christies.com/features/American-Gothic-A-Midwestern-mystery-10143- 1.aspx, (илл.).
- Марта Руис дель Арбол, изд., Джорджия О’Киф, экс. Кот. (Мадрид: Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, 2021), 66–67, рис. 45 (больной).
2 (февраль 1932 г.): 70.
2 (1 апреля 1952 г.): 23.
Корн, Грант Вуд: Регионалистское видение, exh. Кот. (Миннеаполисский институт искусств / издательство Йельского университета, 1982), 3, 25–26, 33, 35, 60, 128–142, табл. 32.
7.
(илл.).История выставки
- Художественный институт Чикаго, Сорок третья ежегодная выставка американской живописи и скульптуры, 30 октября – 14 декабря 1930 г. , кат. 207, ил.
- Сидар-Рапидс, Айова, февраль 1931 г.
- Академия изящных искусств Буффало, Художественная галерея Олбрайт, Двадцать пятая ежегодная выставка избранных картин американских художников, 26 апреля – 22 июня 1931 г., кат.139, ил. п. 26.
- Галерея изящных искусств Сан-Диего, Выставка современной восточной живописи [вероятно], c. июнь 1932 г., без кат.; Санта-Барбара, Калифорния, Мемориальная художественная галерея Фолкнера, ок. Август 1932 г.
- Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, картины и гравюры чикагских художников, 28 февраля – 30 марта 1933 г., кат. 37, больной. фронтиспис.
- Художественный институт Чикаго, выставка картин и скульптур «Век прогресса», 1 июня – 1 ноября 1933 г., кат. 666, пл. 92.
- Вашингтон, округ Колумбия, Коллекция Филлипса, ноябрь 1933 г. – февраль 1934 г.
- Филадельфия, Художественный музей Пенсильвании, 31 марта – 10 апреля 1934 г.
- Художественный институт Чикаго, Век прогресса Выставка картин и скульптур, 1 июня – 1 ноября 1934 г. , кат. 716.
- Чикаго, галереи Lakeside Press, ссудная выставка рисунков и картин Гранта Вуда, февраль – март 1935 г., кат. 33, больной. п. 23.
- Нью-Йорк, галереи Ferargil, выставка картин и рисунков Гранта Вуда, март – апрель 1935 г., кат. 15.
- Канзас-Сити, Миссури, Уильям Р.Галерея Нельсона, 2 октября – 8 ноября 1935 г.
- Далласский музей изящных искусств, Выставка столетия, 6 июня – 29 ноября 1936 г., кат. 15, больной. п. 64.
- Женский клуб Чикаго, 20 января 1937 г.
- Блумингтон, Иллинойс, Художественная выставка Центрального Иллинойса, 19 марта – 8 апреля 1939 г., кат. 106, ил. п. 29.
- Айова-Сити, Фестиваль изящных искусств, Iowa Union Lounge, Университет Айовы, выставка картин Гранта Вуда и Марвина Д. Коуна, 16–23 июля 1939 г., кат. 23.
- Художественный институт Чикаго, Полвека американского искусства, 16 ноября 1939 г. – 7 января 1940 г., кат.178, пл. 46.
- Блумфилд-Хиллз, Мичиган, Академия искусств Крэнбрука, 17 мая – 6 июня 1940 г.
- Нортгемптон, Массачусетс, Художественный музей Смит-колледжа, Американское искусство: аспекты американской живописи, 1900–1940, 12–22 июня , 1940, кот. 33.
- Художественный музей Вустера, Десятилетие американской живописи 1930–1940 гг., 18 февраля – 22 марта 1942 г., илл. п. 23.
- Художественная ассоциация Сидар-Рапидс, Мемориальная выставка Гранта Вуда, 1 сентября – 1 октября 1942 г., без кат. См. Cedar Rapids Gazette, 06.09.1942.
- Художественный институт Чикаго, Мемориальная выставка картин и рисунков Гранта Вуда, включенная в Пятьдесят третью ежегодную выставку американских картин и скульптур, 29 октября – 12 декабря 1942 г., кат.2, цвет больной. фронтиспис.
- Нью-Йорк, Музей современного искусства, портреты ХХ века, 8 декабря 1942 г. – 24 января 1943 г., с. 145, ил. п. 99.
- Балтимор, Мэриленд, 12 февраля – 7 марта 1943 г.
- Художественный музей Вустера, 17 марта – 19 апреля 1943 г.
- Бостон, Институт современного искусства, Ten Americans, 20 октября – 21 ноября 1943 г. , Кот. 29, больной.
- Сагино, Мичиган, Художественный музей Сагино, выставка американской живописи с колониальных времен до наших дней, 10 января – 15 февраля 1948 г., кат. 71, пл. 13.
- Далласский музей изящных искусств, известные американские картины, 9–31 октября 1948 г., n.pag., ill.
- Бостон, Институт современного искусства, Вехи американской живописи в нашем веке, c. 2 января – c. 3 марта 1949 г., кат. 21.
- Монреаль, Канада, 18 марта – 20 апреля 1949 г.
- Канадская национальная художественная выставка, 26 августа – 10 сентября 1949 г.
- Белойт, Висконсин, Колледж Белойт, 11 октября – 11 ноября 1949 г.
- Дейтон, Огайо, Дейтонский художественный институт, Художник и его семья, 3 марта – апрель 1950 г., кат.40.
- Сидар-Рапидс, Айова, Колледж Коу, Выставка столетия, 15 мая – 9 июня 1952 г., кат. 24.
- Нью-Йорк, Вильденштейн, Достопримечательности американского искусства, 1670–1950, 26 февраля — 28 марта 1953 г. , кат. 50, больной.
- Сиракузский музей изящных искусств, 125 лет американского искусства, 15 сентября – 11 октября 1953 г., кат. 59, больной. п. 18.
- Dubuque, IA, Художественная ассоциация Dubuque, «Тридцать лет Грант Вуда», 15–23 февраля 1955 г., кат. 9.
- Де-Мойн, Айова, Центр искусств Де-Мойна, Общение с искусством из коллекций Среднего Запада: американская и европейская живопись и скульптура, 1835–1955 гг., 13 октября – 6 ноября 1955 г., кат.20, больной.
- Давенпорт, Айова, Муниципальная художественная галерея Давенпорта, Грант Вуд и американская сцена, 3–24 февраля 1957 г., кат. 5, больной. п. 5.
- Лейк-Форест, Иллинойс, Художественный институт Дюранда, Колледж Лейк-Форест, Век американской живописи: шедевры, предоставленные Художественным институтом Чикаго, 10–16 июня 1957 г., кат. 24.
- Бруклинский художественный музей, Лицо Америки: история портретной живописи в Соединенных Штатах, 13 ноября 1957 г. — 26 января 1958 г., кат. 92, рис. 41.
- Вашингтон, округ Колумбия, Художественная галерея Коркоран, Американская муза: параллельные тенденции в литературе и искусстве, 4 апреля – 17 мая 1959 г., кат.130.
- Художественный институт Чикаго, Искусство в Иллинойсе, В честь полувековой годовщины Иллинойса, 15 июня – 8 сентября 1968 г., с. 10.
- Художественный институт Чикаго, 100 художников, 100 лет: выпускники SAIC, выставка столетия, 23 ноября 1979 г. — 20 января 1980 г., кат. 112, ил. п. 35.
- Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Грант Вуд: Видение регионалиста, 16 июня – 4 сентября 1983 г., кат. 25, пл. 32; Институт искусств Миннеаполиса, 25 сентября 1983 г. — 1 января 1984 г.; Художественный институт Чикаго, 21 января – 15 апреля 1984 г .; Сан-Франциско, М.Мемориальный музей Х. ДеЯнга, 12 мая – 12 августа 1984 г.
- Омаха, Небраска, Художественный музей Джослин, Грант Вуд: раскрытие американского мастера, 10 декабря 1995 г. – 25 февраля 1996 г., кат. 14, пл. 16; Давенпорт, Айова, Художественный музей Давенпорта, 23 марта – 8 сентября 1996 г.; Вустер, Массачусетс, Художественный музей Вустера, 6 октября – 31 декабря 1996 г.
- Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Американский век: искусство и культура, 1900–1950 гг., 23 апреля – 22 августа 1999 г., кат. 435, цвет илл. п. 225.
- Сидар-Рапидс, Айова, Художественный музей Сидар-Рапидс, Грант Вуд, 5 Turner Alley, 10 сентября – 4 декабря 2005 г.
- Галерея Ренвик, Смитсоновский институт, Студия Гранта Вуда: место рождения американской готики, 10 марта – 11 июня 2006 г. 2009.
- Художественный институт Чикаго, Америка После падения: живопись 1930-х годов, 5 июня – 18 сентября 2016 г .; Париж, Музей оранжереи, 15 октября 2016 г. – 30 января 2017 г.; Лондон, Королевская академия, 25 февраля — 4 июня 2017 г., кат. 47.
- Нью-Йорк, Музей американского искусства Уитни, Грант Вуд: американская готика и другие басни, 2 марта — 10 июня 2018 г., без кат., пл. 33, контрольный список с. 259.
, кат. 716.
, Кот. 29, больной.
, кат. 50, больной.
92, рис. 41.
16; Давенпорт, Айова, Художественный музей Давенпорта, 23 марта – 8 сентября 1996 г.; Вустер, Массачусетс, Художественный музей Вустера, 6 октября – 31 декабря 1996 г.
33, контрольный список с. 259.Происхождение
Художник; продан Художественному институту Чикаго, ноябрь 1930 г.
Мультимедиа
Образовательные ресурсы
Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований.
Чтобы помочь улучшить эту запись, пожалуйста, напишите по электронной почте. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.
Беременность после 35 лет: здоровые мамы, здоровые дети
Беременность после 35 лет: здоровые мамы, здоровые дети
Планируете ли вы беременность после 35 лет? Поймите проблемы пожилых матерей и узнайте, что нужно для здоровой беременности.
Персонал клиники Майо Если вы старше 35 лет и надеетесь забеременеть, вы в хорошей компании. Многие женщины откладывают беременность до 30 лет и старше и рожают здоровых детей.
Соблюдение особой осторожности может помочь дать вашему ребенку наилучший старт.
Понимание рисков
Биологические часы — это факт жизни, но в возрасте 35 лет нет ничего волшебного. Это просто возраст, в котором различные риски становятся более достойными обсуждения. Например:
- Беременность может занять больше времени. Вы родились с ограниченным количеством яйцеклеток. Когда вам исполнится от середины до 30 лет, количество и качество ваших яйцеклеток снижается. Кроме того, яйцеклетки пожилых женщин не так легко оплодотворяются, как яйцеклетки молодых женщин. Если вы старше 35 лет и не можете забеременеть в течение шести месяцев, подумайте о том, чтобы обратиться за советом к своему лечащему врачу.
- Вероятность многоплодной беременности выше. Вероятность рождения близнецов увеличивается с возрастом из-за гормональных изменений, которые могут привести к одновременному высвобождению нескольких яйцеклеток. Использование вспомогательных репродуктивных технологий, таких как экстракорпоральное оплодотворение, также может сыграть свою роль.
- У вас больше шансов заболеть гестационным диабетом. Этот тип диабета, возникающий только во время беременности, чаще встречается у женщин по мере взросления. Необходим жесткий контроль уровня сахара в крови с помощью диеты и физической активности. Иногда нужны и лекарства. При отсутствии лечения гестационный диабет может привести к тому, что ребенок вырастет значительно больше, чем в среднем, что увеличивает риск травм во время родов.Гестационный диабет также может увеличить риск преждевременных родов, высокого кровяного давления во время беременности и осложнений у вашего ребенка после родов.
- Во время беременности у вас повышается кровяное давление. Исследования показывают, что высокое кровяное давление, которое развивается во время беременности, чаще встречается у пожилых женщин. Ваш лечащий врач будет тщательно следить за вашим артериальным давлением, а также за ростом и развитием вашего ребенка. Вам потребуются более частые визиты к акушеру, и вам, возможно, придется родить раньше срока, чтобы избежать осложнений.
- У вас больше шансов родить ребенка с низким весом при рождении и преждевременных родов. Недоношенные дети, особенно те, кто родился раньше, часто имеют сложные медицинские проблемы.
- Вам может понадобиться кесарево сечение. Пожилые матери имеют более высокий риск осложнений беременности, которые могут привести к родоразрешению с помощью кесарева сечения. Примером осложнения является состояние, при котором плацента блокирует шейку матки (предлежание плаценты).
- Риск хромосомных аномалий выше. Дети, рожденные матерями старшего возраста, имеют более высокий риск определенных хромосомных нарушений, таких как синдром Дауна.
- Риск потери беременности выше. Риск прерывания беременности — в результате выкидыша и мертворождения — увеличивается с возрастом, возможно, из-за ранее существовавших заболеваний или хромосомных аномалий плода. Исследования показывают, что снижение качества ваших яйцеклеток в сочетании с повышенным риском хронических заболеваний, таких как высокое кровяное давление и диабет, может увеличить риск выкидыша.Попросите вашего лечащего врача следить за самочувствием вашего ребенка в течение последних недель беременности.
Использование вспомогательных репродуктивных технологий, таких как экстракорпоральное оплодотворение, также может сыграть свою роль.
Вам потребуются более частые визиты к акушеру, и вам, возможно, придется родить раньше срока, чтобы избежать осложнений.
Исследования показывают, что снижение качества ваших яйцеклеток в сочетании с повышенным риском хронических заболеваний, таких как высокое кровяное давление и диабет, может увеличить риск выкидыша.Попросите вашего лечащего врача следить за самочувствием вашего ребенка в течение последних недель беременности.Хотя необходимы дальнейшие исследования, исследования показывают, что возраст мужчин на момент зачатия — возраст отца — также может представлять риск для здоровья детей.
Сделайте здоровый выбор
Забота о себе — лучший способ позаботиться о ребенке. Обратите особое внимание на основы:
- Запишитесь на прием до зачатия. Поговорите со своим лечащим врачом об общем состоянии вашего здоровья и обсудите изменения образа жизни, которые могут улучшить ваши шансы на здоровую беременность и рождение ребенка. Решите любые проблемы, которые могут у вас возникнуть по поводу фертильности или беременности. Спросите о том, как повысить шансы на зачатие, и о вариантах, если у вас есть проблемы с зачатием.
- Регулярно обращайтесь за дородовой помощью. Регулярные дородовые визиты помогут вашему лечащему врачу следить за вашим здоровьем и здоровьем вашего ребенка. Упомяните любые признаки или симптомы, которые вас беспокоят.Разговор с вашим лечащим врачом, скорее всего, успокоит вас.
- Соблюдайте здоровую диету. Во время беременности вам потребуется больше фолиевой кислоты, кальция, железа, витамина D и других необходимых питательных веществ. Если вы уже соблюдаете здоровую диету, продолжайте в том же духе. Ежедневный прием витаминов для беременных — в идеале за несколько месяцев до зачатия — может помочь восполнить любые пробелы.
- Набирайте вес с умом. Набор правильного веса может поддержать здоровье вашего ребенка и облегчить потерю лишних килограммов после родов.Поработайте со своим лечащим врачом, чтобы определить, что подходит именно вам.
- Будьте активны. Регулярная физическая активность может облегчить или даже предотвратить дискомфорт, повысить уровень энергии и улучшить общее состояние здоровья. Это также может помочь вам подготовиться к родам, повысив вашу выносливость и мышечную силу. Прежде чем начинать или продолжать программу упражнений, получите разрешение своего врача, особенно если у вас есть основное заболевание.
- Избегайте опасных веществ. Алкоголь, табак и наркотики запрещены во время беременности. Заранее проконсультируйтесь со своим лечащим врачом о любых лекарствах или добавках.
- Узнайте о пренатальном тестировании на хромосомные аномалии. Спросите своего врача о пренатальном скрининге бесклеточной ДНК (вкДНК) — методе выявления определенных хромосомных аномалий у развивающегося ребенка. Во время пренатального скрининга бесклеточной ДНК ДНК матери и плода извлекается из образца материнской крови и проверяется на повышенную вероятность конкретных хромосомных проблем, таких как синдром Дауна, трисомия 13 и трисомия 18.Диагностические тесты, такие как биопсия ворсин хориона и амниоцентез, также могут предоставить информацию о хромосомах вашего ребенка или риске конкретных хромосомных аномалий, но также могут нести небольшой риск выкидыша. Ваш поставщик медицинских услуг может помочь вам взвесить риски и преимущества.
Это также может помочь вам подготовиться к родам, повысив вашу выносливость и мышечную силу. Прежде чем начинать или продолжать программу упражнений, получите разрешение своего врача, особенно если у вас есть основное заболевание.
Ваш поставщик медицинских услуг может помочь вам взвесить риски и преимущества.Смотреть в будущее
Выбор, который вы сделаете сейчас — даже до зачатия — может оказать длительное влияние на вашего ребенка. Думайте о беременности как о возможности позаботиться о своем ребенке и подготовиться к грядущим захватывающим переменам.
Получите самую свежую медицинскую информацию от экспертов Mayo Clinic.
Зарегистрируйтесь бесплатно и будьте в курсе научных достижений, советов по здоровью и актуальных тем, связанных со здоровьем, таких как COVID-19, а также экспертных знаний по управлению здоровьем.
Узнайте больше об использовании данных Mayo Clinic.
Чтобы предоставить вам наиболее актуальную и полезную информацию, а также понять, какие информация полезна, мы можем объединить вашу электронную почту и информацию об использовании веб-сайта с другая информация о вас, которой мы располагаем. Если вы пациент клиники Майо, это может включать защищенную информацию о здоровье. Если мы объединим эту информацию с вашей защищенной медицинской информации, мы будем рассматривать всю эту информацию как информацию и будет использовать или раскрывать эту информацию только так, как указано в нашем уведомлении о практики конфиденциальности.Вы можете отказаться от получения сообщений по электронной почте в любое время, нажав на ссылка для отписки в письме.
Подписаться!
Спасибо за подписку
Наш электронный информационный бюллетень Housecall будет держать вас в курсе самой последней медицинской информации.
Извините, что-то пошло не так с вашей подпиской
Повторите попытку через пару минут
Повторить попытку
30 июля 2020 г. Показать ссылки- Зауэр М.Репродукция в пожилом материнском возрасте и материнское здоровье. Фертильность и бесплодие. 2015;103:1136.
- Олдриги Дж. и др. Опыт беременных женщин в позднем материнском возрасте: интегративный обзор. Журнал Школы медсестер USP. 2016;50:509.
- Часто задаваемые вопросы. Часто задаваемые вопросы о беременности060. Рождение ребенка после 35 лет. Американский колледж акушеров и гинекологов. https://www.acog.org/Patients/FAQs/Having-a-Baby-After-Age-35. По состоянию на 13 июня 2017 г.
- Часто задаваемые вопросы. Часто задаваемые вопросы о беременности034. Преэклампсия и высокое кровяное давление во время беременности. https://www.acog.org/Patients/FAQs/Preeclampsia-and-High-Blood-Pressure-During-Pregnancy. По состоянию на 13 июня 2017 г.
- Часто задаваемые вопросы. Часто задаваемые вопросы о беременности146. Снижение риска врожденных дефектов. https://www.acog.org/Patients/FAQs/Reduction-Risks-of-Birth-Defects. По состоянию на 13 июня 2017 г.
- Часто задаваемые вопросы. Часто задаваемые вопросы о беременности001. Питание во время беременности.https://www.acog.org/Patients/FAQs/Nutrition-During-Pregnancy. По состоянию на 13 июня 2017 г.
- Часто задаваемые вопросы. Часто задаваемые вопросы о беременности090. Потеря беременности на ранних сроках. https://www.acog.org/Patients/FAQs/Early-Pregnancy-Loss. По состоянию на 13 июня 2017 г.
- Часто задаваемые вопросы. Часто задаваемые вопросы о беременности119. Упражнения во время беременности. https://www.acog.org/Patients/FAQs/Exercise-During-Pregnancy. По состоянию на 13 июня 2017 г.
- Часто задаваемые вопросы. Часто задаваемые вопросы о беременности165. Пренатальный генетический скрининг.https://www.acog.org/Patients/FAQs/Prenatal-Genetic-Screening-Tests. По состоянию на 13 июня 2017 г.
- Сигман М. Что делать с будущими отцами старшего возраста: риски преклонного возраста отцовства. Фертильность и бесплодие. 2017;107:299.
Упражнения во время беременности. https://www.acog.org/Patients/FAQs/Exercise-During-Pregnancy. По состоянию на 13 июня 2017 г.Товары и услуги
- Книга: Акушерство
.
Боттичелли продан за 45,4 миллиона долларов на аукционе Sotheby’s
Картина, которая десятилетиями считалась работой ассистентов Сандро Боттичелли, продана на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке в четверг за 45 долларов.4 миллиона с комиссионными, что положило начало циклу захватывающих заголовков цен на трофейные произведения искусства на аукционах в этом году.
В настоящее время объявленный «основным шедевром» итальянского мастера эпохи Возрождения, темперная панель Боттичелли «Человек скорбей», торжественное поясное изображение воскресшего Христа, стала выдающейся работой на распродаже из 55 лотов. картин и скульптур старых мастеров в четверг. Благодаря минимальной и заранее подготовленной «безотзывной ставке» от стороннего гаранта картина будет продана как минимум за 40 миллионов долларов, и картина привлекла еще двух участников торгов.Победившая ставка, которая не была поручителем, была сделана специалистом по старым мастерам Sotheby’s Элизабет Лобкович в Нью-Йорке. Конкурс длился шесть минут, и участники торгов предложили предварительную надбавку в 100 000 долларов.
«Это была правильная цена за предмет — «Скорбящий Христос», — сказал Марко Воэна, партнер международного арт-дилера Robilant+Voena. «Это был трудный период для Боттичелли», — добавил он, имея в виду пылкую религиозность поздних работ художника, которые некоторые считают менее красивыми.
В последний раз «Человек скорби» выставлялся на аукционе под именем Боттичелли еще в 1963 году, когда он был продан за относительно скромные 26 000 долларов. Рональд Лайтбаун, ведущий исследователь Боттичелли того времени, позже включил эту картину в список «мастерских и школьных картин» в своем полном каталоге работ художника 1978 года. Он был сгруппирован среди «поздних продуктов мастерской из круга Боттичелли» в монографии Франка Цёлльнера о художнике 2005 года.
Но в 2009 году эта давно забытая картина из неназванной семейной коллекции была включена в качестве автографа на выставку «Боттичелли: сходство, миф, преданность» в музее Штеделя во Франкфурте.
Бастьен Эклерси, хранитель итальянской, французской и испанской живописи Штеделя до 1800 года, написал в каталоге выставки, что «открытая заново картина из частной коллекции» не только представляет собой «важный новый образец позднего периода Боттичелли», но также добавил «поразительный аспект нашего понимания изображения Христа в эпоху Возрождения».
Атрибуция была одобрена Лоуренсом Кантером, главным куратором европейского искусства в Художественной галерее Йельского университета, и Китом Кристиансеном, бывшим председателем отдела европейской живописи в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, сообщает Sotheby’s.
Sotheby’s описывает «Человека скорбей» как позднюю работу Боттичелли примерно 1500 года, периода, когда, согласно «Жизнеописаниям художников» Джорджо Вазари 1550 года, флорентийский художник попал под влияние огня и серы. проповедь доминиканского монаха Джироламо Савонаролы, ставшего адептом секты проповедников. Современные ученые рассматривают произведения более позднего периода Боттичелли как проникнутые сильным религиозным пылом. Композиция Sotheby’s примечательна ореолом скорбящих ангелов, кружащихся над увенчанной терновником головой воскресшего Христа.
Переатрибутированная картина, объявленная Sotheby’s «определяющим шедевром поздней карьеры Боттичелли», отправилась в глобальный маркетинговый тур с показами в Лос-Анджелесе, Лондоне, Дубае и Нью-Йорке.
Она висела в могильном мраке рядом с фотографиями, вызывающими престижные сравнения со знаменитым «Автопортретом» Альбрехта Дюрера в Старой пинакотеке в Мюнхене и «Спасителем мира» Леонардо да Винчи, или «Спасителем мира». продано на Christie’s за 450,3 миллиона долларов, что является рекордом для любого произведения искусства, выставленного на аукцион.
Это была вторая крупная работа Боттичелли, проданная Sotheby’s за 12 месяцев. В январе прошлого года «Портрет молодого человека с медальоном» из поместья нью-йоркского магната по недвижимости и коллекционера произведений искусства Шелдона Солоу был продан за 92,2 миллиона долларов, что является рекордной ценой как для Боттичелли на аукционе, так и для старого мастера. картина на Sotheby’s.
Сравнивая распродажу в четверг с январской, Фабрицио Моретти, директор лондонского представительства старых мастеров Moretti Fine Art Ltd., сказал, что «Человек скорбей» был «очень религиозным, интроспективным и сильным. Соотношение половинной цены примерно правильное».