В чем назначение искусства: СМЫСЛ И НАЗНАЧЕНИЕ ИСКУССТВА: iskusstvo — LiveJournal
СМЫСЛ И НАЗНАЧЕНИЕ ИСКУССТВА: iskusstvo — LiveJournal
«Ars longa, vita brevis» – «Жизнь коротка, искусство вечно» – говорили древние.Недавно картина Энди Уорхола «Красный Ленин», принадлежавшая Борису Березовскому, была продана за 200 тысяч долларов.
«Искусство бесценно», – считают одни. «Всё имеет свою цену», – полагают другие.
Прошедшую «ночь музеев» 18 мая 2013 года я провёл в музее нонконформистского искусства на Пушкинской,10. Там я участвовал в работе круглого стола «Мифы и теории в искусстве России 1970-2012 гг.» Модератор выставки известный петербургский искусствовед и куратор Олеся Туркина считает: «Современное искусство в России как Алиса в Зазеркалье вынуждено было бежать в два раза быстрее, чтобы двигаться вперёд…»
Зачем же людям искусство?
В наиболее общем смысле искусством называют мастерство, продукт которого доставляет эстетическое удовольствие.
Критерием искусства является способность вызывать отклик у других людей.
Для творца это процесс выражения внутреннего и внешнего мира в художественном образе.
Сейчас искусством можно назвать любую деятельность, направленную на создание эстетически-выразительных форм, удовлетворяющую любовь человека к прекрасному.
Есть три подхода в понимании искусства:
1\ реалистический, согласно которому эстетические качества объекта присущи ему изначально и не зависят от оценки наблюдателя;
2\ эстетические свойства лишь отчасти зависимы от оценки наблюдателя;
3\ эстетические свойства зависят только от того, что видит в нём наблюдатель; причём разные люди могут видеть разные качества.
Когда я ходил по археологическому музею в древних Микенах (Греция), невольно вспоминались слова Писателя из фильма Андрея Тарковского «Сталкер». «Вот стоит в музее какой-то античный горшок. В своё время в него объедки кидали. А нынче он вызывает всеобщее восхищение лаконичностью рисунка и неповторимостью формы. И все охают, ахают. И вдруг выясняется, что никакой он не античный, а подсунул его археологам какой-нибудь шутник веселья ради. Аханье, как ни странно, стихает.
Ценители!..»
Любой вид деятельности можно условно называть искусством, если исполнитель вкладывает свои чувства в новой оригинальной и значимой форме.
Искусство — это умение, которое способно вызвать восхищение.
Создание компьютерных игр недавно было признано в США искусством.
Даже настенные рисунки граффити считаются сегодня искусством.
Со времён античности искусство считалось практикой философии. В 19 веке искусство рассматривалось как продукт взаимодействия между красотой и истиной.
Теоретик эстетики Джон Рёскин отмечал, что смысл искусства в создании художественными методами доступа к эзотерической истине, заключённой в природе.
Искусство – один из способов познания мира и себя в мире. Оно создаёт широкий диапазон форм постижения, в том числе и возможность постигать невербальным образом.
Искусство представляет собой средство коммуникации. Оно позволяет передавать не только объективную информацию, но и эмоции, настроение, чувства.
Существует представление об искусстве как художественном инстинкте, в котором выражено стремление к гармонии и красоте.
Для некоторых искусство это способ ощутить свою связь со Вселенной.
Древние зачатки искусства и культуры первоначально имели определённое космологическое значение.
Искусство есть символический способ донесения высших истин.
Искусство возникло раньше науки, и долгое время вбирало её в себя.
Тысячи лет искусство было одной из движущих сил цивилизации.
Одна моя знакомая получила диплом искусствоведа, другая закончила Академию Художеств и стала скульптором. Помню, какие горячие споры мы вели в её мастерской о смысле искусства.
Откуда в человеке стремление к прекрасному?
Креативность присуща только человеку?
Смысл жизни даёт только творчество?
Искусство это то, что выходит за пределы полезного?
Когда я вывесил в своём рабочем кабинете этюды моей знакомой с изображением обнажённой натуры, коллеги посоветовали мне повесить над дверью «красный фонарь».
Человека от всех других живых существ отличает именно потребность в творчестве.
Древние греки считали это показателем божественного в природе человека.
Впервые к системному изучению искусства обратился Аристотель в труде «Поэтика» (335 год до н.э.). Искусство, по Аристотелю, есть «мимезис», т. е. подражание, воспроизведение.
Аристотель утверждал, что любое искусство основано на подражании (например, музыка основана на подражании ритму жизни). Подражание доставляет человеку удовольствие.
Источник эстетического удовольствия Аристотель усматривает не в мире идей (как Платон), а в реальном интересе людей к познанию. Искусство есть одна из форм познавательной деятельности людей.
Аристотель видел задачу искусства не в механическом воспроизведении действительности, а в её творческом отражении. Художественная правда, не сводится к простой правильности воспроизведения предметов и явлений. Однако всякое отступление от верности натуре должно быть художественно оправдано.
«Мудрость в искусстве, — заявлял Аристотель, — мы признаём за теми, которые наиболее точны в своём искусстве, например, Фидия мы признаём мудрым скульптором и Поликлита мудрым ваятелем, выражая этим то, что мудрость есть не что иное, как совершенство (добродетель) в искусстве».
Искусство не имеет самостоятельной ценности. Оно связано с нравственной жизнью людей и подчинено задачам «усовершенствования в добродетели». Произведения искусства облагораживают человека тем, что через посредство «катарсиса» (очищения) души освобождают личность от отрицательных страстей.
Нравственным идеалом Аристотель считал «созерцательную деятельность разума», не преследующего никаких практических целей.
Искусство он понимал как теоретическую деятельность и сравнивал её с божественной.
Процесс творчества по Аристотелю это интеллектуальный акт.
Искусство способствует формированию духовного облика человека.
Сущность искусства Аристотель определяет в трактате «Этика».
«Искусство, — говорит Аристотель — есть не что иное, как творческая способность, руководимая подлинным разумом».
Искусство не безразлично к морали, политике, к вопросу воспитания личности, поэтому при использовании искусства в качестве средства воспитания, необходимо соблюдать строгий контроль за художественной деятельностью.
Когда я был в Греции, то посетил в Афинах древний Акрополь. Он произвёл на меня самое сильное впечатление из всех, что я получил в поездке по Греции.
Расположенный в Акрополе храм Парфенон признанно считается одним из семи чудес света.
Это главный храм в древних Афинах, посвящённый покровительнице города и всей Аттики, богине Афине-Девственнице. Построен в 447-438 годах до нашей эры архитектором Калликратом по проекту Иктина. Парфенон расположен в самой высокой точке афинского Акрополя. На этом месте ещё при Солоне был возведён храм, который разрушили персы при завоевании Афин Ксерксом. В «золотой век» Афин правитель Перикл выдвинул идею восстановления ансамбля Акрополя. Храм строился почти десять лет.
Аристотель отмечал, что в поэзии главным является содержание, а не форма. «Из этого видно, — продолжает он свою мысль, — что поэту следует скорее быть творцом фабул, а не метров, поскольку поэт является таковым по подражанию, а подражает он посредством действия».
«Поэзия есть нечто более философское и серьёзное, чем история: поэзия выражает более общее, а история — частное».
В трактате «Политика» Аристотель писал: «Нужно, чтобы граждане имели возможность заниматься делами и воевать, а в ещё большей степени — хранить мир и пользоваться досугом, исполнять необходимые и полезные дела, в особенности же — прекрасные».
Большое значение Аристотель придавал музыке. Он говорил, что музыка имеет «очищающее» значение (катарсис) наряду с трагедией.
В древней Греции искусство служило одновременно и целям развлечения и постижения.
Древнейший греческий театр времён античности был построен в святилище Асклепия в Эпидавросе – одном из самых популярных мест врачевания в древней Греции. В античности Эпидаврос был местом исцеления, своеобразным курортом санаторного типа. Театр рассматривался как один из элементов методики оздоровления – своего рода психотерапия.
В детстве я учился в музыкальной школе при консерватории и почитал музыку сильнейшим из искусств, верил в её могущество и целительную силу.
Я до сих пор удивляюсь, каким непостижимым образом звуки музыки воздействуют на меня, помогая понять чужие переживания и поразительно точно выражая состояние души.
Каким образом музыка вызывает во мне слёзы?
Что это за чувство, взрывающее нас изнутри и уничтожающее границы рассудочности? Оно затмевает здравый смысл, заставляя поступать немыслимым образом, делая нас одновременно безумными и счастливыми.
Отчего эти звуки так близки и созвучны моим переживаниям? Почему я плачу? Быть может, это игра скрипки создает в душе резонанс, сливаясь с шумом падающих слез? Наверно, у каждого чувства есть своя нота — частота соответствующей вибрации. Да, музыка — она живая!»
(из моего романа «Чужой странный непонятный необыкновенный чужак» на сайте Новая Русская Литература
Является ли искусство всего лишь развлечением для праздной толпы, или это средство постичь мир и сделать его лучше, очистить душу свою?
Владимир Соловьёв в работе «Общий смысл искусства» пишет:
«Искусство перестаёт быть пустою забавою и становится делом важным и назидательным, но отнюдь не в смысле дидактической проповеди, а лишь в смысле вдохновенного пророчества».
«Красота есть только воплощение в чувственных формах того самого идеального содержания, которое до такого воплощения называется добром и истиною».
«Красота нужна для исполнения добра в материальном мире, ибо только ею просветляется и укрощается недобрая тьма этого мира».
«Что такое, собственно говоря, искусство? – размышлял Андрей Тарковский. – Добро или зло? Оно – от Бога или от чёрта? От силы человека или от его слабости? Может быть, оно есть гарантия человеческой общности и картина социальной гармонии? Не состоит ли в этом его функция? Оно – нечто вроде объяснения в любви. Оно – как признание собственной зависимости от других людей. Оно – признание. Неосознанный акт, который, однако, отражает смысл жизни – любовь и жертву».
«Мне трудно говорить о том, смогу ли я что-нибудь изменить своим искусством. Чтобы найти способ изменить мир, я должен измениться сам. Я должен сам стать глубже и духовнее. И только после этого я, может быть, смогу принести пользу. А как мы можем рассчитывать на какие-то изменения, если мы сами не чувствуем себя достаточно духовно высокими?.
.»
«У меня нет никакого сомнения, в том, что искусство – это долг, то есть, если ты что-то создаёшь, ты чувствуешь, что должен это сделать. Но только время покажет, смог ли я стать медиумом между универсумом и людьми».
«Прежде, чем строить концепцию, в частности, взгляда на искусство, надо ответить на другой вопрос, гораздо более важный и общий: в чём смысл человеческого существования? Мне кажется, мы должны использовать наше пребывание на земле, чтобы духовно возвыситься».
«Мне пришла мысль, что содержательно искусство есть реакция человека, находящегося на низком уровне, в его стремлении к более высокому уровню. Именно этот драматический конфликт, где одновременно пролегает в сумерках для человеков избранный путь, и есть содержание искусства и художественная форма. А также и материал. Но если художник по-настоящему осознаёт это своё драматическое положение, то материал, из которого делается искусство, становится уже не важен И он пользуется любым вспомогательным средством».
«Кроме художественного произведения, – писал Андрей Тарковский, – человечество не выдумало ничего бескорыстного, и смысл человеческого существования, возможно, состоит именно в создании произведений искусства, в художественно акте, бесцельном и бескорыстном. Возможно, в нём как раз проявляется то, что мы созданы по подобию Бога».
Гений сюрреализма Сальвадор Дали признавал: «Сам я, когда пишу, не понимаю, какой смысл заключён в моей картине. Не подумайте, однако, что она лишена смысла! Просто он так глубок, так сложен, нарочит и прихотлив, что ускользает от обычного логического восприятия».
Когда Сальвадор Дали ответил согласием на предложение создать музей его имени, он поставил условие, что там не будут проводить экскурсий. Он не хотел, чтобы кто-то навязывал свои представления о его творениях. «Я сам не понимаю своих произведений…»
«Наше время – эпоха пигмеев, – говорил Дали. – Остаётся только удивляться тому, что гениев ещё не травят, как тараканов, и не побивают камнями».
«В наше время, когда повсеместно торжествует посредственность, всё значительное, всё настоящее должно плыть или в стороне, или против течения».
Говорят, в последние годы Дали продавал чистые полотна со своей подписью. Он презирал «ценителей живописи», называя их «идиотами».
В фильме Такеши Китано «Ахиллес и черепаха» художник и его агент весьма откровенно и цинично говорят о том, как продать меценату очередную мазню: «скажи ему, что это импрессионизм, он купит».
«Художник и покупатель это двое сумасшедших: один, не зная зачем, пишет картину, другой, не зная зачем, её покупает». (Борис Борщ)
В фильме «Ночь в музее» дети никак не реагируют на рассказ учительницы о картине, пока она не называет цену произведения – миллион долларов! Только тогда они смотрят на картину с восхищением.
Если искусство это то, что пользуется спросом, то можно ли назвать искусством то, что никто не хочет покупать?
В галерее современного искусства «Эрарта» я задал вопрос о ценности искусства известному кинорежиссёру Александру Сокурову.
При всей условности искусства, споры и конфликты по поводу художественных произведений не утихают. Недавно Пушкинский музей потребовал передать часть коллекции импрессионистов из Эрмитажа с целью воссоздать музей современного западного искусства в Москве.
Бывая в Эрмитаже, я по привычке всегда поднимаюсь на третий этаж, где выставлены импрессионисты. Не только питерцы, но и любители искусства со всего мира специально приезжают в Петербург, чтобы любоваться этой коллекцией.
А чтобы полюбоваться статуей Венеры Милосской (богини любви Афродиты) люди со всего мира приезжают в парижский Лувр.
Статуя богини любви Афродиты сделана из белого мрамора и относится к середине II века до нашей эры. Поскольку база с подписью автора утрачена, авторство приписывается Праксителю (350 год до н.э.).
Говорят, что Венера – «тайна при ярком свете».
Почему эту скульптуру назвали именем богини любви? Потому что красота вызывает любовь? Или потому что красота символ совершенства?
Но что есть красота?
Красота вещь необъяснимая — как морозный узор на стёклах.
Что делает красивыми снежные торосы: мастерская ветра или наше воображение? И почему они кажутся нам прекрасными? Только потому, что соответствуют нашим представлениям о совершенном? Но откуда в нас эти представления о совершенном?
Может ли искусство свести с ума? Примеров тому множество. Композитор Чюрлёнис, художник Врубель, скульптор Камилла Клодель и множество других примеров, доказывающих, что гениальность и помешательство весьма близки.
Искусство – великая сила, оно может возвысить душу, но может её и разрушить, как это случилось с Камиллой Клодель: «дар, отпущенный ей природой, привёл её к несчастью».
Стоит ли искусство того, чтобы ради него жертвовать своей жизнью?
Для настоящего художника это не вопрос.
«Нужно служить, отдавать себя в жертву искусству», – считал Андрей Тарковский. – «По-моему, искусство существует только потому, что мир плохо устроен».
Настоящее искусство творится бескорыстно. И хотя подчас за деньги, но НЕ РАДИ ДЕНЕГ!
Флорентийский торговец шёлком Франческо дель Джокондо, заказавший портрет своей третьей жены Лизы у Леонардо да Винчи, отказался забирать готовую картину.
Будто бы потому, что Мона Лиза оказалась беременна и у неё случился выкидыш. Зато Леонардо да Винчи считал «Джоконду» своим любимым творением, и никогда с ним не расставался.
Что только не видят в загадочной улыбке Моны Лизы: и автопортрет самого Леонардо, и зашифрованный лик Христа, и образ вечной женственности.
Кому же улыбается Джоконда?
Думаю, что феномен загадки улыбки Джоконды всего лишь проявление такого психологического явления как конформизм. Когда 9 человек из 10 говорят, что улыбка загадочна, оставшийся один, как правило, склонен соглашаться, что «чёрное это белое». В этом и заключается феномен конформизма.
Самый яркий пример – творчество Энди Уорхола. Сколько бы мне ни говорили, что его творчество гениально, я не вижу в нём ничего, кроме распиаренной рекламы.
Энди весьма успешно использовал и тиражировал образ Джоконды по принципу: одна баночка колы не искусство, а много баночек на картине уже шедевр.
Человек существо программируемое. Что ему внушишь, тому он и будет поклоняться.
Произведения искусства считаются отличным вложением средств, поскольку в условиях инфляции они не обесцениваются, а только дорожают.
Но какое произведение является искусством, до их пор вопрос дискуссионный. Достаточно вспомнить, как долго не хотели признать искусством живопись импрессионистов. И таких примеров множество. Для кого-то и куча дерьма в золотой рамке искусство.
Иногда художники пытаются создать нечто такое, что не может быть приобретено в качестве материальной ценности. Например, перфоманс. Это всего лишь представление, после которого ничего не остаётся кроме идеи, его нельзя ни купить, ни продать.
Когда первобытный человек создавал наскальные рисунки, он не задумывался, что это назовут искусством.
Возможна ли сегодня такая практика, которая в будущем будет признана искусством?
Недавно я побывал в галерее «Скороход», созданной в бывших цехах известного производства обуви. Философ Александр Секацкий и антрополог Николай Грякалов рассуждали о проблемах современного искусства.
Искусство занимается не изобретением форм, а поимкой сил.
Искусство это конструирование нового языка.
Искусство – это некий ритуал, то, чего не делать нельзя, без чего мир развалится.
Я считаю, что истинное творчество — всегда восстание, истинный художник — всегда революционер. Потому что искусство — это протест против цивилизации!
Художник тем и нравится, что бросает вызов обществу своим творчеством, своим образом жизни. Ведь привлекает то, на что сам не способен. Писатель должен говорить то, в чём страшно признаться читателю. В конечном итоге, интересует даже не само произведение, а личностный подвиг его создателя, личность самого творца!
«Каждый — художник на пути к освобождению социального организма».
Сальвадор Дали написал формулу, обеспечивающую достойную жизнь людей:
«У человека должны быть ограниченные материальные потребности и безграничные – духовные. Только так можно достойно прожить каждому из нас и всему человечеству».
Для меня лично произведением искусства является то, что вызывает катарсис, очищает душу, заставляет задуматься о вечном, побуждает совершать добрые поступки и творить любовь – всё, что преображает человека.
«Я помню чудное мгновенье:
Передо мной явилась ты,
Как мимолётное виденье,
Как гений чистой красоты…»
Слова «гений чистой красоты» принадлежат русскому поэту Василию Жуковскому, который в 1821 году в Дрезденской галерее любовался картиной Рафаэля Санти «Сикстинская Мадонна».
Я всегда мечтал воочию увидеть «Сикстинскую Мадонну» Рафаэля, и мечта моя сбылась.
Возможно, не всем эта картина нравится. Но, как говорят, за много веков она понравилась стольким великим людям, что теперь сама выбирает, кому нравится.
Картина «Сикстинская Мадонна» была написана Рафаэлем в 1512—1513 годах по заказу Папы Юлия II для алтаря церкви монастыря Святого Сикста в Пьяченце, где хранились мощи Святого Сикста и Святой Варвары. На картине Папа Сикст II, принявший мученическую смерть в 258 г. н.э. и причисленный к лику святых, просит Марию о заступничестве за всех, кто молится ей перед алтарём. Поза Святой Варвары, её лицо и потупленный взор выражают покорность и благоговение.
Рафаэль стремился преобразовать человеческое в божественное, а земное в вечное.
Красота. Что делает с нами красота! Это не просто мечта, ищущая воплощения в любви, а нечто большее. Это напоминает гипноз, когда мы становимся пленниками собственного воображения и готовы, как лунатики, следовать за красотой повсюду, бежать за ней, в надежде поймать милостивый взгляд, делающий нас счастливыми. Когда глаза любуются очаровательной наружностью, воображение дорисовывает остальное, заставляя восхищаться носителем чуда.
Запечатлённый Рафаэлем образ женщины с младенцем, навсегда вошёл в историю живописи как нечто нежное, девственное и чистое. Однако в реальной жизни женщина, изображённая в образе Мадонны, была далеко не ангелом. Более того, она считалась одной из самых развратных женщин своей эпохи.
«От нас требуют правды. Но нужна ли им правда на самом деле?» – говорит Тициан в фильме «Эль Греко». – «Послушайся моего совета: никогда не показывай им всё. Они никогда тебе этого не простят.
Всякое искусство опасно, как все великие тайны Бога».
«Творчество для меня самого это тайна. Откровение всегда тайна. Когда пишу от сердца — получается всё, когда от головы — ничего! Я не придумываю, а лишь подчиняюсь вдохновению, пытаясь понять, что должно быть написано и как; стараюсь не столько объяснить, сколько выразить, и даже не столько выразить, сколько отразить, уловить замысел, который обнаруживается в логике преследующей меня мысли, помогаю ему выкристаллизоваться. Творения создаются сами, с моей лишь помощью».
«Процесс творчества это богоуподобление! Творчество — проявление божественной сущности человека, это жажда мира иного, это медитация, это молитва. И потому всякое творчество базируется не на размышлении, а на интуиции. Не может быть постижима Истина через интеллектуальное усилие, но лишь через мистическое откровение, через личный духовный опыт. Мысль — неуклюжая попытка выразить чувство, всё равно что облака запихнуть в рамку. Ответ вначале нужно почувствовать, а лишь потом пытаться понять!»
«Чувства, настроение художника не пустое, это игра вдохновения, лабиринты творческого процесса.
Вдохновение иррационально. Без вдохновения нет творчества. Но оно требует веры!
Не может сколько-нибудь стоящий художник не верить в Бога, ну, или во Вдохновение, в Музу, — дело не в названии, а в чувстве, которое побуждает не спать ночами и творить, творить, творить… Ведь творит художник не потому, что надеется быть понятым, а от неустроенности, преодолевая страдание, а вовсе не от душевного комфорта. Для него творчество — самоспасение! Именно потому истинное творчество бескорыстно. Таково назначение художника — превращать страдания в произведения искусства. Главная же цель — чистота души, постижение Истины и обретение покоя.
Художник мир творит, он — демиург, он — бог,
Он слышит зов Небес, он ловит Музы слог.
Он тонкий инструмент божественных начал,
И требует Глагол, чтобы поэт молчал.
Художник — Музы раб, ревнует Дух его,
Кто служит — даёт всё, а прочим — ничего.
Не сотворит поэт того, что Бог ему не даст,
И должен помнить он про свой последний час.
Не выдумать того, что нет в Мире Идей,
И чтобы сотворить, любить нужно людей,
И верить в то, что Бог поэту говорит,
Ведь истинный поэт не от себя творит.
Художник видит то, что многим не дано,
В грядущее он зрит сквозь мутное стекло,
Пытаясь Божий Смысл в твореньи разгадать,
И миру возвестить о том, что должно стать.
Художник есть пророк, поэт — пророк вдвойне,
Он возвещает то, что хочется Судьбе.
Он жертвует собой, чтоб им Господь вершил,
Поэт живёт затем, чтоб Бог им мир творил.
Не смеет он просить, ведь он имеет дар,
Творит душою он, и тела нужд не раб.
Он просит тишины, чтоб слышать Бога глас,
И он творит мечты, что так нужны для нас.
Не нужен и комфорт — талант погубит он! —
Нужна лишь тишина, и только хлеб, да сон.
Удобства ведь не цель, а чтоб он мог творить,
Здесь деньги не важны, ведь Музы не купить,
Не вымолить стихов, не выпросить любви,
Ведь вдохновенье — Дар, упорный труд души.
Не ценится поэт, пока средь нас живёт,
Но станет знаменит, как только он умрёт.
Укором служит он для тех, кто спит душой.
Он странник на Земле, он странный, он чужой.
Поэт — слуга Небес, орудие Творца,
Бог в лицах всех творцов, и Он же без лица.
Невзгоды — хлеб души, и стимул нам расти,
И чтоб поэтом стать, ты их благодари.
Поэт — всегда борец, художник и герой.
И Бог им говорит. Он только Богу свой!»
(из моего романа-быль «Странник»(мистерия) на сайте Новая Русская Литература
А по Вашему мнению, ЗАЧЕМ ЛЮДЯМ ИСКУССТВО?
© Николай Кофырин – Новая Русская Литература
| / Сочинения / ЕГЭ / Часть C / В чем заключается назначение искусства? В чем заключается назначение искусства? Об этом размышляет в своей статье советский писатель Василь Быков Владимирович.  Искусство обогащает человека духовно, позволяя прикоснуться к прекрасному миру, созданному гениями Искусство тем и прекрасно, что оно создается избранными, а принадлежит миллионам. Пытаясь понять созданное мастерами, мы приближаемся к их видению мира. Не в этом ли главное назначение искусства? Таким образом, искусство вечно и прекрасно, потому что несет красоту и добро в мир. «Искусство никогда не умирает», – говорил Петроний. Добавил: reginad
/ Сочинения / ЕГЭ / Часть C / В чем заключается назначение искусства? | |
11.
2. Сущность и назначение искусства. Культурология: Учебник для вузов11.2. Сущность и назначение искусства
Спор о сущности и назначении искусства ведется давно. И, действительно, как не задуматься о том, что заставляет человека творить это удивительное многообразие, казалось бы, повторяющее жизнь и в то же время не похожее на нее, являющееся и не являющееся действительностью? И почему события самой жизни, иногда отталкивающе безобразные, будучи воспроизведенными в искусстве, притягивают к себе? Почему прекрасное, отраженное в художественном произведении, оказывается не менее, а иногда и более совершенным, чем в естественном своем состоянии? И вообще…
Разве можно понять до конца,
Почему, поражая нам чувства,
Поднимает над миром такие сердца
Неразумная сила искусства!
(Николай Заболоцкий)
Все это люди пытались осмыслить уже в древнейших мифах. А мудрецы, особенно в Древней Греции, размышляя об искусстве, открыли в нем столько, что человечество и по сей день питается этими мыслями.
Древние философы видят в искусстве отражение действительности. Так, для Пифагора музыка – отражение закономерностей Космоса, а музыкальные звуковые гармонии – отражение мировой гармонии, гармонии «небесных сфер». Отражая порядок движения Вселенной, музыка способна приводить в порядок состояние души [5, с. 80–83].
Считая красоту и гармонию важными для искусства, Гераклит утверждал, что складываются они из противоположных элементов: «И природа стремится к противоположностям, и из них, а не из подобных (вещей) образует созвучие… Живопись делает изображения, соответствующие оригиналам, смешивая белые и черные, желтые и красные краски. Музыка создает единую гармонию, смешав в совместном пении различных голосов звуки: высокие и низкие, протяжные и короткие» [5, с. 84].
Демокрит считал, что искусство возникло из подражания природе и животным. «От животных мы путем подражания научились важнейшим делам: (а именно, мы – ученики) паука в ткацком и портняжном ремеслах, (ученики) ласточек в построении жилищ и ученики певчих птиц, лебедей и соловья в пении» [5, с.
86]. Наука XX века – бионика обнаружила, какие возможности для практической деятельности человека сокрыты в таинствах природы и в том, что делают животные.
Сократ утверждал: чтобы на картине или в скульптуре передать состояние души, художникам и скульпторам требуется знание человеческого тела [5, с. 88–92].
Платон разделяет распространенное в греческой эстетике представление о том, что искусство является подражанием (мимезисом), но подражать оно должно не преходящим и изменчивым чувственным вещам, а абсолютной красоте мира идей. Отражая мир чувственных вещей и предметов, которые сами – копия идеи, искусство создает копию с копии. В соответствии с этим в иерархии видов искусства Платон в своем труде «Государство» ставит живопись на последнее место.
В свое идеальное государство Платон допускает только те виды искусства, которые способствуют воспитанию мужественных и доблестных граждан. Он изгоняет из государства поэзию и поэтов, включая Гомера, запрещает употребление тех музыкальных ладов и инструментов, которые ведут к изнеженности и расслаблению чувств.
Систему эстетического воспитания в идеальном государстве Платон строит на музыке и гимнастике [5, с. 92—114].
Напомним, что не только в идеальном государстве Платона, но и в реальном Древнегреческом государстве классического периода существовала государственная система эстетического воспитания. Точнее, в Греции все воспитание было эстетическим, неэстетического воспитания не было.
Кажется, нет такой проблемы искусства и эстетики, теоретическое осмысление которой не дал бы Аристотель. В учении о калокагатии отразилось его представление об идеале греческого гражданина. «Калос» – красивый, прекрасный; «агатос» – добрый: прекраснодобрым должен быть идеальный человек. Важнейшим средством воспитания такого человека Аристотель считает искусство. Искусство формирует гармоничного человека, целостную личность, свободную от профессиональной ограниченности ремесленного и рабского труда.
Под воздействием искусства человек переживает катарсис – очищение. Аристотель дает понятию «катарсис» эстетическое осмысление.
Под воздействием музыки и песнопений возбуждается психика слушателей, в ней возникают сильные аффекты (жалость, страх, энтузиазм), в результате чего люди получают некоторое очищение и облегчение, связанное с удовольствием [6, с. 58].
Особенно сильное очистительное воздействие на человека оказывает трагедия, определяемая Аристотелем как особого рода подражание «посредством действия, а не рассказа, совершающее путем сострадания и страха очищение от подобных аффектов» [5, с. 117–118]. Это определение породило много толкований, часто противоречивых (Лессинг, Гёте, Фрейд). У нас утвердилось суждение Л.С. Выготского: «…искусство, особенно трагедия, заставляя человека жить жизнью другого, переживать ее как свою собственную, учит видеть в другом человеке себе подобного, очищает душу, отучает от эгоизма» [7, с. 271]. Катарсис – очищение через сострадание.
Говоря о том, за что художественное произведение может быть подвергнуто критике, Аристотель определяет критерии оценки и тем самым – сущность искусства: художественное произведение должно быть в согласии с логикой, моралью и подчиняться своим собственным законам.
Суждений о природе и сущности искусства существует множество. Но ограничимся сказанными. Жизненность и актуальность суждений древнегреческих мыслителей подтвердила вся последующая история. Согласимся с утверждением одного из видных английских исследователей Античности
«Размышляя по способу греков», люди продолжают постигать мир, природу, человека и его творения. Споря, открывая новое.
Искусство – одно из сложнейших творений человечества.
И споры о его природе и назначении ведутся на протяжении всей истории. Не умолкают они и сегодня.
Искусство – одно из самых удивительных созданий человечества.
Изображая на полотне даже одного человека, создавая пейзаж, натюрморт, описывая в романе какой-то период жизни, судьбы людей, а в рассказе – только случай или эпизод, сочиняя музыкальное произведение, возводя здание, творец говорит о своем времени, об эпохе и о себе – художнике, создавшем все это.
Такой способностью к обобщению обладает, как известно, только философия. Но если философия выражает открывшуюся ей сущность явлений в обобщенно-абстрактной форме, лишенной жизненных красок, то искусство, давая обобщенное отражение действительности, сохраняет ощущение всей полноты жизни. При этом искусство в высочайших своих творениях способно достигать философской глубины. Она проявляется не в философских рассуждениях, включенных в ткань художественного произведения, а в глубине постижения действительности, философском уровне осмысления социально-психологических особенностей своего времени.
Так, натюрморты «малых голландцев» во всей полноте отразили философию эпохи XVII века. Поэма А.Т. Твардовского «Василий Тёркин», в которой образ одного человека стал образом всего русского народа, так же как произведения Василя Быкова, Григория Бакланова, Виктора Некрасова и других писателей, не только создают художественную историю Великой Отечественной войны, но выражают философию того времени.
Искусство отражает действительность как некую целостность. И каждое художественное произведение повествует не только о том, что в нем непосредственно отражено, но и о жизни в целом. Так же целостно оно воздействует на человека, захватывая одновременно и его сердце, и его ум. Такой способностью целостного отражения мира и целостного воздействия на человека не обладает никакое другое его творение.
Глубина постижения действительности в художественном произведении зависит от художника – его таланта, профессионального мастерства, от его взглядов, одним словом, от своеобразия личности творца.
Искусство отражает действительность. А так как действительность сложна и постоянно развивается, то и искусство, отражающее ее, сложно. Сложность объекта отражения определяет сложность искусства. Она проявляется в том, что искусство существует во многих видах: художественная литература, архитектура, музыка, изобразительные искусства и синтетические: театр, кино. Каждый из видов искусства включает в себя несколько жанров.
Оставаясь одним и тем же, искусство меняется во времени.
Так, например, древнегреческий театр скорее напоминал нынешний стадион, где собирались тысячи зрителей. Представление начиналось на рассвете и продолжалось до позднего вечера. Звук трубы возвещал о начале каждой новой пьесы. Ели она не нравилась, бурная реакция зрителей могла прервать ее действие и вынудить актеров перейти к другой. Играли актеры в масках, без которых они были бы плохо видны далеко сидящим. Маски закрывали не только лицо, но и голову. Большие размеры (больше головы) маски позволяли создавать укрупненные, обобщенные образы – трагические, выражающие страдание, или комические, карикатурные.
Мимика актеру не была нужна. Но к голосу, дикции предъявлялись особые требования. Ведь играли одни и те же актеры с утра и до вечера множество самых разных ролей. Мужчины играли и женские роли. Артисты должны были не только произносить текст, но и петь и танцевать и достигали во всех этих видах театрального искусства большого совершенства. Таким был античный театр.
Театр эпохи классицизма совершенно иной. Отказ от воспроизведения реальной жизни, стремление к идеализации действительности и облагораживанию ее породили и своеобразие формы. Герои Корнеля и Расина – крупнейших драматургов этого периода переживали особые возвышенные чувства, совершали значительные поступки, изъяснялись изысканно и торжественно. И это тоже театр. И в то же время во Франции возникает еще один, совсем особый театр. Это театр высокой комедии, театр Мольера. Здесь жизнь показана в ее естественном течении. На подмостках театра Мольера вереницей пройдут люди, оказавшиеся в разнообразных узнаваемых жизненных ситуациях.
Здесь будут обманутые мужья и верные жены, истинное благородство и эгоизм; здесь прозвучат злые насмешки над семейным деспотизмом и ханжеством, над пустотой аристократов и их показным благородством, над искусственной речью и вычурными манерами.
Речь мольеровских героев будет естественна, характеры их жизненны, а ситуации, в которых они оказываются, достоверны. И это тоже театр.
В каждой стране театральное искусство имеет свои особенности. И в одно и то же время театр французский, английский, русский и т. д. будут обладать всеми признаками этого вида искусства и будут своеобразными, непохожими друг на друга.
Театр Шекспира, знаменитый «Глобус» – театр, где будут идти и комедии, и трагедии, в отличие от французского, где комедии игрались в одних театрах, а трагедии – в других. Это совсем особый театр, где на сцене действуют персонажи значительные, характеры укрупненные, страсти (и страсти не вычурные, а естественные) достигают колоссальной силы. Это театр, давший миру короля Лира и Гамлета, Отелло и Яго, Макбета и Фальстафа.
Эти герои требовали иной актерской игры, чем герои Мольера или Корнеля. Это особый театр.
Приведенные примеры взяты из истории европейского театра.
А теперь представим себе традиционный японский театр Кабуки, или театр Но, или китайский театр.
Они настолько не похожи на привычные для европейцев театральные формы, что без некоторой подготовки просто непонятно, что происходит на сцене, даже если известно, о чем пьеса.
В театре Кабуки сложная своеобразная драматургия. Пьеса включает драматическую основу, музыку, танцы, пантомиму (игру без слов), балет. В каждой пьесе обязательно есть два типа персонажей: один представляет мощь, силу, величие, независимо от того, проявляется оно в добре или зле. Такой персонаж называется «арагото». Другой тип – «вагото» – мягкость, покладистость.
Действие происходит на трех сценических площадках: сцена, авансцена и цветочная тропа – невысокий помост, проходящий через зрительный зал («ханамити»).
Свои особенности имеет и игра актеров. Речь, действие, движение на сцене иные, чем в жизни. Главное в игре актера – предельная выразительность. Для этого одну и ту же реплику могут произносить несколько актеров, она может быть расчленена на составные части, и каждую часть ее произносят разные исполнители, а заканчивают все вместе и т. д. Игра актера находится на грани того, что «совсем как в жизни» и «в жизни так не бывает».
Но в одной и той же стране, в одно и то же время существует много разных театров. У каждого из них свои особенности, свой почерк, своя манера исполнения, и хотя они иногда ставят одни и те же пьесы, но создают совершенно разные спектакли.
Сохранение специфики данного вида искусства и постоянное его изменение во времени и пространстве свойственно каждому виду искусства. Живопись – это и наскальные росписи 20—25-вековой давности. И иконопись. И живопись эпохи Возрождения, голландская живопись XVII века, живопись передвижников и художников-авангардистов – все это живопись – один из видов изобразительного искусства, но как различаются произведения живописи разных эпох и разных направлений!
Существует много живописцев, и каждый из них по-своему интересен.
«Каждый из них – это цельный мир, цельное восприятие мира, – говорил о художниках М.С. Сарьян, – это цвет, свет, тень, перспектива, музыка, через которые видит художник мир. Но на что был бы похож мир, если бы на земном шаре возник лишь один тип цивилизации и один тип живописи. Искусство любит многообразие, как с исторической, так и с национальной точки зрения». В качестве примера приведем картины великого голландского живописца Винсента Ван Гога. Пейзаж и люди на его полотнах изображены непривычно. Цвет не совпадает с цветом изображаемого предмета, своеобразен рисунок. Все изображенное кажется ярче. Вот как объясняет художник те изменения, которые он производит в своих картинах: «Допустим, мне хочется написать портрет моего друга – художника, у которого большие замыслы и который работает так же естественно, как соловей поет. Такая уж у него натура. И я хотел бы вложить в картину все свое восхищение, всю свою любовь к нему.
Следовательно, сначала я пишу его со всей точностью, на какую способен.
Но полотно после этого еще не закончено. Чтобы закончить его, я становлюсь необузданным колористом.
Я преувеличиваю светлые тона его белокурых волос, доходя до оранжевого, хрома, бледно-лимонного.
Позади его головы я пишу не банальную стену убогой комнатушки, а бесконечность – создаю простой, но максимально интенсивный и богатый синий фон, на какой я способен, и эта нехитрая комбинация светящихся белокурых волос и богатого синего фона дает тот же эффект таинственности, что звезда на темной лазури неба. Точно тем же путем я шел в портрете крестьянина…» [8, с. 379–380].
Изменения, «искажения» есть в творчестве многих художников. «Специфика искажения, замечаемая зрителем, – это другое, часто это стиль мастера, вытекающий из свойств его зрения, вкусовой сложности, – объясняет художник К. Петров-Водкин. – Вытянутостъ, например у Эль Греко его фигур и голов, выделяющая этого мастера от других, – это не ошибка, это специально грековское восприятие предмета».
Значит, изменение цвета, выделение каких-то черт человека художник делает не по произволу, а из необходимости выявить главное в изображаемом, сделать его зримым, создать не копию, а художественный образ и передать свое видение мира.
Каждый вид искусства и каждый творец «говорит» на своем языке, а все вместе представляют все многообразие мира и духовное богатство его творцов.
Отмечая сложность искусства, необходимо учитывать еще одну его особенность – наше восприятие. Искусство создается для людей, и от того, как они будут воспринимать искусство, относиться к нему, зависит многое в его судьбе, в его месте и роли в жизни общества.
Уважение к искусству и его творцам, постижение сложности и неоднозначности каждого художественного произведения, самобытности каждого творца создают условия, благоприятные для расцвета искусства.
Понимание языка искусства, его особенностей, присущей ему условности даст возможность не просто любоваться искусством, что не требует подготовки и работы души, а открыть для себя то огромное богатство, которое в нем заключено.
Это понимание сопровождается особым творческим состоянием, когда становится ясен сам художник, когда чувствуешь, как он смотрел, чего добивался, почему сделал именно так, а не иначе. И от такого открытия человек становится умнее, тоньше, духовно богаче.
Часто богатство художественного произведения не открывается нам по собственной нашей вине. Иногда мы просто бываем не подготовлены к встрече с искусством: приходим к нему со своей установкой, хотим увидеть или услышать что-то, чего в нем нет, судим по аналогии с ранними произведениями этого автора или сопоставляем с другими и хотим обнаружить то же, что было там. Часто новое отталкивает своей непривычностью, непохожестью на то, что стало привычным. Искусство нуждается в умном, тонком, внимательном зрителе, читателе, слушателе. И тогда оно одарит его всем заложенным в нем богатством, поможет глубже понять жизнь, подымет над бытом, очистит душу.
Но искусство участвует в жизни даже тех людей, которые не читают художественную литературу, не ходят на выставки и которым не знакомы не только произведения, но и имена Шекспира, Гёте, Толстого, Достоевского (а наши молодые современники не слышали, кто такие Ю.
Трифонов, В. Тендряков, Г. Владимов, что такое «суровый реализм» и кто его представлял). Художественное творчество, так же как философия (ибо сказанное можно отнести и к сочинениям философов), вместе с философией создают духовную ситуацию общества, умонастроение, которое складывается под их воздействием. Люди живут в атмосфере, созданной искусством.
Но не только духовную атмосферу создает искусство. Оно создает образ того мира, в котором живет человек, мира современного и мира прошлого. Образ своего времени, своей эпохи создает архитектура, и по ней можно судить об общественном устройстве, уровне техники, господствующей идеологии и многом другом. Благодаря искусству складывается представление об исторических личностях. Мы знаем и видим героя гражданской войны Чапаева таким, каким создал его артист Борис Бабочкин. Петр I для нас такой, как в романе А. Толстого и в фильме, где его сыграл Николай Симонов, как в памятнике Фальконе – Медном всаднике. И когда художник Михаил Шемякин в соответствии со своим пониманием исторической правды создаст иной образ Петра I, большинство людей его не примет, ибо образ этого персонажа уже сложился в нашем сознании.
Итак, искусство – особая форма художественно-творческой деятельности людей, обладающая способностью целостного отражения действительности, постижения ее сути, глубинным обобщением, выраженным в эмоционально-чувственной форме художественных образов, воздействующих одновременно на ум и сердце человека.
Данный текст является ознакомительным фрагментом.
Продолжение на ЛитРесСергей Бочаров. Назначение искусства – очеловечивать человеческие чувства :: Артпоиск
Сергей Бочаров. Назначение искусства – очеловечивать человеческие чувства.
«Истинное искусство
понятно всем»
Л.Н. Толстой
Сергей Петрович Бочаров – художник громадного темперамента и силы духа, владеющий даром колориста, чувством формы, точного рисунка, написания жанровой картины, портрета, пейзажа, натюрморта.
Реализм, глубокая идейность, искреннее патриотическое служение своей Родине и Народу роднят его творчество с искусством художников-передвижников.
Сергей Бочаров всецело принадлежит нашему времени и разделяет его мнения, чувства и даже ошибки. Его живопись отмечена глубокой печатью своей эпохи.
Большое полотно «Неравный брак» 1989 года открыло серию работ «Они». Действие картины происходит в Грановитой палате Кремля – зале царской власти. Пространство плавно уходит в глубину, повинуясь ритму гигантского полукружья арок и окон, объединяющих мир земной и мир небесный (роспись), уподобляясь пространству величественной алтарной аспиды. Композиция произведения в золотисто-красном колорите выстроена по принципу классического треугольника, вершиной которого является Бог Саваоф с младенцем Христом в виде росписи интерьера. Второй ряд – ученики Христа – апостолы. Третий – князья и цари, которые столетиями по крупицам собирали нашу землю и богатства. Четвертый ряд, основание треугольника – те, кто распродал, разворовал и развалил великое государство.
За уставленным яствами и питьем богатым столом празднуют знакомые всем лица – политики, интеллигенция, деятели искусства, которые не сходят с экранов телевизоров и страниц печатных изданий. Для них главное то, что в народе называется «кормушка». Молодая, красивая и богатая невеста в русском костюме ХIХ века – наша Родина, сухой старик-жених – экс-президент США Буш-старший, символизирующий западную демократию. Взгляд невесты с надеждой обращен на маленькую группу патриотов, которые остались служить своему народу. Девочка в белом – Россия. Официант, обслуживающий народно-патриотическую группу — автопортрет.
В формировании творческой личности художника все существенно: факты биографии, превратности судьбы, неумолимый ход истории, — все неизбежно дает свои ростки.
Становление художественной манеры, как правило, определено человеческим становлением. Сергей Бочаров рисует с тех пор, как помнит себя. Все, с чем он сталкивался в жизни, все, что его окружало, постепенно формировало в нем художника.
Опыт познания добра и зла, горести и радости, жизнь, которая у него на глазах становилась страницами истории, отразились в его творчестве.
Сергей Петрович Бочаров родился 27 сентября 1953 года в Новосибирской области, на станции Баган. Отец Бочаров Петр Тарасович, герой и инвалид Великой Отечественной войны, потрясал детей виртуозным рисованием одной линией лебедя, зайца и лошади. Лишь только учась в училище, Сергею удалось превзойти отца в их рисовании. Первым учителем была его мама Любовь Андреевна, простая крестьянка-колхозница, которая в три года увидела у сына любовь к рисованию и ежедневно требовала рисуночек. Удивительно, но по сохранившимся первым работам видно, что Сергей не делал «детские рисунки» — у него уточка, дерево, как в жизни. В семь лет его отправляют к тете в город Енакиево продолжать учебу в ИЗО кружке Дома Пионеров у Ивана Филипповича Гриненко, слава о его таланте педагога дошла до Сибири. Абсолютно все ученики Ивана Филипповича стали художниками. Прекрасно сдав экзамены по рисованию, но получив двойку за диктант на украинском языке в Симферопольском училище, через год Сергей блестяще выдерживает конкурс в Краснодарское художественное училище.
Великий режиссер-документалист Роман Кармен рассказал, что во время посещения мастерской Пабло Пикассо во Франции гениальный оператор Урусевский снимал кино о том, как Пикассо рисует. Туда же был приглашен юноша, который также рисовал рядом с Мэтром. Натурщицей была жена хозяина. Юноша из СССР Сергей Бочаров очень быстро схватил сходство, и уже через 15 минут на нас смотрел живой взгляд Жаклин. Все были в восторге от портрета Сергея, на что поэт Апполинер сказал: «Ну чему же тут удивляться – он ведь русский!» По окончанию они обменялись портретами.
Служба в рядах Советской Армии, Ленинградский художественный институт, Всесоюзный Государственный институт кинематографии в Москве. Работал на киностудии им. М. Горького в качестве художника-постановщика, снял 18 художественных фильмов, в том числе «Сталкер», «Забавы молодых», «Поездка в Висбаден», «На златом крыльце сидели» и др. Преподавател во ВГИКе, в художественных заведения Италии и Австрии.
Сергей Бочаров – член Союза художников и Союза кинематографистов России.
Профессор живописи, обладатель Гран-при за картины «Венеция. Большой канал. Вид на церковь Санта-Мария дела Салюте» в Италии и «Битва» во Франции. Провел по всему миру 53 персональные выставки, в том числе в Москве: ЦДХ (1996, 1997, 2003-2004 гг.), музей Красные Палаты (1999 г.), выставка в Совете Федерации (2004 г.), в Государственной думе (1998 г.), в Торгово-Промышленной палате (Международный Центр Торговли (2006 г.). На открытии персональной выставке в Администрации Президента в 2005 году Первый заместитель Правительства РФ Дмитрий Медведев отметил живописную манеру и профессионализм Сергея Бочарова и сказал: «Стены Администрации Президента, еще никогда не видели такой великолепной реалистической живописи». В период с 2002 по 2004 годы Сергей Бочаров осуществлял персональное выставочное турне по городам Сибири — Тобольск, Тюмень, Ишим, Сургут, Муравленко, Ноябрьск, Нефтеюганск, Новосибирск, Омск. Состоялись выставки в Нижнем Новгороде (2001), Ростове-на-Дону (1998, 2001 гг.), Ярославле (2003 г.
), Рязани и др. С большим успехом прошли выставки в Крыму-Ялте, Симферополе, Севастополе (1996 г.). Бочаров – участник международных выставок – в Париже («Галерея Басмаджава»), США («Близнецы» -1999 г.), Риме — («Галерея Черепаха» — 1990 г.), (Кампа ди Фьори 1991 г.), Роберто Бакалини (1992-1993 гг.), в Норвегии, Осло (Королевский дворец, 1989 г.) и др.
Кинорежиссер Федерико Феллини на открытии персональной выставки Бочарова в Риме сказал о нем: «Встреча с прекрасным русским художником Сергеем Бочаровым произошла на вручении «Гран при» выставки «Пейзажи Венеции». Никогда раньше я не видел столь высокопрофессионально убедительной современной живописи. Как член комиссии, не колеблясь, отдал первое место его картине. Художник показал Венецию красавицей, в напряженном вечернем мажорном цвете заходящего солнца, плачущей, и это не могло меня не тронуть. Раньше Сергей учился у великих итальянцев Эпохи Возрождения. Теперь же итальянцы учатся у него. Он преподает живопись в Риме.
И блестяще. После росписи им «Таверны Джованни» возле Ватикана, он стал великим итальянцем. За эту работу я подарил ему фрак моего деда, чтобы он до конца жизни открывал в нем все свои вернисажи, и эту клятву он выполняет».
Сергею Бочарову заказывали свои портреты король Норвегии Олаф (1989 г.), Президент КНДР Ким Ир Сен (1987 г.), Джани Версаче (1989 г.), Пако Рабанн (1989 г.), Элтон Джон (1977 г.), Лучано Паворотти (1991 г.).
Вот что рассказал Паворотти о написанном с него портрете: «Я не знаю ни одного современного художника так мастерски пишущего портрет, как этот русский – Бочаров. У него не только блестящая техника живописи, но и характер философа. Меня Сергей Бочаров изобразил с выражением страстного душевного порыва. Он показал меня, каким я могу и должен стать. На картине гармоническая личность с полным воплощением чувств и раздумий. На портрете он поднял меня так высоко, что я всю жизнь буду стремиться к моему идеалу!»
Также им написан с натуры известный портрет Л.
И.Брежнева (1981 г.) «Золотой век», портрет Владимира Высоцкого (1979 г.) и многие другие… Интересны мысли В.В. Высоцкого о своем портрете: «Впервые в моей жизни художник писал меня с натуры, и я ему позировал. Портрет Сергея Бочарова оказал влияние на мое творчество. Я не верил, но Бочаров, как клещ, в меня вцепился и сделал целую картину моей жизни, вместо обычного портрета я увидел себя с другой стороны. Он как бы собрал правдивый взгляд народа на мою жизнь».
Сергей Бочаров владеет живописными традициями, отшлифованными учебой и копированием картин старых мастеров.
Еще во время учебы в Краснодарском художественном училище, как один из лучших студентов, Сергей был поощрен наградной поездкой в столицу. Отказавшись от экскурсионной программы, он стал писать этюды на московских улицах. Однажды к нему подошла пожилая дама. Она заинтересовалась его работой. Поговорив с Сергеем и оценив его целеустремленность и увлеченность своей профессией (вместо того, чтобы осматривать достопримечательности столицы, парень писал этюды), дама, а это была жена великого французского художника Фернана Леже Надя, пригласила одаренного юношу в свою парижскую студию.
Это был подарок судьбы. Художник обрел возможность скопировать в Лувре двенадцать шедевров живописи, в том числе «Джоконду» великого Леонардо да Винчи.
Именно в Лувре Сергей сделал для себя много открытий, так необходимых для достижения мастерства. Тяготение же художника к монументально-эпическим формам было обусловлено особенно духовным климатом эпохи, а именно – радикальными переменами в жизни его Отечества. Наступила эпоха трагического разрушения великой страны, нравственного унижения граждан России, попрания идеалов русского социализма, идей справедливости и равноправия.
Художник всегда находится в гуще общественного сознания и гражданской активности народа. Именно живопись своей доступностью, независимостью от телевидения и прессы, дала ему возможность реализовать на практике новые художественные и патриотические идеи.
Живопись Бочарова как художественное явление необычайно многогранна. Общественное предназначение его творений определило широту, обобщенность, концентрированность образного воздействия.
Главной целью, к которой стремится художник, остается отражение современных событий в художественных образах. Композиция полотен Бочарова свидетельствует о сложном философском характере его мышления, о его склонности воплощать идею в развернутой системе конкретных образов и отвлеченных понятий, обобщений, параллелей и символов. Примером такой композиции может служить картина «Явление народа» (1999-2000 гг.). Художник возвращает нас к величайшему шедевру Александра Иванова. Как бы в продолжение его библейской темы, Бочаров строит собственный сюжетно-композиционный аналог, переместив действие картины в современную Москву, на Софийскую набережную Москвы-реки. Роль Иоанна Крестителя отведена митрополиту Санкт-Петербургскому и Ладожскому Иоанну, духовному пастырю православно-патриотического движения России, который с детства поощрял , поддерживал и ценил творчество Сергея.
Бочаров исходит в картине из концепции замкнутого в пределах классического построения пространства, с его внутренней структурой, внутренней динамикой, своеобразной пластичностью.
Пространство в «Явлении народа» то сжимается в правой части композиции до пределов свода Большого Каменного моста, наполненных копьями и флагами, то становится неопределенным, сливаясь с архитектурой Кремля, где торжественно шествует митрополит, ведомый свечением народа, то – в центре – расширяет свои пределы до горизонта Красной площади, открывая закатный пейзаж с храмом Василия Блаженного.
Наиболее убедительную расшифровку этой картины, посвященной патриотам России, предложил публицист Вадим Кожинов. Согласно его трактовке, Сергей Бочаров «посвятил картину истории бесконечных распрей между всеми оппозиционными силами, воплотив идеи неоплатонизма, восходящие от примитивного либерального «Я» к творческому неистовству общественного патриотизма».
Бочарова нередко упрекают в бессмысленной трате времени и сил на написание таких картин. На это художник неизменно отвечает: «Когда я пишу пейзажи, портреты и натюрморты, в душе – боль: каким надо быть спокойным, чтобы наслаждаться этой абстрактно-чистой, возвышенной красотой, когда твоему народу, твоей стране в это время так трудно».
Вячеслав Клыков, скульптор, сказал: «Меня в картинах «Явление народа» и «Неравный брак» Бочаров поставил в один ряд с прекрасными людьми России. Я был смущен!».
Картины Бочарова щедро озаряют нас той радостью узнавания, которую Аристотель считал одной из существенных свойств искусства: зрительная убедительность облика раскрывающегося в них мира – людей, их лиц, пространства, материальности форм – становится источником огромного эстетического наслаждения для нас. Художник разворачивает перед зрителем цепь событий, свершающихся в реальной жизненной среде. Сюжеты своих полотен художник черпает из современности, на что получил когда-то благословение у своего духовника, митрополита Санкт-Петербургского и Ладожского Иоанна. Владыкой были освящены картины Бочарова «Неравный брак» и «Грачи прилетели».
В эпоху смуты живопись Бочарова обретает трагический пафос и сложную изобразительную структуру. Полотно «Грачи прилетели» — тревожное зрелище всерусской драмы конца 20 века.
Здесь в образе воронья изображены 500 журналистов, которые несут ложь с экранов телевизоров и газет и зомбируют наш народ. Сергей Бочаров достигает в своей работе слитности и единства всех элементов изображения. Развернутая по горизонтали композиция подобна встающей над панорамой города грозовой туче, пронизанной вспышками молний. Огромные массы теней и тревожные блики зарниц сливают воедино архитектуру города, лица журналистов, темное с голубыми просветами небо.
В образе духовной силы предстает митрополит. Владыка ведет за собой народ, а девочка рядом – символ России, она одета в платье красного цвета. Березка «пробивает» темную воронью тучу, и лучик вечернего света падает на древний Кремль. А на Манежной площади человек, это – народ, убегающий от черного облака лжи журналистов, закрывшего синее небо правды России.
Технику картин Сергея Бочарова отличает энергичная светотеневая лепка фигур, почти иллюзорно выступающих на темном фоне. Таким примером может служить диптих «Адам и Ева».
Здесь художника интересует не расшифровка библейского сюжета о грехопадении. Его точка отсчета – мужчина как муж и женщина как жена, и не в Эдеме, а в нашей действительности. Мужчина представлен сильным, прекрасно физически сложенным, но в руках он держит хрустальный шар, как символ неустойчивости его в семейной жизни: в любой момент шар может упасть и разбиться. У Евы в руках зеленое яблоко – начало семьи, но оно уже червивое. Ее образ Бочаров писал с разных по возрасту натурщиц, чтобы показать весь сложный путь женщины, жены и матери. Золотистые волосы, падающие на плечи, говорят о ее божественном начале. Лицом – это семнадцатилетняя девушка, чистая и юная. С нее же прорисована первоначальная фигура. Затем художник вторым слоем пишет фигуру двадцатилетней женщины, формы которой указывает на ее готовность к материнству. Следующей написана явно рожавшая натурщица тридцати восьми лет. И последняя модель – пожилая женщина с натруженными руками и тяжелыми от работ ногами.
О вечных истинах говорят картины Бочарова: о величии души человека-творца и совершенстве содеянного им, о пронзительной красоте природы.
Бочаров, художник реалистической школы, покоряет не только высочайшим мастерством, но и присущим только ему взглядом на окружающую действительность. Он талантлив в пейзажах и натюрмортах. Серии крымских и венецианских пейзажей поражают великолепием колорита, завораживают, покоряют лиризмом и красотой. У художника есть любимые уголки на земле. Это Крым, Италия, Москва. Фантастически написано полотно, посвященное памяти А.Пушкина, «Грот любви». В основе его сюжета лежит исторический факт из жизни поэта времен его пребывания во дворце Воронцовых в Крыму.
Галерея портретов – Владимир Высоцкий, итальянский модельер Джанни Версаче (дружба с которым длилась в течении 10 лет), Хитрый немец Хайнц, Семейный портрет – потрясают проникновением в сокровенный мир персонажей и тонким психологизмом. Художнику удается ухватить внутреннюю суть портретируемых, раскрыть их душу.
Портрет Джанни Версаче написан художником в 1989 году по просьбе Федерико Феллини, у которого С. Бочаров проживал в это время.
Композиция портрета сформировалась во время первого сеанса позирования, на который модельер пришел обнаженный ниже пояса и принял позу, запечатленную на полотне.
Все детали картины: и костюм портретируемого, и предметы интерьера подлинные, о чем свидетельствует отпечаток пальца Джанни Версаче, который он поставил по завершению работы. Однако, несмотря на свое богатство, модельер не захотел заплатить художнику запрошенную сумму, мотивируя это более низкими ценами на предшествующие работы мастера. Позднее в споре за картину своим неосторожным высказыванием оскорбил патриотические чувства С. Бочарова. В результате художник пообещал никогда не продавать портрет и свое слово он сдержит, несмотря на многочисленные попытки со стороны родственников модельера приобрести его за любые деньги.
Поразительно много успел сделать в своем творчестве художник Сергей Бочаров. Свои реалистические принципы он основывает на стремлении к адекватности изображения реального мира, к чувственно-непосредственному восприятию действительности во всей ее целостности и многообразии богатства форм и красок, телесности и пространственной глубине движения света и теней.
Девиз творчества художника — слова Аристотеля: «Назначение искусства – очеловечивать человеческие чувства!» И для всех его картин — будь то пейзаж, портрет, натюрморт или станковая живопись – это закон.
Сочинение ЕГЭ. Проблема назначения искусства.. По А.И. Солженицыну
Количество просмотров публикации Сочинение ЕГЭ. Проблема назначения искусства.. По А.И. Солженицыну — 955
Сочинение по тексту:
Известный писатель А.И. Солженицын в тексте, который я прочитал, поднимает проблему назначения искусства.
Рассуждая о том, что история человечества ӊᴇ знает периода, когда ӊᴇ было искусства, писатель говорит о ᴇᴦο божественном происхождении . Суть искусства в том, по мнению А.И. Солженицына, что в нём нет места лжи. Построенное на триединстве Истины, Добра и Красоты, произведение искусства захватывает читателя и воспринимается как непреложная правда, которую и спустя время никто ӊᴇ опровергнет.
Автор признается, что ӊᴇ сразу понял глубокий смысл фразы Ф.М. Достоевского о том, что ʼʼкрасота спасёт мирʼʼ. Однако именно ей, красоте, как он постиг позже, уготована главная роль в искусстве. Именно красота пробьётся из-под натисков действительности, устоит под давлением времени. И тогда, как пишет автор, искусство будет ʼʼрастеплятьʼʼ даже ʼʼзахоложенную, затемнённую душу к высокому духовному опытуʼʼ. В ϶том и есть подлинное назначение искусства.
Моя позиция сходна с мнением А.И. Солженицына. Я верю в то, что в наше непростое время искусство объединяет людей и побуждает к осмыслению сущего, учит жизни. К примеру, назначение произведений классической литературы — давать людям нравственные ориентиры.
Известный русский писатель К. Паустовский сказал: ʼʼБез Чехова мы были бы во много раз беднее духом и сердцемʼʼ. Произведения А.П. Чехова несут нам истины и учат добру. К примеру, в рассказе ʼʼКрыжовникʼʼ А.П. Чехов призывает нас ӊᴇ упиваться мещанским счастьем обладания, а помнить, что в мире есть несчастные.
Если мы ӊᴇ будем думать о таких людях, то когда-то забудут о нас. Этой истине и доброте учит нас автор.
Размещено на реф.рф
В трудные годы войны искусство давало людям силы. Стихотворение К. Симонова ʼʼЖди меня, и я вернусь…ʼʼ бойцы переписывали друг у друга, отправляли в письмах своим жёнам, и ϶то поддерживало их дух. Жителям блокадного Ленинграда придавала стойкость 7-я симфония Д. Шостаковича, которую композитор начал сочинять в осаждённом городе, а один из современников назвал ʼʼСимфония всепобеждающᴇᴦο мужестваʼʼ.
Итак, назначение искусства — убедительно, по законам гармонии и красоты, показывать людям истину и укреплять дух.
Текст Александра Исаевича Солженицына:
(1)Археологи ӊᴇ обнаруживают таких ранних стадий человеческого существования, когда бы ӊᴇ было у нас искусства. (2)Ещё в предутренних сумерках человечества мы получили ᴇᴦο из Рук, которых ӊᴇ успели разглядеть. (3)И ӊᴇ успели спросить: з а ч е м нам ϶тот дар? как обращаться с ним?
(4)И ошибались, и ошибутся все предсказатели, что искусство разложится, изживёт свои формы, умрёт.
(5)Умрём — мы, а оно — останется. (6)И ещё поймём ли мы до нашей гибели все стороны и все назначенья его?
…(7)Искусство растепляет даже захоложенную, затемнённую душу к высокому духовному опыту. (8)Посредством искусства иногда посылаются нам, смутно, коротко, — такие откровения, каких ӊᴇ выработать рассудочному мышлению.
(9)Как то маленькое зеркальце сказок: в нᴇᴦο глянешь и увидишь — ӊᴇ себя, — увидишь на миг Недоступное, куда ӊᴇ доскакать, ӊᴇ долететь. (10)И только лишь душа занывает…
(11)Достоевский загадочно обронил однажды: ʼʼМир спасёт красотаʼʼ. (12)Что ϶то? (13)Мне долго казалось — просто фраза. (14)Как бы ϶то возможно? (15)Когда в кровожаднои̌ истории, кого и от чᴇᴦο спасала красота? (16)Облагораживала, возвышала — да, но кого спасла?
(17)Однако есть такая особенность в сути красоты, особенность в положении искусства: убедительность истинно художественного произведения совершенно неопровержима и подчиняет себе даже противящееся сердце. (18)Политическую речь, напористую публицистику, программу социальнои̌ жизни, философскую систему можно по видимости построить гладко, стройно и на ошибке, и на лжи; и что скрыто, и что искажено — увидится ӊᴇ сразу.
(19)А выйдет на спор противонаправленная речь, публицистика, программа, иноструктурная философия, — и всё опять так же стройно и гладко, и опять сошлось. (20)Оттого доверие к ним есть — и доверия нет.
(21)Попусту твердится, что к сердцу ӊᴇ ложится.
(22)Произведение же художественное свою проверку несёт само в себе: концепции придуманные, натянутые ӊᴇ выдерживают испытания на образах: разваливаются и те и другие, оказываются хилы, бледны, никого ӊᴇ убеждают. (23)Произведения же, зачерпнувшие истины и представившие нам её сгущённо-живой, захватывают нас, приобщают к себе властно, — и никто, никогда, даже через века, ӊᴇ явится их опровергать.
(24)Так должна быть, ϶то старое триединство Истины, Добра и Красоты ӊᴇ просто парадная обветшалая формула, как казалось нам в пору нашей самонадеяннои̌ материалистической юности? (25)Если вершины этих трёх дерев сходятся, как утверждали исследователи, но чересчур явные, чересчур прямые поросли Истины и Добра задавлены, срублены, ӊᴇ пропускаются, — то должна быть причудливые, непредсказуемые, неожидаемые поросли Красоты пробьются и взовьются в то же самое место и так выполнят работу за всех трёх?
(По А.
И. Солженицыну)
В чем состоит подлинное назначение искусства? Сочинение-эссе С1 (русский язык) в формате ЕГЭ 2014 — 23 Мая 2013 — Помощь школьникам и студентам — WebHelper.info
В чем состоит подлинное назначение искусства? Над таким эстетическим вопросом заставляет нас задуматься В. Конецкий.Проблема, поднятая автором, действительно интересная. Конецкий раскрывает ее на примере случая из жизни, где его герой оказывается на палубе теплохода, наблюдая за миграцией птиц. Этими птицами оказались грачи, ставшие персонажами общеизвестной картины Соврасова «Грачи прилетели», которая проникнута патриотизмом и «ощущением родины».
Авторская позиция мне ясна. Конецкий считает, что подлинное назначение искусства – вызывать в человеке «ощущение пусть мимолетного, но счастья». Он также призывает нас не забывать и о еще одной важной функции – «будить и освещать в соплеменнике чувство родины».
Я согласен с позицией автора и также считаю, что искусство должно пробуждать в человеке патриотические чувства и вызывать ощущение счастья.
Задумываясь над проблемой, сразу приходят в голову служащие МАССОЛИТА из романа Булгакова «Мастер и Маргарита», творчество которых никак не подходит под определение Конецкого об искусстве. Они пишут откровенно плохие произведения, значительно снижая общий уровень культуры.
Обратимся к творчеству ученого-публициста Д.С. Лихачева. В одном из своих писем он писал: «Искусство освещает и одновременно освящает жизнь человека. И снова повторяю: оно делает его добрее, а следовательно, счастливее».
Таким образом, подлинное назначение искусства состоит в том, чтобы вызывать в человеке ощущение счастья и пробуждать патриотические чувства.
Оригинал текста, на основе которого написано сочинение:
(1)Однажды ко мне на вахту, октябрьскую, осеннюю, ненастную, прилетели скворцы. (2)Мы мчались в ночи от берегов Исландии к Норвегии. (3)На освещенном мощными огнями теплоходе. (4)И в этом туманном мире возникли усталые созвездия…
(5)Я вышел из рубки на крыло мостика.
(6)Ветер, дождь и ночь сразу стали громкими. (7)Я поднял к глазам бинокль. (8)В стёклах заколыхались белые надстройки теплохода, спасательные вельботы, тёмные от дождя чехлы и птицы — распушённые ветром мокрые комочки. (9)Они метались между антеннами и пытались спрятаться от ветра за трубой.
(10)Палубу нашего теплохода выбрали эти маленькие бесстрашные птицы в качестве временного пристанища в своём долгом пути на юг. (11)Конечно, вспомнился Саврасов: грачи, весна, ещё лежит снег, а деревья проснулись. (12)И всё вообще вспомнилось, что бывает вокруг нас и что бывает внутри наших душ, когда приходит русская весна и прилетают грачи и скворцы. (13)Это не опишешь. (14)Это возвращает в детство. (15)И это связано не только с радостью от пробуждения природы, но и с глубоким ощущением родины, России.
(16)И пускай ругают наших русских художников за старомодность и литературность сюжетов. (17)3а именами Саврасова, Левитана, Серова, Коровина, Кустодиева скрывается не только вечная в искусстве радость жизни.
(18)Скрывается именно русская радость, со всей её нежностью, скромностью и глубиной. (19)И как проста русская песня, так проста живопись.
(20)И в наш сложный век, когда искусство мира мучительно ищет общие истины, когда запутанность жизни вызывает необходимость сложнейшего анализа психики отдельного человека и сложнейшего анализа жизни общества, — в наш век художникам тем более не следует забывать об одной простой функции искусства — будить и освещать в соплеменнике чувство родины.
(21)Пускай наших пейзажистов не знает заграница. (22)Чтобы не проходить мимо Серова, надо быть русским. (23)Искусство тогда искусство, когда оно вызывает в человеке ощущение пусть мимолётного, но счастья. (24)А мы устроены так, что самое пронзительное счастье возникает в нас тогда, когда мы ощущаем любовь к России. (25) Я не знаю, есть ли у других наций такая нерасторжимая связь между эстетическим ощущением и ощущением родины?
(По В. Конецкому)
Смысл и назначение искусства на примере Васи Ложкина: tito0107 — LiveJournal
Сейчас в ЦДХ идет выставка известного Васи Ложкина, и Сеть активизировалась в этой связи.
Иные граждане выдают сентенции в духе: «Да как можно показывать это в центре Москвы на Сетлый Православный Праздник?», «А что, если это увидят дети?», «Это разрушение Русского Культурного Кода!» и прочее в таком духе.Вспоминается давний случай. Лет десять назад я работал в художественной галерее, и у нас проходила выставка художника, в чем-то похожего на Васю. И после открытия одна полуинтеллигентная дама насела на меня: «Да как вы смеете такое показывать?! Мне стыдно за вас!!» Причем высказала это все мне, рядовому сотруднику, к начальству, стоявшему рядом, подойти не решилась.
Про творчество подобных Васе Ложкину художников очень часто можно услышать: «Это не искусство». Было бы неплохо спросить у говорящих так, что же такое тогда искусство, но поскольку спрашивал уже неоднократно, можно выдать некое обобщение. Для обывателей искусство, это когда:
1) Красиво. Понятно, что красота – понятие относительно. Для одних красиво одно, для других – другое. И даже вкусы одного и того же человека меняются на протяжении жизни.
2) Сложно. Нарисовать, как Вася Ложкин «сможет любой дурак» (на самом деле далеко не любой). А вот нарисовать, как, допустим, Шилов далеко не каждый сумеет. Поэтому Шилов – искусство, а Ложкин – нет.
3) (Если говорить об изобразительном искусстве и литературе) Реалистично. По сути, это следствие пункта 2. Рисовать реалистично сложно.
Замечу, что «понятность» не является обязательным условием для того, чтобы нечто считалось произведением искусства. Скажем, Сальвадор Дали обывателям непонятен, но считается ими «настоящим художником», поскольку пункты 1 и 2 выполняет.
Про красоту можно долго разговаривать, а сейчас я скажу про сложность. Поскольку мерилом работы зачастую считается усталость (особенно если цель и смысл), то опять возвращаемся к пункту 2. Чем там художники занимаются – не понятно: хлеб не растят, сталь не варят. Может, халтурят вообще, жируют на народные деньги? А увидит простой человек гладенькие картины того же Шилова, где все «как на фотографии» — да нет, попробуй-ка так.
Работают, стало быть, в поте лица. Иным этого мало, и заявляют, что искусство должно нести в массы высокие идеалы, воспитывать нравственность и любовь к Родине. Если не несет (как у Дали), то оно искусство, конечно же, но плохое, идеологически вредное. Пишу и удивляюсь – какие же банальности приходится говорить. Однако же приходится, ибо вещи, озвученные выше, приходится слышать не только от хлеборобов со сталеварами, но и от людей, с искусством непосредственно связанных.
«Take me back to my boat on the river…» Картина называется «Стикс»
На протяжении веков художников было мало, материалы для живописи были дорогими, дорогим было и обучение. Простой человек был слишком занят другими делами, чтобы еще и картины писать. Но в двадцатом (а особенно в двадцать первом) веке краски стали доступнее, времени появилось больше. В художники потянулись любители-примитивисты, а с другой стороны, многие профессионалы стали косить под примитив. Но в обывательском представлении «настоящее искусство должно отвечать пунктам 1 и 2, как и во времена, давно ушедшие.
Между тем, ИМХО, если произведение живописи (и всего остального) доставляет эстетическое удовольствие только одному человеку – автору, то оно уже имеется достаточное основание, чтобы называться искусством. А уж тем более, если оно доставляет удовольствие кому-то еще.
Проиллюстрировал пост картинами Ложкина, большинство из которых я увидел впервые. Последняя, правда, мне была хорошо знакома.
Цель искусства — SamsOriginalArt
Как и язык, искусство является формой выражения. Его сообщение может быть символическим или религиозным, историческим или политическим. Но цель искусства не просто передать сообщение, но, что более важно, вызвать эмоциональный отклик, каким-то образом «тронуть» нас. Искусство может быть приятным или удивительным, информативным или озадачивающим, оскорбительным или вдохновляющим.
Наскальные рисунки
Искусство — это уникальный человеческий продукт , самыми ранними примерами которого являются наскальные рисунки, найденные, например, в Западной Европе и Индонезии, возраст которых превышает 40 000 лет.
Чаще всего изображаются крупные дикие животные, такие как бизоны, лошади и олени. Также часто встречаются следы рук, известные как «выемки пальцев». Одна теория предполагает, что наскальные рисунки были сделаны палеолитическими шаманами, возможно, пытаясь вызвать дух животного, чтобы увеличить количество добычи.
Касса Уникальное искусство Сэма
Религиозное искусство
Еще до того, как письменность получила широкое распространение, искусство было средством передачи культурных мифов и религиозных верований.Примеры включают пиктограммы, найденные в египетских гробницах, или греческие и римские мозаичные фрески древности. В западной цивилизации, начиная со Средневековья и заканчивая эпохой Возрождения, искусство использовалось как средство передачи Священного Писания Церкви. Известными примерами являются «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи или картины Микеланджело в Сикстинской капелле.
Историческое искусство
На протяжении всей истории другой целью искусства было документирование важных исторических событий.
Историческое искусство отличается от пейзажа и портретной живописи тем, что изображает момент повествовательной истории, а не статичный предмет.Первоначально термин «историческое искусство» использовался для описания исторических сцен из классической мифологии. Однако с 18 века он обычно чаще применялся к светским предметам, таким как картины, предназначенные, например, для документирования сражений Гражданской войны в США.
Политическое искусство
После того, как Эпоха Просвещения расширила свое внимание за пределы эгиды Церкви, искусство также стало использоваться как средство политического комментария. В наши дни каждая крупная газета публикует «политическую карикатуру».Но также есть много художников, чьи работы имеют явно «политическую» функцию. Примеры включают китайского художника Ай Вэйвэя, а также Бэнкси, Жана-Мишеля Баския и других.
Искусство как эмоция
XIX век ознаменовался появлением новых художественных течений, таких как романтизм, экспрессионизм и импрессионизм.
Эти новые стили представляли собой усилия художников того времени по созданию более «полного» и менее «статичного» ощущения реальности. Стремясь изобразить меняющиеся узоры света и движения, искусство стало отражать более эмоционально заряженное ощущение реальности.Носителями этого стиля являются Дега, Моне, Ренуар и Мане.
Абстракционизм
Стремление к более «полному» представлению реальности привело в наше время к популярности абстрактного искусства. Здесь предмет может быть полностью разобран, изменен и собран заново, чтобы спроецировать множество эмоциональных реакций. Теперь реальность в глазах смотрящего. Умение, необходимое для изображения «видимой» реальности, покорено. Вместо этого важно умелое использование цвета, текстуры и геометрии, которые используются для обозначения «чувства».Абстрактное искусство не только «расширяет» сообщение, но и, выделяя его элементы, открывает возможности для декоративного использования искусства в качестве дополнения к большему пространству.
Эти разнообразные функции искусства привели нас через прогрессивные культурные изменения к тому, что мы имеем сегодня. Меня особенно воодушевляет тот факт, что сегодняшнее искусство связано с техникой не меньше, чем с предметом. Посмотрите мою галерею!
Для изображения реальности и идеалов.
Часто называют реализмом и идеализмом.Или изобразить идеальные реалии художника. Другими словами, искусство — это способ для художника сказать: «Вот как я вижу мир», а затем иногда сказать: «Вот каким, по моему мнению, он должен быть».
Чтобы вызвать размышления и разговор.
Будь то картина, драматизирующая ужасы войны, или мрачное изображение насилия в семье, искусство может потрясти чувства и заставить человека глубоко задуматься о реальной социальной проблеме. Это может вызвать дебаты и даже привести к революции. Например, площадь Тяньаньмэнь.
Должно ли искусство иметь цель?. «Искусство ради искусства — пустой звук… | Сьюзен Дэй
«Искусство ради искусства — пустой звук.
Искусство во имя истины, искусство во имя добра и красоты — вот та вера, которую я ищу (Рэтклифф, 2011, стр. 29)». Эта фраза викторианской писательницы Жорж Санд была ответом на тенденцию эпохи романтизма прославлять искусство, которое не имеет цели и не нуждается в ней. Это перевод на английский язык фразы l’art pour l’art , придуманной философом Виктором Кузеном (Британская энциклопедия, 1999).Эта идея сохранилась и в 20 веке и стала основой формализма, хотя в последние годы преобладала вера в то, что искусство должно иметь цель, а художник должен оправдывать то, что он делает. Так действительно ли искусству нужна цель, и что именно мы подразумеваем под целью?
Чтобы понять эту идею, нужно вернуться в 1800-е годы, когда художники не были свободны как таковые и нуждались в покровительстве богатых людей для создания произведений искусства по специальному заказу. Искусство в те дни создавалось специально для выполнения определенной функции.Многие произведения искусства носили религиозный характер, поскольку наиболее доступными заказами были украшения церквей (Bohn & Saslow, 2012, стр.
65).
Делались и портреты важных персон, так как они были еще одним общим заказом. Их часто сильно украшали, чтобы объект казался более сильным или привлекательным, чем он был на самом деле, что иногда приводило к вопиющей фабрикации деталей.Хорошим примером этого является картина Жака-Луи Давида « Бонапарт, пересекающий перевал Сен-Бернар » (рис. 1).
Наполеон ведет свои войска через Альпы верхом на брыкающейся лошади. Невозмутимый, он уверенно указывает путь. На самом деле он не вел свои войска через Альпы, а преследовал их на следующий день на осле. Он также никогда не позировал для картины. Дэвид использовал набросок своей головы и смоделировал тело своего сына, поднимающегося по лестнице (Cunningham et al., 2016, с.640).
Рисунок 2. Каспар Давид Фридрих, Der Wanderer über dem Nebelmeer (Странник над морским туманом) , 1817, холст, масло, 94,8 см x 74,8 см (Artsy, 2018) К 1800-м годам художники начали принимать новый образ быть независимыми и фигурами величия.
Фотография в конечном итоге облегчила простое воспроизведение и освободила искусство, сделав его более выразительным, а рост промышленности привел к появлению романтического движения, которое характеризовалось более глубоким пониманием красоты природы и преклонением перед эмоциями над разумом и интеллектом. (Британская энциклопедия, 2019).
Уолтер Патер, один из ведущих искусствоведов той эпохи, распространял веру в то, что искусство должно доставлять чувственное удовольствие, а не передавать смысл или послание, идеологию, которая вдохновляла таких художников, как Уистлер, и даже писателей, таких как Оскар Уайльд (Nunokawa & Sickels). , 2005, с.5). В заключении своей самой успешной книги «Возрождение » он писал, что «всегда гореть этим твердым, подобным драгоценному камню пламенем, поддерживать этот экстаз — вот успех в жизни» (Патер, 1928, с.221), идея, которую он развил дальше в метко названном Marius the Epicurean . Он продолжает продвигать «любовь к искусству ради самого себя» (Патер, 1928, стр.
223).
В отличие от взглядов Патера, Джон Раскин и более поздние сторонники социалистического реализма считали, что искусство должно служить моральной или дидактической цели. Раскин заявил, что «вся жизненная сила искусства зависит от того, наполнено ли оно правдой или полезно» (Раскин, 1996, стр. 140).
Каспар Давид Фридрих был художником романтического движения, и картина Der Wanderer über dem Nebelmeer (Странник над морским туманом) (рис. 2) является одной из его самых известных работ.На нем изображен молодой человек с тростью, показанный сзади, стоящий на скалистом обрыве и смотрящий на бурное море. Вдалеке виднеются слабые горы, и кажется, что туман и облака сливаются воедино. Поскольку лицо мужчины невозможно увидеть, невозможно узнать, является ли его опыт «воодушевляющим, или ужасающим, или и тем, и другим» (Gaddis, 2004, стр. 1).
Фридрих однажды сказал, что «чувство художника — его закон» (Видманн, 1986, стр. 46). Эта цитата довольно уместна, поскольку он действительно передает грубую силу и красоту природы и чувства человека посреди нее в этой работе.
К концу викторианской эпохи появилось менее оптимистичное, более честное и грубое направление в искусстве. Экспрессионизм отличался резкими цветами, неровными краями, более агрессивной кистью и темными предметами. Под влиянием Фридриха (Gariff et al., 2008, стр. 140) Эдвард Мунк стал ключевой фигурой этого движения.
Рисунок 3. Эдвард Мунк, Детский сарай (Больной ребенок) , 1885–86, холст, масло, 120 см x 118,5 см (Nasjonalmuseet, 2015)Жизнь Мунка была в лучшем случае мучительной. Его мать умерла от туберкулеза во время его пятого Рождества, он заразился семь лет спустя и в конце концов увидел, как от него умерла его сестра (Høifødt, 2012, стр.7). По словам самого Мунка, «болезнь преследовала меня все мое детство и юность — микроб чахотки победоносно возложил свое кроваво-красное знамя на белый носовой платок» (Prideaux, 2005, с. 66).
Det syke barn (Больной ребенок) (рис. 3) — это портрет сестры Мунка Софи, сделанный десятилетие спустя. Он использовал девушку по имени Бетзи Нильсен, описанную как «чахочно красивую, с сине-белой кожей, желтеющей в синих тенях», в качестве модели для своей умирающей сестры на картине.
Описывается как «чахоточная красота с сине-белой кожей, желтеющей в синих тенях». Он начал рисовать ее, сидя в плетеном кресле, в котором умерла Софи (Prideaux, 2005, стр. 86).
На этой картине и во многих последующих ее интерпретациях Мунка изображена хрупкая девушка, опирающаяся на кровать. Ее голова повернута к пожилой женщине, которая держит ее за руку и опустила голову в глубокой печали. Можно почувствовать сильное предвкушающее горе от пожилой женщины при мысли о потере ребенка, который, наоборот, похоже, смирился со своей судьбой.На пути взгляда девушки длинная темная занавеска, которую можно интерпретировать как символ ее скорой смерти. Эта картина называлась его первым sjælemaleri , или «картинами души» (Prideaux, 2005, стр. 84).
Мунк однажды сказал: «Я рисую не то, что вижу, а то, что видел» (Høifødt, 2012, стр. 7). Подобно Фридриху, чувство Мунка было его законом, и он использовал живопись как способ решить тревожные прошлые события в своей жизни, такие как смерть его сестры.
Это также, безусловно, относится к его самой известной работе, Скрик (Крик) (Рисунок 4), которая была вдохновлена памятным вечером, когда он гулял с друзьями во время заката. Небо стало «кроваво-красным», и «дрожа от беспокойства» он «ощутил бесконечный крик, проходящий сквозь природу» (Лоуис, 2009, с.119).
На этой картине изображена обезумевшая белая фигура, держащая руки за лицо, кричащая с большими открытыми глазами. На лице человека, который изображает Мунка во время его переживания заката, запечатлено незабываемо ужасное выражение.
Сквозь призму постмодернизма подход экспрессионизма подвергся критике за его «очень герменевтическую модель внутреннего и внешнего» (Harrison & Wood, 2002, p.1049). Теоретик Фредрик Джеймисон в тексте об «угасании аффекта в постмодернистской культуре» сказал о «Крик », что он «деконструирует собственную эстетику выражения, все время оставаясь заключенным внутри нее».
(Харрисон и Вуд, 2002, стр. 1050).
Казалось бы, по мере того, как в ХХ веке искусство ради искусства угасало, публика становилась более разборчивой.Далее он говорит: «Такие понятия, как тревога и отчуждение (и переживания, которым они соответствуют, как в «Крике») больше не уместны в мире постмодерна». Цель этой картины больше не актуальна, так как она потворствует своим желаниям. По мнению таких теоретиков, как Джеймсон, он должен быть более доступным для других.
Рисунок 5. Эмиль Нольде, Meer (I) , 1947 год, холст, масло, 68 см x 88 см (Garbrecht, 2008, стр. 39).Эмиль Нольде, еще один художник-экспрессионист, возможно, также испытавший влияние Фридриха (Schmied, 1995, стр.40), продолжил экспрессионистский стиль живописи в 20 веке. Meer (I) (Рисунок 5), или «Море» по-английски, — одна из его работ, созданных вскоре после окончания Второй мировой войны.
Нацисты запретили Нольде заниматься искусством, и у него было конфисковано больше работ, чем у любого другого художника, на том основании, что его работы были «дегенеративными» (Staatliche Museen zu Berlin, 2019).
Тем не менее, он был членом нацистской партии и оставался ее сторонником до конца войны.
На этой работе изображено кроваво-красное небо, пересекаемое густыми черными облаками.Под ним беспокойное море, окрашенное в голубые и зеленые оттенки. Это кажется очень подходящим для послевоенной экспрессионистской картины. Возможно, красное небо с черными тучами означает гнев или страх по поводу окончания войны. Беспокойство моря может представлять беспокойные чувства Нольде, который потерял свою жену Аду из-за сердечного приступа в прошлом году. На самом деле он написал много изображений моря благодаря памятному переходу через пролив Каттегат во время сильного шторма в 1910 году (Зельц, 1963, с.72).
Несмотря на запрет рисовать, ему все же удавалось незаметно написать много акварелей во время войны, которые он назвал «Ненаписанными картинами» (Зельц, 1963, стр. 70). Возможно, потребность в самовыражении была слишком велика, чтобы даже нацисты могли ее полностью предотвратить. Цель его искусства аналогична искусству Фридриха в том, что он написал много морских пейзажей и пейзажей, потому что чувствовал потребность рисовать их.
Эти вещи имели для него большое значение, во многом так же, как для него была важна смерть сестры Мунка.
Переходя к 60-м годам, искусство становилось все более абстрактным. Поп-арт был на пике своего развития, но было также много художников-авангардистов, таких как Эд Рейнхардт, создававших работы, которые задавались вопросом, как далеко можно раздвинуть границы искусства. В этом расширении границ не было ничего нового. В 1910-х такие художники, как Марсель Дюшан, занимались именно этим. Его печально известный Fountain , перевернутый писсуар с надписью «R.Mutt» несмываемым маркером, было отказано во въезде, и Общество независимых художников не признало его произведением искусства из-за того, что оно ассоциируется с телесными отходами (Howarth, 2015).
Абстрактная печать Рейнхардта (рис. 6) представляет собой почти полностью черный трафаретный отпечаток с примесью слабого белого.
Теоретики, такие как Патер, могут счесть это изображение лишенным эстетических качеств, но оно также может рассматриваться как не имеющее социальной цели. от Раскина. Эта новая форма искусства, которая началась с дадаистов, выходит за рамки рисования загадочных пейзажей и кричащих фигур.Это попытка раздвинуть границы искусства как медиума.
Одной из проблем с «искусством ради искусства» является тенденция к процветанию арт-рынка за счет этих постоянно меняющихся стилей или мод в искусстве, которые носят чисто стилистический характер и ничего не бросают. Художник и писатель Ян Берн считал, что это помогло поддержать капитализм, особенно в Нью-Йорке 1970-х годов (Harrison & Wood, 2002, стр. 936). Такие художники, как Сальвадор Дали, чьи сказочные образы и стиль стали очень известными, — это художник, которого явно любит арт-рынок, поскольку его портрет Поля Элюара был продан почти за 13 фунтов стерлингов.5 миллионов в 2011 году (Sotheby’s, 2011). И все же произведение обожают за его стиль, а не за его смысл.
Аргумент Берна частично основан на идеях таких теоретиков, как Раскин, о том, что искусство должно использоваться для общественное благо, которое стало преобладающим в современную эпоху. Многие художники сосредотачиваются на социальных или политических проблемах, и те, кто создает работы, которые ничего не бросают, особенно в неспокойной стране, иногда рассматриваются как поддерживающие статус-кво.Художник Кристиан Янковски создал прямую трансляцию под названием Kunstmarkt TV (рис. 7), или Art Market TV на английском языке, в которой два ведущих продают произведения искусства в стиле телемагазина (Frost, 2013). Это был его способ критиковать арт-рынок и то, как он подрывает социальную ценность такого искусства.
« After SFX » Лоуренса Абу Хамды (рис. 8) — это произведение, безусловно, совместимое с взглядом Раскина на искусство.
Он основан в большой темной комнате с набором динамиков, которые окружают зрителя, воспроизводя жуткие звуки, а на большом экране отображается текст, объясняющий, что звуки слышат заключенные в тюрьме сирийского режима.
Хамда — аудиоследователь Amnesty International и Forensic Architecture, и эта работа посвящена преступлениям, которые слышны, но невидимы (Tate, 2019). Он стремится проинформировать аудиторию о критической работе, проделанной следователями аудио, такими как Хамда, одновременно погружая аудиторию в пугающий опыт заключенных, что подчеркивает безотлагательность его работы. Это будет воспринято писателем Маршаллом Маклюэном как художник, выполняющий свой долг, провоцируя дискуссии и заставляя людей заниматься проблемами реального мира (Harrison & Wood, 2002, стр.756).
Рис. 8. Лоуренс Абу Хамда, . После SFX , 2018 г., текст и аудио, переменные размеры (a-n, 2019 г.). Сторонники эстетизма в 19 веке, такие как Джеймс Макнил Уистлер, однако, сочли бы эту работу запутанной «чепухой» (Сазерленд, 2014, стр.
155) и политически и эмоционально нагруженной. Производство, затрагивающее социально-политические темы и напрямую связанное с событиями реального мира, является в какой-то степени современной концепцией, на которую сильно повлияли сторонники искусства с социальными целями, такие как Раскин.
Из анализа произведений искусства можно сделать вывод, что более старые работы Фридриха, Мунка и Нольде посвящены выражению эмоций, разрешению травмирующих событий и рисованию для удовольствия. Их работа служит интересам художников и может показаться некоторым эгоистичной. Художник Мел Рамсден однажды пожаловался на «снисходительную индивидуальную свободу» в художественных практиках Нью-Йорка 1970-х годов. Эти «замкнутые и скучные» причуды, на которые он жаловался, были примерами художественной свободы, которая, как опасался Ян Бёрн, подчинялась рынку искусства (Harrison & Wood, 2002, с.933).
В случае с Дюшаном и Рейнхардтом их работы очень абстрактны и призваны бросить вызов тому, что можно считать искусством.
И сторонникам эстетизма, и общественно-политического искусства, возможно, не понравилось бы это искусство, хотя оно и имеет четкую цель.
Для более поздних художников, таких как Янковски и Хамда, работа служит для повышения осведомленности о проблемах в мире и привлечения внимания к необходимости социально-политических изменений. Такие теоретики, как Раскин и Маклюэн, одобрили бы работу Хамды, поскольку она теоретически улучшает общество, повышая осведомленность о социальных проблемах.
Моя собственная работа варьируется от простого абстрактного или символического выражения моих чувств, как у экспрессионистов, до юмористической демонстрации социально-политических проблем через преувеличение, как у Янковского. Немецкая концепция Weltschmerz, оплакивания человеческого состояния, занимает видное место в моей работе, на которую оказали сильное влияние философы Шопенгауэр, Витгенштейн и Кьеркегор, а также художники Мунк и Нольде.
Этот взгляд на то, что искусство должно быть красивым или производиться совершенно без определенной цели, в современную эпоху считается расточительным, но на самом деле он может быть столь же верным, как и философия Раскина, согласно которой искусство должно служить социальной цели.
Фридрих считал, что «в картине нет ничего случайного» (Фриденталь, 1963, с. 33), а Нольде аналогичным образом говорил, что «душа художника живет внутри» картин (Мизель, 2003, с. 37). Обе эти фразы — способ сказать одно и то же, что любой художник оставит часть своей личности в своей работе, даже если совершенно непреднамеренно. Согласно этой логике, все искусство автоматически выражает личность и чувства художника и, следовательно, с самого начала имеет цель, даже если она не является намерением художника.Это делает основной исследуемый вопрос несколько недействительным, поскольку, возможно, вопрос должен состоять в том, какая цель лучше всего подходит для ст.
Даже если искусство используется некоторыми художниками в качестве формы самотерапии, оно все же является важной целью, и, без сомнения, есть много других людей, которые имеют такой же жизненный опыт, как художники, такие как Мунк или Нольде, и, следовательно, работа может вызвать у них отклик. Иногда искусство должно потакать своим желаниям, чтобы спроецировать очень сложные и специфические чувства, которые может испытывать человек, и люди с аналогичным складом ума могут найти эту работу намного сильнее, чем работу, изображающую более политическую или социальную проблему.
Это быстро становится спором о меньшинствах и большинстве, а также о том, является ли человек наиболее важным или большой социальной группой.
Большая часть этих споров связана с определением цели. Если мы считаем цель окончательным воздействием на зрителя, независимо от намерений художника, то искусство может считаться совершенно бесцельным для одних и чрезвычайно целеустремленным для других. Если мы считаем цель причиной создания произведения художником, какой бы ни была эта мотивация, по этому определению любое произведение искусства автоматически будет иметь цель.Даже если это только для удовольствия, оно все равно удовлетворяет основную человеческую потребность.
Какова бы ни была цель или функция искусства, также необходимо дать определение ст. Последнее определение цели, по-видимому, отмечает все, что можно создать, как произведение искусства, даже если это углекислый газ, который мы выдыхаем. Это чем-то напоминает точку зрения художника Fluxus Йозефа Бойса о том, что каждый является художником (Harrison & Wood, 2002, стр.
905).
Пересматривая викторианскую эпоху, Раскин полагал, что искусство и культура могут заменить религию после того, как усиление секуляризации стало неизбежным (Чик, 2016, с.24). Действительно, теоретик искусства Андре Мальро считал, что это уже произошло. В «Голоса тишины» (Голоса тишины) он сказал, что «современные мастера рисуют свои картины так же, как художники древних цивилизаций вырезали или рисовали богов» (Мальро, 1974, с. 616). Повестка дня для Искусства, изложенная в книге «Искусство как терапия » философа Алена де Боттона и историка искусства Джона Армстронга, заключается в том, что искусство должно «помочь человечеству в его поисках самопонимания, сочувствия, утешения, надежды, самопринятия и самореализации». де Боттон и Армстронг, 2019, с.230).
В конце концов, искусство стало новой верой, и хотя здесь, безусловно, есть место для эстетической красоты и интригующих образов, существует также прочно укоренившаяся культура искусства, предоставляющая социально-политические комментарии.
Возможно, неудивительно, что, например, в раздираемой войной стране художник может быть расценен как предатель за создание прекрасного искусства, однако в успешной стране это может быть немного более приемлемым. Искусство в значительной степени отражает время и место, в котором оно было создано, и адаптируется к потребностям различных обществ, поэтому лучшая цель для искусства субъективна, поэтому кажется близоруким ограничивать то, чем искусство должно быть.
Как обсуждалось ранее, любое искусство будет иметь цель согласно последнему определению, а согласно первому, только некоторые произведения будут иметь цель. Это просто спор о семантике и споры между группами? Витгенштейн сказал, что «если бы лев мог говорить, мы не смогли бы его понять» (Hofstadter, 1980). Это потому, что культура львов настолько сильно отличается от нашей, что, даже если мы поймем слова, они не будут означать то же самое, что и в нашем языке. Возможно, настоящая цель искусства должна состоять в том, чтобы слушать льва из пословиц, забывая о словах и грамматике, и принимать его вокализации как один из многих достоверных комментариев к жизни.
an, 2019. Lawrence-Abu-Hamdan-After-SFX-2018.-Turner-Prize-2019-at-Turner-Contemporary-Margate-2019.-Photo-by-Stuart-Leech-2 — The Artists Информационная компания . [Онлайн] Доступно по адресу: https://www.a-n.co.uk/media/52568843/ [По состоянию на 29 ноября 2019 г.].
Artsy, 2018. Каспар Давид Фридрих | Странник над морем тумана (ок. 1817 г.) | Художественный . [Онлайн] Доступно по адресу: https://www.artsy.net/artwork/caspar-david-friedrich-wanderer-above-the-sea-of-fog [Проверено 18 ноября 2018 г.].
Artsy, 2018. Эдвард Мунк | Крик (1893) | Художественный . [Онлайн] Доступно по адресу: https://www.artsy.net/artwork/edvard-munch-the-scream [Проверено 18 ноября 2018 г.].
Бон, Б. и Саслоу, Дж. М., 2012. Спутник искусства эпохи Возрождения и барокко . Чичестер: Джон Вили и сыновья.
Чик, С., 2016. Преображение: религия искусства в литературе девятнадцатого века до эстетизма . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета.
Каннингем, Л.С., Райх, Дж.Дж. & Fichner-Rathus, L., 2016. Культура и ценности: обзор гуманитарных наук, том 2 . Бостон: Cengage Learning.
де Боттон, А. и Армстронг, Дж., 2019. Искусство как терапия . Лондон: Файдон.
Девальд, Дж., 2004. Европа с 1450 по 1789 год: от абсолютизма до Колиньи . Нью-Йорк: Сыновья Чарльза Скрибнера.
Британская энциклопедия, 1999. Британская энциклопедия | Britannica.com . [Онлайн] Доступно по адресу: https://www.britannica.com/topic/art-for-arts-sake [По состоянию на 1 ноября 2019 г.].
Британская энциклопедия, 2019. Романтизм | Британика . [Онлайн] Доступно по адресу: https://www.britannica.com/art/Romanticism [Проверено 28 ноября 2019 г.].
Фриденталь, Р., 1963. Письма великих художников: от Блейка до Поллока . Нью-Йорк: Рэндом Хаус.
Frost, A., 2013. Искусство бросает вызов капитализму: но что поставлено на карту? | Искусство и дизайн | Хранитель .
[Онлайн] Доступно по адресу: https://www.theguardian.com/artanddesign/australia-culture-blog/2013/aug/28/art-capitalism-financial-report [По состоянию на 10 декабря 2019 г.].
Gaddis, JL, 2004. Ландшафт истории: как историки составляют карту прошлого . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета.
Гарбрехт, Дж., 2008. Эмиль Нольде: Mein Wunderland von Meer zu Meer (Моя страна чудес от моря до моря). В М. Рейтер, изд. Эмиль Нольде: Mein Wunderland von Meer zu Meer (Моя страна чудес от моря до моря) . Кельн: DuMont. стр. 17–43.
Гариф Д., Денкер Э. и Веллер Д.П., 2008 г. Самые влиятельные художники мира и художники, которых они вдохновляли . Лондон: A&C Black.
Google Art Project, 2019. Бонапарт, пересекающий перевал Сен-Бернар, 20 мая 18:00 — Жак Луи Давид — Google Arts & Culture . [Онлайн] Доступно по адресу: https://artsandculture.google.com/asset/QwEFHqZhgW6ulw [По состоянию на 29 ноября 2019 г.].
Харрисон, К.
и Вуд, П.Дж., 2002. Искусство в теории 1900–2000 .Оксфорд: Блэквелл.
Хофштадтер, Д.Р., 1980. Гёдель, Эшер, Бах: Вечная золотая коса . Лондон: Пингвин.
Høifødt, F., 2012. Эдвард Мунк . Лондон: Тейт.
Ховарт, С., 2015 г. «Фонтан», Марсель Дюшан, 1917 г., копия 1964 г. | Тейт . [Онлайн] Доступно по адресу: http://www.tate.org.uk/art/artworks/duchamp-fountain-t07573 [По состоянию на 25 марта 2018 г.].
Янковски, К., 2008. Kunstmarkt TV / Art Market TV — Кристиан Янковски .[Онлайн] Доступно по адресу: https://christianjankowski.com/works/2008-2/kunstmarkt-tv-art-market-tv/ [По состоянию на 12 декабря 2019 г.].
Лоуис, К., 2009. 50 картин, которые вы должны знать . Мюнхен: Престель.
Мальро, А., 1974. Голоса Безмолвия . Перевод С. Гилберта. Сент-Олбанс: Паладин.
Мизель, В.Х., 2003. Голоса немецкого экспрессионизма . Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс.
MoMA, 2019.
Эд Рейнхардт. Абстрактная печать от New York International.1966 | МоМА . [Онлайн] Доступно по адресу: https://www.moma.org/collection/works/65825?association=portfolios&locale=en&page=1&parent_id=65817&sov_referrer=association [По состоянию на 14 декабря 2019 г.].
Nasjonalmuseet, 2015. Эдвард Мунк, Детский сарай — Nasjonalmuseet — Замлинген . [Онлайн] Доступно по адресу: http://samling.nasjonalmuseet.no/no/object/NG.M.00839 [По состоянию на 27 ноября 2019 г.].
Нунокава Дж. и Сикелс А., 2005. Оскар Уайльд .Филадельфия: Издательство Chelsea House.
Патер, В., 1928. Ренессанс: исследования в области искусства и поэзии . Лондон: Джонатан Кейп.
Придо, С., 2005. Эдвард Мунк: За криком . Нью-Хейвен: Издательство Йельского университета.
Ratcliffe, S., 2011. Oxford Treasury of Sayings and Quotations . Оксфорд: Издательство Оксфордского университета.
Раскин, Дж., 1996. Лекции по искусству .
Нью-Йорк: Олворт Пресс.
Шмид, В., 1995. Каспар Давид Фридрих . Нью-Йорк: Х. Н. Абрамс.
Зельц, П.Х., 1963. Эмиль Нольде . Нью-Йорк: Даблдей.
Sotheby’s, 2011. дали, сальвадо ||| импрессионизм и современное искусство ||| Sotheby’s l11001lot5xjx9en . [Онлайн] Доступно по адресу: http://www.sothebys.com/en/auctions/ecatalogue/2011/ooking-closely-l11001/lot.7.html [По состоянию на 11 декабря 2019 г.].
Staatliche Museen zu Berlin, 2019. Эмиль Нольде. Немецкая легенда. Художник во время нацистского режима .[Онлайн] Доступно по адресу: https://www.smb.museum/en/exhibitions/detail/emil-nolde-a-german-legend-the-artist-during-the-nazi-regime.html [По состоянию на 25 ноября 2019 г. ].
Sutherland, DE, 2014. Whistler: Жизнь ради искусства . Нью-Хейвен: Издательство Йельского университета.
Tate, 2019. Лоуренс Абу Хамдан: After SFX — перформанс в Tate Modern | Тейт . [Онлайн] Доступно по адресу: https://www.
tate.org.uk/whats-on/tate-modern/performance/lawrence-abu-hamdan-after-sfx [По состоянию на 1 ноября 2019 г.].
Видманн, А.К., 1986. Теории романтического искусства . Ньюпорт: Книги Грешема.
Цель искусства – RDN Arts For Art Lovers and Collectors
Принцип искусства
Старая поговорка: Я мыслю, следовательно, я , но аргумент может быть таким: Я создаю, следовательно, я существую. Искусство является неотъемлемой частью человеческого опыта. Мы развивали искусство в различных формах. Музыка, танец, слова, скульптуры и композиции — все это физические интерпретации воображения.И в то время как предмет перенес нас от рисования лошадей в небольших пещерах к Звездной ночи , а теперь еще дальше в будущее. Цель искусства не имеет.
Все вместе мы всегда пытались соединиться друг с другом. Наш общий опыт – это то, что нас связывает. Мы движемся и поэтому процветаем в сообществе вокруг нас. Цель искусства — неотъемлемая часть человеческого бытия, оно выходит за пределы личности.
В этом смысле Искусство как творчество есть то, что люди должны делать по самой своей природе.Следовательно, это выходит за рамки полезности. Искусство — это пересечение воображения и вымысла. Художественные работы, особенно композиции, — это невысказанный язык, который мы все понимаем. Значение или цель произведения уникальны для человека.
Композиции различны по самой своей природе. Их значения являются частью повседневной ткани нашей жизни. Они пробились из позолоченных залов самых известных замков мира на наши улицы. Мы вынесли искусство из пещеры в музей, а теперь и в наши дома.Путешествие картин — это фреска истории человека. С чего мы начинали, где мы сейчас и где в конечном итоге хотим быть.
Сначала огонь, потом искусство.
На протяжении всей истории человечества мы всегда использовали искусство как средство объяснения окружающего мира. В средние века художники использовали это средство для объяснения божественности, функции церкви и основных движений от язычества к христианству.
В эпоху Возрождения такие художники, как Микеланджело, использовали искусство как способ сообщить об актуальности церкви.Он был не только мастером-художником, создавшим Сикстинскую капеллу , но, как и его флорентийский соперник Леонардо Ди Винчи, был человеком науки. Понимая, что мир вокруг них быстро меняется, они использовали свой талант, чтобы донести эти изменения до масс.
В создании искусства нет ничего нового. 63 000 лет назад мы рисовали фрески в пещерах. В пещере Шове-Пон-д’Арк в регионе Ардеш во Франции находятся одни из наиболее хорошо сохранившихся фресок с наскальными рисунками.Эти художники использовали свои инструменты и хитрость, чтобы создать замысловатую фреску своего пейзажа. Сделать снимок их повседневной жизни. Животные, на которых они охотились и были добычей, — это лишь некоторые из примеров, которые предлагает нам эта статья. Взгляд на проблемы того времени. Как говорит Роберт Макбрайд: «Функция художника, вообще говоря, состоит в том, чтобы исследовать и демонстрировать в своей работе взаимозависимость форм.
Цель искусства – быть, возможно создать
Арман — Le Grand Discobole 2001«Искусство не имеет другой цели, кроме как отмахнуться… от общепринятых и общепринятых обобщений, короче всего, что скрывает от нас реальность, чтобы поставить нас лицом к лицу с самой реальностью» Анри Бергсон.
Создание искусства так же важно, как и его цель. Наше творчество — это не только часть нашего самопознания, но и часть нашей самотерапии. Помогая нам придать физическую форму эмоциям внутри нас. Джексон Поллок однажды сказал: « Современный художник работает с пространством и временем и выражает свои чувства, а не иллюстрирует». Он позволил цели своего искусства говорить через себя и создал произведения, которые говорили о его пути самопознания. Арман считал, что « Искусство — это произведение на память.Он предлагает общие формы, которые отражают мир и помогают нам мыслить ».
Он позволил своей работе стать свидетельством окружающего мира. Зеркало того, как он смотрел на мир.
Произведения искусства – Напоминания о путешествии
Барбара Сойя – ДезирКаким бы далеким от нас ни казалось искусство прошлого, сегодня нами движет то же желание творить. Даже у маленьких детей, прежде чем они научатся рисовать свой алфавит, им разрешается выражать себя через рисование.Пораженные окружающим миром, они используют свое воображение, чтобы объяснить жизнь такой, какой они ее знают. Художники дают представление о своем видении; давая нам некоторую ясность их реальности. Хотя мы не все можем быть Клодом Моне, стремление создавать и иметь произведение искусства как напоминание о путешествии, в котором мы все находимся, имеет первостепенное значение для самого нашего существования.
Как говорит Барабара Сойя: « В сердце неуверенности найди первую нежность. Медленно приближаться к чему-либо. Способ чувствовать себя живым, осознавать текущую жизнь и быть там, чтобы передавать эстафету земле и неосязаемому.
” Цель создания искусства или даже владения искусством состоит в том, что оно соединяет нас друг с другом. Как мы раскрываем внутреннюю работу наших мыслей и воплощаем их в физическую форму.
Право собственности на посещение
Искусство в своей самой базовой форме — это предмет для разговора. Но помимо этого, ежедневное повторное посещение произведения искусства — это отдельный опыт. Мы возвращаемся к моменту времени, когда наши глаза омывают искусство, которое говорило с нашим внутренним существом так инстинктивно, что мы просто должны были владеть им.Каждый раз, когда мы просматриваем выбранное нами искусство, это приносит эмоции в наш день. Возможно, эмоция старая, возможно, новая или даже смесь прошлого и настоящего. Только искусство, почивающее на лаврах в нашем жизненном пространстве, знает ту истину, которую оно донесло до нашего сознания в тот единственный момент.
По-настоящему провоцирует не художник и не произведение искусства. Но наша реакция на это.
Что он вызывает у нас. Наш общий опыт работы с произведениями искусства — это то, что делает композиции уникальной средой. Мы все воспринимаем одну и ту же работу по-разному, позволяя ее голосу говорить с нами на индивидуальном уровне.
Цель искусства – искусство для вас
Цель искусства — это вдохновение, которое вы из него черпаете. Мы объединяем наши творческие ресурсы на протяжении многих тысячелетий. Будь то каракули вашего малыша, которые вы показываете на своем холодильнике, или Olivier Masmonteil Paysage #5, они говорят с нами индивидуально и связывают нас друг с другом. Ужасно это, успешно, красиво или это проект, сделанный напрасно, можно спорить, но искусством это не является.Искусство находит свою собственную истину в том простом факте, что его создание было не чем иным, как отчаянной потребностью человека взглянуть в зеркало себя и показать миру, что на самом деле жило внутри него. Вот как мы связаны без языка и без движения.
Искусство — великий объединитель, способный соединить нас, даже если тема табуирована. В тех кусочках, которые мы собираем, мы видим себя. Искусство становится паузой посреди нашей беспокойной реальности, зеркалом, в которое мы можем смотреть и на этот раз не анализировать отражение так критично.«Единственная цель человеческого существования — зажечь свет во тьме простого бытия». Карл Юнг. Искусство — это свет наших простых существ. Он направляет нас и дает нам надежду не только на сегодняшний день, но и на будущее.
Вы любитель искусства или коллекционер произведений искусства и хотели бы быть в курсе событий RDN Arts?
Присоединяйтесь к нашему списку рассылки!
Каковы шесть целей искусства? | Образование
Несмотря на то, что художник может захотеть создать произведение, в котором говорится что-то конкретное, часто существует значительный разрыв между тем, что художник хочет сказать с помощью произведения искусства, и тем, что в итоге произведение искусства говорит.
Несмотря на то, что у искусства может быть очень много целей, шесть из них особенно значимы и влиятельны: религиозные и церемониальные, социальные комментарии, рассказывание историй, самовыражение, красота и эмоции.
Религиозные цели
На протяжении веков искусство создавалось и использовалось в религиозных или церемониальных целях. В традиционных обществах прошлого и настоящего искусство служит многим религиозным и церемониальным целям. От изображений доисторических богинь до картин Микеланджело в Сикстинской капелле искусство способно вызывать религиозные эмоции и заставлять людей созерцать духовное.
Социальный комментарий
Художники использовали все средства, чтобы комментировать социальные нормы, правила и несправедливость. Поистине великое искусство способно заставить людей пересмотреть свои моральные устои и взгляды на мир. Например, «Убить пересмешника» Харпер Ли продолжает оказывать глубокое влияние на отношение людей к расовым отношениям в современной Америке, а также на то, как можно негативно манипулировать судебной системой.
Рассказывание историй и самовыражение
Цель многих художников — рассказать ценную историю, которая выдержит испытание временем и навсегда окажет положительное влияние на мысли, настроение и действия людей.Норман Роквелл, например, может рассказать ясную и мощную историю с помощью одного изображения. Кроме того, многие художники создают просто для удовлетворения от создания чего-то, во что они верят. Несмотря на то, что у художника есть много мотивов, некоторые художники создают для своего личного удовлетворения.
Красота и эмоции
Прекрасное очень легко оценить. Многие художники стремятся запечатлеть сущность красоты в своих работах. Например, Милле, французский художник-натуралист, известный прежде всего тем, что рисовал крестьян, стремился изобразить их с большой красотой.Также многие художники творят для того, чтобы извлечь из своего зрителя определенную эмоцию. Например, «Корабль рабов» Тернера, изображающий кораблекрушение и наказание, вызывает у зрителей особые эмоции.
Ссылки
Биография писателя
Джейк Шор — отмеченный наградами бруклинский драматург, автор рассказов и профессор Колледжа Вагнера. Его рассказы публиковались во многих изданиях, в том числе в Litro Magazine, одном из ведущих лондонских литературных журналов.Шор получил степень магистра искусств в области писательского мастерства в Годдард-колледже.
Цель искусства
Блог Change Minds! > Архив блога > 10 марта 13
Воскресенье 10 марта 13
Цель искусства
Какова цель искусства? Почему нам это нравится? Что это дает нам? Это не держит нас в живых или в безопасности.Он не находит нам пару и не помогает нам добиться успеха. Так почему же мы кажемся такими очарованными им? (Искусство в этом вопросе может включать ряд художественных произведений, включая картины, скульптуры, пьесы, романы, фотографии и др.).
Простой ответ состоит в том, что цель искусства — доставлять удовольствие, а это
отчасти прав.
Действительно, мы можем стоять перед картиной великого мастера или
слушай Моцарта и радуйся. Тем не менее, мы можем плакать и над картинами смерти или
скорбные панихиды, которые тоже, несомненно, искусство.
Лучшее определение, пожалуй, состоит в том, что искусство должно нас трогать, стимулировать эмоции. Конечно, не все, что делает нас счастливыми или грустными, есть искусство, но искусство и эмоции причинно связаны. Хорошее искусство в этом надежно, а более слабое искусство — нет. Если никто любит скульптуру, это искусство? Что, если большинство людей считают его пресным и скучным?
В создании искусства художник является важной частью уравнения, и его
намерение кажется важным, если они хотят переместить нас.Некоторые художники просто производят то, что
они чувствуют, не задумываясь, и многим удается достаточно хорошо общаться.
Другие используют тайную символику, являющуюся кодом для посвященных. Тем не менее, многие также используют
стандартные методы и устройства, которые, как известно, имеют надежный эффект.
Мы могли бы также подвергнуть сомнению некоторые современные экспонаты, которые, кажется, были собраны за несколько минут, так важны ли усилия художника? Может быть, но замечательная фотография делается одним щелчком затвора.Иногда удача участие, хотя в основном это умение фотографа видеть композицию и поймать нужный момент, как современный художник также квалифицированы в своей области.
Если оно не поднимет нам настроение, то современное искусство может бросить нам вызов,
заставляя нас задаться вопросом, что он представляет. Другие формы искусства также могут стимулировать
думать и даже менять мнение, а не просто вызывать преходящие эмоции.
Возможно, снова необходимо более широкое определение.У нас есть базовая потребность в
возбуждение (которое может быть
эмоциональные, интеллектуальные или даже физические), которые искусство стремится удовлетворить. Так и есть
разговорное искусство?
Это, безусловно, может быть преднамеренным и искусным. Правда, физического следа нет, т.
к.
с живописью, но то же самое можно сказать и о исполнительских искусствах, таких как актерское мастерство и
танец.
Искусство предполагает некоторую степень творчества. Копирование другой картины может потребовать мастерство художника, но, конечно, меньшее искусство. Стимуляция гораздо сильнее когда есть новизна.Шутка уже не такая смешная во второй раз и даже удовольствие от хороших картин исчезает. Отличительной чертой новизны является то, что она нарушает правила, но при этом следует достаточному количеству других правил, чтобы быть узнаваемым (что возможно, поэтому «искусство для художников» не ценится другими).
Существует ли искусство без зрителя? Если требуется возбуждение, ответ должен быть
нет, не в смысле успеха произведения искусства. И если мнение зрителя
частью процесса, то искусство должно вызывать некую признательность,
в основном положительный тон, но, возможно, также неохотное признание того, что
искусство заставляло человека остановиться и задуматься.
Цель искусства, таким образом, состоит в том, чтобы стимулировать возбуждение, которое ценится. Хорошо искусство делает это надежно, часто по-новому и обычно требует глубокого мастерства.
Какова роль художника в обществе?
Музей естественной истории, Лиссабон, 2015 г. Фото предоставлено Бруно Кастро Сантосом
Мы спросили художников со всего мира: «Какова ваша роль художника в обществе, вашем местном сообществе и мире в целом?»Каждый художник играет различную и необходимую роль в содействии общему здоровью, развитию и благополучию нашего общества.
Креативные мыслители и создатели приносят своим сообществам радость, взаимодействие и вдохновение, но они также вдумчиво критикуют наши политические, экономические и социальные системы, побуждая сообщества к вдумчивому взаимодействию и шагам на пути к социальному прогрессу.
От документирования истории человечества до выражения коллективных эмоций, эти девять художников со всего мира рассказывают нам, как они видят свою роль в творчестве.
На тихой пустоши Лесли Берч
Художники — средство выражения универсальных эмоций
Искусство связано с эмоциями людей.Это личное и в то же время универсальное.
Я экспрессивный художник, работающий с пейзажем и своими воспоминаниями. И да, моя работа индивидуальна, хотя поначалу может так и не показаться. Чувства, связанные с моими отношениями с мамой, папой и семьей, проникают в работу.
Это человеческое стремление выражать эмоции с помощью маркировки. Все мы носим с собой воспоминания о прошлом опыте.
Художник обладает способностью «сильно чувствовать», быть «чувствительным» к вещам и выражать это в красках, жестах или цвете.Художник «впитывает» атмосферу места или воспоминание о чувстве. Иногда художнику тяжело нести все эти эмоции — быть таким чувствительным.
Большинство людей блокируют эмоции.
Затем внезапно с ними «говорит» картина. На этом художник сделал свое дело. Для меня замечательно общаться с людьми через мою работу — , когда люди реагируют на картину и действительно «чувствуют».
Моя картина в основном посвящена моему самовыражению, выраженному на холсте, но на самом деле я думаю, что это выражение каждого — я просто средство передвижения.
Затем внезапно с ними «говорит» картина. На этом художник сделал свое дело. Для меня замечательно общаться с людьми через мою работу — , когда люди реагируют на картину и действительно «чувствуют». Всем больно. Каждый любит. Все надеются. И все умирают. Главным образом, искусство о нашем собственном чувстве смертности.
Лесли Берч, Йорк, Великобритания@Lesley_Birch
Ветер, Нина Фрейзер
Художники несут ответственность за раскрытие правды
Я считаю, что роль художника, прежде всего, состоит в том, чтобы быть максимально верным себе — в обществе, обществе и мире в целом.
Это звучит как клише, но само по себе гораздо сложнее, чем кажется.
Быть художником означает носить всевозможные маски, как и любая другая работа, но разница в том, что на нас лежит постоянная ответственность за раскрытие правды о вещах. Иногда мы будем казаться уязвимыми, иногда мы будем совершать ошибки. Но главное не сдаваться.
Это находит отклик у людей на личном и глобальном уровне, потому что это не только придает сил, но и начинается внутри нас самих.Прежде чем решить пойти по собственному творческому пути, я стал соучредителем общественного кафе искусств. Это был удивительный опыт сам по себе, но, поскольку это не было моим истинным призванием, я чувствовал, что есть предел тому, сколько я могу дать. Это потому, что я начал снаружи, пытаясь исправить вещи вокруг себя, прежде чем понял, что мне нужно подключиться к чему-то центральному для себя.
Нина Фрейзер, Португалия
@Nina.
fraser, @_ninafraser_ Поцелуй меня… Джинни Сайкс
Художники работают, чтобы осветить границы и изменить общество
Вместо слова «роль» я предпочитаю «обязательство». В течение многих лет в качестве педагога по искусству я помогал людям и сообществам найти свой голос и выразить свои опасения через индивидуальные и совместные художественные проекты. Раньше это называлось паблик-арт. Теперь это часто называют социальной практикой.
Мои собственные работы основаны на феминизме, где выражение моих эмоций, целей и идей в сфере личного, социального и политического является упражнением в передаче моего личного опыта.Работая с художниками и в художественных пространствах в других частях мира, часто происходит прекрасный обмен идеями, что способствует художественному росту, сопереживанию и новому пониманию.
Джинни Сайкс, Чикаго, СШАВсе эти действия могут пролить свет на то, что скрыто или подавлено на полях или в тени.
Новые идеи могут быть воплощены в жизнь. Эти идеи могут привести к небольшим или большим изменениям в отношениях и даже в обществе.
De Negen Bargen, Noordsche Veld, Zeijen by Maarten Westmaas
Они рассказывают истории и передают традиции
Голландия — людное место.Наша история полна рассказов о том, как мы сделали сушу из воды и приручили смертоносные моря. Почитается писателями, поэтами и художниками. Слово «пейзаж» происходит от голландского слова «ландшафт»: вид на землю. Его изобрели здесь в 17 веке, с низким горизонтом и большой облачностью.
Миллионы пейзажей были написаны здесь такими великими мастерами, как Рембрандт, Рейсдал, Гоббема, Вейсенбрух, Мауве, Ван Гог и Мондриан. Всех вдохновлял наш плоский ландшафт и большие горизонты.
Это многовековая традиция, которой я придерживаюсь. «Создание голландского пейзажа» — мой девиз, моя тема и моя жизнь.
Но наш ландшафт меняется. Наше постоянно растущее население меняет внешний вид земли. Города растут, а история нашего ландшафта тонет под бетоном, зданиями и асфальтом.
Итак, как художник, я не только хочу, чтобы мир увидел красоту голландского пейзажа, я также хочу повысить осведомленность о устойчивых видимых следах в ландшафте.От наших 5000-летних мегалитических памятников до наших современных ветряных мельниц. Как фотограф-детектив, я ищу истории о нашем пейзаже.
Мы должны быть осторожны с этим ландшафтом, который сложен из-за небольшого пространства и более чем 17 миллионов жителей. Вот почему я решил пожертвовать 10 процентов всего своего дохода организациям, защищающим голландский ландшафт. Это меньшее, что я могу сделать как художник — защитить горизонт.
Мартен Вестмаас, Нидерланды
@Maarten_Westmaas , @maarten.
westmaas.dutch.landscape
«Мир» Ши Юн Ё
Художники общаются и вдохновляют людей по всему мируПоскольку мы живем в глобальной деревне, мы каким-то образом связаны через какую-то форму социальных сетей. Художники больше не отшельники, и все мы «там [в мире]». Я надеюсь, что моя роль художника заключается в том, чтобы вдохновлять, общаться и сотрудничать!
Мои абстрактные работы — это картины и рисунки одновременно.Картины с геометрическими и органическими формами и линиями, состоящие из слоев чернил, акрила и других материалов, намекают на знаки жестов на поверхности абстрактного экспрессионизма. Мои картины отражают не только радикальный конфликт двух «бесцветных» цветов (черного и белого), но и их взаимодействие и взаимозависимость. Здесь есть историческое богатство, временное качество пейзажной живописи тушью, физическая сила и смелость черной туши, ее щедрость и бесконечные возможности.
Untitled #15 Бруно Кастро Сантос, 2017 г., цветной карандаш и графит на бумаге, 33×46 см
Художники записывают и сохраняют нашу человеческую историюМы живем во все более сложном обществе, где каждый человек, независимо от его конкретной роли, играет важную роль в социальном биоразнообразии мира.
Художники играли решающую роль с самого начала нашего существования.От доисторических наскальных рисунков до фресок по всему миру, от научных рисунков до авангардных течений, художники внесли свой вклад в развитие человеческой эволюции с самых разных точек зрения.
Это расширение, как и вселенная, все еще продолжается, и художники по-прежнему играют важную роль. Я вижу себя частью сообщества, чья работа в качестве глобальной силы способствует этому человеческому росту.
В том, как развивается мир искусства, есть сложность в виде полумесяца, и множество агентов, вращающихся вокруг него, тесно переплетены с художниками и их произведениями.
Хотя художники обычно работают в своих студиях в одиночку, они являются частью гораздо большего сообщества и играют гораздо большую роль, чем можно было бы ожидать.
@Бруно.кастро.сантос
INDUSTRIAL & URBEX: WHITSTABLE WHARF (Великобритания) от Алета Михалетос
Художники выражают надеждуЯ очень серьезно отношусь к своей роли художника, хотя до сих пор получаю бесконечное удовольствие и испытываю огромную радость в своей студии.Я стараюсь быть очень вдумчивым и социально и политически осведомленным о моем окружении. Всякий раз, когда я испытываю чувство дискомфорта в своей жизни, мне нужно найти ответ, преобразовывая эти чувства с помощью своего искусства.
Роль художника близка к роли алхимика — он способен превратить несколько простых материалов в объекты, наделенные духовной и эстетической ценностью, а затем, возможно, и материальной ценностью.
Я предпочитаю быть предвестником хороших новостей и надежды в нашем все более и более разрушенном мире, и я считаю, что изображения обладают огромной силой восстанавливать коллективную эмоциональную боль и поднимать дух.
Поскольку я преобразовываю свои собственные страдания по поводу настоящего, а также будущего во что-то осязаемое, простое, обнадеживающее и прекрасное, моя роль состоит в том, чтобы посредством своего искусства, не будучи поверхностным, передать послание надежды обществу, моему сообществу и миру. на свободе.
Алета Михалетос, Южная АфрикаПлотина Паррсборо от Poppy Balser
Они представители мира природы Я всегда жил в шаговой доступности от океана.Я чувствую, что моя роль художника заключается в том, чтобы быть послом природной красоты, которую можно найти здесь.
Я рисую на открытом воздухе так часто, как только могу, чтобы получить как можно более четкое представление о том, что меня окружает. Что помогает мне уловить самый высокий уровень правды.
Я пишу свои картины, чтобы запечатлеть те части нашего пейзажа, которые я ценю и нахожу красивыми. При этом я сохраняю представления, которые могут исчезнуть без предупреждения. Подумайте обо всех картинах, сделанных с пейзажами Северо-Запада, которые теперь являются записями о том, как выглядела эта среда до лесных пожаров, охвативших большую часть этой части континента.
Одна из моих постоянных тем — плотина для сельди, сделанная из сетей для ловли дикой сельди. Плотины в значительной степени уникальны для залива Фанди. Когда я был молод, везде были плотины для селедки; они были обычными. Сейчас их почти все нет. Теперь мне нужно пройти довольно большое расстояние, чтобы нарисовать оставшиеся, пока они еще здесь. Эти довольно странные скопления сетей могут не иметь большого значения для людей, не имеющих никакого отношения к этой области, но они мгновенно узнаваемы местными жителями, которые находят большое значение в моих картинах плотин.
Поппи Балсер, КанадаЯ выхожу рисовать вещи, которые считаю красивыми, никогда не зная, что когда-нибудь может стать особенным, потому что это тоже трудно увидеть вне картин. Я выпускаю свои картины в мир, чтобы люди, которым никогда не доведется сюда приехать, все же могли быть тронуты видами этого места.
@poppybalser, @poppybalserpaintings
Полихромия Стива Иммермана
Художники создают чувство общностиХудожник играет множество ролей.Но в небольших городах наличие местных художников вызывает у сообщества чувство гордости. Он также подает пример молодым людям, которые могут подумывать о карьере в искусстве. Художники поддерживают свои сообщества, обучая искусству и ремеслу.
Кроме того, в большинстве населенных пунктов проводятся аукционы, приносящие пользу местным и благотворительным организациям, а пожертвования произведений искусства местных художников являются одними из самых популярных предметов на этих аукционах.
@docimmer, @clearwaterglass
В честь Международного дня художника мы предлагаем скидку 20% на первый год подписки на любой тарифный план Artwork Archive.Только на этой неделе получите онлайн-инструмент, который артисты со всего мира используют для управления своей карьерой в студии.
Для чего нужно искусство? | Статьи по искусству и культуре
На протяжении десятилетий западная культура неохотно приписывала искусству неотъемлемую ценность или цель, даже несмотря на то, что она продолжает высоко ценить искусство. Хотя нам больше не кажется удобным говорить об этом, наше благоговение перед искусством должно основываться на вневременной предпосылке: искусство полезно для нас. Если мы не верим в это, то наши обязательства — в деньгах, времени и обучении — не имеют смысла.Чем искусство может быть полезно для нас? Я считаю, что ответ заключается в том, что искусство — это терапевтический инструмент: его ценность заключается в его способности увещевать, утешать и направлять нас к лучшим версиям самих себя и помогать нам жить более процветающей жизнью индивидуально и коллективно.
Сопротивление такому представлению сегодня понятно, поскольку «терапия» стала ассоциироваться с сомнительными или, по крайней мере, бесполезными методами улучшения психического здоровья. Сказать, что искусство терапевтично, значит не предположить, что оно разделяет методы терапии, а скорее его основную цель: помочь нам лучше справляться с существованием.Хотя несколько преобладающих способов мышления об искусстве, по-видимому, игнорируют или отвергают эту цель, их конечная цель также носит терапевтический характер.
Способность искусства шокировать остается для некоторых сильным источником его современной привлекательности. Мы осознаем, что индивидуально и коллективно мы можем стать самодовольными; искусство может быть ценным, когда оно разрушает или удивляет нас. Мы особенно рискуем забыть об искусственности некоторых норм. Когда-то считалось само собой разумеющимся, например, что женщинам нельзя разрешать голосовать и что изучение древнегреческого языка должно доминировать в учебных планах английских школ.
Теперь легко увидеть, что эти договоренности были далеко не неизбежны: они были открыты для изменений и улучшений.
Когда Себастьян Эрразурис создал из обычной уличной разметки Манхэттена знаки доллара, его идея заключалась в том, чтобы подтолкнуть прохожих к радикальному пересмотру роли денег в повседневной жизни — вытряхнуть нас из бездумной преданности коммерции и вдохновить, возможно, более справедливая концепция создания и распределения богатства. (Можно было бы совершенно неправильно понять работу, если бы она воспринималась как поощрение работать усерднее и разбогатеть.) Тем не менее подход шоковой величины зависит от терапевтического предположения. Шок может быть ценным, потому что он может вызвать более тонкое состояние ума — более внимательным к сложности и нюансам и более открытым для сомнений. Главной целью является психологическое улучшение.
Однако шок мало что может для нас сделать, когда мы ищем другие приспособления к нашему настроению или восприятию. Мы можем быть парализованы сомнениями и тревогой и нуждаться в мудром утешении; мы можем заблудиться в лабиринте сложности и нуждаться в упрощении; мы можем быть слишком пессимистичными и нуждаться в ободрении.
Шок нравится своим приверженцам тем, что он предполагает, что наша главная проблема — это самоуспокоенность. В конечном счете, однако, это ограниченный ответ на обедненное мышление, робкие или неблагородные реакции или подлость духа.
Еще один способ устранить эти недостатки — глубже понять прошлое. Картина Витторе Карпаччо «Исцеление сумасшедшего » представляет собой редкую визуальную запись моста Риальто, который тогда еще был деревянным, до его реконструкции, поэтому она может многое рассказать нам об архитектуре Венеции около 1500 года.Очень поучительно также о церемониальных шествиях, о выдающейся гражданской роли религии (и ее пересечении с коммерцией), о том, как одевались патриции и гондольеры, о прическе простых людей и многом другом. Мы также получаем представление о том, как художник представлял себе прошлое; изображенная церемония имела место более чем за 100 лет до того, как картина была написана. Мы узнаем кое-что об экономике искусства — изображение является частью серии, заказанной богатым коммерческим сообществом.
Менее научным способом богатство, с которым прошедшая эпоха становится визуально присутствующей, позволяет нам представить, каково было бы стучать по деревянному мосту, качаться по каналам в крытой гондоле и жить в обществе. в котором вера в чудеса была частью государственной идеологии.
Мы ценим историческую информацию такого рода по разным причинам: потому что мы хотим больше узнать о наших предках и их жизни, и потому что мы надеемся получить представление об этих далеких людях и культурах. Но эти усилия в конце концов приводят к одной идее: встреча с историей, раскрытой в искусстве, может принести нам пользу. Другими словами, исторический подход не отрицает, что ценность искусства в конечном счете терапевтична, — он предполагает это, даже если склонен забывать или отбрасывать этот момент.Отсюда и ирония (мягко говоря) научного сопротивления идее терапевтической пользы искусства. Эрудиция ценна только как средство для достижения цели, которая состоит в том, чтобы пролить свет на наши нынешние потребности.
CAMERAPHOTO ARTE, ВЕНЕЦИЯ/ART RESOURCE, NY
Открытие окна в венецианское прошлое: Карпаччо Исцеление сумасшедшего .
Другой подход рассматривает искусство как череду открытий или нововведений в изображении реальности. При таком почти научном подходе к оценке искусства мы возвышаем художников, создавших новые техники, так же, как мы ценим исследователей и изобретателей из истории («Кто открыл Америку?», «Кто построил первую паровую машину?»).С этой точки зрения Леонардо да Винчи имеет решающее значение, потому что он был одним из первых последователей sfumato , художественной техники для изображения форм без использования контуров.
Точно так же картина Поля Сезанна Mont Sainte-Victoire является оригинальной, поскольку является одной из первых работ, подчеркивающих плоскую поверхность холста. В своем изображении горы, видимой из Ле-Лов, его владения недалеко от Экс-ан-Прованса, Сезанн использует блоки краски для обозначения кустов, хотя при ближайшем рассмотрении они представляют собой одинаково окрашенные метки, образующие абстрактный узор.
(Это наиболее очевидно, если верхняя половина картины закрыта.) Нам представляется не иллюзия трехмерного пространства, а признание того, что это двухмерное произведение.
Подход Сезанна настолько знаком искушенным энтузиастам, что почти неловко говорить, что его техника мало что объясняет для нас в ценности произведения. Ценность изобретения можно оценить внешне только с точки зрения реальной пользы, которую оно приносит. Технические обсуждения раскрывают только изменения в методах проектирования или производства.Новые пути не хороши сами по себе; они хороши только в том случае, если у нас есть основания полагать, что они лучше старых. Следовательно, технический взгляд на искусство имеет скрытую предпосылку: он предполагает, что рассматриваемые произведения полезны для нас. Он не объясняет, почему это должно быть так, но, как и исторический подход, принимает это как должное. Технические достижения ценны постольку, поскольку они привносят в искусство новые или улучшенные терапевтические ресурсы.
Если согласиться с Гегелем в том, что искусство есть чувственное представление идеи (или идеала), то остается объяснить, почему такое представление ценно.Какова природа наших забот или стремлений, чтобы искусство было чем-то, что нам нужно?
Терапевтический тезис — это не просто еще одна идея о ценности искусства. Он касается единственной области, в которой можно объяснить такую ценность: способности искусства улучшать нашу жизнь. Арт может быть:
Коррекция плохой памяти : Искусство делает плоды опыта незабываемыми и возобновляемыми. Это механизм, позволяющий поддерживать наши лучшие идеи в хорошем состоянии и делать их общедоступными.
Податель надежды : Искусство держит в поле зрения приятные и утешительные вещи, укрепляя нас против отчаяния.
Источник достойной печали : Искусство напоминает нам о законном месте печали в хорошей жизни, чтобы мы осознали наши трудности как элемент любого благородного существования.
Уравновешивающее средство : Искусство с необычайной ясностью кодирует сущность наших хороших качеств; он держит их перед нами, чтобы помочь сбалансировать нашу природу и направить нас к нашим лучшим возможностям.
Путеводитель по самопознанию : Искусство может помочь нам понять, что является главным в жизни, но трудно выразить словами. Визуальное искусство помогает нам узнавать себя.
Путеводитель по расширению опыта : Искусство представляет собой чрезвычайно сложное накопление опыта, представленное нам в хорошо организованных формах. Мы можем слышать голоса других культур, расширяя наши представления о себе и мире. Поначалу многие виды искусства кажутся просто «другими», но мы обнаруживаем, что они содержат идеи, которые мы можем сделать своими собственными, обогащающими нас способами.
Инструмент ресенсибилизации : Искусство спасает нас от привычного пренебрежения всем, что нас окружает. Мы восстанавливаем нашу чувствительность и смотрим на знакомое по-новому.
Нам напоминают, что новизна и гламур — не единственные решения. Рассмотрим, например, Тишбейна Гете у окна своей римской квартиры . Мы видим великого человека сзади: туфелька небрежно падает с его ноги, когда он высовывается, и тусклая прохлада комнаты и яркое солнце улицы составляют мощный контраст.Кто-то может увидеть в этой работе попытку сохранить уроки, полученные на отдыхе. Вдали от дома и работы, на теплом юге Гёте стал (как и большинство путешественников) немного другой — и в некотором смысле лучшей — версией самого себя. Рисунок пытается увековечить хорошую версию себя и сделать ее более заметной и доступной, когда человек возвращается в знакомое окружение. Дело не столько в том, чтобы вспомнить, что Рим был интересен, сколько в том, чтобы зафиксировать, кем человек там стал.Гете с трудом переносил итальянскую погоду в Веймар; что он мог делать, так это держаться за понимание своей природы и потребностей, которое он приобрел во время отсутствия.
Поэтому жаль, что подобные изображения чаще встречаются на стенах пансиона в Трастевере, чем на станции метро в мегаполисе, где его медитативные качества нужнее.
© 2012. PHOTO SCALA, ФЛОРЕНЦИЯ / BPK, BILDAGENTUR FUER KUNST, KULTUR UND GESCHICHTE, БЕРЛИН: 137
Тишбейн изображает Гёте в его римской квартире.
В серии Скалистый риф на берегу моря Каспар Давид Фридрих использует поразительную зубчатую скалу, свободный участок побережья, яркий горизонт, далекие облака и бледное небо, чтобы создать настроение. Мы можем представить себе прогулку в предрассветные часы после бессонной ночи по унылому мысу, вдали от людей, наедине с основными силами природы. Нижняя часть неба бесформенна и пуста, чистое серебристое ничто, но над ней облака, которые ловят свет своей нижней стороной и проходят своим бессмысленным, преходящим образом, безразличные к нашим заботам.
Образ природы не имеет прямого отношения к человеческим отношениям или к стрессам и невзгодам повседневной жизни.
Его функция состоит в том, чтобы дать нам доступ к состоянию ума, в котором мы остро осознаем необъятность времени и пространства. Работа скорее мрачная, чем грустная; спокойный, но не отчаивающийся. И в этом состоянии ума — в этом состоянии души, говоря более романтично, — мы обнаруживаем, что, как это часто бывает с произведениями искусства, мы лучше подготовлены к тому, чтобы справляться с нашими сильными, непреодолимыми и особыми горестями.
ИЗОБРАЖЕНИЕ ПРЕДОСТАВЛЕНО STAATLICHE KUNSTHALLE, КАРЛСРУЭ
Фридрих Скалистый риф на берегу моря напоминает о необъятности времени и пространства.
Идея о том, что ценность искусства следует понимать в терапевтических терминах, не нова. На самом деле это наиболее устойчивый способ мышления об искусстве, уходящий своими корнями в философские размышления Аристотеля о поэзии и драме. В «Поэтике » Аристотель утверждал, что трагическая драма может возвысить наши переживания страха и жалости — двух эмоций, которые помогают формировать наш жизненный опыт.
В широком смысле это означает, что задача искусства состоит в том, чтобы помочь нам процветать, быть «добродетельными» в особом аристотелевском смысле этого слова, то есть хорошо жить даже в трудных обстоятельствах.
В последние десятилетия такое понимание искусства было в подвешенном состоянии, но я считаю, что это единственный правдоподобный способ осмысления ценности искусства. Другие подходы, как мы видели, должны молчаливо предполагать это, даже когда они это отрицают. Рассматривать искусство с терапевтической точки зрения — значит не отказываться от глубины, а принимать ее и возвращать искусству центральное место в современной культуре и современной жизни.
Джон Армстронг — философ и старший советник вице-канцлера Мельбурнского университета; вместе с Аленом де Боттоном он является соавтором книги Art as Therapy , опубликованной издательством Phaidon в октябре.
City Journal — это публикация Манхэттенского института политических исследований (MI), ведущего аналитического центра свободного рынка.